EDWARD MUNCH Y SU “OJO MODERNO” EN LA TATE MODERN

Investigando, como siempre en la prensa cultural de la mañana, costumbre que sigo religiosamente, me he encontrado con este bombazo de exposición que tendrá lugar en la Tate Modern de Londres desde pasado mañana.

Munch fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Podríamos hablar de él como del padre del expresionismo; desempeñaría de ese modo el papel que ya hiciera otro Edward ( Manet) con la corriente impresionista.

Niñas en un puente.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo Da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia , la muerte y el erotismo.

Edward Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Loten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital.

En 1895 realiza su primer viaje a París. Allí queda fuertemente impactado con la obra de Gauguin ( el Thyssen prepara una ambiciosa exhibición del artista para Septiembre)

 

 

Paisaje Bretón, de Gauguin

A partir de ahí, tras pasar por impresionismo y postimpresionismo llegará a crear un estilo sumamente personal( la esencia de su genialidad) basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color.

En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo.

En 1890 recibe su segunda beca estatal. Un año más tarde comenzó a desarrollar los motivos del Friso de la vida, ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.

Su hermana Sophie, alegato melancólico.

De ahí marchó a Berlín, donde una exposición suya, en 1893, levantó ampollas entre los círculos conservadores secesionistas, que la retiran de la galería donde estaba. Empezó entonces a frecuentar la tertulia berlinesa “El cochinillo negro” donde iba la flor y nata del artisteo berlinés. Ese mismo año pintó la obra cumbre de su vida: “El grito” de la que diría:

 

 

El famoso Grito, una de sus cuatro versiones.

“Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza…” he de confesar que cuando lo he leído se me ha puesto la piel de gallina, dada la fuerza que traspasa la palabra de este artista de las letras.

¿No se nos hace más cercana y angustiosa la obra después de leer lo que la inspiró?

La muestra de la Tate nos habla de cómo estuvo también al tanto de los adelantos tecnológicos en el campo de la fotografía, que le interesaba sobremanera o el campo de la filmación. Le servirán poderosamente para reflejar la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras.

En sendas muestras en 1902 y en 1905 en Praga, intenta plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más.

En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año más tarde cede los derechos de venta en Alemania a Cassirer en lo que se refería a grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo en el caso de los óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants.

El amanecer

En 1906 Maz Reindhart le encargó un diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen , así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Ya en el año 1908 expone en el Brücke de Dresde, junto a Kirscner y compañía. En otoño del mismo año viaja a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasa en un sanatorio.

En 1909 regresa a Noruega y Rasmus Meyer le compra un gran número de cuadros de su colección, realiza una gran exposición en Oslo. Estos años realiza numerosos viajes por sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito.

Años más tarde, en 1918, publica un panfleto del Friso de la vida en el que incluye sus obras maestras.

Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, ya que una enfermedad de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible trabajar; recibe entonces numerosos honores con ocasión de su septuagésimo aniversario

En 1940 el Régimen Nazi arremete contra su obra, clasificándolo como “arte degenerado” ( una constante, por otro lado entre los artistas de la época).

Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos, la tierra de las oportunidades; en 1942 en Nueva York.

Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.

El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo.

Tras su muerte Ekely dona a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.

La enferma

Hoy la Tate le rinde un merecidísimo homenaje. Otra excusa más para escaparse a esta maravillosa y misteriosa ciudad.

¡Hasta pronto!

EL TOP TEN DE LOS ROBOS EN OBRAS DE ARTE

El reciente robo de un Dalí en un Museo neoyorkino me ha hecho investigar en el tema de la sustracción de las obras de arte en todo el mundo, casos no resueltos, que han dado mucho que hablar y han hecho verter ríos de tinta al respecto.

Dejo aparte mi particular estupor, ante la imposibilidad de colocar dichas obras de arte en ningún mercado, dada la enorme repercusión mediática que suele acompañar a estas espectaculares y rocambolescas historias, urdidas con perfección matemática, y llevadas a cabo con maestría. Supongo que dichas orquestaciones provienen de encargos de coleccionistas privados millonarios, que pueden permitirse el lujo de encargar este tipo de trabajitos a ladrones profesionales, de esos denominados de “guante blanco”.

Mi investigación se basa en la lista que posee el FBI, que es a partir de la cual os ofrezco esta información.

En primer lugar, por la cuantía de las obras expoliadas y por la pasividad absoluta del ejército estadounidense tenemos el SAQUEO DE OBRAS IRAQUÍES EN BAGDAD.

