Queridos amigos:
Os voy a dejar las reseñas de mis dos últimas citas del año.
No obstante, para los que me leéis desde el extranjero, me gustaría que, si vais a venir a Madrid y queréis una guía privada, contactéis conmigo; os puedo realizar tours a medida y las visitas a las exposiciones temporales que sean de vuestro agrado.
Esperando que os resulten de interés os envío un cordial saludo. ¡Animaos!
El viernes por la tarde tuvimos el privilegio de contemplar esta muestra, para mi gusto de las mejores organizadas y más sorprendentes del panorama madrileño actual.
La Fundación Mapfre cuida con mimo extremo y detalle cada exposición que organiza, me estaba acordando de Deineka en este momento preciso… y no suponía menos de esta. Mis expectativas no fueron defraudadas.
Pese a ser una isla. teóricamente aislada, la actividad que caracterizó su cultura, fué cosmopolita y universal, debido a la amalgama de influencias que circularon libremente a través de sus contactos políticos o comerciales.
Comienza cronológicamente con el ilustrado mecenazgo que Enrique VIII otorga al pintor alemán instalado en su país, Has Holbein. El rey acababa de romper con Roma para divorciarse de su primera esposa, Catalina de Aragón para casarse con Ana Bolena.
Fué Enrique un Importante benefactor de las letras y las artes. Lamentablemente su iconoclastia hacia todo lo que supusiera la pervivencia católica repercutió en daños infligidos a esculturas de alabastro del siglo XIV ¿Porqué no se respetan las manifestaciones artísticas del pasado?
Su hijo, Eduardo VI continuó con el afán destructor, le llamaron «Josías» debido a su vehemencia destructiva.
La Primera Sala se denomina Destrucción y Reforma.
Aquí nos recibe el autorretrato de Holbein, introductor de la estética renacentista en Gran Bretaña. La transparencia de la piel y la delicadeza en los contornos hablan de una estética completamente nueva.
Holbein fué un gran miniaturista, pintaba imágenes sobre vitela pegada en fragmentos de barajas de cartas, y éstas se montaban sobre preciosos relicarios. Estos servían para lucimiento de unos pocos, que los llevaban a modo de joyas.
Esta es una de las miniaturas, aumentada de tamaño. La minuciosidad es increíble.
Esta estética de la miniatura se traslada al retrato de gran formato, hasta rallar lo increíble. Veamos esta obra de Larking, un retrato de la Condesa de Nottingham.
En un retrato monumental, de «aparato» hay un enorme preciosismo y minuciosidad en la representación de la seda , el brocado, los terciopelos y gemas del vestido, en la línea de lo que sería posteriormente el conocido «arts &crafts».
La Condesa lleva un vestido de tres piezas, de mangas desmontables, con miriñaque. Se aprecian las chinelas asomando por el vestido, sobre la alfombra, seguramente de orígen persa.
La sección segunda, llamada «La revolución del Barroco» transcurre bajo el reinado de Carlos I, durante el cual el mecenazgo retoma su fuerza.
Como figura clave tenemos trabajando en Gran Bretaña a Van Dyck (del cual hay una interesante muestra en el Museo del Prado). Llega a Londres en 1632, con el sofisticado estilo de Tiziano.
Realiza retratos de élite, ya no son tan «solemnes» como el visto anteriormente de la condesa de Nottingham. Aparece un ligero movimiento, junto a un sutil juego de la luz y el color, que contribuyen a aportar delicadeza a los personajes representados. En la misma línea pintaron sus contemporáneos.
En aquel momento Londres era la ciudad más grande del mundo, y desarrollaba una intensa actividad en las colonias. Su vida social transcurría entre conciertos, obras de teatro, veladas culturales…
Canaletto vivió allí durante esa temporada. La pintura de paisajes se abre paso cada vez más segura.
Vauxhall Gardens. Lugar ampliamente frecuentado por la sociedad británica.
Es el momento de las «mascaradas» cortesanas, diseñadas por Iñigo Jones, de complejos decorados y juegos de luces.
La tercera Sección, bajo el epígrafe Sociedad y Sátira nos muestra la aprobación oficial de la Royal Academy of Arts, en 1768, dirigida por el insigne Sir Joshua Reynolds, que aportó al retrato una base filosófica.
La demanda de retratos es abundante, convirtiéndose en negocio de éxito. Thomas Gainsborough, Peter Ramsey o el mismo Lawrence pedían altos precios. Concilian el legado de Van Dyck con un arte idealizado.
Paralelamente surgen las obras satíricas. Al abrigo de Hogarth relatan historias sobre tipos y problemas sociales contemporáneos. Su estética es más libre y descomplicada, erigiéndose en comentaristas morales.
Tenemos las obras de Mortimer, pintor desenfadado que nos ha causado una grata impresión. Aparece autorretratado en la obra «Sociedad de bebedores» en la que aparecen también algunos de los socios ya muertos.
La cuarta sección, Paisajes de la mente nos brinda grandes obras del paisajismo inglés, muy influenciado en los inicios por la clásica obra del francés Claudio de Lorena, tan admirado por mí.
