LOS CASTILLOS DE BAVIERA. GRANDIOSOS Y MARAVILLOSOS

Desde mi adolescencia me he sentido irremediablemente atrapada por estas joyas que albergan, no sólo una impecable factura arquitectónica, sino retazos apasionantes de la historia de quien los habitó, y de la música de sus ilustres habitantes eventuales, que llenaron con sus notas estos santuarios de la cultura.

Hemos de empezar hablando del rey que les dio el aura de misterio y magnificencia que ha llegado a nuestros días: Luis II. Wagner le llamaba “nuestro Tristán”, ya que reconocía en él al caballero del cisne, su héroe preferido.Luis II de Baviera

He aquí una fotografía del monarca.

Descendiente de los Wittelsbach, que reinaban en Baviera desde el siglo XII, era el ídolo de sus súbditos cuando ascendió al trono a la edad de 19 años. Sin embargo la herencia de los Wittesbach pesaba mucho: Luis I, abuelo del rey, había perdido su trono a causa de las locuras que había cometido por Lola Montes, aunque estaba casado con Teresa de Sajonia- Hildburghausen (dicen que el origen de la Oktoberfest estuvo en la fiesta de esponsales de la real pareja)lola

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  Arriba la Condesa irlandesa de ascendencia española Lola Montes, debajo Luis I
   Si a esto le sumamos que su hermano Otto padecía una enfermedad mental, y su prima era la excéntrica Isabel, Emperatriz austriaca, el cóctel estaba servido.
   Luis II se alió con Austria. Y en 1866 fue derrotado en Sadowa, tras lo cual incitó a los otros príncipes alemanes a reconocer la supremacía de Prusia, lo que le llevó a perder por completo sus prerrogativas reales.
   La magnitud de tales acontecimientos le llevó a refugiarse en la soledad, el drama lírico, y las construcciones quiméricas.
   Luis II mantuvo una apasionada amistad con Wagner, para el que mandó edificar el teatro Bayreuth. No es de extrañar, pues ya le había llamado a su presencia a los 16 años, cautivado por Lohengrim, llegando a decir Wagner de él:” yo soy su Wotan, él es mi Sigfrido”
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   El imponente teatro.
  Pero el recuerdo del rey Luis II está vinculado a sus castillos: el de Neuschwantein es un castillo feudal delirante, sobre un promontorio rocoso frente a la residencia real de Hohenschwangau; Neuschwanstein_im_Herbst_-_Front_3_604b45f29fneus1
   Interior y exterior del castillo cuyo nombre significa “pequeño cisne de piedra”
   Este tipo de castillos ya no se construían, pero Luis II ideó una ilusión de otros tiempos, integrada en la naturaleza, y con referencias a Tristán e Isolda, los reyes católicos, realizado con las normas de Leonardo Da Vinci, y con iluminación eléctrica y telefonía, ¡Un prodigio!
   Otro de los castillos es el Linderhof, palacete barroco en el bosque, con múltiples sorpresas en sus jardines, empapados de referencias clásicas y musicales.
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   Exterior de Linderhof arriba, abajo la gruta de Venus.

   Por último tenemos el Herrenchiemsee , construido en la isla de Chiemsee, a imitación de Versalles. Jardines con laberintos, fuentes decoradas…que desgraciadamente quedó inconcluso por falta de medios económicos, y que el rey nunca vio terminado al fallecer antes de que las obras concluyeranHerrenchiemseeherrem

Parajes únicos, mágicos, salidos de una mente exaltada, romántica, vital, y locamente apasionada.

¡Gracias Luis II por hacernos partícipes de esta magia!

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Entre las maravillas que se pueden contemplar estos días en el Museo del Prado una me llama la atención poderosamente: las esculturas que, procedentes de la Catedral de Santiago de Compostela, han hecho su primer viaje al exterior, enseñoreándose de las Salas de la pinacoteca por excelencia de Madrid.1f2cc012-a7f4-5ebd-62b6-dd4a0c9fb6b7

Hagamos un poquito de crónica histórica de su autor, conocido como Maestro Mateo: hombre culto y adelantado a su tiempo, permaneció siempre atento a lo que se estaba realizando en la cuna del románico, a saber: el Languedoc y la Borgoña francesas. Eso constituyó una gran avance dentro de una sociedad anclada en tradiciones ancestrales.

