LAS GRANDES OBRAS DE PARÍS

Tras unos días de inactividad vuelvo a la escritura. Hoy para hablar de una época crucial en la capital de nuestro vecino del norte.

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El Centro Pompidou ha suscitado grandes controversias durante mucho tiempo. Apodado “la refineria” por quienes rechazan su arquitectura es, sin embargo, un recinto expositivo muy visitado y apreciado. 1977. Renzo Piano y Richard Rogers

Polémicas y criticadas por su elevado coste, las grandes obras del presidente son lo que permanecerá de los dos septenios de Françoise Miterrand. Antes que él, todos los presidentes de la V república dejaron también su huella en la capital.

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La ópera de la Bastilla es uno de los edificios más controvertidos por su arquitectura y su coste, muy superior a lo presupuestado. Está dedicada al arte lírico, mientras que los espectáculos de danza se representan en la Ópera Garnier. 1989. C. Ott.

Charles de Gaulle contó con un prestigioso ministro de Cultura, André Malraux, que empezó la limpieza de los monumentos y fachadas de los inmuebles de París.

A Georges Pompidou, gran amante del arte, se debe la construcción del centro de arte contemporáneo que lleva su nombre. A Valéry Giscard d´Estaing debe París la iniciativa del museo de arte del siglo XIX, en la antigua estación de Orsay, y de la ciudad de las ciencias en La Villette.

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El Museo de Orsay, instalado en una antigua estación, está dedicado al arte francés del siglo XIX en todas sus manifestaciones: pintura, esculura, fotografía, artes decorativas, etc. 1986. G. Aulenti y A.C.T.

Sin embargo Françoise Miterrand, ayudado por Jack Lang, ministro de Cultura, fué el promotor de la construcción de numerosos monumentos. La ópera de la Bastilla, el conservatorio nacional de música en La Villette, y sobre todo la Gran Biblioteca de Francia reequilibraron hacia el este la vida cultural de la capital.

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El Museo de historia natural. Tras años de hibernación, las célebres colecciones de Buffon, muchas de ellas únicas en el mundo, se han restaurado para ser expuestas al público. 1994.  Chernetov y B. Huidobro.

Al oeste, el arco de la Défense conmemora el bicentenario de la revolución francesa y de la declaración de los derechos del hombre y del ciudadano.

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La pirámide del Gran Louvre, en el centro del patio Napoleón. La obra de Pei cuenta con sus admiradores y detractores. En cambio el indiscutible logro del Museo es haberse convertido en un espacio dedicado al arte y a la historia. El traslado del ministerio de Hacienda que ocupaba el ala norte ha contribuído a duplicar el espacio destinado al público. 1989. Pei.

Pero la realización cumbre de la época conocida es, sin lugar a dudas, la pirámide de cristal del Gran Louvre, del arquitecto chino Pei.

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La pirámide del Louvre cubre las escaleras que conducen al vestíbulo. Las obras de renovación del museo han permitido recuperar y realzar vestigios del antiguo Louvre y del París medieval, ¡Casi nada!. Pei. 1989.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

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ORO Y ESPECIAS

Hoy hablaremos del uno y de las otras en el devenir del renacimiento portugués. Empecemos:

Desde los primeros años del siglo, el descubrimiento de nuevas rutas hacia las Indias occidentales y la India oriental condujo a una revolución económica que empezó beneficiando a los portugueses.

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Banqueros y contabes invocaban la protección de Mateo, su Santo Patrón. La afluencia de metales preciosos orientó a Europa hacia el capitalismo comercial.

En 1503 Vasco de Gama llegó a Lisboa con un cargamento de pimienta sin precedentes: ¡30.000 quintales! Dos hombres, (pronto rivales) se repartirían el monopolio portugués de las especias: Francisco de Almeida y Alfonso de Albuquerque.

Ambos construyeron la India portuguesa, pero Albuquerque, también conocido como el Cesar del Oriente, gran estratega y mejor militar, formado en la corte de Alfonso V, eclipsó a su rival suplantándolo como virrey de las Indias (1508) y se apoderó de Goa (1510), poderosa base que permitía a los portugueses llegar a las Islas de las especias y a Malaca.