A finales del XVIII hay una élite de pintores cautivados por la naturaleza. Es concebida ésta como grandiosa, inabarcable. Al paisaje popular y pintoresco de Gran Bretaña atrae a un número de turistas cada vez mayor. Al abrigo de estos sucesos nacen las pinturas de Turner, cuyos estudios de las nubes y su concepto del claroscuro hacen presente lo invisible; Constable, y Burke.
Asímismo se manifiesta una fuerte inclinación científica. Aquí entran en escena los famosos cuadros de caballos de George Stubbs, basados en las disecciones equinas, con acentuada y clásica geometría.
Disección equina
Paisaje campestre.
Surgen pintores que se oponen a los dictados de la Royal Academy, y cuyo desarrollo se verá más ampliamente en la quinta sección, Realismo y Reacción.
La era victoriana presencia un enorme crecimiento en las instituciones artísticas en Gran Bretaña. Se inauguran la National Gallery, el Victoria and Albert Museum, para hacer el arte más accesible a todos.
Importante es la Gran Exposición de 1851, celebrada en el Palacio de Cristal de Hyde Park, auténtico escaparate británico al mundo exterior.
Exposición Universal 1851
El esplendor victoriano, una de las épocas más prósperas de Gran Bretaña se vé reflejado también en las obras de Leighton y Watts.
Impresionantes los prerrafaelitas, liderados por Rossetti, quieren devolver el esplendor medieval al arte británico. Maravillosas las niñas retratadas por Millais, o el colorido que muestra Holdman Hunt.
Proserpina, Rossetti
Retrato de niña, de Millais.
La sexta sección, Modernidad y Tradición comienza con un seguidor de Whistler, Sickert, que funda el Camdem Town Group; gustaban de representar la miseria que les rodeaba. Paralelamente está el Grupo de Bloomsbury, con autores de la talla de Duncan Grant, que pintan su entorno de clase media.
Duncan Grant.
Encontramos también fascinación por los aspectos industriales de la vida del siglo XX, Spencer Gore, del Camden Town Group pinta ferrocarriles.
Surge la única vanguardia de cuño inglés, el vorticismo de Wyndham Lewis, que junto a otro grupo de pintores siguen las tendencias europeas cubo/futuristas.
La Primera Guerra Mundial interrumpe la actividad de vanguardia, la mayoría de artistas se alistan, y son forzados a realizar un arte de cuño oficial, más formal, adscrito de nuevo al realismo.
Francis Bacon y Lucian Freud.
En el periodo de entreguerras hay una multiplicidad de estilos. Dentro de ellos muchos defienden su estilo figurativo. Artistas como William Roberts, o Edward Burra están entre ellos, Otros se adscriben a la arquitectura de Grophius o Le Corbusier.
en 1939 han de interrumpir de nuevo la producción por la guerra. Meredith Frampton refleja escenas de dirigentes militares.
Ya en la última sección, cuyo epígrafe es Un mundo feliz, tenemos un arte que ha virado en múltiples direcciones, tras la segunda guerra mundial. Llega la estética del pop, dentro de la cultura de masas. Iniciado por Hamilton o Paolozzi. tiene en David Hockney a su máximo exponente. Representa la vida feliz, consumista, el estado del bienestar.
Al mismo tiempo la pintura abstracta hace su aparición en Cornualles, al abrigo de las influencias norteamericanas de Pollock o Rothko.
El op art, o arte en movimiento, de efectos ópticos ilusorios florece con Bridget Riley
Y así, entre este «oleaje» óptico, nos despedimos de la Isla Británica, prometiendo volver, para descubrir un nuevo retazo de misterio, oculto entre sus obras de arte.
¡Hasta pronto!
Desde pequeña el cuadro de Las Meninas ha ejercido una poderosa atracción sobre mí. La primera vez que acudí a verlo, acompañada por mis padres, que siempre cultivaron esa faceta cultural y artística en nosotros( dando sus frutos en mi posterior vocación), quedé impactada por esa infanta rubia de aspecto frágil, casi irreal.
Hoy quiero rendirle un tributo particular desde aquí. Espero que sea ilustrativo para los que me leéis.
Las Meninas es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez, y es una de las obras en que puso un mayor empeño para crear a la vez una composición compleja y creíble, que trasmitiera al espectador esa sensación de vida y realidad. Pero no nos confundamos, la obra encierra una densa red de significados.
Desde que el tratadista Fernando Palomino le dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles, nunca ha perdido el estatus de obra maestra. Gracias a él sabemos muchas cosas:
1. Se pintó en 1656 en el cuarto del príncipe del Alcázar de Madrid, es este, pues el escenario de la acción.
2.Se identifica fácilmente a todos los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita: doña Maria Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, «meninas», esto es, mujeres de corta edad que entraban al servicio de la reina.
3. Como novedad el pintor aparece en la escena que está pintando. Y lo hace con la Cruz de Santiago, propósito que acarició largamente, hasta conseguirlo gracias al rey Felipe IV.
El autor presente en la obra. Fué el primero que lo hizo.
