TOKYO

Hoy nos aproximaremos a esta importante urbe. Empecemos:

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La bahía de Tokyo. Elegida como sede del gobierno del shogún en 1603, la ciudad recibió el nombre de Edo, “puerta de la Bahía”, hasta que en 1608 fue rebautizada con el de Tokyo. Su desarrollo se halla vinculado a la importancia de su tráfico portuario.

Destruida por un terremoto en 1923 y por los bombardeos aliados en 1945, la ciudad de Tokyo cuenta con pocos vestigios de su pasado.

Su imagen actual es la de una megalópolis gigantesca que agrupa a mas de 30 millones de personas- la cuarta parte de la población japonesa-, de las que 12 millones viven en Tokyo capital.

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El barrio de Shinjuku es uno de los más animados de Tokyo. Paraíso del Gadget y de la electrónica durante el día atrae a gran número de turistas.

El precio del metro cuadrado en esta ciudad superpoblada es, sin duda, uno de los mas altos del mundo, por lo que un buen número de sus habitantes se han desplazado a la periferia.

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Shinjuku. Al este de la estación de tren se extiende una red de calles repletas de cafés, cines, salas de juegos electrónicos, sex-shops y cabarets que dan a este barrio una dudosa reputación.

Es difícil distinguir el verdadero centro de Tokyo. El Palacio Imperial aún señala el corazón de la ciudad. Harajuku es el barrio de los jóvenes, que a veces cantan y bailan en la calle. En Asakusa se descubre un Japón más tradicional alrededor del templo de la diosa Kannon y de los cerezos en flor.

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Shinjuku. Al otro lado del parque de Shinjuku Gyoen se alzan los nuevos rascacielos del “Manhattan de Tokyo” que albergan las sedes de grandes empresas, hoteles de lujo y el nuevo Ayuntamiento.

El Kabutocho, la bolsa de Tokyo, es uno de los grandes centros financieros del planeta. Y aunque Tokyo ha sido considerada durante mucho tiempo una ciudad muy segura, esta imagen se ve hoy empañada por el aumento de la criminalidad, por la presencia de personas sin techo en las estaciones de tren y por numerosos problemas de pérdida de identidad y contaminación en una urbe cada vez más caótica.

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El Ayuntamiento. Desde 1991 las dos torres gemelas del arquitecto Kenzo Tange dominan la capital con sus 265 metros de altura.

Pese a todo su encanto es innegable.

¡Confío en que os haya gustado!

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LOS MONUMENTOS A LOS CAÍDOS

Como parece estar de moda el tema hoy nos aproximaremos a algunos de ellos.

Una de las consecuencias de la guerra fue un retorno a los valores sagrados, favorecida por los combates y el dolor de las familias.

Tres personajes religiosos femeninos sirvieron de tema en Francia a los artistas que concibieron monumentos a los caídos: la Virgen María: Juana de Arco, libertadora de la patria y beatificada en 1909; y la carmelita Teresa de Lisieux, también en proceso de beatificación.

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El gallo, uno de los símbolos caracteristicos en el arte funerario francés.

En 1916 el escultor J. Ajalbert escribió : Cómo glorificar a los caídos por la patria, en cuyas conclusiones afirmaba la necesidad de “repetir la unión sagrada (…) del rico y el pobre, del sacerdote y el maestro, del señor y el boyero”. La guerra había puesto fin al anticlericalismo sectario.

Los monumentos a los caídos que florecieron a partir de 1919 eran muy variados: desde una simple estela con palmas y cruces de guerra hasta las composiciones panorámicas con personajes vestidos a la antigua usanza.

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La Francia de ultamar y colonial también pagó un pesado tributo a la victoria, como prueban las largas listas de caídos pro la patria. LeLorrain, Martinica.

Otros evocaban la figura del soldado de infantería francés o el combate del gallo galo contra el águila de los Hohenzollern.