En el se perdieron la friolera de 10.000 piezas arqueológicas de incalculable valor. Son los efectos colaterales de la guerra, tremenda barbarie, símbolo de la sinrazón humana.

La arqueología nace en el siglo XVIII en íntima relación al deseo de un reducido grupo de élite de adquirir obras de arte de la Antigüedad.

En este marco de hechos e ideas, podemos situar la figura de Gertrud Bell (1868-1926), escritora, viajera, analista política y arqueóloga por afición. Después de estudiar historia en Oxford, realizó varios viajes a Oriente. Sus conocimientos de la geografía y la política local le granjearon un lugar importante a la hora de trazar las fronteras del actual Irak (después de la caída del Imperio otomano en 1919) y de colocar a Faysal en el trono de ese país. Cuando la situación política se estabilizó, esta “reina sin corona de Mesopotamia” dejó de asesorar al nuevo rey y se dedicó de lleno a la arqueología. Estaba dispuesta a recuperar lo que, tanto ella como muchos europeos de su época, consideraba el pasado glorioso de Irak.

Gertrude Bell “La Reina del Desierto”

No sólo se destruyó una cantidad no estimada de vidas humanas. Otros muchos hombres y mujeres del pasado, que habían dejado el secreto de sus acciones escrito, tallado en el barro y las piedras de Irak, sacados a la luz por esta intrépida mujer, han sido condenados a una segunda y definitiva muerte con la destrucción de esos tesoros arqueológicos.

Imagen antes del expolio.

En segundo lugar encontramos el ROBO EN BOSTON
La madrugada del domingo 18 de marzo de 1990, la ciudad de Boston recibió un golpe mortal. Su pulcro museo, el Isabelle Stewart Gardner sufrió el robo de 13 pinturas de maestros del nivel de Rembrandt, Degas, Manet, Vermeer, entre otros autores.

La obra más valiosa fue “El concierto” del maestro holandés Vermeer, un óleo de 1660, valorado en más de 250 millones de dólares. El total completo de lo robado ascendió a más de 500 millones de dólares. Todo parece indicar que estos asaltantes sabían lo que querían, o por lo menos seguían fielmente las indicaciones de quien los contrató para realizar el asalto.

El Concierto de Vermeer.

Dos hombres disfrazados de policías entraron a la una y media de la madrugada, superaron hábilmente todas las medidas de seguridad del museo -abierto al público desde 1924- y amordazaron a los guardias.

Hoy, los agentes están en la posibilidad de precisar que la ruta seguida por los maleantes dentro del museo fue, en un inicio, ordenada, pero con el transcurrir de los minutos esta se volvió caótica y hasta absurda, pues se llevaron figuras de valor relativo dejando de lado verdaderas joyas del arte clásico.

Los investigadores del FBI cuentan que se llevaron, por ejemplo, un águila de bronce del Pabellón del Primer Regimiento de Napoleón, pero dejaron unas cartas firmadas por el propio emperador francés, de mucho mayor valor histórico y monetario. También despreciaron un Rafael original.

ROBOSIGLO.JPGNota de prensa de momento.

El mundo espera ver de nuevo las obras robadas. Veinte años es mucho tiempo.

En tercer lugar hallamos el robo de LA NATIVIDAD CON SAN LORENZO Y SAN FRANCISCO DE CARAVAGGIO del Oratorio de San Lorenzo de Palermo

En octubre de 1969, dos ladrones entraron en el oratorio de San Lorenzo en Palermo, Italia, y sustrajeron de su marco Natividad con San Lorenzo y San Francisco. Vale unos 20 millones de dólares. La última pista sobre su paradero la ha proporcionado el traficante italiano Francesco Marino Mannoia, que ha reconocido haber participado en el robo, sin dar mayores detalles.

La Natividad con San Francisco y San LorenzoLa obra de Caravaggio

En cuarto lugar encontramos EL STRADIVARIUS DAVIDOFF-MORINI

Se robaron en Nueva York dos caros ejemplares de estas obras de arte musicales: uno a la violinista Erica Morini en su apartamento en 1996. Realizado en 1727, había sido un regalo de su padre cuando cumplió 21 años. Da lástima pensar que la anciana, que ya contaba 91 años, perdiera semejante joya. El  otro fué sustraído de un Rolls Royce aparcado en Manhattan en el 1924, pertenecía a un parisino, Maucotel.

Anverso y reverso de la obra de arte.

El quinto robo sucedió en el MUSEO DE VAN GOGH DE AMSTERDAM.

