EL ARTE FUNERARIO AFRICANO

Hoy haré una semblanza de este desconocido arte. Empecemos:

La pregunta acerca de una posible vida tras la muerte era ajena a la mayor parte de las culturas africanas, pero en casi todo el continente las gentes intentaban perpetuar un nexo con los difuntos.

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Máscara Marka de Mali, imagen cortesía de http://www.todocoleccion.net, rematada con cuernos de antílope. Algunos dioses eran animales alegóricos procedentes de las primeras divinidades: tortuga, búfalo, antílope…Museo de las artes africanas y oceánicas, París.

Para ello se conservaban fragmentos del cuerpo de los difuntos con el fin de beneficiarse de su fuerza, su sabiduría y su protección.

El culto que se rendía a aquellas reliquias aseguraba la estabilidad del grupo y atraía sobre él la benevolencia de las divinidades por intercesión del antepasado.

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Máscara de madera pintada, de ojos cerrados y saltones, adornada por fibras vegetales. La barba simboliza a un poderoso espíritu protector. Exposición Pergina Valsugana, Trento.

Para guardar los huesos, los cabellos, o las cenizas de los muertos, se construían relicarios que por lo general se componían de dos partes: una la constituía un receptáculo de madera, de corteza, de cestería o de hojas y cuero, que contenía la reliquia; la otra era una figurita que evocaba al difunto.

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Máscara de madera con un tocado y un collar de conchas y perlas. Cultura kuba. Museo Nacional de etnología, Leiden.

El receptáculo y la imagen componían a menudo un conjunto armónico, como en los taburetes reales que contenían los huesos de los soberanos o en las estatuas de los antepasados adornadas con auténticos cabellos del difunto.

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Estatuilla funeraria de la tribu songhya (instalada en el Congo), que representa a una antepasada como una diosa guerrera y fecunda. Siglo XIX. Colección particular.

A veces los relicarios encerraban una joya perteneciente al muerto, prueba de su riqueza; una semilla, símbolo de la fertilidad, o un objeto mágico.

El arte del relicario africano era muy variado, pero, alrededor del río Congo, se desarrolló un estilo unificado, llamado “arte de los kota”

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WILLIAM HOGARTH

Hoy haré una semblanza de este gran pintor británico, que rompió moldes en la pintura de su país.

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El último episodio de las Elecciones: el triunfo del candidato conservador. La presencia de saltimbanquis y animales convierte en ridículo este desfile victorioso. 1754. Soane Museum, Londres

Por sus dotes de caricaturista y su crítica de las costumbres de la época, el pintor y grabador Hogarth hizo de su obra una denuncia de los defectos de la sociedad durante el reinado de los Hannover.

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Autorretrato. El artista a sus sesenta años estaba en el apogeo de su carrera. Criticó a la sociedad incluso al pintar temas de encargo. Hacia 1757. The National Portrait Gallery of London.

Cuatro estampas sobre una elección (1755-1758) describen mucho mejor que una largo discurso las prácticas por aquel entonces banales de la corrupción electoral.

¿Cómo situar políticamente a este artista moralizador?. Todo parecía vinculado a los whigs, sin embargo después de 1760 se convirtió en un partidario incondicional de Jorge III.

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Pelea de gallos. Esta diversión popular interesaba también a los grandes señores. Las apuestas y las risas eran frecuentes. Colección particular.

¿Oportunismo? No sólo. Hogarth se mostró también hostil a los Estuardo y a sus partidarios. El cosmopolitismo no formaba parte de sus valores: encantado de haber nacido inglés y no francés o, lo que era aún peor, irlandés, lo declara sin tapujos en su obra En la puerta de Calais.

Hogarth, interesado por difundir ampliamente su obra, fue ante todo un grabador.

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Gin Lane, el callejón de la Ginebra o los bajos fondos, destino final de una prostituta, tema de una serie de cuadros perdidos. Los grabados de Hogarth, ampliamente difundidos, le dieron popularidad. 1751. Biblioteca Nacional, París.

En su obra teórica El análisis de la belleza (1753) desarrolló una tesis original, según la cual la línea tiene que ganar por la mano al color.

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Después de la boda, el segundo de los cuadros de la serie del Casamiento a la moda, que refleja el fracaso total de un matrimonio por interés. Tras una noche de fiesta, los jóvenes esposos se encuentran con una casa descuidada y unos criados negligentes. 1742-1744 National Gallery, Londres.

