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Here’s an excerpt:
4,329 films were submitted to the 2012 Cannes Film Festival. This blog had 14,000 views in 2012. If each view were a film, this blog would power 3 Film Festivals
Recientemente ha tenido lugar el 33 aniversario de la muerte de esta importante mujer, mecenas de las artes de una época tan apasionante como convulsa en la historia del arte. Prometí a una seguidora tuitera una entrada en mi blog acerca de esta enamorada del arte, y de la vida.
Peggy y sus hermanas.
Hoy día de Navidad, en un encierro obligatorio en mi casa, cuidando de mi hija pequeña, que está enfermita aprovecho la coyuntura para cumplir mi promesa.
El 26 de agosto de 1848 venía al mundo en New York esta singular mujer, bajo el nombre de Marguerite, en una familia de grandes magnates( América en esa época era un paraíso, la tierra de las oportunidades). Era además sobrina de Solomon Guggenheim, creador de la fundación de la que ella tomo el relevo. Bien es sabido que aquella clase social de nuevo cuño, nacida al abrigo del dinero del Tío Sam , estaba ávida de una formación artística que le diera la pátina de clase y estilo adecuada. Su padre falleció en el trágico hundimiento del Titanic.
Sus padres procedían de familias de judios que habían emigrado al extranjero, huyendo de sus precarias condiciones de vida en Europa. Su padre vivía largas temporadas en París, donde convivía con su amante. Nunca tuvo el acierto de las inversiones en los negocios, lo que hizo que su fortuna fuera mermada considerablemente.
Aun así a los 21 años heredó la nada despreciable suma de 2.5 millones de dólares( como 20 millones de dólares actuales). Fue entonces cuando, tras sus estudios, tomó la decisión de marcharse a París, cuna de la bohemia, la vanguardia y los ideales de libertad que ella adoraba por encima de todo.
Allí, y guiada por sus amigas se pone en contacto con la vanguardia artística del París de los años 20. Conoce a toda una pléyade de artistas que vivían en condiciones miserables, que fumaban opio, y bebían absenta, y que estaban absolutamente liberados de cualquier condicionamiento moral. Su espíritu y temperamento libre encajaron en ese estilo de vida como el guante a la mano. Picasso, Modigliani, Chagall…ninguno le fué indiferente.
En una fugaz vuelta a New York para asistir a la boda de su hermano conoce a Lawrence Vail, quien se convertiría en su primer marido. De el dijo:
«Su hermoso, ondulado y dorado cabello se agitaba atrapado por el viento. Yo estaba escandalizada por su libertad y sin embargo también cautivada. Él había vivido en Francia toda su vida, tenía acento francés y arrastraba las erres. Era como una criatura salvaje. No parecía importarle lo que la gente pensaba acerca de él. Sentí, mientras caminaba calle abajo con él, que podía irse en cualquier momento, tenía tan poca conexión con el comportamiento ordinario.»
Peggy y Lawrence se casaron en 1922, marchando de viaje de novios a Roma y Capri.
Con él y dos de sus ex-amantes que pronto se convirtieron en amigas suyas visitó la vanguardia suiza, y allí intima con los padres del dadaísmo, Marcel Duchamp, y Tristan Zara, que solían reunirse en el Café Voltaire de Ginebra.
Duchamp y Tzara en la imagen con Man Ray
El matrimonio pronto hizo aguas debido al carácter violento de Vail. Este empezó a maltratarla en público, llegando incluso una vez a mantenerla dentro de una bañera hasta casi ahogarla. En principio ella no hacía nada para impedirlo, según su biógrafa por su fuerte complejo de inferioridad, motivado por su nariz aguileña y su pasado judío.
En aquel entonces nace su primer hijo, que fué bautizado como como Michael Cedric Sinbad. Se compra un Gaubrón para celebrarlo y se marchan primero a Normandía, donde conoce a Man Ray, y luego a Amalfi y Egipto.
Fotografiada por Man Ray.
Tras volver de Egipto, el matrimonio volvió a emprender un viaje, esta vez los destinos fueron Venecia y Rapallo , donde Peggy se volvió a embarazar y durante este tiempo viajan a Nueva York y de regreso se quedan en Suiza, done nació la nueva criatura, una niña que sería bautizada como Pegeen Vail Guggenheim.
Las vejaciones a que era sometida eran tantas y tan duras ( la hizo meterse al mar y, con la ropa mojada, la obligó a ir al cine, la arrojó escaleras abajo, quemó uno de sus suéteres y caminó sobre su estómago más de cuatro veces durante la misma tarde…)que saca fuerzas de flaqueza y abandona finalmente a su marido. Él se quedará con Sinbad, mientras Peggy lo hace con Pegeen.
Apoyándola para escapar de Laurence Vail estaba un escritor inglés de nombre John Holms, una vez que Peggy se liberó de Laurence, se enamoró de Holms.
Durante un año, la pareja rentó el Hayford Hall, al que los amigos rebautizaron Hangover Hall, (Salón de la Resaca) en Devon.
