Os deseo a todos unas vacaciones de Semana Santa tranquilas y sosegadas, y que os sirvan para recargar pilas para el tercer trimestre.

Aquí os dejo la reseña de la primera cita que tendremos al volver, imprescindible visitarla, y si es con Arte al Instante mejor!

Feliz descanso a todos!Invitación hiperrealismo


As I promised here is the Avant-gardes third and ultimate part.


From the second half of the twentieth century New York replaced Paris in his role as artistic center, being a land where no one has lived the war devastation .
The artwork becomes an object of consumption within the capitalist system, multiplying museums, modern art collections, biennials and exhibitions.

Guggenheim Bilbao

Solomon Guggenheim New York.
There is a limit avalanche currents imprecise engaged each other and in that mix different artistic languages.
The traditional techniques and materials will be displaced, and unconventional media were used as the body itself.
From the 80 there will be a plurality of trends that continues today.
The last quarter century artists introduce themes that reflect concern, globalization, immigration, feminism, the environment …


It takes place during the 40s and 50s in New York.
The automatic will significantly surrealists in abstract expressionism.
Recovers art passion for art. The painting is thus an event, an encounter between the artist and the material used.
It is a gesture painting used in expressive colors and large formats.
The artist is interested in being perceived almost total body involvement in the creative process.
We know two fold: 1. Action Painting (action painting)
2. paint color fields (color field painting)

Pollock action painting

Rothko colour fields painting.


It was in Europe that the United States Abstract Expressionism, although the differences between the two movements are remarkable.
The informalistas felt disillusioned by Western culture, refusing the traditional way of painting.
Although abstraction are attracted sometimes include figurative elements.
Investigated with various materials (sand, plaster, dirt, rocks, etc.). Creating works that were called matéricas.

Dubuffet sculpture

Lucio Muñoz picture.


The so-called “popular art” emerged in the decade of the 50 in Britain and the United States as opposed to abstract expressionism that had opened a gulf of misunderstanding between art and viewer.
The Pop recovers figuration to that art can be understood by the public.
They use more elements of everyday consumer society more recognizable by the public on foot: banners, packaging, comic strips, or the faces of the figures in the music world and the world of Hollywood.
Seriation introduced in the art world, this is the same picture is repeated several times in different colors in the same box.

Andy Warhol and Roy Lichtenstein.


In the 60s a number of trends emerge as an alternative to abstract trends prevailing in Europe and the U.S.
These proposals call for rendering realistic images more or less, in each case on the basis of different criteria.
Many of these trends maintain connections with Pop Art
Within this new configuration highlights the work of Francis Bacon. Using isolated deformed figures and claustrophobic interiors, English painter reflected this better than anyone the feeling of uneasiness of his time.

Meanwhile the new French realism is closer to reality through a process of appropriation of elements of the consumer society, recycling, accumulating them, compressing or packing them.
In narrative figuration resort to television, film, advertising and the comic to raise a critical conception of society.
The Hyperrealism point making photography; their representations are to pursue a greater realism to the camera, illusionists and paradoxical recovering procedures.

Gran Vía Antonio López.


In the first half of the 60 was developed in the U.S. a current exalted pictorial geometry, crisp lines, hard outlines, expository simplicity and the primacy of color.
Attach more importance to analysis to action or emotion
Employ nontraditional media forms that just determining the compositions.

Morris Louis


• The expression of the movement is the main concern of these two abstract tendencies.
• The works are composed of elements are arranged methodically optical illusion, the cause virtual motion on the retina of the viewer on a flat surface.
• The viewer has an active role in the contemplation of the work.
• kinetic art refers to all works that reflect the different types of motion.
• When considering the two dimensions of insufficient canvas usually make sculptures, installations and mobile materials like aluminum, steel or plastic.
• The OP ART refers to works that are based on optical and visual sensations that are perceived by the human eye.
• The mechanisms used in the aim to generate a sense of virtual movement in the viewer’s retina.