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Gustó de un retorno a la antigüedad tardía y de intercambios culturales lejanos, como percibimos claramente en la monumentalidad en las proporciones de sus figuras, poniendo los cimientos de las posteriores producciones escultóricas, más vitales y de mayor calidad en la ejecución en España. Y lo realizó antes de que la reforma cisterciense impusiera sus severas normas, gracias a Dios.

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La escultura de finales del siglo XI tuvo la particularidad de trasladarse también al exterior del templo, ofreciendo una suerte de catecismo pétreo de los principios cristianos para una población en su mayoría analfabeta, y cuya forma más lúdica y didáctica de aprender era a través de la contemplación de estas maravillas iconográficas.

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Inspirado en los arcos de triunfo de la antigüedad romana (¡Cuánto les debemos!), Mateo expandió la decoración escultórica, no sólo en capiteles, arcos y arquivoltas, sino a lo largo de toda la fachada, demostrando así un avance ideológico sin parangón, y policromando algunas de ellas.. apóstoles, la doble naturaleza de Cristo, las tentaciones de Cristo, su Pasión..son algunos de los temas tratados con mano maestra por Mateo

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¿Una recomendación? ¡No os la perdáis! Está esperando a comunicaros sus secretos en el espectacular montaje que han hecho en colaboración con el Museo Provincial de Pontevedra y la Fundación Catedral de Santiago. ¡Sed peregrinos de lo pétreo por un día!

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MAR SOLÍS, ESCULTORA DEL TIEMPO Y EL ESPACIO

Hoy os quiero traer la figura de una escultora enormemente personal, Mar Solís, que en breve protagonizará en Aranda de Duero la exposición “Durius Flumen”, y que Arte al Instante y New Art Gaze visitarán, gracias a la colaboración de la Galería de Rodrigo Juarranz, para que conozcáis un poco más su obra y su trayectoria.

Pongamos en primer lugar cara a la artistamar

Mar nació en 1967, y se graduó en escultura en la Universidad Complutense de Madrid. Mujer inquieta, su obra ha traspasado fronteras, en un tiempo en que parece que todo está inventado. Miami, Buenos Aires, Damasco…son lugares que se han rendido a los pies de esta mujer inquieta de poética creativa y enormemente personal.

Mar interactúa con el espacio durante su proceso creativo, y acaricia el material con el que crea sus obras.  Su objetivo es mostrar la ocupación del espacio, gracias a la labor del hombre como transeúnte, en espacios habitables, misteriosos, de reflexión, frágiles y livianos, ocupando suelos y paredes de la sala o del lugar donde expone, trasmitiendo su propia esencia.

El primer escultor de la historia que trató de lograr este complicado y apasionante objetivo fue Pablo Gargallo, del que podemos tomar “El profeta” como pieza más representativa.el-profeta_pablo-gargallo_1933_vista2

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En cada lugar donde esta trotamundos, ávida de crear, se ha trasladado, trata la naturaleza de modo diferente.

Dibuja la artista el espacio con formas normalmente sinuosas, en múltiples formatos. El material utilizado es muy diverso: madera de caoba, metal…:”Trabajo la línea curva obsesivamente, por eso mis formas son tan orgánicas y naturales”. Dice la artista, creadora de espacios ilusorios como claustros, bosques efímeros, donde se encuentra enormemente cómoda, invitando al espectador interactivo a la reflexión.mar-solís-4 (2)

“Dibujar en papel en un muro, en el aire, es danzar en el espacio, es soñar, ser la sombra de la obra, estar detrás de la línea en un silencioso anonimato”

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Dejo un vídeo muy esclarecedor acerca de su proceso creativo:

 

En su imaginario están presentes la fotografía, la figura femenina desdoblándose, presentándose de modo misterioso, abstracto, la influencia de la caligrafía internacional, con su particular liturgia…temas variados que nos hacen vislumbrar la originalidad, patrimonio de los genios.

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Desde aquí os invito a acompañarnos el día 21 de mayo a visitarla en Aranda de Duero. ¡Os va a sorprender!