Cuando el plazo de la renta de Hayford Hall terminó, la pareja se mudó a Londres. De su relación con Holms, Peggy escribió: «Él sabía que yo era mitad trivial y mitad extremamente pasional, y esperaba poder eliminar mi lado trivial.» La muerte de John a causa de un infarto en 1934 fue un duro golpe para ella.
Cercana a los 40 años de edad, la vida privilegiada de Peggy tomó una nueva dirección. En 1937 su madre murió, dejando a Peggy con otros 450,000 dólares de los cuales disponer. Decidió poner una galería, por consejo de sus amigos. En palabras de Peggy: «Alguien sugirió que pusiera una galería o una casa editorial, y yo pensé que una galería sería menos cara. Por supuesto, nunca pensé en las grandes cantidades de dinero que podría llegar a gastar.»
Durante la compra de la colección.
Duchamp la instruyó en las vanguardias, ya que, como decía ella, «mis conocimientos no van mas allá del impresionismo»
Tuvo un amorío con el escritor irlandés Samuel Beckett de quien llegó a escribir: «Sus idas y venidas eran completamente impredecibles, cosa que yo encontraba muy excitante, se presentaba a media noche con cuatro botellas de champaña y no me dejaba levantarme de la cama por dos días»
En 1938, la galería de Peggy, Guggenheim Jeune, ubicada en el número 30 de Cork Street de Londres fue inaugurada con una exposición de Jean Cocteau. A ella le suceden sendas muestras de Kandinsky, Moholy- Naggy, Brancusi, Calder, Ernst, Picasso…
Estalla la segunda guerra mundial, pero su fiebre compradora no conoce límite, se establece la premisa de comprar una obra por día, gastando más de 40.000 dólares.
El 12 de junio de 1940, huyó a Grenoble, en el sur de Francia. Su colección había sido almacenada en el granero de un amigo en la Francia central para salvaguardarla del pillaje nazi. Pronto volvió a las andadas, después de que un grupo de amigos pintores (incluido Ernst que había escapado de un campo de concentración) le pidiera que los ayudara a escapar de Francia. Tras varios meses viviendo en Marsella, donde tuvo un «lujurioso amorío» con Max, Peggy y los artistas rescatados escaparon a Estados Unidos en julio de 1941.
De vuelta en Nueva York, Peggy y Max se alojaron en una mansión en East River, y se casaron en diciembre de ese mismo año. En octubre de 1942, Peggy abrió en Manhattan una nueva galería llamada «The Art of This Century Gallery»
Con Pollock tuvo una extraña relación de amor/odio, artísticamente hablando. no quería incluir «Figura estenográfica» en su muestra, alegando que era bastante fea. Finalmente Ernst la convence y es un éxito.
La obra en cuestión.
Diariamente, Peggy iba acompañada de sus perros a la galería. De noche, organizaba fiestas salvajes a las cuales asistían invitados del medio artístico. Peggy dijo que, durante cinco años, se fue a la cama en estado de ebriedad.
En 1943, Max Ernst y Peggy Guggenheim se separaron. En 1947 Peggy Guggenheim cerró su galería Art of This Century. «Estaba exhausta por mi trabajo en la galería, de la cual me había convertido en una especie de esclava.»
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Peggy decidió regresar a Europa, estableciéndose en Venecia, una de sus ciudades favoritas, donde permanecería por el resto de su vida.
Apasionada, salvaje, desinhibida sin embargo hizo sabio uso de su fortuna, invirtiéndola en al arte, para que, entre otras cosas, nosotros podamos disfrutar de su legado. En un momento convulso supo mantener en pie su estilo de vida, su amor, y sus convicciones. Valga este homenaje para ella!
Hoy he estado trabajando toda la tarde en el programa del 2013. Ya veréis lo completo que es. Espero que os dejéis seducir por él.
Comenzaremos Enero celebrando el Aniversario del nuevo espacio de las Artes del remodelado Corte Inglés de Castellana. Con tal motivo hay una interesantísima muestra de grabados de primeras figuras.
¿Os parece una buena forma de empezar?
El día 19 de enero tendremos una cita en CentroCentro para conocer de primera mano El legado de la Casa de Alba. La colección de la Casa de Alba es el único legado familiar histórico que se conserva casi intacto después de casi 500 años. Se trata de una colección nobiliaria que ha ido absorbiendo por matrimonio o herencia importantes piezas de grandes artistas, se ha incrementado con adquisiciones del mejor arte de su momento y se ha conservado de una manera excepcional. Ésta familia inició la colección a finales del siglo XV.
El día 26 de Enero veremos una magnífica colección de arte catalán en Madrid en la Casa Museo Daurella. Acoge una colección titulada Luz del Mediterráneo, con 257 obras, de las cuales 198 son pinturas, 32 esculturas y 27 dibujos. La gran parte pertenecen al modernismo catalán e impresionismo, un periodo artístico especialmente fértil impulsado por la burguesía catalana que se hacía de oro suministrando productos textiles durante la I Guerra Mundial.