 File:Móvil (Eusebio Sempere) MEAL Madrid 01.jpg
   Eusebio Sempere sculpture, Madrid
  Vasarely picture.

These three artistic trends have in common time of onset in the early 60s, and his reaction to the commodification of art.
Minimalism is characterized by extreme simplification from geometric shapes industrial look.
The organic materials used Povera and poor in order to disrupt the viewer’s reflection.
Land Art wants to remove the artwork from the Museum, for transfer to the nature.
Deserts, glaciers, rivers and fields are to support artists remnants of his works, trying that they come alive in the solitude of space.

Sol LeWitt, Mario Merz and Richard Long.


It was a movement that appeared in the mid-60s and remained until well into the 70s.
Is influenced by the Readymades of Marcel Duchamp.
Ideas and concepts are more important than the finished work of art.
It rejects the idea of the art object as a commodity.


Alberto Corazón.


They are ephemeral art forms, used by artists of various schools and countries since the 50s.
BODY ART The artist uses her body as an expressive and artistic support, in order to investigate the physical and psychological reactions it has to different stimuli.
The word means HAPPENING event.
In an attempt to relate art and life, the public is actively involved in actions which mixes elements of different languages ​​(music, theater, painting ..)
The PERFORMANCE also combines elements of theater, music and visual arts.
It differs from the Happening where actions are planned, and there is no active public participation.

Gilbert & George Performance artists

Allan Kaprow Happenings maker


From the 80 is in crisis the concept of art, giving way to postmodernism.
It revises and reinterprets the past. Many streams retake the painting as an expressive medium.
Currents arise neo-expressionist figuration that retrieve and subjectivity.
ALEMAN neoexpresionismo
Its members, under some influence romantic and a great sense of nationalism, expressed through violent language.
Italian trans
Its members are like nomads who roam the historic tradition of artistic movements, to take from each what meets their aspirations plastic.
And express their vitality and their own conscience.
In the same vein born this current abstract expressionist influences of artists like Schnabel

Anselm Kiefer

Enzo Cucci


Julián Schnabel

. A significant aspect is the rise of photography, which is presented below as the sovereign work instrument in its own right.
. It is also important to emphasize the importance that has taken the art of peripheral sites, in a globalized world (Africa, Latin America, and Asia) breaking the dominance of Western art as well as that done by women.
. In recent years there have been new support for the arts as a result of technological breakthroughs in communication.
. The audiovisual media, computer, and Internet have made alternative ways of expression that are reflected in the new forms of art.

Liu Jianhua

George Baselitz

Luis Gordillo.

A complex, multifaceted and exciting reality in the nowadays art. Hope you enjoy!




Are the many artistic movements and “isms” that occur at a rapid pace during the first third of the twentieth century until the outbreak of the World War.

The art center of gravity is in Europe, especially in Paris, focusing too in Germany and Russia.

The artists want placed outside the established, refusing to do traditional figurative art.

They share a desire experimental and innovative and reject any obstacle to your creativity.

His focus as found in 1. primitive, archaic and savage (carvings from Africa and Oceania)

2. Artistic expression of children and fools.

Aspiring to make an international art, its size and importance will be Universal.


It represents a way of painting shared by a group of artists who coincided in France between 1905 and 1907.
The Fauvist color not used descriptively
They express their emotions establishing colorfully contrasts
The lines are very rhythmic and decorative.
They like to represent nature in a cheerful and optimistic

Henry Matisse


Benjamín Palencia.


• In this avant-garde artists discussed their inner world. The underlying purpose is to express their emotions and moods individual, face an environment that they do not understand and find it hostile.
• His works convey a certain restlessness and anxiety about the world around them, usually linked to historical moments in which half a war.
• The lines are very rhythmic and decorative.
• Emphasizes freedom in the use of colors, sometimes used in very acidic ranges and shrill, and forms, sometimes including distortions and deformations.

Munch:The scream. Kirschnner: Franzie in front of the carved chair.

Utopia, Marc.