Enamorado del arabesco, afirmaba que la belleza, tanto en el arte como en la naturaleza, se halla en la línea sinuosa que concilia la recta y la curva.

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La vendedora de quisquillas, muy diferente de las series satíricas, muestra la libertad de ejecución del pintor que en esta obra supera a sus contemporáneos franceses por la frescura y espontaneidad de su trazo. 1759. National Portrait Gallery, Londres.

Todo un personaje, que rompió moldes en la sociedad en la que vivió.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

ESTAMBUL

Hoy mi crónica irá sobre esta bella ciudad, a caballo entre Asia y Europa. Empecemos:

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Dibujo de Süleymaniye, construida por Sinán: a cúpula de la mezquita, inspirada en Santa Sofía, se apoya en cuatro pilares y está rodeada por pequeñas cúpulas y semi-domos. Kunstbibliotek, Berlín.

El 29 de mayo de 1543 Constantinopla cayó en poder de los turcos. Simbólicamente, Mehmet II entró a caballo en Santa Sofía, pero decidió no arrasar la ciudad: al contrario, ésta se transformó en la capital del Imperio otomano, a partir de entonces heredero de Roma.

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LA mezquita de Selim en Edirne (Adrianópolis). Fue construida entre 1564 y 1574 por el célebre arquitecto Sinán, con una cúpula de 30 metros de diámetro, más grande que la de Santa Sofía.

La ciudad conservó su aspecto antiguo, pero fué islamizada y repoblada después del asedio a Estambul (o Constantinopla, como siguieron llamándola los occidentales) se convirtió en una ciudad muy cosmopolita.

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Azulejo de Iznik (Nicea). Los grandes talleres de cerámica de la ciudad tenían una producción de excelente calidad, comercializada en todo el Imperio.

Poblada en su mayoría por turcos, también acogió a griegos, armenios y judíos. El barrio de Gálata, separado de Estambul por el Cuerno de oro. Era un puerto franco poblado por cristianos (franceses, ingleses, neerlandeses  y venecianos) que habían llegado como comerciantes.

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Ls cúpulas de la mezquita de Sehzade (de los príncipes) de Estambul, vistas dese el interior. Se deben a Sinán, que en 1548 aún no había descubierto el procedimiento arquitectónico que le permitiera entrar la luz a raudales, como en Edirne.

A raíz de la conquista, la basílica de Santa Sofía y la mayoría de las Iglesias fueron convertidas en mezquitas. Durante el reinado de Solimán se construyeron las grandes mezquitas de Estambul.

estambul5 Las madrasas (universidades islámicas) gemelas de la mezquita Süleymaniye de Estambul, construida por Sinán entre 1550 y 1557. El arquitecto no se contentaba con edificar monumentos utilitarios, su objetivo era organizar el espacio urbano.

Llegaron a ser unas 300 y las más importantes se hallaban en el núcleo de auténticos “complejos” que agrupaban biblioteca, hospital, instituciones de beneficencia…

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Un hammam . En el mundo musulmán, como en Roma, los baños públicos eran un importante centro de la vida social. Estaban reservados a las mujeres algunos días de la semana.. Siglo XVII. Colección particular.

Una ciudad fascinante, así como su legado artístico e histórico.

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LA FRONDA

Hoy mi crónica irá sobre este hecho trascendental, que sacudió los cimientos de la Francia de la época. Empecemos:

Desde 1648 hasta 1652, mientras Ana de Austria asumió la regencia en nombre del futuro Luis XIV, el reino se vio agitado por una serie de levantamientos que se han llamado tradicionalmente “Fronda”, y que sus contemporáneos denominaron “guerras domésticas”.

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Luis XIV, vencedor de La Fronda, representado como Júpiter cuando contaba 15 años de edad. Siglo XVII. Escuela francesa. Palacio de Versalles.

Este complejo movimiento afectó principalmente a París, pero también a numerosas provincias como Guyena. En 1648 y 1649 se desarrolló en primer lugar una Fronda parlamentaria a la que se asociaron los oficiales reales compradores de los impuestos del estado.

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La batalla del suburbio de Saint-Antoine. Las tropas reales son cañoneadas por orden de la “Grande Mademosielle”. Siglo XVII. Escuela francesa. Palacio de Versalles.