Hasta 1924 se inauguraron 35.000 monumentos. Se erigieron cinco osarios en los escenarios de las grandes batallas, como Verdún o el Somne, y el este y el norte de Francia se cubrieron de necrópolis militares.

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El escultor representó aquí a las mujeres, madres, hermanas, novias, llorando a los caídos en el campo de honor. Paul Dardé. Lodéve.

Franco construyó el Valle de los Caídos para conmemorar su victoria, símbolo de su creencia de la misión providencial que desempeñaba en la historia de España.

En un monte de la Sierra de Guadarrama, cerca del Monasterio que en El Escorial levantara Felipe II, Franco (en un claro ejemplo de imitación megalomaníaca) erigió un memorial dedicado a los caídos en la guerra, en el que él mismo fue enterrado a su muerte.

En el decreto fundacional de la obra, de 1 de abril de 1940, año en que empezaron los trabajos de su construcción, se decía que aquel debía de ser “lugar de permanente peregrinación de generaciones futuras”.

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La cruz y la basílica subterránea del Valle de los Caídos fueron la obra magna del régimen, levantada empleando a presos políticos; como hizo Felipe II, el mismo Franco eligió el emplazamiento de su monumento funerario, en el Risco de la Nava del Escorial. 1942-1959. Pedro de Muguruza y D. Méndez.

Unas 20.000 personas, entre las que había prisioneros de guerra, trabajaron en aquella empresa faraónica hasta su inauguración el 1 de abril de 1959. Una gigantesca Cruz de 150 metros de altura se yergue sobre una basílica y un monasterio subterráneos; en este lugar, y junto a cientos de combatientes nacionales, fueron enterrados algunos soldados republicanos, en un gesto de reconciliación.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

UNA APROXIMACIÓN A LA GUERRA DE SUCESIÓN EN EL ANIVERSARIO DE LA LLEGADA AL TRONO DE FELIPE V

Un día como hoy, pero en 1700 llegaba al trono español el rey Felipe V, tras el fallecimiento de su antecesor, Carlos II llamado “el hechizado” sin haber tenido descendencia.

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El nuevo rey, Felipe V, llegó a Madrid en Abril de 1701. En un primer momento sólo el emperador protestó por las disposiciones del testamento de Carlos II; las demás potencias dieron la impresión de aceptarlo. Pero la arrogancia del Luis XIV y su voluntad de mantener los derechos eventuales de Felipe V al trono de Francia provocaron un cambio de actitud.

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Inglaterra y las Provincias Unidas no podían estar satisfechas con una solución que daba a Francia una influencia preponderante en Europa y en el mundo. Tenían la formación de un bloque hegemónico compuesto por Francia y la corona hispánica, que habría amenazado seriamente el equilibrio europeo.

En mayo de 1702 aquellas potencias declararon la guerra a Luis XIV para obligarle a renunciar a la herencia española. Dos años después el archiduque de Austria, rival del duque de Anjou, desembarcó en Lisboa. En 1703, Saboya y Portugal se unieron a la alianza antifrancesa.

La cuestión dinástica había desembocado en un conflicto general que repercutió en toda Europa (hubo batallas en los Países Bajos, en Alemania y en Italia), pero se centró principalmente en la península Ibérica. En agosto de 1704 los ingleses tomaron Gibraltar (ahí empezaron los problemas que aún siguen vigentes).

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Al año siguiente las armadas inglesa y neerlandesa tomaron Barcelona. Desde aquella plaza y con el auxilio de sus aliados el archiduque de Austria avanzó hacia el interior de la península, logrando atraer a su causa a Cataluña, Valencia y Aragón. En julio de 1706, entró en Madrid, donde sólo pudo mantenerse un mes escaso.

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Felipe V empezó la reconquista de los territorios perdidos. El 28 de abril de 1707 su ejército derrotó a los británicos en Almansa; de esta forma recuperó Valencia y Aragón. La guerra prosiguió con diversa fortuna, hasta 1713. En septiembre de 1710 Madrid volvió a caer en manos de los partidarios del archiduque, aunque por poco tiempo. En enero de 1711 Zaragoza se rindió a Felipe V.