Comenzaremos febrero en el Museo del Prado, donde nos aproximaremos a El joven Van Dyck. Como un Amadeus con pincel, un joven de 14 años pintó obras de arte a la altura de Las Meninas. ¿Cómo pudo ocurrir? Esta es la historia que cuenta ‘El joven Van Dyck (1599-1641)’, la exposición que ocupa el invierno (hasta el próximo 3 de marzo) en el Museo del Prado. La muestra es la primera dedicada al artista holandés en España y una de las más importantes que se han hecho nunca.
Será el viernes 1 de febrero a las 17.00
El viernes 8 de Febrero nos espera «Los espejos del alma. Paisaje alemán en el Romanticismo”, que propone un paseo por el paisaje alemán del siglo XIX a través de los pintores más destacados de esa época en Alemania.
Será en el Museo del Romanticismo a las 17.00
El viernes 15 de febrero cogeremos paleta y pinceles para visitar Impresionismo y aire libre, de Corot a Van Gogh una gran exposición que analizará el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX. En el Museo Thyssen a las 17.00.
El Domingo 24 nos daremos una vuelta por la Gran Vía, del adoquín al firmamento, visitando sus edificios, conociendo sus historias, y haciendo escalas sorpresa en lugares fascinantes. ¡Tiene tanto que contarnos!
El punto de encuentro será el Edificio Grassy. La hora las 12.00. Remataremos con tapas!
El mes de marzo lo empezamos sepultados por un volcán. Visitaremos Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio nos traslada, en esta ocasión, a la Antigua Roma de hace dos mil años. A través de más de 600 piezas, la mayoría nunca vistas en España
Será a las 17.00 en la Fundación Canal.
El 8 de marzo tendremos Durero grabador. Del Gótico al Renacimiento en la Biblioteca Nacional. La exposición pone de manifiesto la fama internacional que Alberto Durero tuvo como grabador. En total se presentan más de 100 ejemplos de grabados realizados por Durero y se acompañan de estampas de otros artistas de su época. Entre ellos, se encuentran importantes pintores del Renacimiento alemán, como Hans Holbein o Lucas Cranach entre otros.
Será a las 17.00.
El 15 de marzo a las 17.00 nos inundaremos de la luz de Sorolla, en su Casa Museo. La muestra se llama Jardines de luz.
El sábado 23 os propongo algo diferente: En el Museo de Antropología asistiremos a un espectáculo/danza en homenaje a las mujeres del mundo. Lo llevará a cabo la Compañía de la india Sohinimoksha
Un espectáculo diferente!
El viernes 5 de Abril tomaremos el pulso al Museo de América. Es altamente recomendable! Será a las 17.00 de la tarde.
El viernes 12 de Abril a las 17.00 nos adentraremos en las enseñanzas de Paul Klee en la Bauhaus, con la ayuda de la Fundación Juan March.
El viernes 19 de Abril os propongo un viaje surrealista hacia el inconsciente de la mano de Dalí. En el Museo Reina Sofía a las 17.00.
La exposición se propondrá revalorizar al Dalí pensador, escritor y creador de una
particular visión del mundo.
La persistencia de la memoria viaja con la muestra!
El viernes 16 realizaremos una semblanza de la pintura española del XIX en el Museo del Prado, dándole la importancia que merece.
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Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros, Gisbert.
El mes de mayo lo comenzamos en CaixaFórum visitando «Antes del diluvio. Mesopotamia» explora qué le debemos a esta primera cultura del antiguo Oriente Próximo, qué imagen del mundo tuvieron los mesopotámicos del cuarto y tercer milenio a. C., que, en gran parte, nos ha sido legada a través de la Biblia, el Corán y varios mitos y textos griegos.
El viernes 10 de mayo a las 17.00 nos acercaremos a Una genealogía del hiperrealismo en el Museo Thyssen. A finales de la década de 1960 surge en Estados Unidos una corriente pictórica dedicada a la representación realista de escenas y objetos del día a día de la vida cotidiana. Estos artistas parten siempre de la fotografía como documentación para su pintura.
El viernes 17 de mayo a las 17.00 nos acercaremos al Circulo de Bellas Artes a la muestra Elmyr de Hory. Proyecto Fake. Elmyr de Hory fue uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que fueron expuestos en museos de todo el mundo, bajo la firma de Picasso, Modigliani o Degas, entre otros.
Una de sus increíbles falsificaciones.
El Domingo 26 de mayo propongo una Excursión a la ciudad Financiera del Banco de Santander en Boadilla del Monte a disfrutar de La colección Cranford de arte contemporáneo, una de las más importantes del mundo, fundada en 1999 por Muriel y Freddy Salem.
El viernes 31 visitaremos el Museo Naval, acercándonos a la historia de la marina española, la construcción de barcos, la arqueología subacuática…un mar de inagotable conocimiento!
El viernes 7 de junio iremos al Museo Arqueológico Nacional, de reciente reinauguración. ¡Nuestro pasado nos está esperando!
