LA FASCINANTE HISTORIA DE LOS FAMOSOS HUEVOS FABERGÉ

Hoy nos hemos despertado con un doodle de google fantástico. Los huevos de la firma Fabergé, que tanta fama han atesorado desde su nacimiento nos daban la bienvenida en la página de inicio de internet, recordándonos que, de haber vivido, su creador estaría cumpliendo hoy la friolera de 166 años

 

 

 

La figura del joyero ruso siempre me ha parecido fascinante. La historia de este país, de la que Rutherford hace una genial semblanza en su novela Rusos, la cual recomiendo fervientemente, siempre ha sido como un imán para mí. Desde la época de Catalina la Grande, los Romanov y su Dinastía me han trasmitido la historia de una nación que pagó el enriquecimiento de sus zares de una forma cruel, violenta, y no por ello menos comprensible, por parte de la clase obrera empobrecida hasta límites escalofriantes.

En las antípodas de dicha clase social, la alta aristocracia y la nobleza vivía una vida de excesos y lujos superfluos como no se había conocido jamás en la historia de Rusia.

En ese caldo de cultivo es donde nace esta preciosa tradición de los huevos de pascua de este insigne artista y joyero.

Peter Carl Fabergé es considerado uno de los orfebres más destacados del mundo, que realizó 69 huevos de Pascua entre los años 1885 a 1917, 61 de los cuales se conservan.

El artista

En 1870 pasa a ser el responsable de la empresa familiar de joyería en San Petersburgo. Con una excelente reputación como diseñador, trabaja con piedras preciosas, semipreciosas y metales, y realiza diseños de diferentes estilos como ruso antiguo, griego, renacentista, barroco, Art Nouveau, naturalista y caricaturesco.

Alexandra Romanov.

En la Exposición Panrusa de 1882 expuso sus obras, lo que le valió la medalla de oro. Desde entonces se le nombra joyero oficial de la familia real.

Para la Pascua de 1883, el zar Alejandro III le encargó al orfebre Peter Carl Fabergé la construcción de un huevo para regalarle a su mujer, la zarina María. El regalo consistió en un huevo con cáscara de platino que contenía dentro uno más pequeño de oro. Al abrirse este último, se encontraba una gallina de oro en miniatura que tenía sobre su cabeza una réplica de la corona imperial rusa. Este particular Huevo de Pascua le gustó tanto a la emperatriz que el zar le ordenó a Fabergé que realizara uno nuevo para cada Pascua.

Primer huevo diseñado por el orfebre.

Para el diseño de los huevos imperiales Fabergé se inspiró en distintos estilos artísticos europeos; como el barroco, rococó, neoclasicismo o modernismo, así como en obras de arte que contempló durante sus estancias y viajes por Europa.

Había huevos creados para conmemorar acontecimientos tales como la coronación del zar Nicolas II, la terminación del ferrocarril Transiberiano, así como para celebrar aniversarios importantes. Otros huevos guardaban en su interior el yate imperial Standart, la catedral de Uspensky, el palacio de Gátchina o el palacio Alejandro, por citar unos ejemplos.

De los 69 huevos que hizo en total la Casa Fabergé para los zares, la aristocracia y la élite industrial y financiera, se conservan 61.

Se conocen cincuenta y dos huevos imperiales, cuarenta y cuatro de los cuales se han localizado hoy, entre ellos los dos últimos de 1917 que nunca fueron entregados ni terminados a causa de la Revolución Rusa, destacando el Huevo de la constelación del Zarevich.

 

 

Los restantes 8 huevos imperiales se consideran perdidos o desaparecidos; dos se conocen solamente por haber sido fotografiados en primer plano, otros tres se han descubierto en 2007, de estos descubrimientos fortuitos que me hubiera encantado protagonizar dos de ellos en una foto tomada a una vitrina de la zarina Maria Fyodorevna, donde aparece el tercer huevo imperial y el huevo con querubín y carruaje, este último quedó reflejado en el cristal de la misma, en cuanto al huevo del neceser figura en una fotografía de la joyería Wartski, Londres, en la parte inferior de una vitrina.

No se tiene ningún documento visual de los otros tres huevos de la llamada categoría imperial.

Otros siete huevos de Pascua fueron encargados por Alejandro Ferdinandovich Kelch, dueño de minas de oro en Siberia, para su esposa Bárbara. Asimismo personajes de la época como Alfred Nobel, Príncipes Yussupov, Duques de Marlborough entre otros de categoria no imperial que suman un total de ocho huevos. Sin embargo, la colección imperial de huevos de Pascua encargada por los dos últimos zares rusos es la más famosa.

Entre los materiales usados por Faberge figuran metales como el oro, platino, plata, cobre, níquel… que fueron combinados en distintas proporciones con el fin de conseguir diferentes colores para la «cáscara» del huevo.

Otra técnica usada por Fabergé fue la conocida como guilloché, un tratamiento de grabado superficial sobre metal que consiste en hacer ondas, estrías o cualquier otro dibujo, de un modo repetitivo y simétrico, se podía hacer a máquina o a mano. Fabergé se mostraba orgulloso de que todas las materias primas que se empleaban en su taller provenían de distintas partes de Rusia. Muchos huevos incluían minerales como el jaspe, la malaquita,  el lapislázuli, y el jade.