• Its creators were Picasso and Braque, who first applied to  the paint, and then spread to sculpture and other artistic languages
• The Cubists not want to imitate nature, but try to reinvent following a mental process and scientific.
• reflect reality from geometric shapes
• They represent different views of objects in the same plane.
• They use a very limited range of colors, form takes precedence over color.
• Eliminate the illusion of depth and abandon the traditional view.


Man with Clarinet, Picasso.

Violonchelo, Archipenko.


It begins in 1909 in Italy with the intention of claiming the future and progress, refusing to do the values ​​of the past.
Les obsessed capture the movement and dynamism. His favorite subjects are the city, industry, factories, new transportation …
They represent different forces in a state of transformation and displacement

dynamism dog leash

Mobile Location graphic. Kupka.


Appears in 1910 when the Russian painter Kandinsky to reach their study found that one of his paintings was upside down, and it seemed so much more beautiful and expressive.
Rejects the imitation of external reality.
The art is expressed through colors and shapes pose no issue.
Attach great importance to freedom of expression.
There are two major streams: lyrical abstraction more intuitive and expressive evolved to where many expressionists and surrealists, and geometric abstraction, more analytical and orderly, manifested in the Neo, Russian avant-garde movements and the German Bauhaus school.

Geometric and lyric abstraction, both of Kandinsky.


It is the name given to the aesthetic of a group together under the name of the magazine De Stijl (The Style), which served to promote this new movement that appeared in the Netherlands in 1917 by Piet Mondrian
The Neo tries to get a new universal order through art.
It is a purely abstract art, which simplifies the most natural forms.
They use regular geometric shapes, straight lines and primary colors.



author cabinet, De Stijl.


Born in 1915 in St. Petersburg by the hand of MALEVICH This artist presented a series of abstract paintings which included his black square on a white background, one of the most revolutionary of all contemporary art.
It is a radical abstract movement that deviates completely from reality.
Use simple shapes: square, rectangle, cross, triangle and circle.
They use pure colors and especially black on white and white on white.

Malevich pictures.


When moving to the abstract image of the three-dimensional field, TATLIN takes the first steps of constructivism.
It is a movement fully abstract, geometric and functional three-dimensional potential advantage of Suprematism.
They use materials and manufacturing technology.
They want to build a functional art that serves society.

El Lissitzky proun.


During the interwar period emerged all over Europe a series of streams linked to a more or less realistic figuration.
Reality constructed through a personal vision, regaining the lead elements had left.
Three current members of these postulates: Metaphysical painting, which developed in Italy with Giorgio de Chirico, Carlo Carra and Giorgio Moandi most representative artists., The New Objectivity, which was developed in Germany, and whose leading representatives are Otto Dix, George Grosz and Max Beckmann, and thirdly the School of Paris which includes several artists from different nationalities and agreed Montparnasse, as Soutine, Chagall and Modigliani, who created his personal style.



Metrópolis Grosz.


Born in full World War in a neutral city: Zurich, specifically in the Cabaret Voltaire, instead of artistic and literary evenings. Among those attending was the Romanian Tristan Tzara.
More than an art movement is a vital attitude dominated by rebellion and scandal. His spirit is based on the denial of almost everything, especially the bourgeois tradition and even art itself.
Support the provocation, absurdity and denial of almost all
Defend freedom and chance in the creative process.
Demystify the art, giving artistic significance to objects that were not before, as in the case of Marcel Duchamp, who brings a urinal in a public restroom and place it in a museum.


Duschamp urinary

Psychiatrist Schwitters.


Its leader is Andre Breton, who writes the two manifestos of Surrealism in 1924 and 1930. In his theory had much to do the theories of psychoanalysis and dream interpretation of Freud.
It is a figurative style that explores the world of dreams and the subconscious.
They employ the technique of psychic automatism, which is being carried away by irrational stimuli without using logic.




And tomorrow we´ll see the third part of the avantgardes adventure. Hope you enjoy, see you soon!



With this proposal we try to bring you one of the most fascinating and misunderstood periods of art history: the birth and growth of the avant-garde, a crucial event in the break with the dominant tradition from to 4 centuries.