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Alfonso de Albuquerque.

Además de todos era sabido que el dominio de la ruta de especias en el sureste asiático daría todo tipo de riquezas a quien se hiciera con ellas.

Lisboa pudo contar desde entonces con una remesa de 25.000 quintales de pimienta por año, ¡casi nada!. Mientras tanto los españoles intensificaron el tráfico hacia el Atlántico: ¡226 viajes de ida y vuelta entre Sevilla y las Antillas de 1506 a 1510, y 279 en los cuatro años siguientes!.

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Las Islas de las Especias aparecían en los mapas más relevantes.

La ruta marítima no había cambiado apenas desde Cristóbal Colón, y fue totalmente dominada a partir de 1520 . Entre 1503 y 1520 el oro de América registrado legalmente en Sevilla ascendía a 14113 kilos.

Entre 1511 y 1520, los buscadores de oro de Santo Domingo recogieron algo más de 9.000 kilos de oro. Los intercambios eran organizados por la Casa de contratación , creada en  Sevilla en 1504.

¡Confío en que os haya gustado!

 

EL NEOCLASICISMO NORTEAMERICANO

Hoy viajamos al otro lado del charco, para hacer una semblanza del arte que allí se hizo. Empecemos:

En el terreno artístico Estados Unidos también quiso romper con su pasado colonial. Fue sobre todo en la arquitectura civil donde logró su propósito, gracias a la adopción del estilo neoclásico de finales del siglo XVIII.

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El Capitolio de Washington. En el origen el edificio era más austero. Después del incendio de 1814 se dió mayor volumen a la cúpula, circundada por columnas corintias, y sobre la linterna fue erigida una estatua de la Libertad.

Thomas Jefferson se apasionó por la arquitectura romana desde su visita a la Maison Carrée de Nimes. A su regreso, hizo coronar con una cúpula a su villa de Monticello y le añadió un pórtico dórico. Trazó personalmente los planos de Richmond, sede provisional de la capital.

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El Capitolio de Richmond, en Virginia. Fue construido en 1785 según los planos de la Maison Carrée de Nimes que envió Thomas Jefferson, en aquel momento embajador en Francia, seducido por el arte romano.

El francés Pierre L´Enfant fue el encargado de diseñar la ciudad de Washington, donde el británico Henry Latrobe construyó las salas de la rotonda del Capitolio.

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La cúpula del Capitolio. Su armazón de hierro de casi 60 metros de altura fue una verdadera proeza técnica. 1830. Charles Bulfinch, Washington.

Otros arquitectos franceses, perseguidos por la revolución, participaron en la adaptación de aquel estilo: Etienne Hallet, Maximilien Godefroy, Jacques Ramé y los hermanos Joseph y Charles Mangin fueron los más célebres.

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La residencia de Monticello, propiedad de Jefferson y remodelada por el mismo desde 1768 hasta 1809, atestigua el paso hacia el neoclasicismo.

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El primer Banco de Estados Unidos, edificado en la calle 3 de Filadelfia. De estilo neoclásico, presenta frontón y pilastras. 1799. Birch & Son. The Granger Collection. New York.

El neoclasicismo gustaba de la escultura de mármol de inspiración clásica y Estados Unidos, que en aquellos momentos buscaba héroes a su medida, necesitaba escultores para plasmar su imagen.

Otro francés, Jean-Antoine Houdon, fue escogido por Jefferson para realizar el busto de Washington. Tras éste inmortalizó también al propio Jefferson.

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Bustos de Jefferson (arriba) y Washington, (abajo) por Houdon.

Una época vital, para empezar la globalización, si podemos llamarla así, del arte y sus manifestaciones por igual en cualquier rincón del mundo, propiciada también por la cada vez mayor facilidad de viajar y


a lo largo del mundo.

¡Espero que os haya gustado!

LOS PORTULANOS

Para reinaugurar el curso y mi vuelta a la escritura este tema es a mi modo de ver muy interesante. Empecemos:

En 1474 la Geografía de Tolomeo se tradujo al latín y se imprimió. De esta manera, en el siglo XV, el tratado del último astrónomo y geógrafo de la antiguedad fijaba los límites del mundo habitado.

