ALBERTO DURERO: A GERMAN RENAISSANCE PAINTER

When I read the newspaper this morning, two important birthdays  appeared into my eyes: the birth a day like today  in 1527 of Philip II, under whose historic reign Spain became a great empire, and Albrecht Dürer in Nuremberg , 1471, city ​​where his father, a goldsmith originally from Hungary had emigrated.

As art is mine, I will talk about  the latter, which exerted a powerful impression on me in a sample that was in 2005 about the works that he guards the Albertina in Vienna, and traveled in an exceptional way to the Prado Museum .

What prodigious representing hands, difficult subject to capture with this perfection!

 

We said that his father had come to the capital of Franconia, attracted by the prosperity enjoyed by the city. And he was right, the result of its decision, the family enjoyed a certain level social rank, above the craftsmen, which allowed very young Dürer interact with circles of intellectuals and humanists, of which emerged later some of its major customers.

His artistic training as a goldsmith increased development of his extraordinary faculties for observation and thoroughness. His drawing skills soon inclined him towards painting.

The image representation has always been among their concerns.

 

After traveling in Colmar, Basel and Strasbourg, where he acquired knowledge of the technique of engraving, returns to his hometown to marry Agnes Frey, union agreed by the family to ensure economic stability.

 

No other artist was able to recreate nature in a way as truthful as he.

In the fall of that same year made his first trip to Venice, with the intention of meeting the new language of Italian Renaissance, thereafter, decisively influenced his art, by the memory of the ancient classical learning of Pollaiuolo and Mantegna treatment of the nude.

 

Plasma her beauty humanist ideal. The man at the center of creation.

His return to Nuremberg provided with the baggage of experiences opened doors notoriously scholarly circles and facilitated numerous commissions. Thus contributed greatly to the cultural renewal of Germany under humanistic precepts.

His paintings of animals endowed with an extraordinary degree of visual richness and nuances. They say in the rabbit eye is reflected his face.

And there he continued his work as a painter and engraver, and this facet mainly his fame crossed borders. During his second Venetian voyage his fame had preceded him, and was received with honors including by Giovanni Bellini.

 

Prodigy language development woodcut and engraving burin practice of incredible technical mastery.

On his return Maximilian I appointed him court painter, so that as of 1512 her work mainly headed to exalt the imperial power until the monarch’s life is suddenly cut short in 1519, and with it financial rewards that guaranteed the monarch. He travelled with his wife to the Netherlands to ask  Carlos V the continuity in this remuneration.

Dürer prepares his papers, the colors to create the wealth needed to be to have a painting, and plasma traits portrayed.

But unfortunately malaria had seized him. and he said with all virulence on his return to his country.

Although he continued his work as a painter and engraver, during his later years he devoted himself especially to the development of theoretical texts, showing special concern for the study of geometry, perspective and proportions of the human body.

Dürer died in 1528. Behind him he left a key to explain the shift from the medieval mind to the modern age. His role was crucial in the history of the painting, which today could not understand whether contributions like hims.

 

I hope you have enjoyed!

ALBERTO DURERO: UN ALEMÁN DEL RENACIMIENTO

Cuando he leído la prensa esta mañana dos natalicios importantes han aparecido ante mis ojos: el nacimiento un día como hoy de 1527 de Felipe II, bajo cuyo histórico reinado España se convirtió en un gran Imperio, y el de Alberto Durero en Nüremberg en 1471, ciudad a la que su padre, orfebre originario de Hungría había emigrado.

Como lo mío es el arte, hablaré de este último, que ejerció un poderoso hechizo sobre mí en una muestra que hubo en 2005 acerca de las obras que de él custodia la Albertina de Viena, y que viajaron de un modo excepcional al Museo del Prado.

¡ Qué prodigiosa representación de unas manos, tema tan difícil de captar con esta perfección!

 

Decíamos que su padre había llegado a la capital de Franconia, atraído por la prosperidad de que gozaba la ciudad. Y no se equivocó; fruto de su decisión la  familia disfrutó de un rango social de cierto nivel, por encima del de los artesanos, lo que permitió a Durero relacionarse desde muy joven con los círculos de intelectuales y humanistas, de los que surgieron más tarde algunos de sus principales clientes.

Su formación artística como orfebre incrementó el desarrollo de sus extraordinarias facultades para la observación y la minuciosidad. Sus aptitudes para el dibujo le inclinaron muy pronto hacia la pintura.

La representación de la imagen siempre estuvo entre sus preocupaciones.

 

Tras viajar por Colmar, Basilea y Estrasburgo, donde adquirió conocimientos de la técnica del buril, regresa a su ciudad natal para contraer matrimonio con Agnes Frey, unión acordada por su familia para garantizar la estabilidad económica.