El huevo de 1917, destinado a la zarina María Fyodorevna estaba realizado en madera de abedul de Karelia. Y encima lo revistió de láminas de oro

Las piedras preciosas incluyendo los zafiros, rubíes y esmeraldas fueron utilizadas para la decoración de los huevos y/o la sorpresa que contenían, cuando se usaban era en la talla conocida como cabujón (corte redondo).

En cuanto al tipo de talla empleada para los diamantes era la típica talla rosa. Por otra parte también empleó piedras semipreciosas como las piedras de luna, los granates, los olivinos, y las piedras de Mecca, usadas más a menudo en la talla cabujón.

La fuente primaria de inspiración de Fabergé venía de los trabajos de siglos anteriores. El esmalte translúcido era una técnica muy valorada en el siglo XIX, que requería de varias capas de esmalte que se secaba en un horno después de aplicar cada capa. Sin embargo, durante el siglo XIX se disponía solamente de una limitada gama de colores, de modo que Fabergé experimentó y pronto aumentó su paleta de colores hasta lograr más de 140 tonalidades diferentes. El más apreciado fue el esmalte de ostra, el cual variaba de color dependiendo de la luz.

La Casa Fabergé fabricó, entre otros tantos objetos decorativos, accesorios para escritorio y joyas, entre las que tienen un papel fundamental las tiaras.

Yo os dejo estas bellas imágenes para que recreéis la vista. ¡A mi me chiflan!

VISITA AL TEMPLO HINDÚ DE MADRID

¿Sabíais que había uno? Está en pleno barrio de Salamanca, en la zona izquierda de Francisco Silvela.

Hoy he ultimado detalles con mi amiga india Minoo, y visitaremos este singular lugar acompañados de un guía que nos explicará con detalle quiénes son sus particulares divinidades.

Además estamos organizando para otro día un ágape de sus productos con mercadillo, bailes de Bollywood y saris incluidos.

Una oportunidad única de hacer algo diferente. ¡Os espero, Namasté!

LOS NAZARENOS ALEMANES. LO PROMETIDO ES DEUDA

Acabo de regresar de una tourneè que me ha transportado a tierras belgas por espacio de tres días. Aunque el motivo de mi visita a estas tierras era puramente familiar no ha estado en absoluto exento de vivencias culturales de lo más enriquecedoras, de las que compartiré algunas por aquí.

No obstante no olvido que prometí escribir algo sobre los nazarenos, así pues esa será mi entrada de la jornada de hoy.

El nombre Nazareno fue adoptado por un grupo de pintores del Romanticismo alemán, nacidos en torno a 1785, lo cual los sitúa antes de los prerrafaelitas. Es el grupo pictórico más coherente del romanticismo alemán; pretendían revivir la honradez y espiritualidad del arte cristiano medieval.

Las convulsiones históricas y sociales de principios del siglo XIX provocaron la añoranza por los tiempos pasados y la restauración del espíritu nacional. En esas épocas convulsas se tiende a pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor. En esa línea los nazarenos alemanes fueron el movimiento pictórico que más alcance tuvo en su continua persecución de la vuelta al purismo medieval.

Así pues, Los pintores alemanes Friedrich Overbeck  y Franz Pforr, estudiantes en la academia de Viena fundaron, el 10 de julio de 1809 la Lukasbund. Puede traducirse como “cofradía”, “gremio” o “hermandad” de San Lucas, santo patrono de los pintores. El nombre ya delata su inspiración medieval, y su pretensión de establecer las bases de la pintura sobre la religión y un buen trabajo artesanal; querían restaurar así “la verdad y la pureza” de la pintura prerrenacentista. Esta Hermandad de San Lucas fue la primera asociación artística moderna.

 

Así, en 1810, los anteriormente citados, junto a  Ludwig Vogel  y Johann Konrad Hottinger se trasladaron a Roma. Allí ocuparon el abandonado Monasterio de San  San Isidoro, dispuestos a llevar una existencia de recogimiento prácticamente monacal, relacionándose profundamente con la naturaleza y los medios de vida artesanales. Por su vestimenta y largas cabelleras, los comenzaron a llamar, con ironía, i nazareni.

En la etapa inicial de esta asociación, el pintor que más influía era Pforr, imaginativo y apasionado, volcado en la rememoración de las escenas caballerescas medievales. A su muerte, el movimiento se vuelve más religioso bajo la influencia de Overbeck. El arte de los nazarenos se vuelve hacia una piedad sencilla. Producen una versión esquematizada del arte del primer Rafael.

Buscaron la inspiración en artistas de la Baja Edad Media y principios del Renacimiento: ante todo, Durero, pero también Fray Angélico, el Perugino y Rafael. También se aprecia en ellos cierta influencia del barroco clasicista. El estilo resultante es un frío eclecticismo. Procuran recuperar técnicas antiguas, como la del fresco, que estaba prácticamente en el olvido desde la aparición del óleo. Frente a los enormes lienzos neoclásicos vuelve la pintura de tabla, más pequeña. Limitan el empleo del claroscuro, y eliminan prácticamente la perspectiva y profundidad. Se emplean colores planos e intensos.