El viernes 14 de junio haremos una Visita al Museo al Aire Libre, situado bajo el puente de Juan Bravo, testigo de una cultura «underground» del Madrid que nunca duerme. ¡Os sorprenderá!
Y el Domingo 22 tendremos un broche de oro: visitaremos el Templo hindú de Madrid y comeremos en Swagat, donde nos vestiremos el sari y degustaremos una gastronomía de lo más cool con Shibani Saigal, su dueña.
En cuanto al precio serán 60 euros al mes, sin incluir entradas a exposiciones.
Todo un universo nos espera, ¡daos un baño de cultura en buena compañía!
Para apuntarse escribid un mail a artealinstante@hotmail.es. Pueden ser meses sueltos o clases sueltas…la modalidad la elegís vosotros.
Espero vuestros correos, felices Navidades!
Cuando uno visita una muestra como la de Jean Paul Gaultier en la Fundación Mapfre se siente enormemente afortunado de vivir en una ciudad como Madrid. Desde su reciente andadura en el Palacete de Recoletos, la Fundación Mapfre se ha convertido en lugar de referencia, donde se celebran exposiciones del más alto nivel.
Lo primero que llama poderosamente la atención en la muestra es el montaje de la misma en sí, como si fuera una pasarela interactiva de unos modelos que se te hacen más cercanos porque la mayoría de sus rostros tienen vida, gracias a un sofisticado sistema de cámaras.
Al lado de una desenfadada pintada, en la que Gaultier rinde su peculiar homenaje a España, está su modelo de raso rosa de té con exvoto de abanicos. Como bien apuntó María López Linares, el encaje del país de todos los abanicos es de alta calidad. En la ejecución del mismo se invirtieron 1583 horas.
El vestido tiene corte de sirena, uno de los preferidos de un genio enormemente próximo, carente de esa altivez que a veces caracteriza a los divos de la alta costura. Y es que él mismo ha querido que la muestra tenga carácter más de instalación que de exposición, ya que, según él, estas últimas se dedican a gente muerta, y él está vivito y coleando.
La primera parte de la muestra nos aproxima a tres de los motivos recurrentes de su panorama creativo: las vírgenes, las sirenas y los marineros.
Entre los maniquíes que llevan sus «virginales» modelos está el primer diseño que realizó, con una exótica modelo a quien conoció en Guadalupe, Alitzia, y que más tarde se convertiría en pieza clave de su equipo. Es un vestido con el pecho totalmente descubierto.
También contemplamos un vestido que llevó una de sus celebrities, Killie Minogue, y que obedece a una frase de una de sus canciones «el amor apresa», y otro que llevó en Cannes Catherine Deneuve. Todos ellos ellos repletos de mezclas imposibles, casi irreverentes de exvotos religiosos, tales como trípticos o imágenes. Para sus creaciones le sirve, tanto el encaje más fino, como la pieza de deshecho encontrada por las calles.
El segundo por la izquierda, en la fila trasera es el primero que realizó. A su derecha, de azul y rojo el que llevó Catherine Deneuve, y delante, con la cara tapada de encaje, el de Killie Minogue. Coronas de plástico y plexiglás completan el conjunto.
Al lado, y enfatizando el aspecto espiritual de las mismas una fotografía suya, a modo de recordatorio de comunión.
La torre Eiffel, símbolo fetiche del autor, se vé en segundo plano. La fotografía es del estudio de Pierre and Gilles.
El segundo motivo que observamos en el centro de la sala son sus sirenas, de trajes de escamas, uno de ellos terminado en cola, y repletos de madreperlas y corales. Uno de ellos le quedó tan estrecho que tuvo que fabricar unas muletas para que la modelo pudiera caminar por la pasarela.
Encima les coloca una pátina de pintura incolora, para que tengan el efecto brillante de los pescados recién salidos del mar.
dos sirenas de Gaultier, una de ellas con los pechos cónicos prefigurando la mujer dominadora con sus armas de seducción expresamente acentuadas.
Gaultier es un buscador incansable de la singularidad de la rareza. Cuando hace castings para sus desfiles hace uso de una premisa básica :»rostros raros no abstenerse»
En la tercera parte de su particular odisea está la raya marinera, otro de sus leit motifs. Para él en la raya simboliza la perfección arquitectónica de la línea. «Siempre he dicho que la raya marinera es atemporal, «se llevaba cuando nací, se lleva ahora, y me atrevo a asegurar que se llevará siempre»
Cabe destacar un vestido de raya marinera, de aspecto casual en su parte superior, pero con la falda repleta de plumas de avestruz lacadas y cosidas a mano individualmente. Este vestido lo llevó Carolina de Mónaco en uno de los Bailes de la rosa en Montecarlo.
Enfundado en un jersey de rayas marineras de visón aparece el mismo Gaultier, que nos dá la bienvenida hablando en francés, inglés y español.
Aparece la falda masculina, para la cual se inspiró en los camareros de los restaurantes parisinos y en los samuráis. Es cuando aparece la idea del hombre objeto, y cuando se desdibuja la diferencia entre prendas destinadas a la mujer y al hombre. Todos pueden llevarlo todo.