Ningún otro artista fué capaz de recrear la naturaleza de un modo tan veraz como él.

En otoño de ese mismo año emprendió su primer viaje a Venecia, con la intención de conocer el nuevo lenguaje del Renacimiento italiano que, a partir de entonces, influyó decisivamente en su arte, junto al recuerdo de la Antigüedad clásica; aprendiendo de  Pollaiuolo y Mantegna  el tratamiento del desnudo.

Plasma su ideal humanista de belleza. El hombre como centro de la creación.

Su vuelta a Nüremberg provisto de ese bagaje de experiencias le abrió notoriamente las puertas de los círculos eruditos y le facilitó numerosos encargos. Contribuyó de este modo poderosamente a la renovación cultural de Alemania bajo preceptos humanísticos.

Sus pinturas de animales dotadas de un extraordinario grado de riqueza visual y de matices. Dicen que en el ojo de la liebre está reflejado su rostro.

Y allí continuó su trabajo de pintor y grabador, y por esta última faceta fundamentalmente su fama traspasó fronteras. Durante su segundo viaje veneciano su fama le había precedido, y fué recibido con honores entre otros por Giovanni Bellini.

Prodigio de desarrollo del lenguaje del grabado en madera y una práctica del grabado a buril de increíble dominio técnico.

A su regreso Maximiliano I le nombra pintor de Corte, por lo que a partir de 1512 su trabajo se encaminó fundamentalmente a exaltar el poder imperial, hasta que la vida del monarca se ve súbitamente truncada en 1519, y con ella la remuneración económica que le garantizaba el monarca. Viaja con su esposa a los Países Bajos a pedirle al nuevo, Carlos V la continuidad en esa remuneración.

Durero prepara sus papeles, los colorea para crear esa riqueza necesaria que ha de tener una pintura, y plasma los rasgos del retratado.

Pero lamentablemente la malaria había hecho presa en él. y se le manifestó con toda virulencia a su vuelta a su país.

Aunque continuó con su actividad como pintor y grabador, durante sus últimos años se dedicó especialmente a la elaboración de textos teóricos, mostrando una especial preocupación por el estudio de la geometría, la perspectiva y las proporciones del cuerpo humano.

Durero murió en 1528. Tras de sí dejó una obra fundamental para explicar el paso de la mentalidad medieval a la Edad Moderna. Su papel fué trascendental en la historia de la pintura, que hoy no se podría comprender si aportaciones como la suya.

¡ Espero que os haya resultado interesante!

 

UNA TARDE INOLVIDABLE: DEL SANTUARIO DE LEMONIEZ AL PALACIO DE ANGLONA CON BAZAR ME LO PIDO

El pasado jueves disfrutamos de una tarde a todas luces inolvidable. Ya conocéis la iniciativa de Bazar Me Lo Pido, sección imprescindible de La Luna de Metrópoli, para ir a la última en tendencias y conocer los mejores comercios españoles. Esos comercios que conforman la conocida Marca España, así con mayúsculas, y configuran el paisaje urbano de nuestros pueblos y ciudades, tapizándolos con sus alegres, coloridos y en ocasiones sofisticados escaparates.

Novias Cira, en Sevilla. Anotada desde hace tiempo a estos premios.¡ Diseños magníficos!

La tienda de Almudena, Madrid. El buen gusto brilla en su escaparate.

Apología al buen gusto en las tiendas Tim de Kir

Ana Zuazo, la Directora de la Sección, es una mujer increíble. De talante vital y creativo, un día decidió que los momentos complicados, como la crisis que sacude la realidad de nuestro país,y que tiñe de pesimismo diarios, prensa escrita y digital, son momentos de catarsis para generar optimismo y nuevas decisiones. Llevada por la pasión, que es otra de sus cualidades, decidió que había que reinventar la ilusión, y “ponerle patas”. De ahí la convocatoria de los Premios a las mejores tiendas. Previamente os he mostrado tres que ya están anotadas. Dejadme mostraros otra. Las cuatro son debilidades mías, pero hay muchísimas más

Vintage By López Linares. Un templo al buen gusto y la sofisticación del Barrio de Salamanca.

En el capítulo del jurado ha sabido Ana rodearse de un equipo diez. Hablaré de dos de las personas que más impresionada me tienen.

Alejandra es la imagen de Tic Tac NewsBlog, una de las webs de restaurantes más importante, presente en varias ciudades españolas. Mujer tenaz e infatigable, y dotada de una maravillosa personalidad, lleva con mano maestra las riendas de las redes sociales de varios de ellos.