Mar Solís, esa mujer impactante, de la que he querido trasladaros una breve semblanza. Espero que os haya resultado interesante.

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UNA NOCHE EN STEAK BURGER CON LARA DIBILDOS

El Martes 5 de abril tuvo lugar el último Encuentro Bazar, organizado por Bazar Me lo Pido, sección imprescindible de La Luna de Metrópoli. Ya estamos acostumbrados a que su coordinadora, Ana Zuazo, lleve a gente muy interesante a estos encuentros, cuyo objetivo es conocer e indagar en la personalidad del invitado en cuestión. bazar1

En esta ocasión la invitada era Lara Dibildos. De estirpe de artistas, mi expectación ante el hecho de conocerla era grande, tras haberla visto en la crónica social de nuestro país. Mis expectativas se vieron compensadas con creces al conocerla. Dulce, guapísima, encantadora, tiene una personalidad que cautiva y atrapa desde el minuto 0.

Nos contó Lara que su vida es la interpretación, que le fascina la comedia, y sbazar4eguirá haciendo ese tipo de trabajo mientras le queden fuerzas.

Entre las múltiples anécdotas que fue desgranando mientras transcurría la velada nos contó con esa dulzura especial que en una de sus obras se caracterizaba como anciana en tan sólo cinco minutos, con impactante resultado.

Del padre de su hijo mayor, Álvaro Muñoz Escassi, invitado de otro de los Encuentros Bazar, dijo que le unía a él una excelente relación, y que quizá le conoció en un momento equivocado de su vida.bazar5

Tras haber interpretado sobresalientemente a Miss Brent en Diez Negritos, junto a Antonio Albella (al que tuve el privilegio de conocer al asistir al teatro) se encuentra inmersa en la preparación de una obra que, según nos contó, tendrá música y varias sorpresas. Ahora presta también su imagen a una firma de ropa, polifacética e inquieta como es.bazar6

En cuanto a Steak Burger, nos trataron a cuerpo de reyes, desplegando todo su buen hacer en las hamburguesas y muchas otras delicias que degustamos como se merecían. Para muestra dejaré unos “botones” en forma de imagen, que como sabéis siempre vale más que mil palabras.bazar5

Gracias mil a Ana Zuazo, sin cuyo trabajo y tesón estos encuentros no podrían tener lugar, gracias a Lara, por su irresistible encanto, a Steak Burger por la atención, y a La Luna de Metrópoli. Conseguisteis de nuevo que la magia fuera posible

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EL MISTERIO DE LALIBELA

Buceando en edificaciones misteriosas esta mañana, me he topado como por arte de magia con estas iglesias singulares situadas en Etiopía. ¿Quien lo iba a decir? El enclave inhóspito alberga en su interior estas maravillas, de las cuales no tenía conocimiento previo. Situemos el lugar en el mapalalibela1

Ciudad monástica situada al norte de Etiopía ostenta el segundo lugar de segunda ciudad santa del país, tras Aksum, y pertenece al credo ortodoxo. Incomunicado hasta hace tan sólo una década, estas 12 construcciones en total han cautivado a arqueólogos e historiadores de todo el mundo. ¿Cómo imaginarse a estos arquitectos del siglo VII, cuando empezó su construcción, aplicándose a la labor de excavar la piedra volcánica, hasta dejar terminadas estas maravillas subterráneas excavadas en la roca a golpe de calor y tesón?

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Su nombre. Lalibela, se debe, como tantos otros a una injusticia histórica, ya que el monarca cuyo nombre bautiza al conjunto ya lo encontró todo hecho cuando subió al poder, allá por el siglo XII.

El conjunto sólo puede recibir 120 visitantes diarios, que acuden desde el aeropuerto de Adis Abeba hasta este ignoto lugar, cuya carretera se levantó hace escasos 10 años.

Distintas entre sí, están talladas sin argamasa, como el acueducto de Segovia . Dicen sus actuales sacerdotes que las custodian que la razón es que están talladas por Dios.

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Cuenta la leyenda que una de ellas fue levantada por ángeles, otros dices que se levantaron solas debido al sueño del rey Zagwe. Sea como fuere, merece la pena trasladarse in situ para conocerlas de primera mano.