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En aquel momento los Borbones habían ganado la partida en el campo de batalla, pero debían vencer también en el terreno de la diplomacia. La suerte les sonrió. En abril de 1711 murió el emperador José I. Su hijo, el archiduque Carlos de Austria, recogía su herencia. Entonces Gran Bretaña y las Provincias Unidas dejaron de apoyar sus pretensiones al trono español, al no querer otra nueva versión de una España tan imperial como la de Carlos V.

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Se avinieron ambos a reconocer pues a Felipe V, a condición de que renunciara a sus derechos en Francia. Luis XIV aceptó, y en Abril de 1713 se firma en Utrecht la paz entre Francia, España, Gran Bretaña, las Provincias Unidas, Portugal, Saboya y Prusia.

Así se gestó el cambio de dinastía en España.

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LA MÚSICA EN LA ALTA ANTIGÜEDAD

Tras un parón de unos días vuelvo a escribir. Empecemos:

Después de su salida de Egipto, el pueblo hebreo celebro cantando y bailando la derrota de los ejércitos del faraón. Miriam, hermana de Moisés, animó a las muejres tocando la pandereta, mientras Moisés entonaba un cántico.

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Mujeres tocando instrumentos musicales y bailarinas en un banquete funerario. Los banquetes y el culto a los muertos del antiguo Egipto tendieron a transformarse en celebraciones profanas en las que participaban bailarines e intérpretes vestidos y peinados a la moda. Hacia 1400 a.J.C. Pintura de la tumba del escriba Nebamun, Tebas.

En la Biblia la música está omnipresente y tiene diversas funciones. Puede contribuir a que el pueblo se entregue al desenfreno, como en el episodio del becerro de oro, o ser destructora, como cuando las trompetas suenan alrededor de Jericó y provocan la caída de las murallas.

También puede aportar serenidad, como cuando David toca para Saúl, o servir para cantar la gloria de Yavhé: parece que al principio, una de las funciones sacerdotales era la de cantar y bailar como hizo David ante el arca.

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Lira egipcia. De introducción bastante tardía, la lira -símbolo de excelencia de la música en la cultura occidental- era un instrumento tosco, por lo que pronto fue sustituído por el arpa. Siglo XV a.J.C. Museo del Louvre, París.

Exiliados en Babilonia, los hebreos cantaron sus penas. Los poemas, salmos y cánticos de la Biblia estaban destinados a ser cantados, pero no se ha conservado su notación.

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Estatuilla de bronce de un cantante cretense. Imagen cortesía de alamy stock photo. El canto, la expresión más depurada de la música, aparece en todas las civilizaciones de la antigüedad. A menudo el cantante se acompañaba de un instrumento, en este caso la lira. Hacia 1200-800 a.J.C. Museo del Heraklión.

Tampoco existen representaciones de músicos hebreos, porque Dios les prohibió representar la figura humana, pero es de suponer que los instrumentos de los hebreos eran parecidos a los de otros pueblos de la antigüedad oriental: de percusión (tambores y panderetas); de viento (flautas y trompetas), y de cuerda (laúdes y cítaras)

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Músicos elamitas tocando después de la Batalla de Til Tuba. La función de celebración de la música en Mesopotamia era, además de religiosa, guerrera. Siglo VII a.J.C. British Museum, Londres

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LOS DIOSES DE GRECIA

Hoy haré una semblanza de los dioses griegos, motivada en parte por una conversación mantenida ayer con mi hija, que acaba de empezar a cursar estudios de cultura clásica a sus 14 años, y mi fascinación por esta civilización, en parte motivada por mi tío y amigo Luis Alberto de Cuenca. Empecemos:

La religión griega estaba basada en tradiciones y mitos muy diversos. El poeta Hesíodo los reunió e intentó ordenarlos en su Teogonía.