Por cortesía de las dos estuvimos un grupo estupendo de blogueras, en el “Santuario” del diseñador Fernando Lemoniez, el otro miembro que conozco del jurado,  en la Calle Argensola. Nos iba a explicar los principios que rigen su peculiar y personal filosofía a la hora de crear sus “obras de arte”

Fernando es un hombre próximo, para nada encasillado en el papel de “divo” a la que nos tienen acostumbrados los artistas. De sólida y polivalente formación, en seguida nos cautivó a todas.

Nos comentó que para él la moda tiene que ser duradera, un modelo ha de permanecer mucho tiempo en el armario de una mujer, rechazando el término efímero.

Para él es la mujer la que crea la tendencia, inspirándose para sus colecciones en diferentes temáticas: la de este año han sido las musas que inspiraron a los artistas de principios del siglo XX, tales como Dora Maar, o Gala.

Cuatro le parecen los “Maestros” del Arte del diseño: Cocó Chanel, Yves Saint Laurent, Balenciaga y Madeleine Vionnet.

Modelo revolucionario de Cocó Chanel

Figurines procedentes de la muestra de Yves Saint Laurent de la Fundación Mapfre

la sofisticada elegancia de Balenciaga

el delicado glamour de Madeleine Vionnet

El diseño siempre comienza por el tejido, es él el que manda. Regla primordial: “escuchar” el tejido, es el que va a dictar el diseño adecuado para él, con arreglo al movimiento que generará después en la prenda.

Está en desacuerdo con los criterios que llevan actualmente a decidir dedicarse a esta profesión por figurar de modo efímero en las fiestas, y recalca el papel del artesano. Tras una buena pieza está no sólo el papel de un buen diseñador, sino el trabajo coral de modistas, sastres, planchadoras…y reivindica la existencia de un prototipo.

¿Sabéis que imparte talleres los viernes para enseñar a coser y a realizar modelos básicos?

Uno de los modelos de su colección de primavera. La versatilidad y el buen hacer en la pasarela.

De ese mágico lugar salimos transportadas hacia nuestro segundo punto de destino: el Palacio de Anglona.

La “regia” entrada al Palacio

El lugar está cuidado hasta el más mínimo detalle. Un diseño rompedor y vanguardista, dentro de un espacio cuidado y mimado al detalle, donde degustamos una cena digna de las princesas que nos sentíamos en ese momento, mágico, impregnado de un magnífico ambiente y de la franca camaradería que surgió entre nosotras, como si formáramos parte de una hermandad.

Ensaladilla rusa con salmón y mújol y salmorejo cordobés. No tengo palabras para describirlo

Mini tortillas de patata con cebolla caramelizada y aceite de trufa. Os doy mi palabra; nunca había probado cosa igual.

Tras ello vinieron unas tostas de carpaccio de pulpo, aroma gallego con un toque sofisticado.

Este fué el remate:

Degustación de hamburguesas: Carne de vacuno con queso cheddar fundido, speck, lechuga y tomate; Hamburguesa de rabo de toro con queso provolone fundido, rúcula y mahonesa especial.

El dulce vino en forma de tarta de chocolate cubierta de chocolate fundido…¡Encima ninguna de estas delicias supera los 15 euros!

Nos despedimos encantadas. Para mí fué un auténtico placer conoceros a todas. Un diez a Bazar me lo Pido, A Ana Zuazo, a Alejandra, a Fernando Lemoniez, a Sole, ¡La magia existe!

CITAS CULTURALES MAYO

Buenas tardes a todos.

Os dejo las dos próximas citas con el arte y la cultura del mes de mayo, deseando que las recorráis de mi mano.

Enviadme un e-mail si estáis interesados: artealinstante@hotmail.es

 

¡Os espero!

UN PASEO POR EL MISTICISMO EVOCADOR DE LAS NATURALEZAS DE CASPAR DAVID FRIEDRICH

Entre las efemérides de todos los colores y sabores que salpican el panorama del día una lo adorna como pocas en el plano artístico: El aniversario del fallecimiento en la localidad alemana de Dresde un día como hoy de 1840 de Caspar David Friedrich, adalid del romanticismo alemán en pintura, junto a su coetáneo Philipp Otto Runge.

Pintura de Runge, el otro romántico alemán.

No es ningún secreto que una de mis épocas históricas predilectas es el siglo XIX, repleto de convulsiones sociales y políticas, y jalonado por personalidades en el ámbito de la cultura que hacen de esta centuria una de las etapas más fascinantes  de conocer, al menos para mí.