A partir de 1650 los grandes y la nobleza de capa y espada comenzaron a su vez a rebelarse. Paralelamente numerosas revueltas populares acompañaron el levantamiento de las élites contra el Estado.

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El presidente del parlamento de París, Mathieu Molé, atacado por el pueblo enfurecido en agosto de 1648. Siglo XIX. Françoise- Xavier Duprée. Museo de Bellas Artes. Troyes.

Sin embargo aquellas resistencias eran contradictorias, hecho que explica en parte el triunfo final del orden real encarnado por el joven Luis XIV. El Rey Sol conservó, no obstante, un amargo recuerdo de la revuelta de los príncipes y los parlamentos.

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Omer Talón defendió las prerrogativas del Parlamento de París durante la Regencia. !649. Philippe de Champaigne. National Gallery of Art. Washington.

Que tengáis un domingo fantástico

LA MUERTE OMNIPRESENTE

El tema de mi crónica de hoy tiene su miga. Empecemos:

Las gentes del siglo XIV, aterrorizadas por la peste, que se llevó a familias enteras, e incluso a pueblos, aprendió a convivir en una extraña familiaridad con la muerte.

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La muerte apoderándose de un noble abad. Al desafío del Memento mori (recuerda que has de morir) respondía la burla hiriente de la danza macabra. Siglo XV. Detalle de la Danza de la muerte, Iglesia de La Ferté- Loupiere, Yonne, Francia.

El Triunfo de la muerte adornaba los muros de las iglesias de Toscana, mientras que las danzas macabras desplegaban sus rondas de esqueletos en los muros de los cementerios, donde la gente se reunía para escuchar a los predicadores de moda.

Sobre las tumbas, junto a las estatuas yacentes, hieráticas e imperturbables, que evocaban la paz y el descanso en el Señor, se esculpieron cuerpos en descomposición sobre los que hormigueaban los gusanos.

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El triunfo de la muerte. La Iglesia se esforzó en sustituir el gusto por lo macabro por un llamamiento a la conversión y a la penitencia acompañada de limosnas, únicas capaces de borrar el pecado. Siglo XIV. El Orcagna. Museo de Santa Croce, Florencia

La pompa fúnebre llegó a ser abrumadora: el largo cortejo de los pobres acompañaba los restos de los difuntos de alto rango hacia su última morada.

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Leyenda de los tres muertos y los tres vivos. Tres jóvenes señores encuentran tres cadáveres que son sus dobles, hecho que los lleva a meditar acerca de la fragilidad de la vida. Siglo XIV. Fresco. Monasterio de San Benito Subiaco, Italia.

Los testamentos, incluso los de la gente modesta, contenían una lista impresionante de disposiciones que preveían sobre todo centenares, incluso miles de misas y oraciones por el eterno descanso del alma: éstas últimas aseguraban la existencia a un ejército de clérigos y capellanes más o menos controlados por la jerarquía eclesiástica, y que eran la avanzadilla de la gran contestación a la Iglesia.

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La muerte triunfante. El horror del espectáculo que ofrece la muerte, a caballo, contrasta con los placeres de la vida. Siglo XIV. Monasterio de San Benito Subiaco, Italia.

Ante el tránsito fatal, los cristianos multiplicaban las buenas obras, realizaban peregrinaciones y compraban indulgencias.

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Borrachos y libertinos en el Infierno. La lujuria era el pecado capital más denunciado. El hombre y la mujer eran castigados por donde habían pecado. Los secuaces del diablo les devoran el sexo y les echan en la boca plomo fundido y azufre ardiente. Siglo XV. El tesoro de Sabiduría. Museo Condé, Chantilly.

Un mundo macabro, pero a todas luces fascinante.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ARTE DE AL-ANDALUS

Hoy haré una crónica sobre este magnífico arte. Empecemos:

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Jardines y pórtico del palacio del Partal, uno de los múltiples ejemplos de arquitectura abierta y ligera de la Alhambra. 1302-1309.La Alhambra. Granada.

El arte islámico andalusí se desarrolló según los cánones religiosos, las influencias orientales y las de motivos constructivos y decorativos hispánicos premusulmanes.