Las telas desaparecidas, que estaban expuestas en la sala principal, son ‘La iglesia protestante de Nuenen’, fechada entre 1884 y 1885, y ‘La playa de Scheveningen al desatarse la tormenta’. Los ladrones accedieron al Museo por el techo, que era de cristal. Eran obras no aseguradas, y pese a que finalmente atraparon a los culpables, las obras nunca se han recuperado.

Las dos pertenecían a la primera etapa del proceso creativo de Van Gogh. ¿En qué pared estarán colgadas? ¡Ah! Eso pertenece al misterio.

El sexto misterio sin resolver es el robo de VISTA DE AUVERS-SUR-OISE DE  CEZANNE, robado en 1999 del Museo Ashmoleand de Oxford, en Inglaterra. Dicho cuadro esta valorado en tres millones de libras esterlinas, y aún no se ha dado con su paradero. La policía baraja que se encuentre probablemente en algún lugar de Europa del Este.

Es una de las obras más emblemáticas del pintor.

En séptima posición están  Los Murales DE GERTRUDE VANDERBILT WHITNEY. Fué una escultora y filántropa estadounidense.Estudió escultura en la Art Students League de Nueva York y luego recibió clases en París con Auguste Rodin. Whitney instaló sendos estudios de arte en Greenwich Village (Nueva York) y en Passy (París) y recibió elogios en Europa y Estados Unidos por sus trabajos.

Posando para la portada de Vogue.

Dos paneles de la fundadora del Whitney Museum, los denominados 3-A y 3-B, pertenecientes a la galería Maxfield Parrish, fueron sustraidos en 2002 en West Hollywood (California).

 Uno de los murales robados

Es famosa por su Monumento a la Fe Descubridora en Huelva.

La octava plaza la ocupa el MUSEO CHÁCARA DO CEU

Los ladrones sorprendieron a los guardias del museo, localizado en el antiquísimo barrio de Santa Teresa, y después de desarmarlos desactivaron el circuito interno de televisión y retuvieron a varios turistas que visitaban las instalaciones. La acción de los ladrones, que se produjo poco antes de que cerrasen el museo, no causó víctimas.

   Aprovecharon ademas que fué en un momento en que en las calles había unas 10.000 personas atraídas por el primer día de carnaval.

Jardines de Luxemburgo, Matisse.

Según las autoridades, los cuadros sustraídos son “Los dos balcones”, de Dalí; “La danza”, de Picasso; “Marine”, de Monet; y “Jardín de Luxemburgo”, de Matisse. Junto con estas obras fue sustraída una edición de “Toros”, libro de grabados de Pablo Picasso.
   Aún no han sido recuperadas.
   El penúltimo sitio de la lista lo ocupa un VAN MIERIS , robado a plena luz del día de una Galería en Nueva Gales del Sur en Sidney, Australia en 2007.
Un Caballero, pintura a óleo de 20 por 16 centímetros hecha entre 1657 e 1659, fue retirada de la pared en que estaba colgada, sacada de su molde y llevada de la galería, sin que los guardias de seguridad notasen.
El cuadro en cuestión.

El cuadro fue donado a la Galería, en 1993, por el filántropo James Fairfax. Se piensa que estuvo implicado alguien internamente. ¿Quien dijo que sólo ocurrían estas cosas en las películas?

   Y el décimo lugar de momento lo ocupa un GOLPE EN LA COLECCIÓN E. G. BUHRLE. En 2008 fueron robados cuatro lienzos de esta colección de Zúrich (Suiza), entre los que había obras de Paul Cezanne, El muchacho del chaleco rojo, felizmente recuperado por la policía serbia, Campo de amapolas cerca de Argenteuil, de Monet, también recuperada,  el Conde Lépic y sus hijas, de  Edgar Degas, que sigue en paradero desconocido.
   El Conde Lépic y sus hijas.
      Espero que hayáis aprendido un poco con este recorrido a lo largo y ancho del planeta. ¡Hay que seguir buscándolas sin desfallecer! Un saludo, y hasta la próxima!

LOS “SALVAJES” ALEMANES Y EL NACIMIENTO DEL EXPRESIONISMO

Hace pocos día admiré por segunda vez la magnífica muestra que sobre el fundador del expresionismo alemán alberga la Fundación MAPFRE.

Es la retrospectiva más ambiciosa que jamás se ha realizado sobre la figura de Erns Ludwig Kirschner, y para mi sorpresa , también se exhiben sus obras fotográficas, faceta del artista que era desconocida para mí.