4. Aparecen los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, quien, con apariencia de niño, azuza a un mastín. Detrás la dama de honor, doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas,y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador de palacio.
5. En el espejo( elemento típicamente barroco) se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria; son los padres de la infanta y los testigos de la escena.
El espejo, profusamente utilizado en el Barroco, aliado del engañoso efecto visual que reflejaba
Habitan los personajes un espacio modelado, no sólo mediante las leyes de la perspectiva «científica», sino también de la perspectiva aérea, gran logro pictórico de Velázquez. Ésta se consigue de modo magistral mediante la multiplicación de las fuentes de luz.
Tiene Las meninas un significado inmediato, accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo, realizado en un espacio concreto, protagonizado por personajes identificables, que realizan acciones comprensibles.
Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles, de extraordinaria belleza, se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo; que fué una de las metas de la pintura moderna en la Edad Moderna, ha ido más allá de la trasmisión del «parecido» y ha buscado con éxito la representación de la «vida», o animación, en la espontaneidad que se trasluce en la actitud de cada personaje.
Maravilloso detalle, prefigura la fotografía, ¿No os parece?
Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en que la infanta y su séquito interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados que pertenecen a diferentes campos de experiencia, y la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental, que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones.
Existe, por ejemplo una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión, llena la obra de significado político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, encarnados en el pintor o en los cuadros que cuelgan de las paredes del fondo; la presencia del espejo convierte al cuadro en una reflexión sobre el acto de ver, haciendo que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación sobre los límites entre la pintura y la realidad, y sobre su propio papel dentro del cuadro.
Es esa riqueza y variedad de contenidos, y su compleja composición y diversidad de acciones la que hace de Las Meninas un «retrato» en que debido a las estrategias que utiliza en él Velázquez se persiguen unos objetivos que lo trascienden…
Quede constancia pues, del profundo respeto que me merece Velázquez. Hoy día millones de turistas japoneses y chinos se agolpan alrededor a la caza de la mejor instantánea. Se lo merece, ¿No creéis?
El viernes 16, aún con la «resaca» emocional de La Noche de la moda y todo su glamour y estilo, tuvimos esta cita, ineludible por ser una exposición clave del otoño, creada al abrigo del 75 aniversario del Guernica.
Articulada en torno a seis puntos, es una muestra sumamente ilustrativa del tiempo convulso y vibrante que la acompañó.
Nada más entrar nos topamos con su primera sección: REALISMOS. en ella se yuxtaponen obras de artista cuyo punto en común es la fascinación por conflictos geográficos de distinta procedencia geográfica. En ellas hay variedad de estilos y traslucen la diferente formación pictórico-artística de sus autores.
Los temas recurrentes plasmados en ella serán el trabajo, el ocio, o la vida cotidiana, y se servirán para ello del retrato, que suele reivindicar cierta conciencia colectiva.
Los autores que más nos impactaron fueron Siqueiros, de gran rotundidad plástica, Shahn, fuertemente comprometido con la clase trabajadora, o Berni, con el cual me quedo particularmente. Su «New Chicago Athletic Club, que es la primera vez que se expone en nuestro país, es un alegato a la colectividad en un equipo de fútbol. Es enormemente expresivo, y de una alegría vibrante.
En esta sección también aparece una obra de Beckmann, otra de mis preferidas, que muestra un grupo de la alta sociedad reunido en una fiesta.
Al mismo tiempo se está produciendo LA ABSTRACCIÓN. Se vivió durante los años 30 como forma de experimentación creativa que lo transformó todo, mezcló utopías con posturas controvertidas. Lo más importante es el puente que se tiende con EE.UU, ya fuera mediante viajes o por el compromiso político.
Aquí podemos destacar lo que nos llamó más la atención, que, entre otros artistas, fueron las formas biomórficas de Hans Arp, o las combinaciones surrealistas de Bárbara Hepworth.
Otra figura fundamental fue la de Moholy- Nagy, que influyó decisivamente en la fotografía, el cine o el arte abstracto. Realizó experimentos con la luz, el diseño y el movimiento, se le puede considerar un precursor, y su influencia sigue viva.
Al otro lado del charco, en EE.UU Josep y Anni Albers experimentaban en análogos caminos, teniendo gran impacto en el Black Mountain College, centro experimental de humanidades, donde coincidirían John Cage, Cunnigham, o Rauschenberg.
En España destaca Joaquín Torres García, al que afortunadamente se le está dando el papel que merece en el desarrollo de la contemporaneidad en nuestro país. contribuye a transformar la fórmula europea, y fué figura clave en Montevideo, a donde se exilió durante la guerra civil.
Otras figuras clave del movimiento abstracto serán Ad Reinhardt, integrante de «American Abstract Artist», o figuras de primera línea, tales como Klee, Baumeister, Kandinsky… cada uno dentro de sus poéticas particulares dentro del proceso abstracto.
Kandinsky, sus formas biomórficas ubicadas dentro de un pentagrama de cuatro líneas…introduciendo el mundo de la sinfonía musical.