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El Mediterráneo portulano italiano del siglo XV. Los italianos eran los maestros de la cartografía del Renacimiento. La situación del pais favorecía la recogida de inormaciones geográficas. Museo Correr, Venecia.

El Mediterráneo, cuyo dibujo se hallaba relativamente precisado, era el eje del conocimiento. Los mapas medievales, que privilegiaban los conceptos teológicos, se orientaban de este a oeste: el paraiso terrenal se situaba en oriente, mientras que animales maravillosos o personajes legendarios poblaban las regiones desconocidas…

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Ballena misteriosa en un lugar desconocido, inspirado en las explicaciones del Libro de las maravillas de Marco Polo

Al mismo tiempo, la experiencia naútica de los marinos dio origen a los primeros “portulanos”: en ellos se describían las costas, con los puertos y las rutas a seguir en función de la dirección de los vientos, representados por “líneas de rumbos”- entre las 32 cuartas de los vientos del horizonte-.

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Mapa de Juan de la Cosa, piloto de Colón (detalle). Representa una rosa de los vientos, de donde parten líneas (los rumbos) que permitían a los navegantes orientarse. 1500. Museo Naval, Madrid.

En ellos se intentaba calcular las distancias y dar otras informaciones como el número de brazas de fondo. Los portulanos describieron primero las costas del Mediterráneo y posteriormente las costas africanas, los países de la cuenca oriental, el mar Caspio y también el mar Rojo.

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Mapas de Oriente Medio y África, de Fra Mauro, el monje que cartografió el mundo entero sin salir de su celda, a iniciativa de Alfonso V de Portugal. !449. Biblioteca Marciana, Venecia

En Génova, Mallorca, y Lisboa se establecieron los primeros registros de cartas, que se llevaban en secreto y estaban controladas por el poder.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL SABBAT

Hoy nos aproximaremos a estas terroríficas reuniones, empecemos:

La reunión con el diablo constituía el punto máximo del crimen de brujería, pues transgredía la justicia divina y humana.

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El sabbat de los valdenses, secta cristiana maniquea fundada a finales del siglo XII. En señal de fidelidad, los fieles besan el trasero del diablo, que tomaba forma de macho cabrío. Siglo XV. Biblioteca Nacional, París.

La ceremonia del sabbat ponía al mundo del revés y rebajaba al ser humano, criatura de Dios, al rango de animal. Solía celebrarse en algún lugar desierto, en noche de luna llena.

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Sabbat de brujas, diablos y animales diabólicos. Esta pintura se realizó originalmente para una obra de teatro. Siglo XVII. Biblioteca Nacional de París.

Magdalena des Aymards, una jóven de quince años, describió el sabbat al que había asistido varias veces en 1606: “Transportada por los aires a una montaña” encontró “gran número de personas, tanto hombres como mujeres de toda clase y condición”.

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La joven bruja. La belleza, que los eclesiásticos que habían hecho voto de castidad, no podía ser más que cosa del diablo. Antoine Wiertz. Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas.

Satán pidió a sus servidores que rindieran cuenta “de los males que habían cometido, qué personas habían matado, envenenado, indispuesto o enfermado, qué ganado habían hecho morir y qué otros males habían hecho”.

A continuación se celebró una misa burlesca, dicha del revés, sobre un altar negro…

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Escena de brujería. Mujeres desnudas montadas en escobas salen por la chimenea después de pronunciar un sortilegio. 1663. David Teniers el Joven. Museo de la Antigua Cartuja, Douai.

Durante el sabbat se bailaba- lo que horrorizaba a la Iglesia- “espalda contra espalda”, al son del tamboril y, finalmente el maestro de ceremonias apagaba la luz y entonces cada hombre de los asistentes tomaba a cada una de las mujeres o chicas que había allí, las acostaban en el suelo y las gozaban y las conocían carnalmente por orden del diablo”

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Los procesos de brujería pretendían mantener a raya al contrapoder femenino que las brujas representaban. 1797-1798. Francisco de Goya. Conjuro. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

Una costumbre horripilante y atroz ¿No creéis?