¡Cuántas veces habré explicado en el Thyssen el cuadro Fränzie ante una silla tallada! ¡Y qué maravillosa me pareció la niña contemplada en una fotografía de la muestra! He realizado una fotocomposición entre la fotografía y la particular visión de Kirschner sobre ella que paso a compartir con vosotros a continuación.

 

La cara de la niña la pinta de verde. En ese momento para él dicho color era el color de lo monstruoso; decía que los dragones, seres horrendos de la literatura fantástica, eran verdes. ¿Y acaso, si nos fijamos en la realidad cinematográfica, Hulk, o el mismo Shrek no son del mismo color?

La niña estaba abocada a vivir en la calle si no tenía un golpe de fortuna que cambiara su vida. De hecho ya posaba desnuda para el con el fin de agenciarse unas monedas, ya que era pobre. El la veía ejerciendo la prostitución en el futuro. De ahí esa gama estridente y chillona que la acompaña.

¿Y esos labios prominentes y tan rojos? ¿Acaso no preconizan es oscuro futuro también?

El mismo respaldo de la silla parece una figura de un monstruo.

La niña a la izquierda, la imagen que de ella tuvo Kirschner a la derecha.

Tenemos que investigar un poquito en este movimiento que fundó con otros tres compañeros denominado Die Brücke. En el nombre les inspiró, entre otros Friedrich Nietzsche que decía:” La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta; lo que del hombre se puede amar es que es un tránsito, y no un ocaso”

Dresde fue el lugar de gestación del movimiento. En 1900 comenzó a moverse en dirección a la modernidad con pasos cautelosos. El espíritu de la Secesión venía agitando los áimos desde 1895 aproximadamente. Muchos paisajistas se alinearon entre las filas del impresionismo alemán.

Era un periodo-puente, una transición. en el rechazo salvaje a la historia y a la fe ciega en el futuro, despuntó el “siglo de los extremos” y con él la era heroica del arte moderno.

En ese caldo de cultivo, imprescindible de conocer para entender la estética expresionista, un 7 de junio de 1905 cuatro estudiantes de arquitectura, el mayor de los cuales acababa de cumplir 25 años, mientras que el menor aún no tenía 22, irrumpieron en el mundo artístico con el nombre de “Brücke”. El nombre al parecer lo sugirió Schmidt- Rottluff. Dicha palabra según él era polisémica y no implicaba ningún programa, pero en cierto modo les conduciría de una orilla a otra.

Ellos eran:

  • Ernst Ludwig Kirschner (1880-1938)
  • Erich Heckel (1883-1970)
  • Fritz  Bleyl (1880-1966)
  • Karl Schmidt- Rottluff(1884-1976)

Simultáneamente surgieron en París las explosiones de color de Matisse, Derain y Vlaminck, que fueron presentadas en el Salón de Otoño de París , donde recibieron el despectivo apelativo de “fauvistas”

Una de las obras de Matisse

Para ellos era necesario obtener una voluntad artística propia, extrayéndola del salvaje estudio del natural.

Comenzaron sus prácticas colectivas reuniéndose una vez por semana, llevando a la práctica el deseo de dibujar copiando un modelo vivo, no a la manera académica, sino como el “desnudo del cuarto de hora”; nació, pues, del espíritu del dibujo y de un campo energético de vibrantes efectos alternos.

Una de las obras iniciales.

En estas primeras épocas estuvieron fuertemente influenciados por la controvertida figura de Van Gogh, con sus pinceladas pastosas y serpenteantes, y ese tímido comienzo de la descontextualización del color. De hecho Nolde les decía “deberíais llamaros, en vez de Brücke, vangoghianos”

Tras ello se trasladó a Berlín, donde vivía en un estrecho tenducho, que servía de taller, cuarto de estar y dormitorio. Allí pintaba con sus compañeros del grupo, mientras bailaban con artistas de circo africanos.

Es la época de máximo optimismo en Kirschner, que decía “es una feliz casualidad que se reúnan tantos talentos”

Máscara de Costa de Marfil.

El bullicioso Berlín y sus contrastes influyeron en su obra, en la que hay rasgos cubistas también, dentro de perspectivas anatómicas imposibles en ese mundo del placer nocturno, pintado por él hasta la saciedad

Una escena bulliciosa berlinesa. la mujer de rojo habla a través del color de la “profesión” que desempeña.

El exotismo propugnado por Gauguin, que marchó a Tahití en plena producción pictórica en busca de una cultura sin convencionalismos, les impactó también fuertemente. De ahí la primera búsqueda de su “paraíso terrenal” que Kirschner ubicó en la suiza localidad de Davos

 Lo vibrante de la gama cromática de la composición habla del sentimiento del pintor.