Ya nos encontramos en nuestro recorrido con el apartado CULTURA EXPOSITIVA: PROYECTOS NACIONALES E INTERNACIONALES
En aquella época y a gran escala, eran los escenarios donde poner de manifiesto el papel de los artistas en la elaboración de proyectos gubernamentales, para ser vistos dentro y fuera de sus fronteras.
Pabellón de Argelia. Expo Colonial París 1931.
Se documenta la Exposición Colonial de parís del 31, la Mostra Fascista del 33, la Exposición Internacional de París del 37 o la Feria Mundial de New York del 39. Obras, proyectos decorativos, material documental…enriquecen significativamente esta parte de la muestra.
Pabellón soviético de la Feria Internacional. París 1937.
Los artistas son reclutados para crear una imagen nacional para cada pabellón, y contribuyen decisivamente en el diseño general tanto de ferias como de materiales propagandísticos.
SURREALISMO
Su expansión a gran escala garantiza su continuidad e influencia. Tuvo como árbitro de la «ortodoxia», (si es que puede haber alguna en este movimiento) a André Bretón.
Desde comienzos de la década, y tras las exposiciones de la Julián Levy Gallery de New York en el 32, y la del Moma, «Fantastic Art, Dadá and Surrealism» de 1936 se convierte en valor en alza. Dalí diseña el Pabellón de Venus para la Feria Mundial de New York en el 39.
Dalí y Gala en el Pabellón de Venus, en New York.
Se vertebra esta sección en torno a las exposiciones internacionales a lo largo de la década: Tenerife en 1935, Londres en el 36, París en el 37 y México en 1940.
En ellas nombres como Miró, Arp, Picasso, o Ernst se mezclan con facciones locales como Maite Germinová, Oscar Domínguez o Wilhelm Freddie.
Encontramos obras de autores como Miró, Matta, Magritte o Picasso entre otros.
FOTOGRAFÍA, CINE Y CARTELES
se incluye pronto la fotografía en la corriente de masas. Obtiene pronto un papel destacado, en un momento en que las manifestaciones artísticas han roto los límites que las comprimían. El soporte cobra la misma importancia que lo que contiene, a veces incluso más.
Se organizan retrospectivas, se compilan anuarios, almanaques, y cantidad de fotógrafos viajaron de un lado a otro, tanto los europeos como los americanos. Es el momento en que emergen las revistas ilustradas, y se crean los collages y los fotomontajes.
Mucho fotógrafos cultivan también el cine.
En carteles destaca Josep Renau, que defiende la utilización de nuevos medios de comunicación y las nuevas tecnologías. Invocó asimismo la necesidad de un realismo de nuevo cuño, que relacione la tragedia política del momento con una forma de representación masiva.
Un clásico de Renau
Su tratado es un alegato a favor de la necesidad de combinar experimentación vanguardista y compromiso político con la iniciativa comercial.
Destacan en esta sección asimismo Paul Strand, Man Ray o Moholy-Nagy.
La modelo, de Man Ray.
Como colofón la proyección de Travel Notes de Evans.
ESPAÑA. SEGUNDA REPÚBLICA. GUERRA CIVIL. EXILIO.
Para ver esta parte de la muestra hay que subir a la segunda planta. Tras la visión de las primeras partes en la planta baja, prolíficamente documentadas, nos enfrentamos a la parte más española. Hay una sala dedicada al teatro, con telones de Alberto Sánchez. Destaca La romería de los cornudos, de 1933, ballet protagonizado por la Argentinita. Llevaba sin exhibirse doce años. La familia de la artista ha cedido muchas obras.
Es una época efervescente en la cultura de nuestro país. Aparecerán iniciativas tales como la Barraca o Las Misiones Pedagógicas, así como los Ballets Nacionales. La transversalidad entre el arte y el teatro se hace, de este modo presente de un modo sugestivo y atrayente.
Se subraya el apoyo gubernamental a la modernidad plástica, y a su afán de internacionalización.
Los grupos más relevantes serán la Escuela de Vallecas. el GATEPAC, ADLÁN, o la Escuela de París, en un momento de gran eclecticismo en España.
La icónica influencia de Goya se percibe en la Guerra Civil, fundamentalmente sus Desastres de la Guerra. Fué relevante en el Pabellón del 37, donde se vendió una especial edición de esta serie. Se usaron como eje central en la República.
Pabellón español del 37 en París.
Los realismos aparecen con fuerza de nuevo, por la urgencia de trasmitir mensajes. Realismo de corte soviético y de corte político, cercanos ambos a las vanguardias. Destacables los dibujos de Alberto Sánchez para Nueva Cultura. Han venido del Museo Pushkin de Moscú, y se ven por primera vez en España. ¡Menuda paradoja!
También importantes serán los dibujos satíricos y aguafuertes de Bartolozzi. Y para nuestro pabellón del 37 se encargan obras a españoles residentes en el extranjero: Julio González, Picasso o miró.
Fuera de nuestras fronteras la Guerra Civil española causó impacto en los artistas de la talla de Magritte, que pintará «Le drapeau noir», o André Masson( su familia ha hecho un préstamo abundante y generoso a la muestra), que vivió en nuestro país el año precedente.