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ARTE ESPAÑOL DESPUÉS DE LA TRANSICIÓN

Hoy mi crónica irá de esta época fundamental en el panorama artístico español. Empecemos:

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Sense title, Sergi Aguilar. Su labor, como la de los artistas españoles contemporáneos, viene marcada por el cosmopolitismo, por su inserción en grandes corrientes artísticas y actuales. 1988.

Sin la menor duda, la transición a la democracia ha supuesto importantes cambios en el arte español. El arte se benefició de una popularización creciente que permitió la celebración de ferias acompañadas de un fulgurante éxito (ARCO).

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Escultura de Ronny Vanya expuesta en ARCO 1995

En estas circunstancias el cosmopolitismo de las nuevas generaciones se hizo perceptible en la obra de Miquel Barceló o José María Sicilia, muy pronto acompañada de un éxito espectacular fuera de España.

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Fifteen holes, obra de Miquel Barceló, pintor, escultor e ilustrador de textos de escritores como Paul Bowles, ha sido el paradigma de artista joven muy pronto reconocido por la crítica. 1987.

Antecedidos por Luis Gordillo, pintores como Guillermo Pérez Villalta o José Manuel Broto representaron la renovación del interés por la pintura y el eclecticismo relacionado con la sensibilidad posmoderna.

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Tulipa 22, de José María Sicilia, imagen cortesía de todocolección. Radicado en París evolucionó desde un estilo próximo al bad painting norteamericano hasta una abstracción de ecos suprematistas, recalando en representaciones de objetos domésticos y paisajes. José María Sicilia. 1985.

De la misma manera las preocupaciones estéticas de la nueva escultura (Susana Solano, Sergi Aguilar, Francisco Leiro) responden a unas características peculiares de esa generación en todas las latitudes del mundo.

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Espai humit número 2. La sobriedad en el tratamiento del material y el carácter poético de sus creaciones dan el tono a la obra de Susana Solano. 1986.

El cosmopolitismo de los arquitectos españoles resulta muy patente por la misma ubicación de sus obras principales.

Este es el caso de Rafael Moneo, autor de algunos de los museos mas importantes realizados en todo el mundo en los últimos tiempos, o de Santiago Calatrava, constructor de puentes caracterizados por una particular audacia.

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El museo de arte romano de Mérida es una de las obras emblemáticas de Rafael Moneo, profesor en Harvard y creador de otros museos, como el de la Fundación Joan y Pilar Miró en Palma de Mallorca, el Davies en el Wellesley College o el de arte y arquitectura de Estocolmo. 1980-1986.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GUERRA DE CUBA

Hoy nos acercaremos a este acontecimiento crucial en la vida de la antigua colonia española. Empecemos:

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El acorazado español Cisneros, imagen cortesía de alamy stock photo. Los buques norteamericanos, con una potencia de fuego, alcance de los cañones y blindaje muy superior  a los españoles, destruyeron el 1 de mayo la flota de Oriente en Cavite (Filipinas), y el 3 de julio barrieron los buques del almirante Cervera en Santiago de Cuba, lo que conllevó la rendición de esa ciudad y obligó a España a pedir la paz. 1898. R. Monleón. Museo Naval de Madrid

Entre 1895 y 1898 tuvo lugar la última guerra colonial en Cuba. De hecho el conflicto se había iniciado en 1868, y habia concluido formalmente con la Paz de Zanjón de 1878.

Sin embargo las tensiones se prolongaron porque la metrópoli no encontró solución para el conflicto, ya que la idea de una posible autonomía para la isla llegó muy tarde.

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Los insurrectos cubanos contra la tutela española disponían de un armamento heteróclito, pero contaron a su favor con la intervención norteamericana, menos desinteresada de lo que creían. Imagen cortesía de gettyimages. 1898. Colección particular

Para entonces Estados Unidos, cuya penetración económica ya era muy evidente en Cuba, vio en el control del Caribe una excelente plataforma para su expansión en América Central y del Sur, y alentó el movimiento independentista cubano liderado por José Martí, que reemprendió la guerra contra España en 1895.

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Santiago Ramón y Cajal, premio Nobel de medicina en 1906, ejerció como capitán medico en Cuba en 1874, cuando la isla se hallaba sumergida en la guerra de Diez Años (1868-1878) contra España. Izquierdo y Vivas. Museo del Ejército, Toledo.