El siempre dijo” el ritmo, el murmullo de los colores, eso es lo que siempre me cautiva y absorbe”

Pero las nubes de la I Guerra Mundial se cernían amenazadoras sobre el horizonte. Kirschner es llamado a filas, cosa que le desestabilizó hasta el punto de ser declarado inútil para el servicio, y ahí comenzarían sus paranoias. Peregrinó por varios psiquiátricos, donde retrataría a médicos y cuidadores, y estudiaría la producción pictórica de los enfermos mentales.

Entre estancia y estancia vivía en Davos, que fué plasmado en multitud de ocasiones.

Pasó el tiempo y una nueva amenaza surgió en la figura de Hitler, que mandó retirar muchas obras del artista de los museos, denominando a este arte “degenerado”, llegando a quemar muchas de ellas. El hondo dolor causado en Kirschner por esta destrucción cruel era “a buen seguro similar al experimentado al perder un hijo” decía él mismo.

Bosque en Davos.

Incapaz de resistir la presión, Kirschner se descerrajó un tiro en su sien en un bosque de la localidad suiza que tan buenos ratos le hizo pasar.

La exposición es maravillosa. Os invito a descubrirla, si no la habéis visitado.

AELITA ANDRÉ, UNA JOVENCÍSIMA PROMESA

Es curioso, pero hasta la fecha de hoy no conocía la existencia de esta jovencísima niña prodigio, que demuestra que el ser humano tiene la cualidad innata de crear, de expresar sus alegrías y pasiones a través del lienzo, el óleo y el color.

En el caso de esta niña parece haber sido tocada por una varita mágica. Su don es inherente a ella, que ha crecido estos cortos cinco años de vida con pinceles en las manos. Y lo ha hecho de un modo absolutamente natural. Para ello ha aprovechado sus instintos guía, más activos en el ser humano los primeros años de vida, y ha ido avanzando por los períodos sensitivos con pasos de gigante.

Muchos artistas de reconocido prestigio han glosado las cualidades de la niña, que hubiera hecho a buen seguro las delicias de Miró cuando experimentaba en la mentalidad pre-lógica de los niños para crear sus obras de arte.

Nacida en Enero de 2007 en Australia, de padre australiano y madre rusa, dicen que comenzó a manejar los pinceles a los nueve meses. No resulta extraño, dado que sus progenitores son artistas, y que desde su más tierna infancia los veía tirando lienzos al suelo para realizar composiciones.

Dicen sus padres que aprendió a pintar antes que a andar. Su madre siempre ha creído que era una niña prodigio, así que, cuando contaba solamente 22 meses de edad le enseñó sus obras a un experto, que quedó hondamente impresionado; así que decidió incluir su obra en una serie de exposiciones, en las que exponía también fotografías de su madre.

El resultado fué impactante, pese a la renuencia inicial. Todo el mundo quedaba sorprendido por una obra creada a golpe de impulso, sin prejuicio alguno, y dotada de la frescura e inocencia propia de los niños.

Yo diría simplemente que disfruta del hecho de crear, sin esos condicionantes que hacen del pintor adulto alguien sometido siempre inconscientemente a las reglas.  Ella sin embargo logra la abstracción ante el lienzo en blanco, y una sorprendente interacción con los colores.

En su primer viaje a Hong Kong vendió una obra por 24.000 libras. El pasado año, en su primera exhibición en solitario vendió la totalidad de lo expuesto en siete días.

La nueva Pollock en acción.

En esta, y pese a la crisis confían repetir suerte. Yo lo único que deseo es que la niña no se pierda la infancia. En otro orden de cosas me parece sencillamente genial. ¡ Enhorabuena Aelita!

VISITA EN PRIMICIA A HOPPER EL DÍA DE SU INAUGURACIÓN. UN ENORME PRIVILEGIO

Cuando te hablan de Hopper en seguida te vienen a la cabeza sus obras impregnadas de la realidad norteamericana, una realidad que el supo captar como pocos en su faceta de cronista de su tierra.

Así pues no he dejado pasar la oportunidad que se me brindaba de acudir hoy al preestreno de su debut madrileño. El artista tiene la virtud de despertar simpatías a la primera.

Su autorretrato, viva imagen del personaje que fue y que se convirtió en el más grande de los pintores americanos del siglo XX. Su mirada es inteligente, y parece escudriñarnos.”¿Habrán captado el mensaje?” parece decir.