Le drapeau noir
Numerosas portadas se dedicaron a España y a su conflicto bélico. Arbeiter, Illustrierke, o Zeitung entre ellas. Además se recalca el peso de artistas de la corriente surrealista internacional.
Carteles soviéticos.
Una brillante película de Buñuel, «Los olvidados» cierra una muestra, que, aunque extensa, dejó muchos interrogantes en nuestras mentes, y otros quedaron resueltos. ¡Hasta la próxima!
Hoy quiero compartir con todos vosotros las sensaciones despertadas durante mis dos visitas a la impactante exposición que ha montado el Museo Thyssen sobre el Arte, con mayúsculas de Cartier, y el cambio de estilo que estas pequeñas obras de arte experimentaron en manos de esta saga familiar de maestros en pedrería.
La muestra es resultado del esfuerzo que han realizado los Cartier, recomprando algunas de sus obras maestras, bien a particulares o en subastas, para elaborar esa colección histórica que pasará a la posteridad para el disfrute de las venideras generaciones. Ha sido expuesta ya en los museos más prestigiosos del mundo, y seguirá en este recorrido itinerante por el ancho mundo para ser «degustada» como merece.
Cartier «nació» al mundo creativo de la alta joyería mientras trabajaba para otro joyero, Adolphe Picard. De ahí se traslada al Boulevard dels Italiens, ya con su hijo Alfred, y al 13 Rue de la Paix, donde está la Casa Madre de la compañía, ya con los hijos de Alfred, Louis, incorporado a la Casa en 1910, y Pierre y Jacques, que lo hicieron un año más tarde.
La familia al completo: Alfred y sus tres hijos: Louis, Pierre y Jacques.
Eran otros tiempos, a mediados del siglo XIX, cuando los trabajos en joyería se realizaban en guarnición de plata y oro, y se seguía el estilo de la época de Luis XV. Los motivos decorativos eran los clásicos del «estilo guirnalda»; y eran contemplados, fundamentalmente en las tiaras, esas insignias del poder real, pieza que todas querían poseer.
13 Rue de la Paix.
Dichas tiaras pertenecían a tres estilos: el tradicional, de motivo guirnalda, que se sujetaba mediante el moño alto que las mujeres llevaban en aquel momento. Este tipo de tiara se solía llevar acompañada de los «devant de corsage», broches que se sostenían en el corsé externo por medio de alfileres.
Devant de corsage estilo guirnalda.
El estilo kokoshnik, que en ruso significa «cresta de gallo»,que recibió en su factura la influencia rusa, y la llamada «bandeau», más moderna, cuando las mujeres llevaban ya el cabello suelto y que se colocaban como las diademas , más sobre la frente.
Tiara estilo guirnalda, ideal en la Belle Epoque.
Tiara kokoshnik en acero negro bruñido, una de las más curiosas e innovadoras de la muestra.
Las últimas ya mostraron la innovación de Cartier de ir montadas sobre platino. La guarnición se oxidaba, y se ponía fea de aspecto, así pues se empezó a utilizar el platino, más airoso, maleable y fácil de mantener. En ese momento ya se había realizado el hallazgo de los diamantes en Sudáfrica eran abundantes y asequibles de conseguir en aquel momento, así pues las tiaras los contienen abundantemente.
Tiara bandeau, cerrada por detrás, típica de los años 30, con la liberación de la mujer.
Sobre platino también irán montadas las joyas en las que empieza a utilizar los motivos «Deco» descubiertos en la Exposición Universal de motivos decorativos e industriales que se celebró en París en 1925. Se deshecha el estilo guirnalda, y se empiezan a usar las piedras baguette, de forma estilizada y alargada, ideales para las piezas que Cartier comenzó a idear, tanto en pitilleras como en las «vanity cases» diseñadas para contener el maquillaje femenino.
Reloj-broche de «motivo pantera» con ónix.
Pitillera Decó con lapislázuli y turquesas.
Se produce el acontecimiento decisivo para Cartier de esa época: el descubrimiento en 1905 de los Ballets rusos de Diaghilev, con el vestuario lleno de yuxtaposiciones de piedras azules y verdes, que él aprovechó para idear en sus montajes de turquesas y aguamarinas con jade, (en momentos de carestía de piedras preciosas se utilizaban las denominadas «piedras lindas», como estas); sustituidas cuando la ocasión era propicia por zafiros y esmeraldas.
Vanity case con motivo pantera.
También de ese período es el hallazgo del ónix, con el que realiza uno de sus motivos decorativos más característicos e inconfundibles: la «piel de pantera»
En cuanto a sus influencias orientales comprobamos la enorme fascinación que le producen estas culturas: la egipcia, que cobra especial relevancia con el descubrimiento por Howard Carter en 1922 de la tumba de Tutankamon. El hecho hizo que recopilase libros de artes suntuarias del lugar( atesoró toda una Biblioteca)y que comprase compulsivamente material arqueológico. Hallamos pues tanto piezas inspiradas en el estudio de estos libros, o las más exclusivas joyas realizadas con material originario de allí.