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Atenea pensativa. Hija de Zeus y Metis, salió totalmente armada de la cabeza de su padre. Era la diosa de las artes y de la inteligencia, y ganó el combate contra Poseidón para proteger a Atenas, ofreciendo a los hombres el olivo, símbolo de paz y riqueza. Hacia 450 a.J.C. Museo Arqueológico de Atenas

Al principio sólo existía el Caos, de donde salieron Gea- la Tierra- y Eros- el amor-. Gea dió a luz a Urano, el cielo estrellado.

De los amores de Gea y Urano (incestuosos, obviamente), nació una generación de seres monstruosos, entre ellos los Titanes y los Cíclopes, pero a medida que iban naciendo Urano los introducía de nuevo en el cuerpo de Gea, hasta el día en que Crono, uno de los Cíclopes, logró acercarse a él y castrarlo.

A partir de entonces Crono reinó en el universo, pero devoraba a sus hijos en el momento en que nacían, temeroso de ser destronado por uno de ellos.

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Hermes, mensajero de los dioses, reconocible por sus sandalias aladas. Hijo de Zeus y de Maya, nieto del gigante Atlas, dio pruebas desde niño en una caverna de Arcadia, de inteligencia y astucia, escapándose para robarle los bueyes a Apolo. Era el inventor de la lira y el dios de los comerciantes y los ladrones. Siglo IV a.J.C. Museo Arqueológico de Nápoles

Al nacer Zeus, su madre Rea dió a Crono una piedra envuelta en pañales en su lugar, y ocultó al niño en Creta, donde lo alimentó la cabra Amaltea. Zeus, señor del rayo y el trueno, se convirtió en soberano de los inmortales, y tras vencer a los monstruos engendrados antes que él, dio origen a un nuevo orden en el universo.

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Poseidón lanzando el tridente. Señor del mar y de las aguas, era hijo de Crono y Rea, y padre de diversas divinidades acuáticas. Cuando luchaba con Atenea para convertirse en la divinidad protectora de Atenas golpeó la roca de la Acrópolis con su tridente para que surgiera el caballo, símbolo de la guerra. Este bronce de 2,09 metros marca el apogeo del arte clásico ateniense. Hacia 450 a.J.C. Museo Arqueológico de Atenas.

Reinó en el Olimpo y presidió el banquete de los doce grandes dioses de Grecia, de quienes era hermano, padre o amante, vigilando el grupo de los restantes dioses y héroes a los que se unieron los dioses arcaicos, los ídolos de los cultos agrarios. y las divinidades importadas de oriente.

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Hera, hermana y esposa de Zeus, madre de Hares, Hebe y Hefesto. Celosa, persiguió a las amantes de Zeus y a sus hijos: Io, Dionisio, Heracles…Era la diosa de los matrimonios felices, y junto con su hija Ilitia, de las parturientas. Siglo I a.D.J. Museo Arqueológico de Atenas

Así nació la mitología griega. Mi hija se quedó impresionada ante estas enrevesadas historias, dignas de una buena película.

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Zeus y Ganímedes. Zeus animó a Ganímedes, príncipe troyano, y se lo llevó al Olimpo, convirtiendole en escanciador de los dioses. Siglo V. a.D.J.

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LAS GRANDES OBRAS DE PARÍS

Tras unos días de inactividad vuelvo a la escritura. Hoy para hablar de una época crucial en la capital de nuestro vecino del norte.

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El Centro Pompidou ha suscitado grandes controversias durante mucho tiempo. Apodado “la refineria” por quienes rechazan su arquitectura es, sin embargo, un recinto expositivo muy visitado y apreciado. 1977. Renzo Piano y Richard Rogers

Polémicas y criticadas por su elevado coste, las grandes obras del presidente son lo que permanecerá de los dos septenios de Françoise Miterrand. Antes que él, todos los presidentes de la V república dejaron también su huella en la capital.