Hopper refleja como nadie esa curiosa ambivalencia entre lo que conocemos como el sueño americano, impregnado de esa modernidad rabiosa en ferrocarriles, máquinas de escribir de las oficinas, la vida en los bares; y la soledad, inseguridad y vacío que viven esos lugares retratados, esa personas que, cuando aparecen lo hacen encerradas en sus propios universos interiores, sin relación ninguna con lo que las rodea.

Pareja en un interior. La incomunicación entre ellos es palpable.El lee el periódico. Ella toca pensativa una tecla del piano.

Hagamos historia: Hopper nació en Nyack, una pequeña localidad a orillas del río Hudson, en 1882, en plena eclosión europea del impresionismo de Degas, Toulouse Lautrec y sus coetáneos.

Su familia era culta y burguesa, lo cual abrió pronto las puertas al joven a ingresar en la Escuela de Arte New York School of Art. Nunca encontró resistencia familiar a llevar esa vida.

En la New York School aprendería los fundamentos de lo que serían para siempre las notas predominantes de su estilo artístico. Sobre todo su pintura es limpia, nítida y ordenada espacialmente. Pese a que parte de su producción artística se da paralelamente al desarrollo de la abstracción americana de Pollock y Rothko, el jamás abandonó la figuración en sus obras.

Una ventana abierta a la incomunicación.

Hay en la exposición obras de los que fueron sus maestros. En este caso he de decir que la obra de Hopper adelanta la de estos con creces.

Su primer trabajo fué de ilustrador publicitario en la C. Phillips & Company. en la muestra se pueden contemplar portadas de esas publicaciones que constituyeron uno de sus primeros trabajos. Al no verse lleno del todo con este trabajo, y debido a su inquietud cultural, hace su primer viaje a Europa.

Así pues visita París, donde se declara seguidor de Courbet, Manet, Sisley, Toulouse Lautrec y sobre todo Edgar Degas, que le marcará en esa primera etapa. De él es la influencia en su captación de interiores.

¿Una curiosidad? Jamás se sintió interpelado por fauvismo, o cubismo. Llegó a preguntar una vez en París: “Picasso, ¿quien es ese?”

Viaja a España en 1910, y se siente impresionado por la pintura de Goya.

En 1924 se casó con una alumna suya: Josephine Nivison. Se diría que eran antagónicos. Edward Hopper era un hombre alto, muy callado, de largos silencios, reflexivo, culto. Jo era habladora, ingeniosa, aparentemente ingenua a veces, muy cuidadosa de su apariencia. Fué la única mujer que posó como modelo para Hopper.

Uno de esos retratos de Jo.

Ella,también pintora, renuncio a su carrera por el.

Como curiosidad cuando la pintaba como prostituta o en escenas de alto nivel erótico ella le obligaba a poner en los cuadros “A mi mujer, Jo”, para descartar cualquier sospecha de infidelidad o trato con ese otro tipo de mujer.

Mucha y muy fuerte ha sido la influencia de Hopper en el cine. ¿Quien no recuerda la película Psicosis? Hitchckoock se inspiró en una de sus solitarias casas para emplazar en ella su film. Al contemplar el cuadro te invade el desasosiego.

La Casa, cerca de las vías del tren. La american way of life presente en todas sus obras, que siempre rinden un tributo a la modernidad.

Una de las vocaciones frustradas de Hopper fué la de armador de barcos. Es por ello que tiene gran número de obras en las que aparecen las embarcaciones que siempre soñó con diseñar.

¿Qué es lo que hace Hopper tan especial?. Yo lo resumiría en una cuantas frases: 1.Su producción artística es un continuo himno al silencio, valga la paradoja. 2. La metáfora de la soledad dentro esos escenarios vacíos.3. El enigma de sus cuadros. 4.Lo fantasmagórico y lo oculto de cada una de sus composiciones. 5.Esa cuidada y geométrica composición, deudora quizá de Cezanne, o influenciada por el Decó.

En definitiva ese algo intangible, misterioso, que hace de él uno de los más grandes del siglo XX. .

Eso y el montaje de una de sus obras al natural, con una bellísima modelo de carne y hueso. Un rotundo diez al Museo Thyssen, por ponernos la miel en los labios con esa elegancia.

Arriba el montaje espectacular del estreno de hoy. Debajo la obra en la que se ha basado el Museo. Precioso montaje, ¿Verdad?

El viernes 22 iré a visitarla, y a enseñarla. ¿Os venís?