Es un arte medievalizante y patriótico, si bien impregnado de un misticismo y religiosidad cristianos. Deseaban expresar sus preocupaciones espirituales, sentimientos genuinos y puros propios del arte religioso medieval que consideraban más cercano a la auténtica naturaleza alemana, humilde y profunda. Es, por lo tanto, un movimiento pictórico inspirado en la fe católica. En realidad, eran herederos de la ola de sentimentalismo, medievalismo y beata religiosidad que invadía a Alemania.

Además de los temas religiosos, pintaron alegorías y temas de la Edad Media caballeresca. Su espíritu patriota les lleva a interpretar escenas de la historia alemana, tanto literaria como real.

sus cuatro principales representantes fueron:

FRIEDRICH OVERBECK

Overbeck es un pintor muy representativo de la ideología de la Hermandad de San Lucas. Se dedica principalmente a los cuadros religiosos, pues su intención era renovar el género. Todas sus obras están marcadas por el fervor religioso, estudio cuidadoso y una ejecución seca, severa, de colores poco intensos. Asimismo también fue escritor renombrado. Se percibe en su obra un claro influjo de la pintura de Rafael, Perugino y Pinturrichio.

FRANZ PFORR: Al segundo integrante de la Hermandad le interesan especialmente los temas históricos y medievales, de connotaciones patrióticas. Su estilo es un tanto artificioso, ingenuo, de colorido plano y con unas figuras tremendamente hieráticas

Su producción pictórica fue tan escasa como su vida, ya que es el que más joven muere.

PETER VON CORNELIUS

Se especializó en la pintura mural. Su estilo se orienta más hacia el primer Renacimiento que al gótico tardío. Es el principal propagador de su estética, y uno de los más representativos del idealismo alemán.

LUDWIG VOGEL

De procedencia suiza,pretendía establecer las bases de la pintura sobre la religión y un buen trabajo artesanal. Juro permanecer siempre fiel a la verdad, combatir el academicismo y resucitar por todos los medios el arte primigenio.

Hubo más, pero como muestra estos «botones» nos sirven muy bien.

Hasta 1840, la corriente alemana de dicho movimiento logró atraer gran número de adeptos. La opinión de estos pintores era muy valorada, especialmente en los medios oficiales de Alemania.  Al abandonar la academia y rechazar gran parte del legado artístico del arte occidental, los nazarenos pueden verse como pioneros de una tendencia de vanguardia en el arte que dominaría a finales del siglo XIX.

Reivindico a través de su hermandad y de su obra la vital importancia que tuvieron las corrientes y escuelas pictóricas nacidas en el siglo XIX, fundamentales a la hora de interiorizar mejor las vanguardias que irrumpieron en el siglo XX.

PROGRAMACIÓN PRIMER TRIMESTRE CURSO 2012-2013

Estimados amigos y lectores:

Me encuentro inmersa en la realización de dos programas diferentes de cara al primer trimestre del próximo Curso, esto es, el comprendido entre Septiembre y Diciembre de 2012.

Iglesias emblemáticas del Barroco, Conocer nuestros orígenes, la moda de Gaultier, las joyas de Cartier..¡.Todo un panorama fascinante nos aguarda!

Me vendría fenomenal que, si estáis interesados en alguno de ellos, en los dos, o en un combinado de ambos, y cara a conseguir los pertinentes permisos en las Instituciones que visitaremos, me proporcionaseis vuestra disponibilidad horaria.

Por las mañanas mis días disponibles son los martes y jueves. Las visitas tendrían lugar a las 11.00 de la mañana.

Por las tardes serían los miércoles o viernes. Las horas de que dispongo son las tres y cuarto, y las seis y media.

Y los sábados, los días en que haya programado un recorrido especial, las visitas tendrían lugar a las 12.00.

En breve, y cuando los tenga ultimados colocaré los programas en los que estoy trabajando: uno de ellos en la línea de lo que vengo haciendo; y el otro será un curso monográfico del Museo del Prado en el que conoceremos su colección de un modo completo. Os recomendaré lecturas, y lo aderezaremos con tertulias relativas a lo que vayamos visitando. ¡Seremos un grupo erudito, de ilustrados del siglo XXI!

La magia del Museo de noche

Como caso excepcional haré visitas sueltas a exposiciones temporales que tengan lugar en el Museo del Prado, y que, como sabéis, al ser el precio de la entrada superior tendrán un coste de 22 euros.

Asimismo si sois extranjeros y tenéis programada una visita a nuestra ciudad podéis poneros en contacto conmigo, y ejerceré de cicerone a título privado para los que estéis interesados. Mi mail está en la información adjunta al blog.

Con la esperanza de que encontréis esta propuesta atractiva, y esperando vuestras noticias, os mando un cordial saludo. Mañana tendréis una entrada sobre los pintores nazarenos alemanes. ¡ Animaos a apuntaros!

Porque el Arte nos apasiona, y queremos caminar a su lado en nuestra vida…buena razón, ¿Verdad?

 

DE LA PASIÓN POR LO MEDIEVAL EN EL ROMANTICISMO: LOS PRERRAFAELITAS

Quienes ya habéis leído alguna entrada de este blog de sobra conocéis mi pasión por el siglo XIX. EL Romanticismo en todas sus acepciones me parece, no sólo fascinante, sino esencial a la hora de entender un poco el devenir artístico-literario producido a partir de la citada época.

Hoy os hablaré sobre pintores prerrafaelitas, y nazarenos. La denominación de cada uno de estos movimientos ya prefigura los postulados en los que iban a basar sus principios y directrices.