Las Afinidades Electivas

Justo es reconocer que el Romanticismo tiene su germen y nacimiento en Alemania, aunque Gran Bretaña le siga de cerca. Personajes de la talla de Goethe, cuyas Afinidades electivas dejaron tan viva impronta en mí el pasado año, o el grandísimo Wagner,con su Epopeya del Anillo del Nibelungo, al que conozco muy bien por la confesa predilección que por él siente mi padre desde mi infancia, son ilustres hijos del pueblo germano.

Epica imagen del Anillo del Nibelungo, del gran Wagner

En ese caldo de cultivo nace el protagonista de esta semblanza, Caspar David Friedrich. Mi primera impresión sobre él la tuve en una muestra organizada hace  varios años en el Museo del Prado, en 1992,  y ya ejerció un poderoso hechizo sobre mí.

Caspar David Friedrich era el sexto de los nueve hijos de Adolf Gottlieb Friedrich, un fabricante de velas y jabones de Greifswald y su esposa Sophie Dorothea Friedrich, de soltera Bechly. Greifswald pertenecía entonces a la corona sueca.

Los sucesivos fallecimientos que tuvieron lugar en su familia, entre ellos el de su madre y su hermano Johann Christoffer, fallecido trágicamente en la nieve al  salvarlo a él mismo dejaron una vivísima impronta en su memoria, hasta el punto que la muerte se convertirá en leit motif de su paleta.

De la Escuela de Dibujo de su Greifswald natal, en la que pintó varios paisajes de su lugar de nacimiento  pasó a una Escuela de Copenhague, donde realizó vaciados de modelos en yeso, formándose esencialmente como dibujante.

¡Que sutileza y poesía en este dibujo de árboles!

Acaba por trasladarse a Dresde, cuna de todo el movimiento pictórico alemán, y en esa localidad siguió viviendo hasta su muerte. Allí frecuentó los círculos filosóficos y literarios, convirtiéndose en un filósofo más.

Tras un intento de suicidio le sobreviene su primer éxito, que data de 1805 cuando obtuvo un premio compartido en un concurso artístico organizado por Goethe en Weimar, gracias a dos paisajes dibujados en tinta sepia.

Sus convicciones defendían la libertad de opinión y una mayor participación de la clase media en las decisiones políticas. El avance de Napoleón propició la creación de la Confederación del Rihn. La postura del pintor fué claramente anti-francesa.

¿No se asemejan las ramas de los árboles a dedos misteriosos, que parecen atraparnos hacia dentro, como tentáculos mágicos?

En 1808 pintó su primera gran pintura al óleo: La cruz en la montaña  El cuadro era poco habitual y desató una fuerte polémica. No obstante, en este cuadro se basa gran parte de la fama de Friedrich y su éxito financiero, abriendo el camino a la pintura romántica en Alemania. Se trata de una de las primeras obras en las que imprime ya su concepción del «paisaje sublime», una nueva modalidad que será muy imitada. «Otorgó a lo familiar la dignidad de lo desconocido», dijo el poeta Heinrich Von Kleist  de Friedrich.

El impactante oleo, todo un universo evocador de sensaciones. El hombre inerme ante la naturaleza.

En esa época es cuando realiza varios viajes por el Báltico. La naturaleza agreste, salvaje, la fuerza y rotundidad de los glaciares se quedaron impresas en su mente. He aquí una de las obras del autor que más me sobrecogen.

El mar glaciar.

Caspar David Friedrich contrae matrimonio a los  44 años  con la joven Christiane Caroline Bommer, de 25 años. Tuvieron dos hijas y un hijo. De esa época, una de las más felices en la vida del pintor pinta Los acantilados blancos de Rugen

Los personajes, siempre de espaldas, nos introducen en la naturaleza, siempre misteriosa.

El caminante sobre el mar de niebla. Parece pensativo, dubitativo acerca de si adentrarse en esta espesa niebla, mágica, que le atrae tanto como le asusta.

Pero la situación política comenzó a tomar una deriva que no le gustaba en absoluto. Comenzó la censura, y medidas represivas que culminaron con la muerte de algunos de sus amigos intelectuales, lo cual fué minando su salud psíquica.

El mar y la noche, dos elementos insondables.

La depresión se agudiza por motivo del asesinato en 1820 de su amigo el pintor Gerhard von Kügelgen. Se traslada a las afueras de Dresde a una casa desde donde contempla melancólico el paso de las embarcaciones. Entonces recibe la visita del príncipe ruso Nicolás de Rusia, que adquirirá gran número de obras. Esto será su postrero soplo de aire fresco.

A su juicio, el arte debía mediar entre las dos obras de Dios, los humanos y la Naturaleza. Con este punto de vista se acerca a las bellezas naturales, en cuya representación procesó tendencias y sentimientos. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino de un sentimiento metafísico, inaprensible. El primer plano y el fondo, separados a menudo por un abismo, se relacionan entre sí.