Las más conocidas son . 1: BIET BEDHANI ALEM, cuya traducción es Iglesia del Salvador del mundo, y que es la edificación monolítica más grande que se conoce en el mundo. Sus muros de color rosa tienen 12 metros de altura, ¡ahí es nada! cabe imaginar a los ángeles de la leyenda culminando este trabajo

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LA segunda sería BIET GHIORGIS o Iglesia de San Jorge. Está incrustada en las profundidades y muestra al exterior una forma cruciforme.la

 

Dentro se siguen celebrando las liturgias dominicales desde sus remotos tiempos de construcción. Santos, ángeles y Vírgenes de piel tostada pueblan estas volcánicas paredes, saludando a los feligreses que allí acuden.

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Uno de los primeros exploradores que pisó el conjunto fue el portugués Francisco Alvares en 1520, que era capellán, quedando fascinado por tamaño hallazgo.

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Confío en que os haya gustado. 

 

 

 

 

 

 

 

LA CONDESA DESÉGUR, INICIADORA DE LA LITERATURA INFANTIL

Las mujeres ya vienen rompiendo moldes e innovando desde tiempo inmemorial. Hoy os traigo a la Condesa de Ségur, cuyos cuentos me acompañaron en mi niñez, y cuya historia es apasionante. Pongamos cara al personaje

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Sophie de Ségur fue hija del Conde Rostopchín, Ministro de Relaciones exteriores del Zar Pablo de Rusia, y que jugó un papel fundamental en las Guerras contra Napoleón. Pero el conde cayó en desgracia ante los ojos del sucesor de Pablo, el zar Alejandro I. Tal motivo les llevó al exilio en el Ducado de Varsovia, Alemania, Italia, hasta recalar en Francia allá en 1817. En el país galo Sophie abrazó el catolicismo al casarse con el Conde Eugéne de Segur, con quien tuvo 8 hijos y una vida idílica.

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Pensando en sus numerosos nietos, la Condesa de Ségur comenzó a escribir a los 55 años unas novelas adaptadas a la edad de aquellos niños. La primera, Las niñitas modelo, apareció en 1858, y fue seguida por otras 17 cuyo éxito se ha mantenido intacto hasta la actualidad.

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A partir de una intriga muy simple, los niños, buenos o malos, desobedientes o dóciles, son los protagonistas de estos relatos moralizadores, escritos en un estilo adaptado a ellos.

La acción se desarrolla en los distintos medios sociales de la Francia del siglo XIX, proporcionando de este modo documentación privilegiada acerca de la mentalidad de la época en que fueron ideados.

Gracias a la inmensa popularidad de sus obras, la Condesa creó la Biblioteca Rosa, una de las primeras colecciones destinadas exclusivamente al público infantil

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Hoy rendimos homenaje a esta mujer, que, por lo menos a mí, tantas alegrías nos dio durante nuestra infancia

 

MIGUEL ANGEL BUONARROTI, SIEMPRE UNIVERSAL, SIEMPRE ETERNO

“Buceando” entre las efemérides que jalonan el día de hoy, me encuentro con el aniversario del nacimiento de Miguel Ángel Buonarroti. Me atrevo a asegurar que nada del arte que conocemos en nuestros días sería lo mismo sin su decisiva aportación a cualquiera de sus vertientes. Haré una breve semblanza de este completo personaje.

Nació en Caprese un 6 de marzo de 1475. Era la época en que se gestaba la nueva Europa, la del cambio en todos los aspectos, en la que el antropocentrismo estaba haciéndose con el espacio antes ocupado por el teocentrismo.

 

Casa natal de Miguel Ángel

En ese caldo de cultivo vino al mundo un hombre que poseía todos los dones: arquitecto, escultor, ingeniero, pintor y poeta, algunas de sus facetas no han sido lo suficientemente valoradas ante el peso incuestionable de otras. Miguel Ángel encarnó en su persona y en su arte al humanista cristiano, que rindiendo culto a la belleza y sensibilidad humanas, las magnificó con su genio.