La voladura (posiblemente provocada) del acorazado norteamericano Maine en la bahía de La Habana, el 15 de febrero de 1898 que Estados Unidos atribuyó a España, desembocó en una guerra convenientemente preparada por la prensa norteamericana.

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Desembarco norteamericano en Guantánamo, imagen cortesía de alamy stock photo. En la entrada de Estados Unidos en guerra tuvo un papel decisivo la propaganda a favor de la intervención desarrollada por la prensa controlada por el magnate William Randolph Hearst. 1898. Le Petit Journal. Colección particular.

El aislamiento diplomático español reforzó la derrota en la guerra, ya que por el tratado de París España perdió Puerto Rico y Filipinas, que quedaron bajo la administración norteamericana, y Cuba obtuvo una teórica independencia política bajo el protectorado de facto de Estados Unidos.

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Salida de tropas hacia el frente en la isla de Cuba. Su principal enemigo no fueron los insurrectos cubanos, sino las enfermedades tropicales: en 1897, de un total de 32.500 muertos, 14.500 habían fallecido a causa del tifus y la disentería, 7.000 de malaria y 6.000 de fiebre amarilla.

¡Espero que os haya gustado!

CATALINA II MECENAS

Hoy nos aproximaremos a la faceta de mecenazgo de esta gran dama del Imperio ruso:

Catalina II, educada a la francesa y protectora de la Ilustración mereció, según Diderot, que visitó San Petersburgo en 1773 el sobrenombre de “Semíramis del Norte”.

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Plato de porcelana de Sèvres del servicio de mesa de la emperatriz. Duplessis, Falconet y Boizot crearon diversos modelos. Siglo XVIII. Museo Nacional de cerámica, Sèvres.

La emperatriz fundó más de trescientas escuelas primarias, así como la escuela de la Academia de las ciencias, la de los cadetes de artillería y de ingenieros, y sobre todo el famoso instituto Smolnii.

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Dánae. Esta obra de Rembrandt pertenecía al rey de Francia y formaba parte de los 566 lienzos de la importante colección de Crozat, negociada por el embajador de Rusia y por Diderot. 1636. Museo del Ermitage. San Petersburgo.

Al igual que Pedro I el Grande, Catalina coleccionó obras de arte y embelleció San Petersburgo con la restauración del puente del Nevá y los palacios del Ermitage, de Taíride y del Arsenal.

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El palacio Petrovski de Moscú. Edificado entre 1755 y 1782 por Kazakov en un estilo seudogótico. La fachada mezcla los arcos partidos góticos con las columnas abombadas típicamente rusas.

La emperatriz se rodeó de artistas extranjeros como los arquitectos Vallín de la Mothe, Rinaldi, Quarenghi, o el escultor Falconet, autor de la célebre escultura ecuestre de Pedro I el Grande.

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Estatua ecuestre de Pedro I el Grande. Para su realización la emperatriz escogió a Falconet por estar relacionado con los filósofos. Fueron necesarios 8 años para llevar a cabo esta obra que inmortalizó tanto a Pedro como a Catalina. 1778. San Petersburgo.

Los rusos deben también el nacimiento de un arte verdaderamente nacional a Catalina, que descubrió a los arquitectos Starov y Bazhenov, y protegió a los pintores Levitski y Borovikovski.

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Retrato de Catalina la Grande por Vladimir Borovikovski

Una época de esplendor que he tratado de haceros llegar a través de esta breve crónica.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GRAN EPOPEYA DEL MAHBARATA

Hoy hablaré de esta manifestación escrita fundamental.

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En la gran batalla entre Kaurava y Pandava, ocupa cuatro libros del Mahbarata y que duró dieciocho días, vencieron los Pandava

El Mahabarata es un relato de aventuras heroicas. No se puede atribuir a un sólo autor, puesto que ha estado sujeto y está sujeto a la imaginación de los recitadores.

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Texto del Mahabarata escrito en sánscrito sobre hojas de palmera. La parte que les sirve de soporte, aunque no se vea en la imagen, es de madera de sándalo. Siglo XVIII. Museo Británico, Londres.