Vestidos de marinero de cuero, el vestido de plumas de avestruz y Gaultier con jersey visón y falda masculina.
Gaultier nace en 1954 en Acueil, a las afueras de París. Desde niño sintió aversión por el colegio, donde le ridiculizaban y le tildaban de afeminado. Por ello inventaba mil excusas, ante las que sus padres le dejaban al cargo de su abuela. Allí se gestó su carácter, su vocación, al abrigo de aquella mujer inusual que ejercía de curandera, y que tenía un aparato de televisión donde le dejaba ver de todo.
Estaba de moda la película Falbalas, que narraba la historia de un joven modisto y su musa, la actriz Micheline Preslé.
Curiosamente Gaultier diseñó el vestido que llevó esta actriz cuando le entregaron el Cannes honorífico en 2007.
Curioseando en al armario de su abuela descubrió los corsés que ésta se ponía. Al saber que eran elementos que oprimían al cuerpo, quedó hondamente impresionado. Su abuela le contó qué sacrificios hacían las mujeres, que ingerían bocanadas de vinagre antes de cada tirón para contraer el estómago. Comenzó a diseñar sus propias versiones. su primer modelo fue Nana, su osa de peluche, con la que experimentaba, le cortaba el pelo, la teñía…
La famosa Nana
De su abuela sacó también la fascinación por las latas de conserva, ella tenía un gato, y le alimentaba a base de ellas. Por ello y como tributo a este objeto sus primeros perfumes fueron en latas. Las esencias también fueron alteradas, usando algunas típicas femeninas en perfumes de caballero, como la vainilla.
Diseña para Madonna los corsés liberadores para el Blond Ambition Tour del 1990. Estaban creados con materiales ligeros, que liberaban a la mujer. Madonna los llevaba por encima de la ropa, lo cual fué un impacto para la época.
Los dos corsés más usados en la gira.
Consideraba el cuerpo humano como algo perfecto, digno de ser admirado y estudiado. Aparecen en la sección «Como una segunda piel» unos diseños enormemente originales, auténticos trampantojos, prodigios de su imaginación. Se marcan las venas, los músculos, aparecen vestidos de «desnudos» y fotografías del singular Mario Testino de las celebrities que sucumbieron a sus encantos: Naomí Campbell, Kate Moss, Linda Evangelista…las top de los 80. Hasta Carla Bruni le encargó un modelo cuando estaba embarazada.
La gira de Madonna del 2006 vuelve a tenerle como diseñador. La mujer está ejerciendo de dominatrix ante un hombre objeto vencido. La cola del caballo que pende del sombrero de la cantante es otro símbolo de dominación. En China se prohibió la gira por la polémica suscitada.
En el centro, segunda piel, a los lados imágenes de la gira de Madonna 2006.
En la siguiente sala rinde un homenaje al París más tradicional, más «clásico» aunque no por ello deja de introducir en los modelos sus toques de originalidad: el principe de gales, el ojo de perdiz…los motivos clásicos dentro de un universo creativo de incuestionable originalidad.
Un rotundo homenaje a la torre Eiffel aparece en tacones, medias y vestidos. La femme fatal se despoja de los convencionalismos y se reviste de modernidad en los hábitos. ¿El rey? El tabaco.
Divertido y original homenaje al Folies Bergere.
Cruzamos a la sección de enfrente, como si del Canal de la Mancha se tratase para ver la sección que ha dado en bautizar como punk can- can. No falta ni el grafitti, realizado expresamente para la muestra por Estudio 33 (nada se ha dejado al azar). En la pasarela cuadros escoceses, tachuelas, vestidos de noche de camuflaje, en concreto uno que llevó Sarah Jessica Parker a los MTV, o el mismo Gaultier al estreno de Kika.
Aquí está su universo londinense, una explosión de colorido y alegría.
Su siguiente sala es un homenaje a Madrid, sede de la exposición. Ante una proyección del bullicio de sus calles aparece la mas variada combinación étnica en modelos que rinden tributo a las diversas culturas del mundo.
Nos recibe una novia que lleva por velo unas plumas de indio sioux, y cuya falda está hecha a base de retazos de una guerrera militar. Otra, un poco más allá, tiene el vestido compuesto por una máscara africana hecha a base de plisado de tul blanco.
Dos novias diferentes.
Al lado de vestidos de leopardo, cabeza incluída, destacan en esta parte en primer lugar el que llevó Dana Internacional a Eurovisión, hecho con plumas de papagayo, un original bolso de carey, un carrito de la compra de visón, o uno realizado para Frida Kalho.
Dana con el vestido
Carrito de la compra de visón, ¿Os animáis a comprarlo?
Mención aparte debe el hecho de la colección que diseñó inspirada en los judíos yasídicos. Cuentan que bajando de un taxi en New York vio cómo salían de una sinagoga unos judíos con sus tradicionales gorros y tirabuzones. Después manifestó que hacía mucho tiempo que no veía algo tan sublime.