Ello se percibe en las mezquitas -la de Córdoba fue tomada como modelo en el mundo islámico– y los palacios donde se utilizaron elementos hispanorromanos (aparejos de soga y tizón) y visigodos (el arco de herradura, más cerrado y enmarcado por una moldura, el alfiz).

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Escudo donde se ve el alminar de la mezquita de Córdoba, convertido en campanario tras la conquista de la ciudad por los cristianos en 1236. Catedral de Córdoba.

Se recurrió tanto a la bóveda de arista lobulada como a la cúpula gallonada, aunque predominó la cubierta de madera con yeserías.

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Decoración en yeso de la techumbre de la Sala de Mocárabes, contigua al Patio de los Leones, cuya construcción ordenó Muhammad V. Siglo XIV. La Alhambra. Granada.

El uso de la madera, el ladrillo y el yeso como principales elementos constructivos permitía crear amplias aberturas en los muros, y producía una sensación estética de una arquitectura ágil y ligera, reforzada en el caso de los palacios – Madinat-al-Zahra, la Alhambra, el Generalife – por la combinación de espacios habitables y abiertos de jardines y patios con fuentes y estanques.

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Arcos lobulados se superponen dentro de los arcos de herradura en la sala que antecede al mihrab de la Mezquita de Córdoba. Hacia 965. Mezquita de Córdoba.

El hecho de que el Corán proscribiera la representación de la figura humana determinó el empleo de motivos decorativos geométricos y vegetales e inscripciones cúficas.

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Jarrón de las gacelas, decorado en oro y azul. Esta delicada pieza debió desempeñar una función ornamental. Museo Nacional de arte Hispano-musulmán. La Alhambra. Granada.

Esta ornamentación se usó también en las artes aplicadas, en las que destacaron las labores de marfil de los talleres cordobeses.

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Arqueta de Palencia. En ella se combinan hábilmente la talla de marfil y la talla del esmalte. 1049-1050. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

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EL ARTE HELENÍSTICO

Hoy hablaremos de este periodo vital en la historia artística de Grecia. Empecemos:

Sesenta años separan la muerte de Alejandro Magno de la conquista de la cuenca mediterránea por los romanos.

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Laoconte. Sacerdote de Apolo, rompió el celibato y tuvo dos hijos. Cuando aconsejó a los troyanos que no dejaran entrar en la ciudad el “caballo abandonado” por los griegos, dos serpientes monstruosas los estrangularon junto a sus hijos. El artista enfatiza el supremo dolor y la impotencia de un mortal condenado por los dioses. Este célebre grupo escultórico perteneció al emperador romano Tito. Siglo II a.J.C. Museo Pío Clementino. Vaticano.

Durante este período, llamado helenístico, el arte y la cultura griegos entraron en contacto con oriente. Las ciudades rivalizaban en ornamentación.

Existía un mercado del arte mantenido por las cortes y por protectores, alimentado también por los coleccionistas, grandes aficionados a las copias de la época clásica, gracias a los cuales se conocen las obras de  artistas clásicos como Fidias.

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Caballo helenístico de Artemision con su jockey, un niño. Recuperado del mar cerca del cabo de Artemision en dos fragmentos, este famoso bronce es de factura más sencilla que el Laoconte. Siglo II a.J.C. Museo Arqueológico Nacional, Atenas.

Sin embargo, la arquitectura tomó escasos elementos de oriente. Se construyeron templos monumentales: el santuario de Dídimo (116 metros por 52), era casi el doble que el Partenón, y en Rodas se erigió el imponente coloso.

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Reconstrucción del Coloso de Rodas. Poco hay que decir, imponente imagen.

Pero el rasgo dominante fué el urbanismo. Aunque en la época de Pericles, la Acrópolis de Atenas había sido erigida según un plano ordenado, las ciudades antiguas eran anárquicos laberintos.

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La “Diana de Versalles”, diosa cazadora, copia antigua de una Artemisa de bronce atribuida al escultor Leocares, a quien se debe asimismo el famoso Apolo del Belvedere

Las conquistas de Alejandro y su política de fundación de ciudades llevaron a un nuevo enfoque: estas eran proyectadas antes de ser construidas y seguían un plano idéntico: calles rectas y anchas que se cortaban en ángulo recto, con templos, gimnasios y plazas públicas.