Broche escarabajo.
Jacques viajó a india, donde fué testigo del respeto de los marajás hacia todo lo que tuviese que ver con la joyería Cartier. Comenzaron a proporcionarle todo tipo de piedras preciosas, para que les hiciera a medida montajes en platino con las mismas. La riqueza cromática de estas, y el trabajo con las técnicas lapidarias del lugar dio paso a las joyas «tutti frutti» , de una belleza sublime. Sientes ganas de quedarte pegada a la vitrina donde se hallan expuestas.
Collar tutti frutti encargado por Daisy Fellowes, miembro activo de la Coffe Society, creadora de «Harpers Bazaar»
En cuanto a la influencia china también es patente en varias piezas donde se utilizó el jade, piedra muy extendida allí. Hay gran número de piezas de esa influencia en la muestra, que pertenecieron a Bárbara Hutton, esposa de Cary Grant.
Vanity Case China.
Surge con fuerza la Coffe society, es decir, maridajes entre miembros arruinados de la aristocracia europea y millonarios americanos,; de esa unión surge una nueva clase culta, de sensibilidad estética y con olfato para los negocios. Miembros relevantes la duquesa de Kent, que participa en el diseño de varias joyas que encargó, Daisy Fellowes, futura creadora de la revista Harpers Bazaar o Mona Von Bismark entre ellas.
Flamenco de la duquesa de Kent
Pantera sobre zafiro de Cachemira de 153 quilates.
Alfonso XIII fué cliente de Cartier. Rey europeísta de talante abierto encargó una tiara para Victoria Eugenia que se halla expuesta en la muestra, donada para la ocasión por la Reina Doña Sofía.
Tiara de Victoria Eugenia. Es de estilo guirnalda.
También Rainiero de Mónaco encargó el ajuar a Cartier: consistió en el anillo de compromiso( pocas veces he visto algo igual), un brazalete de platino y brillantes con un collar, tres broches de rubíes y diamantes.
Hoy conmemoramos el nacimiento de Grace Kelly.¡ Mirad qué maravilla!
Otra celebrity que no fué inmune fué Liz Taylor. Tuvo la suerte de que le regalaran este maravilloso collar de rubíes y diamantes.
Liz Taylor luciendo el collar.
La menos discreta María Félix aunó su pasión por las joyas y los reptiles en varios encargos que hizo a Cartier. De entre ellos podemos ver un collar y unos pendientes de clip de serpiente, y otros pendientes con pulsera de cocodrilo. Más espectacular que ponible, en mi opinión.
Imagen superior: collar de serpiente, imagen inferior collar de cocodrilo.
Otras mujeres como Cocó Chanel, o Elsa Schiapparelli no fueron indiferentes tampoco.
Como relojero también se contempla una bella y cuidada selección de relojes, incluido el Santos, diseñado por Louis para su amigo brasileño, el piloto Santos Dumond. Al ser piloto le era incómodo un reloj de bolsillo; así pues Cartier le diseña el primer reloj de pulsera masculino( el primero femenino lo diseñó Pattek Philippe)
Reloj de pulsera Santos
Junto a él vemos los relojes misteriosos, cuyo orígen se halla en el ilusionista Houdin. El secreto es que la aguja parece flotar misteriosamente en la esfera, que se ve transparente, sin verse ni de cerca las conexiones con mecanismo alguno. Son maravillosos.
Reloj misterioso estilo pórtico. Las agujas parecen levitar.
Jean Toussaint, diseñadora de la firma, fué nombrada directora. Reintroduce elementos de la flora y fauna, el oro amarillo, y el efecto tridimensional en la joya. Mujer con gran estilo estético, y observadora tenaz, creó diseños exclusivos bellísimos. Veamos alguna muestra.
Collar de fronda de amatistas y oro amarillo.
Curiosa mezcla entre oro y espacio.¿ Podrá caminar este artilugio espacial?
Un sobresaliente en una muestra a la que no falta detalle. Todo montado sobre negro, el color del lujo y de lo exclusivo, y una ocasión única para sentirse rey o reina por un día…rodeados por joyas. Os recomiendo visitarla. ¡¡Yo cada vez que voy me quedo sin palabras!!
Hoy quiero recomendaros la asistencia a un evento que hará correr ríos de tinta, pues a buen seguro se recordará como el acontecimiento del otoño: La noche de la Moda. Convocada por La Luna de Metrópoli y su sección Bazar me lo Pido nos brinda una generosa ocasión de ponernos al día acerca de las tendencias que están actualmente a nuestro alcance en aquellas tiendas españolas que se caracterizan por ser únicas, exclusivas, aportando el sello de calidad que las distingue.
Pasaremos un buen rato al lado de patrocinadores de la talla de:
Dyson , Isabel Mora , Carla Bulgaria Roses Beauty, Método Nascia, Señorita Malauva, Marionnaud ,Cc – Academias Llongueras, Trazos Design, Vaya Pelos, Te mereces un detalle, Glam Fashion & Events.