Se lanzó a diseñarlos y se los hizo poner a sus chicas modelos en una campaña. Ríos de tinta corrieron de la comunidad judía, pero a él le dio igual. No pretendía ofender.
Las causantes del escándalo.
Gaultier es versátil, grabó un disco, ha trabajado en televisión, y ha tenido colaboración en numerosas producciones cinematográficas. Las más sonadas con Pedro Almodóvar, con quien la química es total. Kika, La mala educación, La piel que habito, son algunas de las producciones del manchego para las que ha prestado su aguja e ingenio.
Kika, La piel que habito y La mala educación.
Uno de sus preferidos, de Kika.
En el ámbito internacional tenemos su intervención en El quinto elemento.
Para finalizar tenemos una pequeña muestra del creador como diseñador de muebles de viaje, y unas butacas estilo Ben Hur.
Un diez a la muestra, al creador, y al mundo de sueños en el que nos introduce al visitar sus creaciones. ¡¡Muchos éxitos, «enfant terrible!!
Repasando las efemérides de hoy me he encontrado con el «cumpleaños» de Kandinsky, nacido en Moscú tal día como hoy de 1866, precursor y padre de la abstracción lírica, y fundador del movimiento «Der Blaue reiter» junto a Franz Marc.
Lo primero que me llamó la atención de este pintor y abogado (cursó leyes en Odesa) es la versatilidad de su poética pictórica. Pasó su juventud en Munich, donde se formó como pintor y donde logró introducir las vanguardias que estaban en ebullición en la Francia de la época.
Admiró profundamente a Gauguin, y la estética fauvista, y fué seducido en un viaje realizado a Argel, lo podemos comprobar en unas magníficas pinturas de esa etapa en la exposición actual de Gauguin y el viaje a lo exótico que muestra el museo Thyssen.
En ellas ya se adivinaba la abstracción, y la futura teoría del color que le hizo famoso.
Expuso en el Salón de otoño en París, tras su viaje a Italia, los Países Bajos y Argel, y regresa a su Rusia natal, donde se vé imbuido de sus tradiciones.
Funda en esa época Der Blaue Reiter junto a Franz Marc. «El nombre @El Jinete Azul» lo inventamos mientras tomábamos un café en el cenador de Sindelsdorf; a los dos nos encantaba el azul; a Marc los caballos, y a mí los jinetes. De ese modo el nombre surgió por sí sólo. Y el maravilloso café de María Marc sabía incluso mejor»
¡Que amalgama de vanguardias históricas en una única obra! Se observa el movimiento futurista, la influencia del cubismo, dentro de una estética que es al mismo tiempo fauvista y expresionista…
Compila todo su pensamiento en sus dos obras cumbre: «De lo espiritual en el arte» y «Punto y línea sobre el plano». Ambas fueron de lectura obligatoria para mí en mis años de facultad. Me proporcionaron un sobresaliente, con lo cual son dos de mis libros preferidos.
Habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.
Cuentan que volviendo a su estudio un día, su asistenta le había colocado un cuadro al revés; su visión le pareció mucho más poética y bella que en su posición original
Una de sus sinfonías pictóricas.
En su otra obra «Punto y línea sobre el plano» completa sus principales postulados, al calor de las nuevas influencias que recibió del constructivismo de Tatlin, y del neoplasticismo de Mondrián y la Bauhaus.
Hoy quería rendirle este homenaje, a un pintor al que debo mucho. Espero que os resulte interesante.¡Felicidades maestro!
La verdad es que los que vivimos en Madrid a veces no somos conscientes de la importancia que tienen los dos paseos que arrancaron en el siglo XVIII el proyecto más ambicioso de Carlos III, conocido con el sobrenombre de «mejor alcalde de Madrid».
Durante los primeros 50 años de reformas borbónicas, con Felipe V y Fernando VI la ciudad ya había comenzado a «lavarse la cara»; se habían empezado a construir alcantarillados, y habían comenzado a iluminarse calles y edificios…estas reformas no serán completas hasta la llegada de Carlos III. El paseo del Prado, antiguo Prado de San Jerónimo es convertido en calle por orden real dada al arquitecto José de Hermosilla, quien empedra la calle y soterra el arroyo Valnegral, que pasaba por allí (venía de la Plaza de Castilla y desembocaba en el Manzanares, ¡señor arroyo era!)
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La fuente de Atocha, con puerta detrás( hoy tristemente desaparecida)
Esta fuente también se conoce con el nombre de fuente de la alcachofa. La que está actualmente es una copia, estando la original dentro del Parque del Retiro. Su cuerpo bajo lo constituyen dos figuras, hombre y mujer, bajo la forma de tritones de la mitología clásica. El primer cuerpo está formado por una taza, cubierta de hojas y flanqueada por angelotes, y en la cúspide la alcachofa, a la que se atribuyó en tiempos de Felipe IV una milagrosa curación de unas fuertes anginas. Además tiene propiedades diuréticas.