Veamos la génesis del primero de los movimientos citados: la hermandad prerrafaelita. Fundada en 1848 en Londres por el pintor John Everett Millais, Dante Gabriel Rosetti, y William Holman Hunt, aglutinó a su alrededor toda una pléyade de pintores, poetas, y hasta críticos ingleses.

Sobre estas líneas de izquierda a derecha: William Holman Hunt y John Everett Millais. Debajo Dante Gabriel Rosetti.

Fundamentalmente se rebelaban contra el academicismo establecido por el entonces Director de la Academia Inglesa, Sir Joshua Reynolds. Según ellos éste no hacía sino seguir las directrices marcadas por el manierismo. que no hacía sino perpetuar una tradición de retrato ampuloso y elegante, pero vacío de significado

Retrato de Sir Joshua Reynolds.

De ahí nace el nombre prerrafaelita, ya que denosta todo arte realizado tras Miguel Ángel, y, sobre todo, Rafael. Tuvieron como premisa fundamental: 1) el regreso al detallismo minucioso, y 2) la vuelta al colorido vibrante y luminoso de los primitivos italianos y flamencos.

Tiene tintes románticos hasta la Sesión Inaugural, que tuvo lugar en la casa de los padres de John Everett Millais, y a la que asistieron el mismo John, Rosetti, y Hunt, que, como hemos apuntado anteriormente, fueron los creadores del grupo.

¿Paradoja? Jonh Everett Millais y Willian Holman Hunt estudiaban en la denostada Royal Academy, a la que, por supuesto, mantuvieron en la más absoluta ignorancia de su hermandad. En cuanto al tercer fundador, Rosetti, digamos que era alumno de Ford Maddox Brown, y había quedado prendado por un cuadro de Hunt inspirado en la poesía de Keats: «La víspera de Santa Agnes»

La víspera de Santa Inés. Holman Hunt

En una segunda hornada se unieron al club William Michel Rosetti, hermano de Dante Gabriel Rossetti, Thomas Woolner,James Collinson y Frederic George Stephens.

Basaron sus obras en autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales, principalmente,leyendas arcaicas e incluso pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

Nacimiento de Venus de Botticelli( detalle)

En cuanto a sus objetivos, los unían cuatro puntos inamovibles, si bien luego cada uno caminó por su propia senda: 1)Expresar ideas auténticas y sinceras, 2) Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas, 3) Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria, y 4) lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.

Al ser su visión óptica e investigadora, ese detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte.¿Antecesores, pues, salvando las distancias de Antonio López, o Edward Hopper, que pronto desembarca en el Thyssen?

Antonio versus Holman Hunt. Impactante realismo el de ambas pinturas!

Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado.Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. ¿Precedentes inmediatos de Newton, o Chevreul, con sus teorías del color?

Teoría de descomposición del color de Chevreul.

La pintura prerrafaelita fue mostrada al público por primera vez en 1849. Los cuadros Isabella(1848–1849), de Millais, y Rienzi (1848–1849), de Hunt, se expusieron en la Royal Academy, y La juventud de la Virgen María de Rossetti en la exposición libre de Hyde Park Corner. Como habían acordado, todos los miembros de la hermandad añadieron, tras su firma, las siglas PRB (Pre-Raphaelite Brotherhood).

Isabella de Millais

Rienzi, de Hunt

La juventud de la Virgen María de Rosetti

En 1850 la Hermandad Prerrafaelita se convirtió en el centro de una polémica a causa de la exhibición del cuadro de Millais, Cristo en casa de sus padres, considerado blasfemo por varios críticos, entre ellos el famoso novelista Charles Dickens.

Dickens y el cuadro de la polémica.

A causa de estas polémicas, James Collinson abandonó la hermandad. El grupo comenzó a deshacerse, aunque su influencia continuaría haciéndose sentir. Los artistas que habían pertenecido al movimiento continuaron con los planteamientos iniciales del, pero dejaron de incorporar a sus obras las iniciales PRB.

A partir de 1856, Rosetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Se gesta el movimiento Arts & Crafts.

Motivo decorativo de ARTS&CRAFTS

Hunt y Millais evitaron después de 1850 la imitación directa del arte medieval, interesados en profundizar en los aspectos realistas y científicos del movimiento prerrafaelita. Sin embargo, Hunt continuó destacando la significación espiritual del arte y, tratando de conciliar religión y ciencia, documentó cuidadosamente sus pinturas de tema bíblico con viajes a Egipto y Palestina.

Moisés, de Hunt

Por el contrario, Millais abandonó los postulados prerrafaelistas después de 1860 volviendo paradójicamente a una pintura más académica, con influencias de Sir Joshua Reynolds que fue duramente condenada por William Morris y otros artistas.

La Ofelia de Millais

Según algunos críticos, el prerrafaelismo podría considerarse el primer movimiento de vanguardia. Algunos rasgos del grupo (la intención rupturista, su carácter programático, la adopción de un nuevo nombre para su arte o la publicación de una revista, The Germ, como órgano de promoción del movimiento) sí parecen anticipar lo que luego será común en las vanguardias; si bien la ruptura con la realidad no tiene la radicalidad de las del siglo XX.

A mí me parece sencillamente fascinante. Espero que os haya gustado! Y en la próxima hablaré de los Nazarenos.