Contamos con la confirmación de participación de lo más granado en comercio exclusivo:
Tim De Kir, Teresa Aldama, La Tienda De Almudena, Cortijo Verde , The Philippiness, Mabel Feijo VINTAGE, Voneka, Capas Seseña, Vintage López Linares, Armería Española, que darán cumplida muestra de la riquísima y poliédrica variedad de producto “number one” en España.
Y en el transcurso de la velada contaremos con desfiles de diseñadores de la talla de:
Eva Cardona, Oscar San Miguel, Sicalipsis, Crazycrue, Pailletes, Lola Piñel, Peonia Lätelier,Natacha Arranz, Rosa Artesanía, Cristina Sánchez…¡Hasta Angel Schlesser!
No os lo perdáis, la noche de la moda se acerca…id apuntando este «must» en vuestra agenda…¡Ya está aquí!
Aún con el recuerdo en la mente de la maravillosa proximidad que tuvimos la fortuna de sentir con Gauguin y sus nuevos lenguajes creativos, me siento a escribir esta entrada, que espero que sea del agrado de los que me leéis. Cuando estudiaba en la universidad a Gauguin y al círculo del impresionismo siempre me pareció una figura antipática, de un modo instintivo, así que aparqué deliberadamente toda intención de profundizar en su figura. Años después, y gracias a la maravillosa oportunidad brindada por el Thyssen en su veinte aniversario me doy perfecta cuenta de cuán equivocada estuve. De sabios es rectificar, y lo hago de un modo público. La vida de Gauguín( París 1948- Islas Marquesas, 1903) estuvo plena de acción, se podría decir que la mitad de su existencia transcurrió a bordo de algún barco recorriendo y explorando el ancho mundo. Según comentaba varias veces por sus venas corría sangre peruana, ya que alardeaba de tener un antepasado que fué el último virrey del Perú. Sus primeros nueve años de infancia transcurrieron en Río de Janeiro, donde se sintió un niño libre que hablaba español y corría por aquellos frondosos bosques. Esto marcará su trayectoria plena de viajes o como marino mercante o como oficial de la armada…y marcó el espíritu libre que le acompañó de por vida. 
Pero lo fundamental que acaeció en su vida fué el conocimiento de los artistas románticos en la magnífica colección que tenía su tutor, Ricardo Arosa. Allí «intimó» con el Delacroix seducido por Argel, y cuyo cuadro nos saluda desde la primera sala a modo de introducción. Es toda una invitación al viaje, ¿no os parece? Su fascinación por esas tierras propiciaron su vuelta al primitivismo, a través de lo exótico, lo misterioso, esa civilización libre de ataduras que se le brindó generosa cuando, tras decirle a su mujer , Mette: «me voy a Panamá a vivir como un salvaje» puso rumbo a esas tierras.
La imagen que aquí observamos está realizada a través de una de las ensoñaciones pictóricas del autor, que liberó su imaginación en el proceso creativo. La muchacha sentada con vestimenta rosa pertenecía a la misión católica que había acudido allí a evangelizarlos. ¿Percibís las enormes superficies de color, y el empleo «caprichoso» de éste? En «Mujeres tahitianas» (sobre estas líneas) se observa la fascinación que sintió por este tipo de mujeres, a las que representa de un modo hercúleo y algo achatadas. En el pareo de la de la izquierda se observan reminiscencias de la pintura japonesa, que le redescubrió Van Gogh durante su breve convivencia juntos en Arles. Desde un primer momento sentó las bases de la renovación pictórica que tanta huella dejaría en su contemporáneos a los que nos referiremos en el diálogo que mantienen en la sala tercera de la muestra. Sería una técnica a partir de grandes superficies de color planas, sin gradación tonal, y una utilización arbitraria del color. Esto impactó de un modo radical en la corriente fauvista apadrinada por Matisse,cuya presencia en la muestra es de gran importancia. 
El paraíso tahitiano que veremos a continuación es, fundamentalmente un gran homenaje del pintor a la vida auténtica, pura, libre de encorsetamientos y condicionantes morales que impregnaba la vida de los habitantes de aquellas islas del pacífico. Fundamentalmente quiso perpetuar la cultura maori en vías de desaparición. 
Muerte. Paisaje con pavos reales 
Matamua Nos impregnan estas pinturas de fragancias exóticas, recreando paisajes edénicos. A ello contribuyen poderosamente la explosión de colores en grandes masas cromáticas. En «Matamoe» nos habla de la muerte paradójicamente, íntima y misteriosamente ligada a lo salvaje de los trópicos; mientras que en «Matamua» aparece el simbolismo mítico y ancestral del «tiki»( ídolo religioso de forma humana) representando e Hina, la divinidad maori femenina que representa el mundo del misterio y de la noche. La composición se desdobla con el árbol que funciona a modo de bisagra, que desdobla la rotunda escena en la parte derecha, donde una de las mujeres sentadas toca la flauta, y la parte izquierda, en la que aparecen otras figuras realizando un baile ritual en torno a la diosa. 