Sandro Boticelli Born of Venus.

This trip is structured around three sections: 1. The appearance of the first innovative movements; 2.The development of the historical avant until the outbreak of World War II, and 3. The emergence of most original artistic trends in the art of the second half of the twentieth century.


In the late nineteenth century a new society emerges, as result of scientific, philosophical, political changes … and art will echo these changes.

There are new aesthetic theories that will accommodate both the beautiful as ugly and the vulgar. This contributes both Romanticism, pushing subjectivity, such as realism, with its elevation of the everyday and anecdotal to the level of art.

African masks

Currents arises a series of individual personalities that are far from linear perspective and modeling of the Renaissance.

We estimated previously ignored new art forms, like primitive cave art, African art, and especially the Japanese print.

Hiroshige print

The artist ponders its true role motivated by factors such as new discoveries and theories, as a) the Einsteins relativity, b) the optical laws c) Freud’s psychoanalysis, d) the emergence of media transport, result of the Industrial Revolution, and especially e) the development of photography, which drives him to paint, and not what you see, but to interpret it in a more personal way.

Newton wheel

Figurative system is in crisis, you start to appreciate painting for its own qualities and abandons the conception of sculpture as mere statue.

Gargallos  prophet

Art has become a vehicle for transmitting experience and knowledge.


The story begins in 1874 in the studio of the photographer Nadar, which presented some works by painters like Monet, Manet, Renoir, Degas, Pissarro and Sisley.

We can summarize its principles in three characteristics:

1. His biggest concern is the representation of light

2. The colors are juxtaposed on the canvas, to be the viewer’s retina which merges the result.

3. Use a loose brush, allowing them to paint faster.


His story begins in 1874 in the studio of the photographer Nadar, which presented some works by painters like Monet, Manet, Renoir, Degas, Pissarro and Sisley.

We can summarize its principles in three characteristics:

1. His biggest concern is the representation of light

2. The colors are juxtaposed on the canvas, to be the viewer’s retina which merges the result.

3. Use a loose brush, allowing them to paint faster.

Claude Monet

Edgar Degas, dance lesson


It was one of the first alternatives to impressionist painting. Its main protagonists were Seurat and Signac.

These painters provide a scientific basis to Impressionism.

Paul Seurat. Sunday afternoon at the Grand Jatte

They analyze the effects produced in a color that surround by small dots of pure tones.

Attach great importance to drawing and composition.


It is composed of series of independent artists, based on teachings Impressionists, investigated new forms of expression, interpreting reality from the light, color and drawing.


It was the most revolutionary. Simplifies the volumes of nature in a series of geometric shapes (cylinder, cone and sphere)

Card Players


The dutch expressed with twisted and meandering brushstrokes and a colorful expressive,  vehicle of his emotions


He was standard bearer of primitivism, he moved to Tahiti in full production in search of pictorial culture without conventions.

His painting exalts colour, used in a symbolist and decorative sense.

HENRY DE TOULOUSE LAUTREC. Find in cabarets and parisian cafes inspiration for their works. Retrieves the value of the line and drawing. Raises the billboard to the art level.



• By 1880 there is the symbolism, a movement that rescues intuition, imagination and the power of the symbolic through images, representing ideas and contain a message.

• The Symbolists escape from reality, and to do take refuge in literary worlds, hidden and mysterious.

• The symbolism is ultimately a defense of spirituality directly related to music and literature.


Alma Tadema

Everett Millais


This movement, known as Art Nouveau in France, is closely linked to the symbolism.
It is a style that recreates in nature, using curves and sinuous lines.
It reaches all the arts, and most important area will be the applied arts.
Special importance will Gaudi Catalan modernism, or the Belgian Victor Horta.

Gaudi Facade and Horta gallery

In this movements we find the born of the XX century art. Tomorrow we´ll see the historical avant-gardes. I hope you liked!!