EDWARD HOPPER, EL PINTOR DEL SILENCIO

Como excepción, ya que siempre publico las reseñas una por una, os dejo también la de la exposición de Hopper, cara a que vayáis reservando tiempo. Junio es un mes ocupado, y así os organizáis mejor.

Un saludo!!

ERNS LUDWIG KIRSCHNNER, ADALID DEL EXPRESIONISMO ALEMAN

Con el recuerdo de nuestra visita al Reina Sofía, os envío la próxima exposición que visitaremos, esta vez a toda una figura clave del expresionismo alemán.

Confío en que os interese,¡Hasta pronto!

René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor

 

 

Esta entrada la escribí hace tiempo, y la exposición ha terminado hace meses. La retoqué ayer, y aparece en primer plano. Al ser un trabajo más, la dejo aquí para ver que os parece..

René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor

Fechas: 20 de octubre de 2011 – 26 de marzo de 2012
Lugar: Palacio de Velázquez, Parque del Retiro

Hace tiempo que el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro madrileño es un recinto especialmente utilizado para albergar exposiciones de arte contemporáneo. El otro día tuve la oportunidad de visitar en él la exposición de René Daniëls, al cual no tenía el privilegio de conocer.En primer lugar me llamó la atención lo espléndidamente bien montada que está la exposición. No tiene nada que envidiar a otros espacios expositivos a los que estamos más acostumbrados, y es que la colaboración de los espacios de que dispone el Parque del Retiro con el Museo Reina Sofía han venido a revalorizar el valor de dichas edificaciones, que hasta no hace mucho tiempo se hallaban en un estado de semiabandono que daba lástima.Palacio de VelázquezIrónica e imaginativa, la obra de René Daniëls (Eindhoven, 1950) implica otro marco de referencia para pensar la pintura, más allá de las alusiones postminimalistas o neoexpresionistas propias de los 80. El espacio de René Daniëls es el de los deslizamientos entre lenguaje e imagen, el de las ambigüedades entre representación y realidad, heredadas de René Magritte, Marcel Duschamp, y, a mi modo de ver, de la transvanguardia italiana de Cuchi o Pistoletto, por mencionar algunos ejemplos.Tal y como escribió el artista, su pintura busca ocupar la tierra de nadie entre literatura, artes visuales y vida. Ahí se muestra que ha recorrido como un nómada distintas disciplinas culturales y movimientos artísticos, tomando de cada uno de ellos lo que más le convenía. El artista Sus pinturas son intrigantes y evocadoras. En estas, René Daniëls, que siempre intentó que su trabajo se mantuviera abierto a la interpretación en tantos niveles como fuera posible, juega con el lenguaje y la poesía, con la tensión entre figura y fondo, con la opacidad y la transparencia, todo ello sin renunciar en ninguna de ellas a la figuración, logrando crear una atmósfera irreal y familiar, que desconcierta y cautiva a la vez. Si ese bien tán escaso como precioso que es el tiempo me lo permite volveré a visitarla. Sus cisnes, mejillones, pajaritas( su motivo más utilizado) y esas enigmáticas estancias a lo Chirico me han fascinado. Una exposición recomendable, a todas luces. Id a verla si tenéis oportunidad.

DE LO REFERIDO A LAS SUBASTAS, SU ORIGEN, ENTRESIJOS Y OTRAS CURIOSIDADES

Desde que empezó mi pasión por el Arte y su mundo, hace ya de ello casi veinticinco años, este mundo de las subastas siempre me ha fascinado. Los medios de comunicación de nuestro tiempo nos sorprenden cada día con adquisiciones millonarias, y, gracias a internet, del cual celebramos el día hoy, nos abren «ventanas virtuales» para asomarnos a lo que se produce en escenarios alejados de nosotros, tales como Nueva York, Londres, o últimamente el «gigante asiático» Beijing, que está ganando enteros, habiendo llegado a superar a Estados Unidos la última temporada.

Imagen facilitada por Poly Auction, la principal casa de subastas china, que recaudó en su cita de primavera en Pekín 5,9 millones de dólares

Las «tres grandes» Casas de Subastas a nivel mundial de nuestro tiempo, Christies, Sothebys , y la china Poly Auction, siguen moviendo cifras millonarias en época de crisis. Paradójicamente hay un boom en compras, sobre todo de autores modernos y contemporáneos, que pulverizan récords, y hacen correr ríos de tinta en prensa escrita y digital.

Como me gusta «bucear» en los orígenes voy a compartir cosas que he ido descubriendo de las dos Casas de Subastas que más presencia tienen en el mundo y que nacieron en el Reino Unido, uno de los países más preocupados en guardar, y coleccionar objetos, curiosidades y obras de arte de cara a honrar y preservar el pasado. En ello tienen un mimo exquisito, con pocas comparaciones. El preservar tradiciones ancestrales lo consideran tarea prioritaria. Ello se vé reflejado en todos los ámbitos de su cultura

 CHRISTIES

Fue fundada en Londres, Inglaterra, el 5 de Diciembre de 1766 por James Christie. Christie’s consiguió crearse rápidamente una reputación entre las casas de subasta británicas, aprovechando el gran momento que la capital británica vivió en los años siguientes a la Revolución Francesa respecto al comercio de obras de arte.