VERSATILE BLOGGER AWARD

Me ha sorprendido la nominación de Lady Attic, autores de The Attic Pro Video & Media. Os envío mi gratitud desde Madrid. Yo, que hasta ahora escribía mi blog a golpe de impulso, simplemente porque quería compartir mis inquietudes con el ancho mundo, pretendiendo ser un entretenimiento que se lee con agrado, así sin más, y buscando que mis intereses fueran los de más gente como yo, me encuentro con que dos prestigiosos profesionales afincados en la bellísima ciudad condal sintonizan conmigo hasta ese punto…definitivamente no tengo palabras.

Estas son las normas:

1) Agradécele al que te ha premiado y añade un enlace a su perfil o bitácora en tu entrada.
2) Comparte siete cosas sobre ti.
3) Pásale el premio a 15 bitácoras que hayas descubierto recientemente y que disfrutes leyendo.
4) Contacta a los bitacoreros que hayas escogido para que sepan que les has dado el premio.
I. La vena creativa siempre ha estado presente en mi vida. De abuelos y tíos abuelos pintores, pasando por tíos carnales poetas, mi vis, si es que se puede llamar así, siempre ha estado más enfocada a temas relativos a las Bellas Artes como vocación, y a la palabra escrita como devoción.
II. Soy una persona con gran inquietud por el mundo que me rodea. Esto me viene de una curiosidad innata, que me hacía preguntarle a todo el mundo cómo se llamaba y cuantos años tenía desde que tenía tres años.
III. Mi siglo preferido por muchas razones es el XIX. En él se potenciaba el saber y el amor a la cultura. Como creo que debía haber nacido en él, intento aproximarme a su forma de entender la vida leyendo, indagando, investigando y disfrutando de lo aprendido.
IV. Me siento en muchas cuestiones ciudadana del mundo. Trato de acercarme a sus diferentes tradiciones mediante la palabra escrita.
V. Creo que nuestros hijos se merecen un legado con algo más de humanismo.
VI. Disfruto las dos horas que tardo en escribir cada entrada.
VII. La labor de investigar hace que me convierta en el Sherlock Holmes de la cultura. ¡Me chifla el personaje!
Bueno, pues ya os he contado siete cosas sobre mí. Ahora tengo que proponer quince candidatos ¿Sólo quince? Se me quedarán muchos en el tintero, pero ahí van algunos de mis favoritos:

lironronquido

gestionandolaculturacritica

latablavivero

¿un cafe?

madridcoolandcultural

laculturadeloasis

vintage by lopezlinares

el blog de que aprendemos hoy

clinicadentalausin

lostragaldabas

lalineadelhorizonte.com

teveoenmadrid

carlabulgaria

godustyle

 

Arte XIX

EL ORIENT EXPRESS Y OTROS FERROCARRILES DE LUJO NACIDOS EL XIX

Cuando he leído las efemérides de hoy me he encontrado con una que ha atraído poderosamente mi atención: la que mencionaba que tal día como hoy, en 1883 el Orient Express partía por primera vez de París con destino Estambul; con la particularidad de ser un expreso dotado de coches-cama. Habida cuenta que el tren es mi medio de transporte favorito, y que he visto con fruición casi obsesiva la popular cinta de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express me he lanzado a investigar sobre la materia. Frecuentado por millonarios burgueses y miembros de la aristocracia europea, está rodeado de un aura de sofisticación y glamour, propios de finales del XIX , ejerciendo una fascinación inmediata. La revolucionaria idea de unir Europa occidental y el Sudoeste asiático nació en la mente de Georges Nagelmackers. El caballero en cuestión Dicho caballero belga fue creador de la francesa Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Esta compañía, creada en 1872, había sido la primera en Europa en introducir coches cama y vagones restaurante en los trenes (idea que había sido puesta en práctica ya en los Estados Unidos por Georges Pullman). En la década del 30 el Expreso de Oriente alcanzó su auge máximo, con tres servicios atravesando Europa: el Expreso de Oriente original, el Simplon Orient Express, y el nuevo Arlberg Orient Express, que seguía la trayectoria París – Budapest pasando por Zúrich e Innsbruck, con vagones siguiendo rumbo hasta Bucarest o hasta Atenas. En esta época Londres ya contaba con los servicios del Simplon. Rutas del Orient Express, quien pudiera, ¿no? Los pasajeros salían en tren con la British Southern Railway desde la estación Victoria hasta Dover, donde tomaban un ferry hacia Calais. A partir de allí seguían en tren hasta la estación La Gare de Lyon, en París, donde los vagones se acoplaban al Simplon. Fue en esta época que el Expreso de Oriente adquirió su fama de tren lujoso, ofreciendo un servicio de primera clase para sus pasajeros (en sus cocinas eran contratados renombrados chefs), que incluía miembros de la realeza, diplomáticos, millonarios y personalidades en general. El vagón de descanso El aura de misterio e intriga que envolvía al Orient Express atraía a los escritores como la miel a las moscas. Entre los muchos escritores que narraron el encanto del legendario tren se encuentran Eric Ambler, Lawrence Durell, Agatha Christie y Graham Greene, mientras que James Bond y Hércules Poirot son muchos de los personajes que experimentaron la emoción de viajar en él. El vagón restaurante El Orient Express ha tenido una vida más larga en la ficción que en la realidad. Su momento decisivo fue la II Guerra Mundial, la cual acabó con los ferrocarriles europeos y causó graves daños al material rodante de la Compagnie Internationale. Sin embargo, en noviembre de 1945 se volvió a abrir la ruta París-Estambul, ciudad ésta que cambió el nombre de Constantinopla en 1930. Pero los tiempos eran otros. Con la llegada de la guerra fría a Europa, los controles fronterizos se hicieron cada vez más lentos y tediosos. En aquél entonces era probable que los viajeros, en vez de encanto y emoción, encontraran hostilidad y sospecha.