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Victoria de Samotracia. Esta estatua de mas de tres metro de altura conmemora la victoria sobre los griegos de Demetrio I Poliorcetes “el que toma ciudades”, rey de Macedonia de 306 a 287. Se trataba de una victoria naval, y la estatua, colocada sobre un pedestal que representa la proa de una nave, evoca un mascarón de proa. LA mano derecha, levantada para dar fe del acontecimiento, se halló en Samotracia.

Al compartir una misma ambición estética, la ciudad en sí se convirtió en un decorado.

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La “taza Farnesio”, camafeo realizado en Alejandría en la epoca de los Tolomeos. El artista aprovechó las venas de la sardónice para representar la crecida del Nilo, que se reconoce por el cuerno de la abundancia. Sus dones se deben a la intercesión del rey difunto representado por una esfinge, y cuyo heredero en el centro, siembra la tierra. Hacia 175 a.J.C. Museo Arqueológico Nacional, Nápoles.

Una epoca sublime, en la que el arte y la historia se fusionaron a la perfección.

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LA GRAN PINTURA GÓTICA EN CATALUÑA

Hablaremos hoy de este período fundamental en la historia del arte catalán.

 

Si la vinculación de Cataluña con el mundo mediterráneo hizo a la pintura catalana permeable a la influencia del Trecento italiano, como se advierte en la obra de Ferrer Bassá , la plena, la plena inserción de este país facilitó la llegada del llamado “gótico internacional”, de la mano de Lluis Borrassà (muerto hacia 1426).

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Personajes de la Tabla de la Crucifixión del retablo de San Pedro, por Lluis Borrassà, caracterizado por la valoración de lo expresivo y la introducción de detalles en el llamado “gótico internacional”. Hacia 1411. Iglesia de Santa María. Terrassa.

Sin embargo fue Bernat Martorell (muerto en 1452) el mejor representante de este movimiento. Su obra, no exenta de cierto arcaísmo de raíces italianizantes, cuenta con piezas extraordinarias, como el retablo de San Jorge (hacia 1425-1437).

Con Lluis Dalmau penetró en Cataluña el estilo flamenco; la influencia que ejerció Jan Van Eyck sobre Dalmau es perceptible en el retablo de los Consellers (1445), donde la composición y los tipos son plenamente flamencos.

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Retablo de los Consellers. El pintor representó aquí a los donantes de la obra: los consejeros (consellers) o magistrados de Barcelona, protegidos por Santa Eulalia y San Andrés. 1445. Lluis Dalmau. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

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Dos consellers del retablo de Lluis Dalmau: Ramón Vall y Antoni de Villatorta, de quienes el artista llevó a cabo penetrantes y realistas retratos

Jaime Huguet (hacia 1415-1492), adscrito a esta tendencia, es la figura cumbre del arte catalán del siglo XV. En él destacan la naturalidad en la representación de la figura humana, así como la acertada individualización de los personajes por medio de sus rasgos físicos y de la expresión. Huguet es autor, entre otras obras de una famosa tabla de San Jorge y de los retablos de San Vicente (hacia 1450-1460), de San Abdón y San Senén (1459-1460) y del Condestable Pedro de Portugal.

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Martirio de San Vicente: los ángeles apagan la hoguera encendida a los pies del Santo. Hacia 1450-1460. Jaime Huguet. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

A mí me parece fascinante.

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LA RELIGIÓN ROMANA

Hoy mi crónica irá sobre esta parte fundamental en la historia de la civilización más importante del mundo clásico. Empecemos:

La vida de los romanos que se consideraban a sí mismos los más piadosos de los hombres estaba impregnada por el numen, poder divino indefinido que residía en todas las cosas.

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Doble sacrificio al dios Marte (fragmento). Esta ceremonia era llamada suovetaurilia, porque en ella se sacrificaba un cerdo (en latín sus), una oveja (en latín ovis) y un toro (taurus) Hacia 50 a.J.C. Museo del Louvre, París.

Para no incurrir en la cólera de los dioses, los romanos establecieron con ellos la Pax deorum, basada en el escrupuloso respeto del ritual religioso que solía consistir en danzas, invocaciones o sacrificios.

Toda omisión podía acarrear consecuencias terribles. Se estableció un calendario muy estricto para recordar sus deberes al hombre y al que se ajustaban todos los actos de su vida pública y privada.