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La ópera de la Bastilla es uno de los edificios más controvertidos por su arquitectura y su coste, muy superior a lo presupuestado. Está dedicada al arte lírico, mientras que los espectáculos de danza se representan en la Ópera Garnier. 1989. C. Ott.

Charles de Gaulle contó con un prestigioso ministro de Cultura, André Malraux, que empezó la limpieza de los monumentos y fachadas de los inmuebles de París.

A Georges Pompidou, gran amante del arte, se debe la construcción del centro de arte contemporáneo que lleva su nombre. A Valéry Giscard d´Estaing debe París la iniciativa del museo de arte del siglo XIX, en la antigua estación de Orsay, y de la ciudad de las ciencias en La Villette.

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El Museo de Orsay, instalado en una antigua estación, está dedicado al arte francés del siglo XIX en todas sus manifestaciones: pintura, esculura, fotografía, artes decorativas, etc. 1986. G. Aulenti y A.C.T.

Sin embargo Françoise Miterrand, ayudado por Jack Lang, ministro de Cultura, fué el promotor de la construcción de numerosos monumentos. La ópera de la Bastilla, el conservatorio nacional de música en La Villette, y sobre todo la Gran Biblioteca de Francia reequilibraron hacia el este la vida cultural de la capital.

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El Museo de historia natural. Tras años de hibernación, las célebres colecciones de Buffon, muchas de ellas únicas en el mundo, se han restaurado para ser expuestas al público. 1994.  Chernetov y B. Huidobro.

Al oeste, el arco de la Défense conmemora el bicentenario de la revolución francesa y de la declaración de los derechos del hombre y del ciudadano.

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La pirámide del Gran Louvre, en el centro del patio Napoleón. La obra de Pei cuenta con sus admiradores y detractores. En cambio el indiscutible logro del Museo es haberse convertido en un espacio dedicado al arte y a la historia. El traslado del ministerio de Hacienda que ocupaba el ala norte ha contribuído a duplicar el espacio destinado al público. 1989. Pei.

Pero la realización cumbre de la época conocida es, sin lugar a dudas, la pirámide de cristal del Gran Louvre, del arquitecto chino Pei.

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La pirámide del Louvre cubre las escaleras que conducen al vestíbulo. Las obras de renovación del museo han permitido recuperar y realzar vestigios del antiguo Louvre y del París medieval, ¡Casi nada!. Pei. 1989.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

ORO Y ESPECIAS

Hoy hablaremos del uno y de las otras en el devenir del renacimiento portugués. Empecemos:

Desde los primeros años del siglo, el descubrimiento de nuevas rutas hacia las Indias occidentales y la India oriental condujo a una revolución económica que empezó beneficiando a los portugueses.

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Banqueros y contabes invocaban la protección de Mateo, su Santo Patrón. La afluencia de metales preciosos orientó a Europa hacia el capitalismo comercial.

En 1503 Vasco de Gama llegó a Lisboa con un cargamento de pimienta sin precedentes: ¡30.000 quintales! Dos hombres, (pronto rivales) se repartirían el monopolio portugués de las especias: Francisco de Almeida y Alfonso de Albuquerque.

Ambos construyeron la India portuguesa, pero Albuquerque, también conocido como el Cesar del Oriente, gran estratega y mejor militar, formado en la corte de Alfonso V, eclipsó a su rival suplantándolo como virrey de las Indias (1508) y se apoderó de Goa (1510), poderosa base que permitía a los portugueses llegar a las Islas de las especias y a Malaca.

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Alfonso de Albuquerque.

Además de todos era sabido que el dominio de la ruta de especias en el sureste asiático daría todo tipo de riquezas a quien se hiciera con ellas.

Lisboa pudo contar desde entonces con una remesa de 25.000 quintales de pimienta por año, ¡casi nada!. Mientras tanto los españoles intensificaron el tráfico hacia el Atlántico: ¡226 viajes de ida y vuelta entre Sevilla y las Antillas de 1506 a 1510, y 279 en los cuatro años siguientes!.