El esquema de esta zona de la ciudad, que el rey quería dedicar íntegra a las artes y las ciencias, tendría una parte central arbolada y peatonal, y dos calles laterales, de subida y de bajada, dividida en tres sectores divididos por las fuentes: Atocha, San Jerónimo, y San Martín.
El edificio que hoy cobija el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía fué el primitivo Hospital de San Carlos, el primero que se crea en Madrid para estudiar al hombre. Está situado en las afueras por razones sanitarias( estaba prohibido tener dichos centros dentro de la ciudad por el temor al contagio de las distintas enfermedades que albergaban). Se concibió como edificio moderno, con clases de medicina, Cátedra para profesores y estudiantes, y estaba dotado del cercano Jardín Botánico para la farmacia del lugar.
Imagen del primitivo Hospital.
Finalmente sólo se edifica una tercera parte de lo proyectado( no es de extrañar, era un macroproyecto que superaba en espacio al Palacio Real), y se abren en él tres instituciones novedosas: el laboratorio de mineralogía, el de química, y otro de cirugía, con permiso legal para diseccionar e investigar cadáveres.
Hoy día es el Museo referente del arte contemporáneo de la ciudad, y alberga, entre otras la exposición de María Blanchard, altamente recomendable, y, a partir de primavera la muestra más ambiciosa que de Dalí se ha visto en Madrid.
Unos pasos mas allá Carlos III construye otro edificio para el estudio sistemático de las ciencias naturales: el Jardín Botánico.. Ya en tiempos de Felipe II hubo uno en Aranjuez, y con Fernando Vi en la Carretera el Pardo; la novedad de Carlos III estuvo en construirlo dentro de la ciudad, ¿con qué motivo? con el de acercar la ciencia al pueblo, por eso se hizo visible desde la calle.
El edificio es del arquitecto Juan de Villanueva y del jardinero del rey, Casimiro del Valle. La verja exterior, auténtica obra de arte, pertenece a Francisco Arrillaga y Pedro José de Muñoz.
El Jardín Botánico
El desnivel existente en el terreno donde se edificó se salvó por medio de tres terrazas:
En la superior se construye el edificio de trabajo y la Cátedra de Botánica, donde clasificaban y dibujaban las plantas para que ninguna se perdiera.
Las dos inferiores se subdividen en 12 cuadrados independientes con su fuente y acequias propias. En ellos se colocan las plantas por familias, según las clasificó Linneo, eminente botánico italiano. Se trajeron plantas procedentes de las colonias; siendo la dalia mexicana la primera vez que se cultiva en España.
En 1808 se vé enriquecida la colección por los paquetes de semillas que proceden de Europa, aproximadamente 7.500.
Conocer los usos, tanto médicos como industriales de la plantas era fundamental para el comercio. Para ello Carlos III dio licencias de solicitud gratis (otro avance)
Imagen del edificio de trabajo con el busto de Linneo en primer plano.
Frente al idílico botánico se yergue otro jardín, el Vertical de Patrick Blank, en la acera de enfrente. Forma parte del espacio más moderno del Paseo, el edificio de CaixaFórum Madrid, una de las grandes obras del estudio de arquitectos suizos Herzog &de Meurón, que reaprovecharon una autentica estación eléctrica sobre la que se encuentra el Centro Cultural.
Hoy día cobija la Exposición Torres y rascacielos, de Babel a Dubai, o el ansia del ser humano de llegar a lo mas alto.
Continuamos caminando y nos encontramos con el Padre de todos nuestros Museos, El Museo Nacional del Prado. Le preceden cuatro fuentes idénticas, con niños y tritones.
En un principio fué concebido por Carlos III como Museo de Ciencias Naturales. Le pidió al arquitecto, Juan de Villanueva un 3 en 1: Laboratorio de ciencias Naturales, Academia de Ciencias Naturales y Museo. Era un absoluto apasionado de las ciencias, y poseía una gran colección de objetos de la más variada índole. Villanueva realiza:
1) La fachada que da al Jardín Botánico( más tarde conocida como la de Murillo, por la escultura que la preside) y que correspondería al laboratorio en orden corintio, símbolo del trabajo. En su interior habría un patio a la izquierda, hacia el norte se ubicarían las zonas de paso y el almacén, y a la derecha las salas abovedadas con las mesas de trabajo.
Puerta de Murillo.
2) La fachada principal correspondería al edificio de la Academia, perpendicular al paseo y retranqueada. De volúmenes cuadrados, estilo dórico toscano, el más rotundo y sencillo, recuerda al Partenón de Atenea, diosa de la sabiduría.
Y en la segunda planta se aprecia el jónico, relacionado con el mundo divino.
El «Partenón» madrileño.
3) Puerta del «Museo de Ciencias Naturales» Su fachada es diferente, y modificada por el desnivel del terreno. Llegaba directamente a la segunda planta del edificio principal. Su orden es el jónico, y el eje N-S forma un gran arco, para la gran galería donde se ubicarían los objetos.
Puerta de Goya.