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Divinidad de los lares. Los lares, en un principio divinidades infernales, pasaron a ser deidades tutelares, encargadas de proteger la vida de la ciudad en todos sus aspectos (lares protectores de las encrucijadas, de las cosechas, etc). Algunos lares debían velar más concretamente por la familia y la casa, y se les honraba en todas las ocasiones importantes. Siglo II a.J.C. Museo Cívico de Treviso.

Además de los dioses domésticos, lares y penates, Roma poseía varias tríadas divinas a las que cada época o acontecimiento político fue añadiendo muevas figuras.

Así, la tríada formada por Júpiter (señor del universo), Marte, (dios de la guerra) y Quirino (dios de la fecundidad), los etruscos añadieron las diosas Minerva (diosa de la inteligencia y de la sabiduría) y Juno Regina (reina del cielo y esposa de Júpiter).

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Dibujo de altar flanqueado por dos serpientes que simbolizan el culto a los penates, divinidades familiares protectoras de la ciudad, y a los manes, representantes de los muertos. Las serpientes son un símbolo ctónico.

 

Tras la caída de la monarquía, la nueva República honraría a Ceres (diosa de la Tierra y los cereales), Liber y Libera.

Más tarde, por influencia griega, Mercurio (dios del comercio y de la elocuencia) adoptó los rasgos de Hermes y Baco los de Dioniso.

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Tríada capitolina. Júpiter, Juno y Minerva sentados en el mismo trono. Estos tres dioses mayores, rey y reina de los cielos y diosa de la sabiduría eran venerados en Roma. Esta tríada protectora de la ciudad y del estado romano sucedió a la tríada primitiva formada por Júpiter, Marte y Quirino. Siglo II a.J.C. Museo de la civilización Romana.

Un mundo fascinante de creencias que sigue vigente en nuestros días.

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LAS CIVILIZACIONES INDIAS

Hoy haremos una aproximación a estas lejanas culturas, esenciales para comprender la historia norteamericana. Empecemos:

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El gran jefe Ma-to-toh-pa (“Cuatro osos”). Su tocado de plumas de águila indicaba su bravura. Esta pintura fue encargada por el rey Luis Felipe. Hacia 1845. George Carlin. Museo del hombre, París.

Antes de la llegada de colonos blancos, los indios estaban repartidos en tres zonas geográficas.

En la costa noroeste del Pacífico se alzaban las aldeas de pescadores de salmón y cazadores de ballenas. Los tlingit, haida, chinuk y kwakiutl vivían agrupados en clanes, cada uno de ellos representado por un animal totémico.

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Tótem kwakiutl de Canadá. Este emblema era ritual, cada tribu poseía el suyo y adoptaba los atributos del animal fetiche, en este caso un águila y un oso pardo. Vancouver, Canadá.

En el suroeste, las aldeas de los hopi, zuñi y pueblo se hallaban construidas sobre mesas o mesetas para protegerse de los apaches y comanches.

Estas poblaciones sedentarias se dedicaban al cultivo del maiz.

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La danza del águila estaba reservada a los guerreros.Como en cualquier civilización de las llamadas “primitivas”, las danzas tenían un significado religioso. El pintor Carlín fue un fiel testigo de las costumbres indígenas. Hacia 1845. George Carlín, Museo del hombre, París.

En las llanuras vivían los nómadas, sioux, apaches y cheyenes, que obtenían del bisonte lo esencial para la subsistencia: además de la carne, de la cual se alimentaban, transformaban su piel en calzado, mantas, cofres y tiendas (tipis), con los huesos fabricaban herramientas y puntas de flechas, la grasa les servía de combustible; de los tendones e intestinos hacían cuerdas para los arcos, y con los cuernos adornaban sus tocados de guerra.

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Los siux, tribu septentrional, utilizaban diversos tipos de canoas y raquetas de nieve. 1840. George Carlín. Biblioteca Municipal Versalles. Imagen cortesía de alamy stock photo.

Los ritos puntuaban la vida del indio, que creía en el Gran Espíritu creador. Cada tribu tenía su chamán o brujo, que conversaba con el más allá y sabía curar a los suyos y matar a sus enemigos con armas invisibles…

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Poste de madera esculpida de la tribu de los tlingit, con varios animales simbólicos. Los tlingit vivían en la costa norte del Pacífico.

Una civilización muy desconocida, pero fascinante.

¡Confío en que os haya resultado interesante!