Esta mañana me he enterado leyendo las efemérides de que hoy se celebraba el aniversario del nacimiento del escultor pamplonica Pablo Serrano. Como no podía ser de otro modo en seguida se ha aparecido en mi mente el grupo del que formó parte en un momento crucial para la historia del arte en nuestro país, a saber: el grupo El Paso.

La aparición de este grupo fué trascendental en una España sumida en el aislacionismo, inmersa en una calamitosa situación de posguerra, y donde ya habían comenzado a producirse las primeras “fugas de cerebros” sobre todo al país de las oportunidades, Norteamérica.

Hay que caer en cuenta de que la abstracción fué un fenómeno necesario en las artes. Cada vez cobra más importancia el continente de la obra de arte, su soporte, y  la materia de la que está hecha.

El padre de la abstracción en España podríamos decir que fué el conquense Gustavo Torner. Nunca se adscribió al grupo, pero merece la pena dedicarle un pequeño homenaje. He aquí una de sus esculturas


La sociedad artística en la que irrumpe el grupo El PASO fue definida en su manifiesto fundacional, publicado en 1957. Una vanguardia libre nacía después de dos décadas de silencio creativo y lo hacía con una idea clara de compromiso con su tiempo. Querían significar ese paso necesario de la tradición a la modernidad.

Bebiendo en fuentes como el expresionismo abstracto americano, con la “action painting” de Pollock o la “colour field painting”de Rothko, o el art autre de Dubuffet, de cuyas fuentes bebieron durante sus viajes a París. Así propugnaron una metodología del arte radicalmente nueva, rupturista, transgresora, y enormemente vibrante.

Rothko ante una de sus obras

Su principal medio de expresión: la pincelada violenta y empastada, el arañazo al lienzo, el dripping, el empleo de la arpillera, la tela metálica, la arena, los objetos pegados… Pero quizá el elemento definitorio del grupo fue el compromiso: una actitud ética, moral y social que convertiría el lienzo en un campo de batalla.

Pollock y su dripping en pleno proceso creativo.

Demos una breve pincelada a cada una de estas personalidades, que siempre incidieron en la utilización de materiales humildes, y en su absoluta falta de interés en que sus obras perdurasen en el tiempo. Menos mal que esto último no lo consiguieron. Nos hubieran privado de estas personalísimas obras.

El Manifiesto lo firmaron : Rafael Canogar, Martín Chirino, Luis Feito, Manuel Millares, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Antonio Saura, Juana Francés o Manuel Viola entre otros.

Manuel Millares, canario de nacimiento, durante su época abstracta realizaba sus obras con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura. Los materiales citados eran luego cubiertos con capas chorreantes de pintura. E voilà, este es el resultado:

Luis Feito

La pintura de Feito  esta influida por el automatismo, con superficies matéricas en colores blancos, negros y ocres, realizadas con mezcla de óleo y arena. A veces nos parece estar observando meteoritos a punto de colisionar contra el suelo.

Rafael Canogar

Usó inicialmente un técnica escultopictórica, los límites entre escultura y pintura se hallaban cada vez más difusos; con sus manos arañaba o exprimía la pasta que hacía vibrar sobre fondos de colores planos. Era una pintura en la que el gesto inicial sale directamente del corazón. En este punto Canogar encarnó lo mejor de la pintura matérica.

Manuel Rivera

El genial artista canario fué uno de los más innovadores:  incorpora la tela metálica a sus obras como soporte artístico, primero sobre bastidores de madera y posteriormente de aluminio.

  ” Compré un rollo de tela metálica, lo llevé al estudio, lo contemplé durante días, y casi a ciegas comencé a trabajar sobre él. En ese momento comenzó mi aventura”.


   De la superposición de diversas placas de tela metálica, y su paciente plegado, se derivaban mágicas sensaciones, como si se estuviera contemplando una delicada tela de moaré.