Las ruinas del cementerio. La muerte, otro motivo recurrente.

El espíritu que domina la obra de Friedrich es radicalmente romántico: abundan las escenas a la luz de la luna, espacios gélidos (mar de hielo, campos helados), las noches, paisajes montañosos y agrestes. Cuando incluye elementos humanos, suelen ser de carácter sombrío, como cementerios o ruinas góticas. Una y otra vez aparecen elementos religiosos, como crucifijos o iglesias.

Otra de sus características cruces en medio del camino. Esta vez con Iglesia de fondo.

Según él  la auténtica humanización, se encuentra en la Naturaleza, de esta manera logra una metáfora visual de la disolución del individuo en el “todo”

Megalitos, creaciones ancestrales del pasado.

A mí simplemente me fascina toda su trayectoria, la obra de un hombre profundo, que supo lograr una simbiosis casi perfecta con la naturaleza, ejerciendo un enorme poder sugestivo e hipnótico en el espectador.

ELMYR DE HORY. CUANDO LA FALSIFICACIÓN ES UN ARTE

Estos días se están exhibiendo en el Circulo de Bellas Artes de Madrid una serie de obras de Matisse, Modigliani, Monet…salidas de las manos, de los pinceles de uno de los personajes más apasionantes y controvertidos del pasado siglo, a saber: el húngaro Elmyr de Hory. Pongámosle cara al personaje:

Elmyr solazándose en una de las innumerables fiestas a las que asistió.

Elmyr nació en Budapest en 1906, de padres aristócratas judíos. Marchó pronto a la entonces meca del arte, París, donde ya se encontraban Derain, Matisse y un joven Picasso, decidido a ser pintor.

Al llegar la segunda guerra mundial, y sabido su orígen judío fué devuelto a su Budapest natal. Allí durante un interrogatorio la Gestapo le rompió  una pierna, por lo que le ingresan en un Hospital.  ¿Paradoja del destino? un buen día se dejan la puerta abierta, lo que aprovecha para salir de allí de puntillas.  El resto de la guerra malvive en su ciudad natal en la indigencia, y al finalizar la misma regresará a París, donde la fortuna económica dista mucho de sonreírle.

 

¿Cómo fué posible que amasara la fortuna que después le acompaño?  Os contaré: un buen día una amiga suya confundió una de sus creaciones con un auténtico Picasso y se lo compró. Entró, pues, en el mundo del hampa gracias a nuestro malagueño más universal. Y también a su costa las puertas de las mejores galerías europeas se rindieron a sus pies, adquiriendo otros cuantos falsos “Picassos” salidos de su puño y pincel.

Elmyr a lo Picasso

Posteriormente se trasladó a la isla de Ibiza. Allí falsificador e isla se hicieron ojitos mutuos, decidiéndose el húngaro a establecerse en este paraíso de modo permanente. Durante dieciséis años continuó realizando sus obras y donde entabló amistad con muchos ibicencos y residentes extranjeros.

Elmyr/ Modigliani

En ese momento se asocia con Legros y Lessard, que le abren los mercados internacionales. Fruto de esa simbiosis aparece en escena el magnate y filántropo estadounidense Algur Hurtle Meadows, que realiza en los años 50 un viaje a España. Meadows se enamora de la cultura y el arte de nuestro país, y, decide atesorar cuantas más obras mejor. Comenzando por Carreño de Miranda, no hubo pintor por quien no se sintiera fascinado. La ocasión la pintaban calva, y es entonces cuando Elmyr y secuaces aprovechan para su golpe maestro.

En el estudio creando un Matisse

De las mil obras que habían vendido casi la mitad habían ido a parar a las arcas del magnate, que ya había proyectado la creación del Meadows Museum de Dallas.

Mas no se sabe bien porqué el magnate que no tenía un pelo de tonto decide investigar. Tras pedir el asesoramiento de cinco expertos, se descubrió que 44 cuadros no eran originales.  El asunto constituyó un mazazo para el falsificador, que, para más inri, recibía sólo unos cientos de dólares al mes. Lessard explicó posteriormente que “Teníamos que mantenerle pobre, para que siguiera a nuestras órdenes”.

Elmyr/Monet

Descubiertas las falsificaciones, el Tribunal de vagos y maleantes le abrió una investigación, y fue condenado a dos meses de cárcel por homosexualidad, convivencia con delincuentes y “carecer de medios demostrables de subsistencia”

Se suicidó en la isla de Ibiza el 11 de diciembre de 1976, poco después de recibir la noticia de que iba a ser extraditado para ser juzgado por falsificación y después de despedirse de algunos de sus amigos más íntimos de la isla.