Una de las primeras sesiones de 1808.

Christies fue una empresa pública desde 1973 hasta 1999, fecha en que se convirtio en propiedad privada por el francés Françoise Pinault.  En septiembre de 2010, el ex presidente Rodale Steven Pleshette Murphy asumió el cargo como director general, convirtiéndose en el primer consejero delegado estadounidense en la historia de la casa de subastas.

La principal sala de ventas de Christies en Londres se encuentra en King Street en St. James, donde empezaron en 1823. Tiene una segunda sala de ventas  ubicada en South Kensington, que abrió sus puertas en 1975 y se encarga principalmente el mercado medio pero es una de las salas más activas en el mundo de subastas. En septiembre del 2011 exsisten 53 oficinas en 32 países, incluyendo Nueva York, Los Ángeles, París, Ginebra, Amsterdam, Moscú, Viena, Buenos Aires, Berlín, Roma, Corea del Sur, Milán, Madrid, Japón, China, Australia, Hong Kong, Singapur, Bangkok, Tel Aviv, Dubai, Houston y Ciudad de México.. En 1995, Christie se convirtió en la primera casa internacional de subastas para exhibir obras de arte en Beijing, China.

Sesión en Beijing.

Christie’s ha llegado en los últimos años a subastar obras y objetos personales de creadores y personalidades como Van Gogh, Picasso, Da Vinci, Rembrandt, Napoleón Bonaparte, Yves Saint Laurent y Lady Diana, así como obras consideradas patrimonio cultural de la humanidad, por lo que está siendo muy cuestionada. Entre esas obras se encuentran objetos precolombinos de inmenso valor cultural, que se subastan a coleccionistas particulares

Carta de amor de Napoleón a Josefina, y objetos precolombinos a subasta.

Sus top ventas de Mayo han sido una acuarela preparatoria de » Jugadores de  cartas» acuarela de Paúl Cezanne, vista por última vez en público en 1953, y «Peonías» Una naturaleza muerta de Henri Matisse. Alcanzaron la cifra de 15 millones cada una. No está nada mal para los tiempos que corren.

Jugadores de Cartas

Peonías

En el apartado de joyas( que siempre me encanta) han destacado por la venta de un raro diamante rosa, perteneciente a la colección de joyas de la heredera americana Huguette Clark (1906-2011) que constaba de diecisiete piezas diseñadas por firmas como Cartier, Tiffany y Dreicer, y que alcanzaron un precio total de 20,8 millones de dólares.

El diamante en concreto ha alcanzado el récord de 15.7 millones de euros. Está montado en un anillo de la Belle Époque por la joyería francesa Dreicer & Co. alrededor de 1910. ¡Es maravilloso!

SOTHEBYS

Su orígen fue Baker’s, que se fundó en Londres el 11 de marzo de 1744, cuando Samuel Baker presidió la liquidación de los «varios cientos de valiosos y raros» libros de la biblioteca de Sir John Stanley. Durante muchos años, ofreció las más grandiosas y completas bibliotecas procedentes de las figuras y personalidades más importantes e inminentes del planeta. Pronto decidió inclinarse hacías las bellas artes en general. Su primer gran éxito en este campo está la venta de una pintura de Frans Hals por 9.000 guineas en 1913. La empresa con su nombre actual se remonta a 1804, cuando dos de los socios originales de la empresa (Leigh y Sotheby) decidieron establecer su propia firma de distribución de libros

Sir John Stanley.

Hoy en día, la empresa tiene un volumen de negocios anual de aproximadamente tres mil millones de dólares en sus oficinas en New Bond Street , en Londres y York Avenue en Nueva York. Esta posición de poder se ha logrado por su crecimiento natural, por las adquisiciones y sobre todo la suma en 1964 de la más grande casa de subastas de Estados Unidos, Parke Bernet.

Han sido noticia por las subastas de una versión de El Grito de Munch, por 91 millones de euros, récord que pulverizó todos los existentes hasta entonces, en una puja que duró más de doce minutos.

¡Adjudicado!

Chica durmiendo,  «la obra más deseada de Liechtenstein al haber permanecido en manos privadas desde que se pintó, en 1964, muestra a una joven rubia con la que se perpetúa «la tradición pictórica de representar figuras femeninas, seguida por otros contemporáneos como Picasso, Brancusi o Modigliani».

Esta obra, que el experto de Sotheby’s definió como un «icono de belleza», alcanzó un precio de martillo de 34 millones de euros, tras una prolongada batalla entre dos pujantes anónimos, y por la que el vencedor terminó pagando 44,8 millones incluidas comisiones, un nuevo récord para una obra del estadounidense en una subasta

Los coleccionistas siguen locos con el Pop Art. A mí me encanta!

«Figura escribiendo reflejada en el espejo», en la que Bacon (1909-1992) compendia sus más importantes temas y su peculiar iconografía, se vendió por 25,4 millones. Las dos están sobre estas líneas.

En el apartado de joyería han tenido en su Casa De Ginebra una Magna Subasta de las más de 700 joyas pertenecientes a colecciones privadas

Ha habido dos claras protagonistas en esta subasta: La espectacular tiara Murat todo un tesoro de la joyería, ha sido una de ellas.