Uno de los carteles. Bellas damas vestidas a la última servían de reclamo publicitario. A finales de 2009 el Orient Express realizó su último viaje. Los vuelos baratos y los trenes de alta velocidad acabaron con la estrella del Orient Express. El Transiberiano es una red ferroviaria que conecta la Rusia europea con las provincias del Lejano Oriente ruso, Mongolia y China Parece que los rusos también quisieron ejercer poder e influencia sobre raíles, así pues se lanzaron a este proyecto en su época más dorada. La ruta principal fue inaugurada tras trece años de trabajo, el 21 de julio de 1904.   Une  Moscú con la costa rusa del Océano Pacífico, más precisamente con Vladivostok (localizada en el Mar de Japón, y cuyo significado en ruso es “poder sobre oriente”), atravesando la mayor parte de la que fue Asia soviética. Esta vía, que atraviesa ocho zonas horarias y cuyo recorrido demanda cerca de 6 días de viaje, constituye el servicio continuo más largo del mundo. Trayecto del Transiberiano Vladivostok se había convertido en una importante ciudad portuaria, y la falta de comunicaciones entre la Rusia europea y sus provincias del Lejano Oriente era un problema que se hacía sentir. La construcción del ferrocarril comenzó en 1891 por iniciativa del Conde Serguéi Witte , quien por ese entonces ocupaba el Ministerio de Finanzas. La mano de obra para la construcción del Transiberiano fue constituida por convictos de la Isla Sajalín y otros lugares, y también por soldados rusos. Uno de los mayores obstáculos a los que se enfrentó la traza del tren fue el lago Baikal, localizado a unos 65 km al este de Irkutsk. Con sus 640 km de longitud y sus 1600 m de profundidad, inicialmente se atravesaba en barco. Lago Baikal, de los más grandes del mundo. Un ferry rompehielos fue adquirido a inglaterra para el traslado de la locomotora y coches de pasajeros, mientras que los pasajeros eran trasladados junto con sus equipajes en trineo de un extremo del lago hacia el otro. Este sistema se continuó aplicando hasta la finalización de la traza sobre el extremo sur del lago. Dos trenes han nacido al amparo del Transiberiano: el Trasmanchuriano, que sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú  y Chitá, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia China. Palacio en Manchuria. y el  Transmongoliano sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú y Ulan Ude, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia Mongolia y China. Mongolia El Transiberiano sigue siendo la vía de comunicación más importante de Rusia, al punto de que cerca del 30% de las exportaciones de este país son transportadas por ella. Si bien su atractivo turístico lleva a que muchos visitantes viajen en él, todavía es muy utilizado por los rusos en sus viajes domésticos.

 

 

Interior del coche restaurante. Y como broche final tenemos el Transcantábrico, ya en nuestro pais. Cien años después del mítico Orient Express, el primer tren turístico de España echa a andar desde León a Santiago de Compostela, en un viaje de 8 días y 7 noches por la historia de España, desde los tiempos prehistóricos a la actualidad.

Una de las suites. La belleza de la España Verde, sus paisajes, monumentos y el deleite de una gastronomía sin igual, aguardan al pasajero. El vagón restaurante. Funciona de mayo a octubre. Buena opción ¿Verdad? Tres rutas, tres caminos, muy diferentes entre ellos, cada uno con su elegancia, glamour y atractivo. El ser humano y sus ansias de viajar, de conocer, de ver mundo, satisfechas en estas tres alternativas.¿ Os venís conmigo?