Era el siglo XV una época en que la presión de los Habsburgo se hacía sentir cada vez más en Italia; y este hecho, unido a la crisis religiosa, perturbaba los espíritus de intelectuales y artistas como nuestro protagonista de hoy

Una cosa preocupaba hondamente al de Caprese: la salvación del alma. Al tema dedicó escritos y poemas, áreas en las que fué especialmente brillante.

Comenzó su carrera artística en Florencia, en el área de la escultura, para lo cual se formó en el taller de Ghirlandaio, donde se aplicó concienzudamente a la labor de, como él mismo decía, “liberar las figuras del bloque de mármol que las aprisionaba”. En esta línea se atrevía incluso a modificar las obras de su maestro que consideraba insuficientes o incorrectas. “Sabe el discípulo más que el maestro” apostrofaba el bueno de Ghirlandaio, a quien nunca molestó tamaña intromisión.

 

 

 

Asiduo de las conferencias que daba Savonarola, aplicó lo que en ellas aprendía en su “Pietá” o el “David” hijos de aquella etapa vital del humanista. En ellas se observa un rigor en la anatomía antes nunca obtenido, ni por el gran Donatello, referente escultórico antes de su aparición.

 

Fué entonces cuando le llegó el encargo del mausoleo funerario del Papa Julio II, proyecto que se suspendió el siguiente año por falta de presupuesto. Tamaña proeza le llevó a Roma, donde se sintió muy pronto como en casa.

Volvió brevemente a Florencia, pero pronto regresó a la Ciudad Eterna para hacerse cargo de la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, esta vez en su vertiente de pintor. ¿Sabíais que en un principio lo rechazó, considerando que no poseía el talento necesario para tal empresa? Estos frescos están consagrados a la historia de la humanidad, desde la creación hasta el fin del mundo

Este fue concluído en 1512, época en que vuelve a marchar a Florencia, ya que fue reemplazado por Rafael como pintor oficial del papado. No regresaría hasta 1534, fecha de la ejecución del Juicio Final, visión terrorífica de una humanidad enfrentada a un juez implacable, y que es fiel testimonio plástico de las angustias vitales de Buonarroti, y que compartía con muchos cristianos de su tiempo. aunque su carácter también fue agitado y turbulento en momentos de crisis existencial. No en vano era un genio, y creo que se lo podía permitir.

Tuvo en Vittoria Colonna un amor platónico, amistad religiosa, o comunión apasionada que le produjo un gran impacto que se reflejó en sus obras. La muerte de esta mujer en 1547 le sumió en un gran dolor, tras trece años de amistad incondicional. Todo genio tiene su musa. LA de Miguel Ángel fue esta mujer.

Pietá realizada para Vittoria

El hombre que impregnó su fogoso carácter en todas sus creaciones murió en Roma el 18 de febrero de 1684

Tumba de Miguel Ángel en Santa Croce, Florencia

 

EL DRAKKAR, SÍMBOLO DE LA EPOPEYA VIKINGA

Hoy retomo el blog con energías renovadas. Lo tenía algo abandonado en pos de otros ideales, pero ya es hora de volver a ello.

Lo hago con estas naves misteriosas que transportaban a los temibles vikingos, que fueron el azote de Carlomagno, allá por el año 814.  Al hablar de este pueblo la leyenda negra se ha cebado con ellos, tildándolos de terribles, sanguinarios, y sembradores de muerte.  La realidad es que eran medio mercaderes medio piratas, que a veces se enterraban en naves de ceremonia.

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Como el cine es arma poderosa para transportarnos a épocas lejanas han realizado una serie, fantástica a mi modo de ver, que nos ayuda a aproximarnos a tan misterioso pueblo. Si no habéis tenido la oportunidad de verla la recomiendo vivamente desde estas líneas.

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En otro orden de cosas…¿Quién no recuerda con ternura la serie de dibujos infantil Vickie el Vikingo?

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“Wickie und die starken MŠnner”

El símbolo de su epopeya es el drakar. Robustos y rápidos, tenían poco calado, lo que les permitía remontar ríos y resistir las fuertes tormentas del Atlántico Norte. Se movían con remo, con hasta treinta filas de remeros los más grandes.. y su simetría les facilitaba cambiar rápidamente de sentido. Provistos de quilla y vela triangular, para trasladarlos por tierra se desmontaba el mástil, que se izaba y fijaba con cuñas para bogar por el mar. Los vikingos navegaban  a lo largo de las costas, pero también sabían orientarse en alta mar. Así pudieron viajar desde Noruega hasta Islandia o Groenlandia. ¡Casi nada!