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Las Islas de las Especias aparecían en los mapas más relevantes.

La ruta marítima no había cambiado apenas desde Cristóbal Colón, y fue totalmente dominada a partir de 1520 . Entre 1503 y 1520 el oro de América registrado legalmente en Sevilla ascendía a 14113 kilos.

Entre 1511 y 1520, los buscadores de oro de Santo Domingo recogieron algo más de 9.000 kilos de oro. Los intercambios eran organizados por la Casa de contratación , creada en  Sevilla en 1504.

¡Confío en que os haya gustado!

 

EL NEOCLASICISMO NORTEAMERICANO

Hoy viajamos al otro lado del charco, para hacer una semblanza del arte que allí se hizo. Empecemos:

En el terreno artístico Estados Unidos también quiso romper con su pasado colonial. Fue sobre todo en la arquitectura civil donde logró su propósito, gracias a la adopción del estilo neoclásico de finales del siglo XVIII.

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El Capitolio de Washington. En el origen el edificio era más austero. Después del incendio de 1814 se dió mayor volumen a la cúpula, circundada por columnas corintias, y sobre la linterna fue erigida una estatua de la Libertad.

Thomas Jefferson se apasionó por la arquitectura romana desde su visita a la Maison Carrée de Nimes. A su regreso, hizo coronar con una cúpula a su villa de Monticello y le añadió un pórtico dórico. Trazó personalmente los planos de Richmond, sede provisional de la capital.

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El Capitolio de Richmond, en Virginia. Fue construido en 1785 según los planos de la Maison Carrée de Nimes que envió Thomas Jefferson, en aquel momento embajador en Francia, seducido por el arte romano.

El francés Pierre L´Enfant fue el encargado de diseñar la ciudad de Washington, donde el británico Henry Latrobe construyó las salas de la rotonda del Capitolio.

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La cúpula del Capitolio. Su armazón de hierro de casi 60 metros de altura fue una verdadera proeza técnica. 1830. Charles Bulfinch, Washington.

Otros arquitectos franceses, perseguidos por la revolución, participaron en la adaptación de aquel estilo: Etienne Hallet, Maximilien Godefroy, Jacques Ramé y los hermanos Joseph y Charles Mangin fueron los más célebres.

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La residencia de Monticello, propiedad de Jefferson y remodelada por el mismo desde 1768 hasta 1809, atestigua el paso hacia el neoclasicismo.

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El primer Banco de Estados Unidos, edificado en la calle 3 de Filadelfia. De estilo neoclásico, presenta frontón y pilastras. 1799. Birch & Son. The Granger Collection. New York.

El neoclasicismo gustaba de la escultura de mármol de inspiración clásica y Estados Unidos, que en aquellos momentos buscaba héroes a su medida, necesitaba escultores para plasmar su imagen.

Otro francés, Jean-Antoine Houdon, fue escogido por Jefferson para realizar el busto de Washington. Tras éste inmortalizó también al propio Jefferson.

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Bustos de Jefferson (arriba) y Washington, (abajo) por Houdon.

Una época vital, para empezar la globalización, si podemos llamarla así, del arte y sus manifestaciones por igual en cualquier rincón del mundo, propiciada también por la cada vez mayor facilidad de viajar y


a lo largo del mundo.

¡Espero que os haya gustado!

LOS PORTULANOS

Para reinaugurar el curso y mi vuelta a la escritura este tema es a mi modo de ver muy interesante. Empecemos:

En 1474 la Geografía de Tolomeo se tradujo al latín y se imprimió. De esta manera, en el siglo XV, el tratado del último astrónomo y geógrafo de la antiguedad fijaba los límites del mundo habitado.

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El Mediterráneo portulano italiano del siglo XV. Los italianos eran los maestros de la cartografía del Renacimiento. La situación del pais favorecía la recogida de inormaciones geográficas. Museo Correr, Venecia.