Antonio Saura

Fué una de las figuras más fascinantes del grupo. Artista de enorme proyección internacional se adscribió al paso tras una etapa surrealista. Comenzó sus pinturas  que él mismo bautizó como “fenómenos y grattages” La influencia que ejerció sobre él la pintura de Pollock es notable, pese a que él nunca abandonó del todo la figuración. Su conflicto fué con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica.

Uno de sus famoso crucificados.

Juana Francés

La única mujer que formó parte del grupo navega indistintamente entre la abstracción y la figuración, entendiéndose de manera complementaria

“la abstracción y la figuración, en sí mismas no comportan una tendencia, una idea, ni una actitud, sino un medio, un vehículo, y una forma de desarrollar una tendencia”

La artista en acción.

Martín Chirino

Cofundador del movimiento, el trabajo de su padre en los astilleros le familiariza con el hierro y la forja. Uno de sus motivos más recurrentes será la espiral.  Retuerce el hierro hasta sacar de su entraña toda la expresividad posible.

“La imaginación es potente y te ayuda a vivir, porque si miras la realidad estás perdido”

Pablo Serrano

Curiosamente he dejado casi para el final el artífice de este post de hoy. Realizó  innovadoras y radicales experiencias sobre el volumen y el vacío. buena muestra la tenemos en su escultura del Museo de Arte Público, situado bajo un puente en el Paseo de la Castellana.

¿Os habéis percatado? De la unión entre realidades y poéticas creativas tan dispares se crea una realidad poliédrica, vibrante, llena de vitalidad. Fué necesaria  la creación de este grupo, que nació sin pretensiones, pero del que nos podemos sentir muy orgullosos, para que se hiciera presente en nuestro país la renovación creativa y artística, que fué la que posibilitó nuestra madurez .

Confío que os haya gustado!


El pasado miércoles tuve la suerte de pasar el día en esta ciudad castellano-leonesa, sede temporal de la Corte en tiempos de Felipe III.

Cuando piensas en Valladolid en el plano artístico-cultural normalmente lo primero que se te viene a la cabeza es la Catedral de San Pablo o el Museo Nacional de Escultura. Pero tiene mucho más que visitar. De hecho en esta ocasión no nos hemos acercado a ninguno de los monumentos anteriormente citados. Y es que el patrimonio de la ciudad va mucho más allá.

La excusa para acudir allí era contemplar la muestra temporal que hay en el antiguo Monasterio de las Francesas sobre Fortuny y Madrazo, pero, afortunadamente el día dio para mucho más.

Lo primero que fuimos a visitar fué la Casa que Cervantes habitó de modo temporal durante la estancia de la Corte en tierras vallisoletanas. Como es de suponer nuestro escritor más internacional marchó en pos de Felipe III, y fruto de esa estancia nacieron algunas de sus Novelas Ejemplares. Además la Edición Príncipe del Quijote fué impresa y publicada en la Imprenta de Juan de la Cuesta de la Calle Atocha de Madrid mientras él estaba por allí. Fueron, pues, años esenciales para su trayectoria vital.

Situada en la Calle del Rastro está construida en ladrillo, y su fachada presenta balcones y ventanas recercados en yeso. En el jardín fueron instalados los restos de la antigua fachada del Hospital de la Resurrección que en tiempos de Cervantes se hallaba próximo a su casa.

Gracias a la intervención del gran mecenas y también cervantista marqués de la Vega- Inclán que consiguió las reparaciones y compras pertinentes con su propia ayuda más la ayuda que le prestó el rey Alfonso XIII , y la del Presidente de la Sociedad Hispánica de Nueva York , señor Archer Milton Huntington, íntimo amigo de Sorolla pudo conservarse y convertirse en museo la casa de Valladolid que durante algunos años cobijó a Cervantes y su familia.

Su rincón de inspiración.

Las Novelas Ejemplares: El coloquio de los perros, El casamiento engañoso, La ilustre fregona o El licenciado vidriera nacieron al abrigo de estas paredes.

Lo maravilloso es que está impecable, y dá una idea muy gráfica de cómo era la vida en aquel entonces.

Desde allí marchamos al Museo situado en el Monasterio de San Joaquín y Santa Ana.