Trilogía de los tres tikis o divinidades maoríes: Ku( dios masculino) Hina( esposa de Ku) y el hijo de ambos. ¿No traen a la mente enseguida las figuras de los moais en la Isla de Pascua? En la tercera salas somos testigos de excepción del diálogo establecido entre Gauguin y los que siguieron su estela de ruptura y reencuentro con la jungla, lo misterioso y lo salvaje. Aventuremos lo que pueden estar diciéndose entre sí:
Henry Rousseau:» Gorila atacando a un indio
» «Gracias te doy, Gauguin, por abrirnos las puertas a tus coetáneos al maravilloso universo de la jungla, del mundo perdido a los ojos de la civilización humana. Mi lenguaje pictórico difiere del tuyo, ya que mi estética «naif» hace que delimite los contornos, de una manera deliberadamente ingenua. Creo que esa es la manera en la que me puedo expresar más libremente» 
Franz Marc «El sueño» «Imbuidos de tus enseñanzas en ese momento, oh salvaje Gauguin, mi amigo Kandinsky y yo fundamos «Der blaue reiter» fusionando mi pasión por los caballos y la de él por el color azul. Escapamos del mundo turbulento en que vivimos escapando con nuestra imaginación a un mundo arcádico, en el que hombre y animales convivirán en perfecta armonía. Lo hacemos dentro de nuestra particular teoría cromática, donde lo azul simboliza lo masculino y equilibrado, lo amarillo la locura y pasión de lo femenino, el rojo la fuerza, y el verde el equilibrio» 
«Selva tropical» Emil Nolde: «Enseguida me sentí impelido a salir en pos de tus pasos, Gauguin, tan pronto tuve noticias de tu libertad compositiva, y tu huida hacia naturalezas salvajes, en estado puro. Liberé la composición, introduciendo grandes extensiones de color y utilizando pequeñas manchas rojas, en forma de loros, para causar más impacto en el espectador. Todo dentro de un estilo anticlasicista y lleno de fuerza» 
Metzinger, «Bañistas» «Yo realicé mi particular versión del primitivismo dentro de una técnica divisionista. Sabedor de que tú, Gauguin estabas también fuertemente influido por el mundo de la vidriera medieval, quise acentuar el colorido, para que mis bañistas se asemejaran a una vidriera en movimiento. Dentro de una ensoñación que no tenía nada de académica» ¿No os imagináis el diálogo que establecen entre sí, y que bien podría ser el que he reproducido al hablar de ellos ? Etnográficamente hablando Gauguin siempre quiso vivir como ellos, pero siempre mostrando la diferencia entre las dos culturas, sin tener intención alguna de imitarles, sino de aprender, enriqueciéndose, de las diferencias palpables entre una y otra raza y cultura. 
Maravilloso en esta línea el exótico retrato de esta joven nativa, ataviada con túnica blanca y exótico abanico, sentada en una silla colonial, posando para él con regocijo. La pintura de Gauguin se convirtió en un nuevo canon una nueva forma de vivir para los expresionistas alemanes de la talla de Kirschner, que traslada a las mujeres desnudas a sus claustrofóbicos espacios( no hay que olvidar lo atormentado que estaba tras haber participado en un conflicto bélico) , Heckel, o Nolde, que se recreó en la fisonomía de los habitantes de los mares del sur, casi con precisión antropológica, todo un prodigio su estudio de las narices, pómulos, y rasgos anatómicos. 
Dos desnudos, Kirschner 
Papuan head, Nolde Otros pintores se lanzaron sin ambages a viajar a lugares exóticos, en lo que han llamado «La luna del sur» Resaltar las figuras de 1) Kandinsky, fascinado por el viaje que realizó a Argel en 1905( ¡qué teclas más diversas tocó de modo infatigable el autor ruso!) de cuya obra dejo plasmada una obra: 
Kandinsky: Improvisación 6 Destaca en ella lo vibrante de un colorido fruto del influjo de la luz y el color, que quiso plasmar de un modo vibrante. 2) Matisse: 
«Flores y cerámica» En él el artista rinde su particular homenaje a Gauguin en la utilización de una superficie grande de azul lapislázuli en un bellísimo florero inserto en una composición como de collage. 3) Delaunay emprende un viaje etno-folclórico por la Península Ibérica y pinta su » La portuguesa» dentro de su técnica cubista/ órfica donde introduce el concepto de sinfonía en su pintura, casi caleidoscópica. 
En la última sala, como colofón encontramos las obras peculiares que Matisse realizó desde la Polinesia francesa con sus papiers découpés (papeles recortados), reverenciados como la culminación de su carrera y de su principio rector “orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad” coincidió con el cineasta expresionista Murnau, que estaba realizando su película «Tabú» acerca de las costumbres nativas, y que se puede ver proyectada en una de las paredes de la sala. 
Matisse: «El esquimal» 
Fotograma de «Tabú» Un público entregado, hizo que valorara más, si cabe, mi trabajo, que a la vez es mi vocación. También contribuyó el espectacular montaje de la muestra por parte del Museo, auténtico maestro en estas lides. Espero haber aportado algo con la entrada. ¡Feliz sábado!
artealinstante 