Mas la mujer de Fernando VII, Isabel de Braganza, decide cambiar la función primitiva del edificio y decide colocar aquí la Pinacoteca que albergue las colecciones reales, al hilo de lo que entonces se estaba llevando a cabo en Europa. Era importante exhibir el espíritu ilustrado de la corte española.
Actualmente alberga dos de las exposiciones mas relevantes de la temporada: El paisajista Martín Rico, y El joven Van Dyck.
Importante es constatar que en el Madrid de los Austrias no había un espacio con empaque para pasear, ver y ser visto, las calles eran estrechas, lo cual dificultaba enormemente la vida social al aire libre. Por ello el tramo de paseo a partir de este punto está concebido a modo de gran sala de reunión, de hecho se le conocía como Salón del Prado. Su recorrido era elíptico, y recuerda a un hipódromo…en fin, se había convertido en un enclave primordial en la capital.
Las damas paseaban en coche o a pie elegantemente ataviadas, y los caballeros acudían allí a cortejarlas.
Se construyeron muchos Palacios allí, el de Xifré, el que ocupaba el actual Hotel Palace, o el de Villahermosa, sede actual del Museo Thyssen Bornemisza. Dicha institución es vital, y convierte esta zona de Madrid en la de máxima concentración de obras de arte del mundo: El Reina Sofía y su oferta contemporánea, el Museo del Prado y su oferta medieval, renacentista, barroca y neoclásica…ven cubiertas sus «lagunas» con la oferta de la colección privada de arte más completa del mundo.
Imagen de archivo del antiguo Palacio Xifré
En estos momentos nos brinda la ocasión de viajar a lo exótico con Gauguin, y de recrear la vista con el arte de Cartier.
Esta plaza tan vital está adornada por la Fuente de Neptuno, dios del mar, relacionado con los triunfos del Atlético de Madrid.
En el siglo XIX la burguesía sigue manteniendo este espacio como centro mercantil y financiero de la ciudad. Aquí encontramos el edificio de La Bolsa, de Repuchés y Vargas. En él se hace un homenaje a Villanueva. Su pórtico de tres cuerpos es igual al del Observatorio Astronómico Nacional
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Edificio de la Bolsa
El proyecto inicial de Ventura Rodríguez era poner un edificio comercial de lujo en la Plaza de la Bolsa. Desafortunadamente parece que los acontecimientos acaecidos durante el levantamiento del dos de mayo cambiaron radicalmente la funcionalidad de la zona. Aquí depositaron los cadáveres para escarnio de sus familias, así que lo que encontramos es un obelisco y el Monumento al soldado desconocido.
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En el centro de este trecho se halla la Fuente de Apolo, que en la mitología es el dios de la razón.
Bella imagen de Apolo con su lira. Hace alusión al paso de las estaciones esta curiosa sucesión, tras Neptuno, y antes de Cibeles.
Siguiendo camino hallamos otro museo imprescindible: el Museo Naval, altamente recomendable.
Actualmente en «No fueron solos exhibe la admirable gesta de las mujeres que acompañaron a los descubridores y colonizadores del Nuevo Mundo.
Llegamos en nuestro recorrido a la plaza de Cibeles, donde se encuentra la Fuente dedicada a la diosa de la tierra, y donde celebra sus triunfos el Real Madrid
Además está el Palacio de las Comunicaciones, obra de Palacios y Otamendi de imponente factura, que era conocido popularmente como «la catedral» por los madrileños. Actualmente alberga la sede del Ayuntamiento de Madrid, y exhibe El legado de la Casa de Alba, su primera exposición.
La continuación del Paseo del Prado, el Paseo de Recoletos, sigue siendo la arteria más importante del Madrid de Carlos III, se llama así por la comunidad de Agustinos Recoletos que tenían su convento y huertos aquí.
Destaca sobre todo la Biblioteca Nacional, obra de Jareño, que alberga exposiciones de alto interés. Una de las que se pueden visitar actualmente es El alegre ruido del jazz.
Fachada de la Biblioteca.
Detrás tiene adosado el Museo Arqueológico Nacional, cuya reapertura es inminente.
Frente a la Biblioteca tienen lugar las exposiciones temporales de la Fundación Mapfre. Actualmente están Los retratos del Centro Pompidou, y Gaultier.
Los jardines del Descubrimiento marcan un punto de inflexión en nuestro recorrido. A su derecha el Barrio de Salamanca( ya hablé de él) y a partir de ellos la Castellana… corazón financiero de la ciudad que nunca duerme .Como Colón, descubriremos qué hay más allá de ellos en otros posts.
¿Os habéis dado cuenta de cómo se puede disfrutar enormemente de estas dos arterias vitales de nuestra ciudad, y de la amplia y rica oferta cultural que exhiben sus maravillosos museos? Merece la pena tomarse un tiempo los día libres para recorrer este pedazo de historia hecha piedra, fuentes, jardines tradicionales y modernos, historia, y vida…¡la que seguimos edificando nosotros en ellas!
artealinstante 