Parece mentira, pero allí se encuentran tres obras de Francisco de Goya concebidas de modo específico para que fueran albergadas en sus muros, más tres de su suegro, Francisco de Bayeu ; en la iglesia interior cobijada por una arquitectura elíptica del mismísimo Sabatini. Se cubre el conjunto con una cúpula en la que se abren óculos, y una pequeña linterna. Recuerda poderosamente la arquitectura italiana de Borromini, uno de sus genios.

Una imagen interior.

Al lado de la Epístola se abre un coro monacal, con sillería neoclásica. Tanto nos gustó que preguntamos si en ese mágico recinto se celebraban bodas, a lo que nos dijeron que, pese a lo solicitado que está el lugar para ello no está permitido por el daño que puede sufrir esta pequeña joya.

La imagen que preside el retablo es la deliciosa familia de San Joaquín, Santa Ana y la Virgen Niña.

Las obras que de Goya custodia son las siguientes: Santa LudgardaLa muerte de San José y Los santos Bernardo y Roberto.

La muerte de San José representa una novedad, ya que esa escena ha sido rarísimamente representada dentro del repertorio iconográfico sagrado. La emoción que contiene es enorme. No en vano Goya estaba trasponiendo la muerte de su propio padre al lienzo. Ahora os explico con la obra delante

La imagen de San José que aparece tumbado no es otra que la del padre de Goya. Un Cristo prácticamente imberbe y de rostro redondo contempla la escena. Es la cara de Goya la que aparece retratada. ¿Y qué decir de la Virgen?¿ Acaso no es el rostro tantas veces contemplado en obras como El quitasol?

Las obras de Bayeu son, a su vez, Santa EscolásticaLa Inmaculada con San Francisco y San Antonio, y San Benito. Os hablaré de la leyenda de Santa Escolástica, digna de conocerse por estar impregnada de una fuerte espiritualidad y belleza. Veamos primero la obra

Santa Escolástica era hermana de S. Benito de Nursia, fun­dador y abad de Montecassino. Su figura se pierde en la leyenda y en las pocas noticias que nos transmiten los biógrafos del gran santo fundador del monacato de Occidente. La devoción por esta mujer santa y piadosa se ha mantenido a través de los siglos.
S. Gregorio Magno, en su segundo libro de los Diálogos, relata sus virtudes y hechos santos. Se consagró a Dios desde la infancia. Vivió luego cerca de su hermano en Cassino. Cada año se re­unía una vez con él para orar y hablar de Dios. El último encuentro es recordado con veneración.
Se prolongó el coloquio hasta tarde. Ella pidió a su hermano que se quedase por la noche para conversar más de Dios. El se negó y una terrible tormenta cayó en la zona, lo que le impidió salir. “Lo que no has querido concederme, Dios me lo ha dado”.
Tres días más tarde, Benito vio el alma de Escolástica subir al cielo en forma de una paloma. Regresó al monasterio y llevó su cadáver a Montecassino y la enterró en el oratorio de la cumbre del monte, donde todavía reposan sus restos junto a los de su hermano. El reconocimiento canónico y científico de sus huesos, junto con los de su hermano, hecho en 1950, confirmó la autenticidad de la tradición.

Preciosa la historia de esta Santa, que conocemos fielmente , como las de otros importantes santos a través de un libro clave para entender la iconografía cristiana: la Leyenda Áurea de Santiago (o Jacoppo) de la Vorágine. Siempre fué uno de mis volúmenes de cabecera durante mis años de estudiante.

Una imagen original del libro.

San Atilano. Lleva el pez en una mano y el anillo en la otra.