Y probablemente esta apasionante historia, digna a mi parecer de una buena película, hubiera pasado al olvido, sin pena ni gloria, de no ser por la biografía que de él escribió Clifford Irving,  fuente en tela de juicio por la falsa que escribió sobre Howard Hughes, y  el documental PROYECTO FAKE de Orson Welles, que habla sobre mentiras, trampas y fraudes en el mundo del arte. Ahí se trasluce la enorme burla que Elmyr hizo a los críticos, por no saber darse cuenta de lo que tenían delante.

El Circulo de Bellas Artes nos brinda una excepcional oportunidad para disfrutar de una significativa cantidad de las obras que pintó. Hay óleos, acuarelas, litografías…

Para el autor lo realmente fraudulento eran las leyes del mercado, no el concepto de falsificación.

Lo dejo esto último a vuestra consideración.  Espero que os haya gustado!

UN PASEO POR EL TEMPLO DE LA SABIDURÍA. SEGUNDA PARTE.

Ayer hicimos un recorrido por el nacimiento de las distintas escrituras que conforman la Babel de los distintos lenguajes a través de los cuales el hombre se comunica.

Continuemos hoy desde la Sala 4 del Museo, a la que ayer no accedimos, entretenidos en desgranar esa realidad tan poliédrica y compleja de escrituras y soportes.

Sala 4. Sala de las Musas

•En esta Sala se exponen obras originales, auténticas joyas del Museo que, al ser las más importantes se cambiarán periódicamente con el objeto de que el visitante tenga una idea aproximada de la variedad de la Obra escrita que custodia el Museo.

•Las musas, según la mitología griega son las ninfas inspiradoras de la música y la poesía.

•El número de musas también varía en las distintas fuentes, pero Homero en la Odisea, dice que son nueve. Sus nombres, transcritos a continuación, tienen el significado etimológico que los acompaña entre paréntesis.

•Las nueve musas son:

•Calíope (la del bello rostro), musa inspiradora de la poesía épica; Clío (la que celebra), musa de la historia; Erato (amorosa), musa de la poesía amorosa; Euterpé (deleite), musa de la música; Melpómene (cantar), musa de la tragedia; Polimnia (muchos himnos), musa de la poesía sacra y la geometría; Talía (florecer), musa de la comedia; Terpsícore (deleite de la danza), musa de la danza, y Urania (celestial), musa de la astronomía y la astrología.

•El poder que se les atribuía era inspirar a los artistas en la creación de su obra..Están relacionadas con Apolo, dios de la música.

•La Biblioteca de Alejandría y su círculo de investigadores se formó en torno a un Museo o altar de las musas cercano a la tumba de Alejandro Magno.

 

   He aquí una alegre y danzante imagen de las mismas.

   Y aquí una imagen más seria.

Sala 5.La Memoria del Saber

•En esta sala nos acercamos a la palabra escrita, el libro y las bibliotecas como depositarios y vehículos del saber. Se analiza la historia del conocimiento y su difusión a través de reproducciones facsimilares y objetos artísticos que pertenecen a la Biblioteca Nacional. Todos ellos con la escritura correspondiente a cada una de estas lejanas épocas: visigoda, carolina, gótica o humanística.

   Escritura visigoda

   Escritura carolina

   Escritura gótica

   Escritura humanística.

•El punto de inflexión, que estructura su contenido en dos grandes bloques, se sitúa a mediados del siglo XV con la generalización y diversificación que supuso la invención de la imprenta.

La Biblioteca de Alejandría, la de Pérgamo, la biblioteca Ulpia, las deslumbrantes bibliotecas bizantinas, la biblioteca del emperador Carlomagno, la cordobesa de Al- Hakam II, las primeras bibliotecas eclesiásticas y monásticas, la famosa Escuela de Traductores de Toledo del rey Alfonso X el Sabio o las bibliotecas nobiliarias de finales del siglo XV…en todos esos lugares estuvo depositada durante años la memoria del hombre gracias a lo cual podemos entender nuestro pasado.

 

   Biblioteca de Alejandría

   Ruinas de la Biblioteca de Pérgamo

   Recreación interior de la Escuela de Traductores de Toledo.

•Los manuscritos que contenían estas bibliotecas eran copiados a mano y fueron escritos para una élite  sin que el pueblo, que aun no había aprendido a leer, tuviera acceso a ellos.

•Este laborioso proceso se realizaba en Monasterios y Abadías, en los llamados Scriptoria, talleres especializados en la confección de libros realizados, casi siempre por los propios monjes.