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Las veletas de navío nos trasladan la gran habilidad de los herreros vikingos. Además de pinzas, martillos, yunques y tijeras, utilizaban cucharas para verter el metal y moldes para lingotes. Así pues no parecían ser tan brutos como nos lo quieren presentar

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De los mas famosos fueron los drakkars de Ivar el Deshuesado, que llegaron a las costas de Inglaterra. Pero sobresale notablemente la llamada Nave de Oseberg. Sirvió de sepultura a dos mujeres. La más vieja era probablemente Assa, madre de Harald, el de la bella cabellera, y la más joven, su criada, que fue sacrificada para seguir a su señora al más allá.

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Un mundo apasionante, del que, en próximas entregas, os haré partícipes de su arte y creencias

PAULA VARONA, NUEVA IMAGEN DEL ALMANAQUE DE LA FUNDACIÓN MAXAM

El pasado jueves tuve el enorme privilegio de conocer en petit comité a Paula Varona, pintora artífice de la nueva imagen del calendario de la Fundación MAXAM,y que responde al título Luz en Páramo de Masa.

Como ya escribí un post sobre la fundación el pasado año, cuando la artista fue otra mujer, Isabel Quintanilla, no abundaré sobre las cosas que en él conté. A grandes rasgos, para quienes no lo leísteis, Alfred Nobel concedió en España a Amadeo de Saboya la potestad de fabricar explosivos. La primera sede de la fundación, entonces conocida como AEE, estuvo en Bilbao en 1876. Eran los comienzos en España de una naciente industria que no hizo sino crecer con el tiempo.

En 1900 comenzó en el seno de la misma la costumbre de crear un almanaque, que fuera su seña de identidad, dentro de los criterios de humanismo que iba adquiriendo. La primera se le encargo al artista historicista romántico Arturo Mélida, responsable de la realización y embellecimiento de varios edificios de la época, como la Real Academia de Ingeniería de Madrid. Esta fue su propuesta:

Mélida y Alinari, Arturo

A lo largo del devenir histórico de la fundación, personajes de la talla de Manuel Benedito han dejado allí cumplida huella.

Benedito Vives, Manuel

En el apartado de mujeres la primera que aparece en la colección es la realista Amalia Aviá, a la que profeso gran admiración.

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Y ahora me centraré en Luz en Páramo de Masa y en su autora, Paula Varona, una mujer que cautiva desde el minuto cero con su elegancia, su sencillez, su saber estar, y una poética pictórica que emana cultura y humanismo. Nos contaba Paula que cuando pinta le gusta que el espectador se sienta tan cómodo y feliz que quiera perpetuar el momento de contemplación, llevándose la obra de arte a su casa. Eligió una de las Sedes que la Fundación tiene en el páramo de Masa, en Burgos, y contó  que elegir el módulo que más le convenciera no fue tarea fácil. Ante la obra se siente una sensación hipnótica y evocadora. La impresión climática de frío también se capta a través de los sentidos.

Paula transmite casi hasta los olores de las pequeñas matas en color verde y morado que pueblan el suelo. La naturaleza y la tecnología del edificio, magistralmente ejecutado con sutiles sombras que le dan volumen y entidad, se funden en perfecta armonía. Y como elemento rompedor el rojo del cartel con las siglas de la fundación nos interpela, rompiendo tímidamente ese equilibrio logrado.

Compartiré con vosotros un vídeo muy esclarecedor del proceso de producción de esta obra de Paula. Ella es mucho más que esta obra, pero como he tenido la fortuna de que me invite a visitarla en su estudio eso queda pendiente para un post futuro. Mil gracias a Ana y a Lucas por lograr que la magia fluyera en una atmósfera inolvidable, la Casa de Vacas del madrileño parque del Retiro

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Aquí aparezco con ella. Un gran descubrimiento al que pusimos la rubrica de oro en el restaurante El Paraguas, en la Calle Jorge Juan