Diseñada en 1920, se trata de una joya llena de historia, obra del prestigioso maestro joyero parisino Joseph Chaumet. Se creó para Yvonne Gilliois, con motivo de su boda con el príncipe Alexandre Murat, pariente de Carolina Bonaparte, hermana de Napoleón I. Fue un encargo ordenado al maestro Chaumet por el príncipe Murat y su esposa, quienes le hicieron entrega de tres grandes perlas en forma de pera, la central pesa alrededor de 300 gramos, para que creara esta diadema, también adornada con diamantes y rematada con platino

Tiara Murat.

Otra de las piezas estrella de esta subasta ha sido el diamante Beau Sancy, una piedra preciosa que ha pertenecido a cuatro casas reales. Supuestamente encontrada en alguna mina de lo que es hoy el estado indio de Andhra Pradesh fue adquirida en la segunda mitad del siglo XVI en Constantinopla por el diplomático y agente financiero Nicolas Harlay de Sancy, que la vendió a Enrique IV Rey de Francia. El monarca la adquirió como obsequio para su mujer, María de Médicis, quien la utilizó en 1610 en la ceremonia de su propia coronación.

El Beau Sancy

La historia del Beau Sancy empezó allí y lo llevó hasta la familia imperial de Prusiacuatrocientos años después, después de haber pertenecido a las familias reales de Francia, de Inglaterra y a la Casa de Orange de los Países Bajos. La piedra preciosa llegó luego a Inglaterra para fortalecer alianzas entre la Casa Real Inglesa y la de Orange, para pasar en 1702 a ser propiedad de Federico I de Prusia, quien la convirtió en el ornamento principal de su corona. El diamante ha pasado desde entonces de generación en generación dentro de lacolección de la Casa de Prusia hasta ser heredada por quien era hasta ahora su propietario, el príncipe Jorge Federico de Prusia. Se considera que ésta es la piedra preciosa más antigua e importante en llegar al mercado del arte, lo que ha contribuido a que alcanzara los 7,6 millones de euros en subasta. 

La Reina y su joya.

En cuanto a Poly Auction hay pocos datos de esta casa que tiene pocos años de historia. busca coleccionistas de arte chino en el mundo que quieran deshacerse de sus «tesoros» para atender la demanda de su pujante mercado interno que en 2011 lideró el negocio mundial. Y es que los chinos y su mercado del arte avanzan a pasos de gigante!!

Espero que os haya resultado interesante. ¡Hasta la próxima!

EL MADRID SEÑORIAL DEL ENSANCHE

Hoy os quiero hacer partícipes del magnífico paseo que hicimos el sábado en una de las zonas que más encanto tiene de la ciudad de Madrid. Este es el Barrio de Salamanca, que fue el primero en ser modernizado, en contraposición al Madrid de los Austrias, creado «a golpe de parche».

El ensanche nace como respuesta a los problemas del Madrid del XIX, derivados del «encorsetamiento» espacial de las viviendas de la ciudad. Es fruto de los avances tecnológicos, la Revolución Industrial, que comienza a notarse tímidamente,  la aparición del  ferrocarril, para cuyas estaciones había que buscar espacio, y  los principios higienistas conectados con el socialismo utópico.

Un factor que también lo hizo necesario fue el abrumador crecimiento poblacional, de 170.000 habitantes se pasó al 1/2 millón en 1900. A Madrid llegaban a buscar fortuna jornaleros, aguadores…y demás gentes del pueblo.

El proceso de modernización fue iniciado ya por José Bonaparte en sus proyectos de urbanismo. También conocido como el «rey plazuelas» inicia actuaciones de tres tipos: 1) trasladó mataderos y cementerios al exterior de la ciudad, 2) demolió iglesias y conventos, y 3) propuso grandes avenidas.

Ello contribuyo a una mayor salubridad e higiene, en la línea de lo ya hecho en París por el Barón Haussmann.

Plano del París de Haussmann

Tras él vinieron las desamortizaciones, y la intervención de Mesonero Romanos, con su preocupación por la reforma de la puerta del sol y las buenas conexiones Norte-Sur de la ciudad.

En 1857 Isabel II encarga el proyecto del ensanche a Carlos María de Castro, en una época en la que la burguesía ya tomaba decisiones en la vida pública y existía el régimen conservador de O´Donell y Narváez, ambos generales, al frente del gobierno español.

 

O´Donell y Narváez

La realización del ensanche sobrepasa el reinado de Isabel II e incluso el de Alfonso XII, y capeó una revolución (1868), un rey italiano, Amadeo de Saboya, una república y la restauración borbónica. ¡Casi nada! La consecuencia fue un mayor encarecimiento del suelo, y la aparición de la especulación.( el suelo dando problemas, ¡como siempre!)

Amadeo de Saboya

Frente a los Jardines del Descubrimiento, solución que el Ayuntamiento dio al solar dejado por el derribo de la Casa de la Moneda,y cuyas esculturas conmemorativas se deben a Vaquero Turcios,  nos detuvimos a mirar el plano del ensanche, situado en la esquina de Serrano con Goya. Ahí vimos sus rasgos característicos: el primero es la concepción «en damero». Esta ya se había utilizado en la América Hispana, y también en ciudades como Nueva York (1811) o Atenas( 1833)

Nueva York en 1811

También está inspirado en el realizado por   el primer arquitecto en teorizar sobre ensanches: Ildefonso Cerdá,  que ya había hecho el de Barcelona.