•Las influencias que reciben estos copistas e ilustradores son numerosas: desde la antigua tradición cristiana hasta la musulmana, pasando por elementos procedentes del mundo carolingio e incluso irlandés.

   Monje en su scriptorium.

•Cristianos, Judíos y Musulmanes

•Cristianos, musulmanes y judíos convivieron durante los siglos medievales en los reinos peninsulares. La comunicación y el intercambio de influencias entre estas tres comunidades tuvo una amplia repercusión en la cultura europea.

•En este sentido fueron primordiales la consolidación de las Universidades y de la Escuela de Traductores de Toledo, y la actividad cultural del rey Alfonso X. Este llevó a cabo una renovación muy importante en la historia del libro español, tanto en contenido como en cuestiones relacionadas con los sistemas de escritura.

•Una de las personalidades que ilustra mejor la situación medieval peninsular fue Mose ben Maimón (Maimónides) el sefardí, un judío cordobés (1135-1204) entre cuyas obras destaca la Guía de Perplejos, escrita en plena madurez intelectual (1190) y en la que se condensa todo su pensamiento religioso y científico.

   Maimónides.

Referencias clave en la Memoria del Saber

•CÓDICE DE METZ: El Códice de Metz es un calendario astronómico, un manual de cómputo y un tratado de astronomía. La normalización del calendario que propone este códice permite fijar con exactitud las festividades litúrgicas y tuvo una gran trascendencia, no sólo religiosa, sino también civil y política. Data del siglo IX.

   Hoja del códice

•BEATOS: Se denominan Beatos a los distintos códices manuscritos, copias de aquel Comentario al Libro del Apocalípsis de San Juan que en el año 776 realizara Beato de Liébana,  abad del Monasterio de Santo Toribio, en el valle de Liébana (Cantabria).

   Hoja del Beato de Liébana

•CANTAR DEL MIO CID: El Cantar de mío Cid es un cantar de gesta anónimo que relata hazañas heroicas inspiradas libremente en los últimos años de la vida del caballero castellano Rodrigo Díaz de Vivar. Se trata de la primera obra narrativa extensa de la literatura española en una lengua romance.

 

   Página del Cantar del Mío Cid.

•LIBROS DE HORAS:

•Un Libro de horas (también denominado Horarium; Livre d’heures [livr 'dœr]) es uno de los más comunes manuscritos iluminados de la Edad Media. Cada libro de horas es único, debido a que es un manuscrito elaborado en exclusiva para una persona en concreto (generalmente de la nobleza), este tipo de documento suele contener textos de rezos, salmos, así como abundantes iluminaciones, todo ello haciendo siempre referencia a la devoción cristiana.

   Un bello ejemplar.

LA APARICIÓN DE LA IMPRENTA

      Aunque encontramos antecedentes en la China del siglo XI d. C, será en la década de 1450 cuando nazca la Imprenta en la ciudad alemana de Maguncia, de mano del grabador Johannes Gutenberg (1398-1468). Su nacimiento tuvo mucho que ver con los significativos avances que se produjeron en la reproducción de materiales escritos y que significaron un importante ahorro de esfuerzo, tiempo y costes.

      Pero sobre todo el nacimiento de la imprenta fue el resultado del desarrollo social y económico de la sociedad del momento, que exigía un mayor acceso al conocimiento. Por primera vez, desde la invención de la escritura, era posible elaborar libros rápidamente y en grandes cantidades.

      Los Scriptoria habían quedado atrás, y la imprenta iba a cambiar el mundo.

   He aquí el invento.

Los Incunables

•A mediados del siglo XVII aparece por primera vez el término Incunable- del latín incunabula, que significa “en la cuna” – para referirse a los libros impresos en el siglo XV, fecha que se extiende a 1550 para los impresos en el continente americano.

•Aunque con diferencias técnicas notables, los incunables imitaron las características formales de sus predecesores, los manuscritos. No sólo adoptaron su forma, sino que también remedaron su estética.

•Así ilustradores y miniaturistas rellenaban los huecos dejados en blanco para las iniciales y orlas. El resto de las ilustraciones se hacían por estampación de grabados de madera o litografías.

•Utilizaron letra gótica, como en los códices, y carecieron de portadas. La diferencia estuvo en el uso del papel, y en la producción de múltiples ejemplares a partir de un mismo molde.

 

  Un Incunable abierto.

La generalización del Saber

•La rápida difusión de la imprenta cambió la forma de vivir y de pensar de los pueblos, favoreciendo la propagación de la cultura escrita e impulsando la alfabetización. Sólo 50 años después del nacimiento de la Imprenta, hacia 1.500, había en Europa diez millones de libros impresos.