Sus 20.000 versos distribuidos en ocho libros narran la guerra civil que enfrenta cerca de Delhi a dos estirpes de primos, los Kaurava y los Pandava, descendientes del rey Shantanu, de la dinastía de la Luna.

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Asceta (yogui).

Uno de los Kaurava, Daryhodan, consigue mandar a los cinco hermanos Pandava al exilio. Éstos parten y fundan una nueva capital, Indraprastha. Sin embargo los Pandava, apasionados por el juego, son invitados a una partida de dados trucada por el pérfido Daryodhan y sufren una derrota humillante.

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En el Bhagavad-Gita o “Canto divino del señor”, largo relato especulativo incluido en el libro VI, Krishna, pariente de Arjuna y conductor de su carro (aquí aparece sobre su trono), se revela como el dios Vishnu. Siglo XVIII, colección particular

Pierden cuanto tenian: el trono, la esposa- los cinco hermanos se habían casado con la misma mujer,- y son condenados a un nuevo exilio de trece años. Al cabo de este tiempo regresan para reclamar sus derechos, que los Kaurava se niegan a reconocer: la batalla es inevitable y dura: dieciocho días.

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Sanhaya recita el Mahabarata a Daratrashtra. El hijo del Sha Yahan, príncipe de la India musulmana del siglo XVII, tradujo al persa las obras más célebres de la literatura india. Siglo XIX. Jamnu, Cachemira

Con la ayuda del dios Krisna y gracias a la habilidad del heroe Arjuna los Pandava vencen. Esta epopeya debe problablemente muchos detalles a la imaginacion, pero al mismo tiempo muchos detalles ilustra las rivalidades familiares por el poder y proporciona valiosos datos sobre la vida en la India.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

JUEGOS Y BANQUETES ETRUSCOS

Con la pintura etrusca se inicia una larguísima y brillante historia: la de la pintura italiana.

En las paredes de las sepulturas subterráneas de Tarquinia, Chiusi y Orvieto se han hallado frescos etruscos de los siglos VI y V, muy bien conservados. Los temas más frecuentes de los frescos desde 550 hasta 540 son la danza, los banquetes, los ejercicios ecuestres y los deportes.

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Atletas. Dos personajes luchan ante la pila que tal vez haya servido para sus abluciones. Para las pinturas se hacía un dibujo inciso en el muro que se coloreaba. Siglo VI a.J.C. Museo Arqueológico de Tarquinia

Posteriormente, los temas relacionados con el más allá. Tal vez haya en eso una consecuencia de la decadencia etrusca y del ascenso de la dominación romana.

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Relieve de un cipo funerario. Las amplias tumbas etruscas parecidas a las casas estaban decoradas con frescos de diversos temas: juegos, danzas, banquetes. Siglo VI-V a.J.C. Tarquinia. Tumba de los augurios.

En estos frescos figuran figuras inquietantes, demonios que remiten a juegos fúnebres, ritos esenciales del paso hacia la muerte. Los frescos que adornan la necrópolis de los Monterozzi, en Tarquinia, ya eran conocidos desde el renacimiento.

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Bailarina. Las pinturas murales de las tumbas etruscas son de técnica bastante rudimentaria, aunque destacan por su colorido y por el movimiento y la sensación de vida que se desprende de ellas. 550-520 a.J.C. Tarquinia. Tumba de las leonas.

Entre 1820 y 1892 se descubrieron muchos más. Desde hace unos treinta años se han producido otros descubrimientos gracias al sistema ideado por el ingeniero milanés Carlo María Lerici, que consiste en introducir un periscopio orientado hacia abajo.

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Sarcófago con una pareja de esposos. Estatua de terracota inspirada en el arcaísmo griego, aunque de estilo más simple y depurado. La muerte era esencial para los etruscos, el momento esencial de la vida, un tránsito que debía cumplirse como una fiesta. La mujer estaba situada en el mismo plano que el hombre. Hacia 520 a.J.C. Museo Villa Giulia, Roma.

Este método permite observar y fotografiar el interior mediante una sonda provista de una máquina fotográfica y evita las excavaciones innecesarias, como en Tarquinia, donde sólo un 2% de las tumbas está decorado.

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