La hilera de casas que teníamos si nos dábamos la vuelta con los números 28 al 36 de la calle Serrano fueron las primeras edificaciones residenciales, de las pocas que siguen al pie de la letra las indicaciones de Castro, que planificó que tuvieran exclusivamente tres plantas, más la baja.

Habría dos plantas por piso, una interior y otra exterior, e interiormente un jardín, para solaz y esparcimiento de la familia. En este caso, se puede visitar, ya que está dentro del Jardín de Serrano, así que entramos a deleitarnos tanto de su vista,  a darnos cuenta de la anchura de la puerta, por la que entraban los carruajes; así como de las preciosas tiendas que tiene.

Joyería Yanes.

La destitución de Castro, debida a la oposición del Barrio de Chamberí a asumir la función fabril en la ciudad, como él había propuesto, permitió dejar menos terreno para patios interiores, y elevar las alturas de las edificaciones, que serán a partir de entonces de cuatro plantas o más.

Dos estilos se alternan en todo nuestro recorrido: uno es el neo-mudéjar, del que tenemos un magnífico ejemplo en el edificio de la calle Jorge Juan 16, esquina Lagasca, que fue nuestra siguiente parada en el recorrido. Fue proyectado en 1896 por el Marqués de Cubas. La estructura de la casa es alfonsina, de balcones repetidos, en forma de malla. El edificio está construido en ladrillo, con impostas separando las plantas.

Marqués de Cubas.

Emprendimos el camino por la calle Goya, que estaba llena de bullicio en calles y comercios. Nos detuvimos en la Iglesia de la Concepción, en la que bauticé a mis hijos y que me trae tantos recuerdos, ya que la frecuento desde niña gracias a mi abuela que vivía en Jorge Juan y me traía muchas veces.

Exterior de la Concepción, con la aguja calada

Es una de las últimas manifestaciones del movimiento neo-medievalista en Madrid, propio de esa sensibilidad romántica burguesa del siglo XIX, que contrarrestaba el fuerte carácter industrial que se estaba imponiendo cada vez más.  Frente a éste se buscaba escapar al exotismo de lejanos países o a las raíces ancestrales de nuestra Edad Media. La empezó a construir Eugenio Jiménez Correra, y la concluye Jesús Carrasco.

Reflejo de la iglesia en el edificio contiguo.

Destaca la magnífica aguja calada, con cuatro ángeles en los estribos y una estatua de la Inmaculada como coronación. Por dentro planta de tres naves, crucero que no sobresale en planta y sin girola.

Su decoración es rica y numerosa, lo cual constituye una singularidad. Por fuera está revocada. El revoco es el revestimiento exterior de mortero de agua, ¡arena y cal, propio de los edificios neo-góticos del barrio. Se opone al neo-mudéjar, que utiliza el ladrillo en su construcción, dejándolo a la vista.

Próxima se encuentra, en Núñez de Balboa San Jorge de los Británicos , encargada por la comunidad religiosa anglicana de Madrid. Es una mezcla de elementos de diversa procedencia, lo que produce un efecto pintoresco, resuelto con imaginación desenfado y mimo. Vemos además que está retranqueada, se debe a que no es la religión oficial del país, y por eso quiere pasar desapercibida.

Detalle curioso de su puerta. Neomudejar con «paños de sebka».

Tras esta visita exterior nos encaminamos al teatro Beatriz, ejemplo clarísimo del Art Decó imperante en la época. Como hubo preguntas al respecto de qué hacía diferentes al Art Nouveau y al Decó, deciros simplemente que el Nouveau es conocido como modernismo, que tiene referencias a la naturaleza y se caracteriza por la sinuosidad orgánica de sus elementos, y el Decó deriva de las revistas de decoración, y se fundamenta en las vanguardias históricas, de formas menos curvas.

Exterior Decó del Teatriz.

Un par de anotaciones respecto a los palacetes que visitamos (exteriormente): el Palacio Amboage, sede de la Embajada Italiana, y el Palacio de Rafal, sede de la de Bélgica. El edificio fue construido por uno de los mejores arquitectos españoles del siglo XX, Joaquín Rojí y está inspirado en el barroco francés, de manera que parece una residencia de época mucho más antigua de la de su efectiva construcción. Presenta elementos franceses tan de moda en aquellos años, junto a referencias neobarrocas, columnas, frontones curvos o huecos ovalados.

Palacio Amboage.

 

Palacio de Rafal.

En la calle Príncipe de Vergara, afrontados y enfrentados, dos colegios: uno de sello neo-gótico, el Pilar de Castelló, similar al Howards de Harry Potter, y frente a el Nuestra señora de Loreto, neo-mudéjar, con fachada rematada por dos mansardas de pizarra, de influencia claramente francesa.

 

Loreto, y su mansarda, y El Pilar

Al final nos esperaba la Plaza del Insigne Marqués de Salamanca, creador de este recorrido. Especial atención despertó la actual sede de la moderna tienda Abercrombie. Ahí estuvimos observando el arte con el que ha sido creada la tienda, todo un espectáculo.

 

 

¿El remate? En Flash Flash, en Núñez de Balboa. El arte de la tortilla hecho realidad. Mmmm. ¡Os espero en el Reina Sofía!

Flash Flash tortilla.