•La imprenta contribuyó a sentar las bases de la enseñanza y al desarrollo de la investigación científica. Posibilitó la libre circulación de ideas científicas y políticas, con la publicación de obras hasta entonces prohibidas.

•Sobre todo a partir del siglo XIX la imprenta permitió la generalización de los medios de comunicación escrita de masas y favoreció, además la normalización de las lenguas nacionales.

•En síntesis, el acercamiento a la cultura y la educación por parte de la sociedad se hizo sobre todo a partir de tres significativos medios: la enseñanza, la literatura, y por último la prensa escrita.

 

   Biblia Políglota Complutense

   Página del Catecismo de Fray Pedro de Gante. Vital para la evangelización del Nuevo Mundo.

La Literatura y la Prensa

•La Literatura y la Prensa abren nuevas perspectivas para entender la realidad, juzgarla y opinar sobre ella.

.      También la prensa se convierte en el siglo XIX en un fenómeno generalizado, gracias al desarrollo tecnológico y a la mejora de los sistemas de producción y distribución de la Revolución Industrial.

.       Además los movimientos sociales como la Ilustración Inglesa o la Revolución Francesa, consideran a la prensa un medio esencial para ilustrar a los ciudadanos.

.       En nuestro país las Cortes de Cádiz suprimían en 1810 la censura previa: era el nacimiento de la prensa política. Se promulga la Ley de Prensa vigente hasta 1.938, que reconocía el derecho de los españoles a expresar sus opiniones sin censura previa.

   Mariano José de Larra, Director de varios periódicos.

•En el siglo XIX ciertos cambios sociales, como el auge del periodismo, la expansión de la educación y la conquista del ocio propician la creación de una masa amplia de lectores. Para ellos los libreros introdujeron numerosos grabados explicativos y, lo que es más importante, produjeron un libro barato, el libro popular o de masas. De igual forma, la oferta bibliográfica se amplió a otros sectores sociales, como las mujeres y los niños, con el desarrollo de una literatura específica.

 

   El Guerrero del Antifaz

   Los populares Celia, de Elena Fortún.

.      También la prensa se convierte en el siglo XIX en un fenómeno generalizado, gracias al desarrollo tecnológico y a la mejora de los sistemas de producción y distribución de la Revolución Industrial.

.       Además los movimientos sociales como la Ilustración Inglesa o la Revolución Francesa, consideran a la prensa un medio esencial para ilustrar a los ciudadanos.

.       En nuestro país las Cortes de Cádiz suprimían en 1810 la censura previa: era el nacimiento de la prensa política. Se promulga la Ley de Prensa vigente hasta 1.938, que reconocía el derecho de los españoles a expresar sus opiniones sin censura previa.

De la Galaxia de Gutenberg a la Red

•La década de los 60 en el siglo XX supuso en toda Europa un periodo de intenso desarrollo económico, con un notable aumento de la calidad de vida. Esto se traduce, no sólo en el auge de la industria editorial, sino sobre todo en el nacimiento de una nueva cultura de masas en la que el medio audiovisual toma rápidamente la delantera.

   Cinamatógrafo

•En España el sector editorial se ha convertido en uno de los más potentes del mundo, gracias a su expansión por Latinoamérica, una comunidad en constante crecimiento.

•El continuo desarrollo de las nuevas tecnologías y el rápido crecimiento de Internet han revolucionado el acceso y consumo del conocimiento. Todo ello produce una ingente cantidad de datos que diariamente circulan por la red. Estos datos están en constante proceso de actualización y son de naturaleza especialmente efímera por carecer de otro soporte que el virtual.

   Internet y su universo.

•Cómo conservar para el futuro toda esta información es uno de los principales retos que han de afrontar los archivos, hemerotecas y bibliotecas de hoy.

   En la Sala 6 se recrea un recorrido didáctico por las artes del Libro, cuyos procesos se ilustran e imparten en esta Sala con ambientación de Café de finales del XIX, presidida por instrumentos musicales de época.

   Gramófono

  Pianola.

•Grabado, edición de partituras y encuadernación son los tres grandes ejes temáticos en torno a los que está organizada la Sala de Talleres. Sus técnicas, los materiales que emplean, así como los utillajes, se nos presentan en sus vitrinas.

   Tras esta nos encontramos con una dedicada al singular Don Quijote, con todo tipo de libros y medios tecnológicos donde se puede grabar el nombre de los visitantes por medio de una original imprenta en el lomo de un libro antiguo.   Una cizalla y una guillotina, máquinas esenciales en el proceso de elaboración de un libro, nos despiden del Museo.

   Espero haber despertado vuestra curiosidad, y, con ella, vuestras ganas de visitarlo.