El Mediterráneo, cuyo dibujo se hallaba relativamente precisado, era el eje del conocimiento. Los mapas medievales, que privilegiaban los conceptos teológicos, se orientaban de este a oeste: el paraiso terrenal se situaba en oriente, mientras que animales maravillosos o personajes legendarios poblaban las regiones desconocidas…

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Ballena misteriosa en un lugar desconocido, inspirado en las explicaciones del Libro de las maravillas de Marco Polo

Al mismo tiempo, la experiencia naútica de los marinos dio origen a los primeros “portulanos”: en ellos se describían las costas, con los puertos y las rutas a seguir en función de la dirección de los vientos, representados por “líneas de rumbos”- entre las 32 cuartas de los vientos del horizonte-.

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Mapa de Juan de la Cosa, piloto de Colón (detalle). Representa una rosa de los vientos, de donde parten líneas (los rumbos) que permitían a los navegantes orientarse. 1500. Museo Naval, Madrid.

En ellos se intentaba calcular las distancias y dar otras informaciones como el número de brazas de fondo. Los portulanos describieron primero las costas del Mediterráneo y posteriormente las costas africanas, los países de la cuenca oriental, el mar Caspio y también el mar Rojo.

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Mapas de Oriente Medio y África, de Fra Mauro, el monje que cartografió el mundo entero sin salir de su celda, a iniciativa de Alfonso V de Portugal. !449. Biblioteca Marciana, Venecia

En Génova, Mallorca, y Lisboa se establecieron los primeros registros de cartas, que se llevaban en secreto y estaban controladas por el poder.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL SABBAT

Hoy nos aproximaremos a estas terroríficas reuniones, empecemos:

La reunión con el diablo constituía el punto máximo del crimen de brujería, pues transgredía la justicia divina y humana.

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El sabbat de los valdenses, secta cristiana maniquea fundada a finales del siglo XII. En señal de fidelidad, los fieles besan el trasero del diablo, que tomaba forma de macho cabrío. Siglo XV. Biblioteca Nacional, París.

La ceremonia del sabbat ponía al mundo del revés y rebajaba al ser humano, criatura de Dios, al rango de animal. Solía celebrarse en algún lugar desierto, en noche de luna llena.

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Sabbat de brujas, diablos y animales diabólicos. Esta pintura se realizó originalmente para una obra de teatro. Siglo XVII. Biblioteca Nacional de París.

Magdalena des Aymards, una jóven de quince años, describió el sabbat al que había asistido varias veces en 1606: “Transportada por los aires a una montaña” encontró “gran número de personas, tanto hombres como mujeres de toda clase y condición”.

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La joven bruja. La belleza, que los eclesiásticos que habían hecho voto de castidad, no podía ser más que cosa del diablo. Antoine Wiertz. Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas.

Satán pidió a sus servidores que rindieran cuenta “de los males que habían cometido, qué personas habían matado, envenenado, indispuesto o enfermado, qué ganado habían hecho morir y qué otros males habían hecho”.

A continuación se celebró una misa burlesca, dicha del revés, sobre un altar negro…

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Escena de brujería. Mujeres desnudas montadas en escobas salen por la chimenea después de pronunciar un sortilegio. 1663. David Teniers el Joven. Museo de la Antigua Cartuja, Douai.

Durante el sabbat se bailaba- lo que horrorizaba a la Iglesia- “espalda contra espalda”, al son del tamboril y, finalmente el maestro de ceremonias apagaba la luz y entonces cada hombre de los asistentes tomaba a cada una de las mujeres o chicas que había allí, las acostaban en el suelo y las gozaban y las conocían carnalmente por orden del diablo”

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Los procesos de brujería pretendían mantener a raya al contrapoder femenino que las brujas representaban. 1797-1798. Francisco de Goya. Conjuro. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

Una costumbre horripilante y atroz ¿No creéis?

¡Confío en que os haya resultado interesante!