Otra de las historias sacadas de esta “novela de santos” es la de San Atilano. Se cuenta que peregrinó a Jerusalén, en penitencia por pecados de su juventud. Cuando abandonaba la ciudad al cruzar el puente, arrojó su anillo episcopal al Duero, con la esperanza de recuperarlo algún día como prenda segura del perdón obtenido. Tras dos años, inspirado por Dios, vuelve de incógnito a Zamora y recibe hospedaje muy cerca, en la ermita de San Vicente de Cornu. Preparando su comida, abre un pez recibido de limosna y dentro encuentra su anillo. Las campanas de la ciudad repicaron solas, y ante los zamoranos que acudieron a recibirle jubilosos, avisados por tal prodigio, apareció revestido milagrosamente con los ornamentos episcopales.

Otra curiosa historia, sacada de la Leyenda Aúrea.

Cautivadas por la iglesia  proseguimos la visita que nos llevó a la segunda planta. Allí, junto a casullas y ornamentos litúrgicos primorosamente guardados, realizados con telas ricas como seas traídas de Filipinas y China,  y custodiados en originales hornacinas, se hallaban una profusión de Niños Jesús de distintas tipologías suntuosamente ataviados. voy a enseñaros una hornacina que llamó poderosamente mi atención:

Al fondo una colección de trajes para el Niño Jesús, en primer plano una colección de zapatitos, y en el baúl una colección de rostrillos de la Virgen María.

Capítulo aparte es destacar la existencia de un Cristo Yacente de Gregorio Fernández, y de una Inmaculada de Pedro de Mena  dos de nuestros mejores artistas barrocos totalmente al alcance de nuestra vista, y de nuestras manos.

Cristo Yacente y Dolorosa. El Cristo sale en procesión todos los Sábados Santos.

El Museo nos dejó el mejor de los sabores de boca, salvo por una terrible noticia, que nos dio la persona que lleva al frente de la Institución desde hace veinte años: su inminente cierre. Y cuando eso ocurra, lamentablemente sus tesoros se dispersarán o acabarán quién sabe dónde.

En fin  de allí salí con la firme determinación de escribir al Presidente de Castilla y León para pedir que no lo cierren. No sé donde parará mi protesta, pero ahí quedará.

Fuimos a oír Misa a la Iglesia de Santiago, donde nos impactó el Retablo Barroco, de gran belleza, presidido por una imponente figura de Santiago Matamoros, y el riquísimo estofado que cubría el retablo en su totalidad.

Archivo:Valladolid - Santiago 08.JPG

Bella imagen del retablo.

Y el final del día fué apoteósico. Entramos en el Antiguo Convento de las Francesas, hoy habilitado como sala de exposiciones, para visitar una muestra a todas luces sensacional. Unir en un mismo espacio a dos familias tan relevantes en el mundo artístico de principios de siglo pasado es un acierto impresionante.

Son cerca de un centenar de obras que forman parte de colecciones privadas y cuya procedencia, en la mayoría de los casos, es el propio taller de los artistas (que además de ser cuñados, eran amigos).
Las obras presentadas son una serie de dibujos, acuarelas y pinturas de pequeño formato de gran valor iconográfico que representan el entorno más íntimo y privado de los artistas y que nos muestran a familiares y amigos retratados de una manera espontánea. Están reunidos aquí de una manera didáctica y así podemos ver un boceto y a su lado la obra terminada.


Bellísimos dibujos de Fortuny, enmarcados de un modo exquisito.

A pesar de que Mariano Fortuny falleció a los treinta y seis años, fue un pintor prolijo e incansable dibujante, me atrevería a decir que el mejor de su época  En relación a Raimundo de Madrazo subrayó su triunfo como retratista en toda Europa y América, estando su obra caracterizada por una exquisita aptitud descriptiva y cromática. Su obra constituye un ejemplo del arte decimonónico gozando de un gran prestigio en los salones de París.

Fortuny y Madrazo. El dibujo español en el siglo XIX

Maravillosa escena carnavalesca de Fortuny. Para su realización empleó multitud de dibujos preparatorios que también se pueden admirar en la muestra.

En Fortuny , en sus magníficos dibujos y grabados, e incluso acuarelas de fragmentos decorativos de las casas tales como respaldos de sillas, empuñaduras de espadas, se puede adivinar la enorme pasión que sentía por curiosear en las diferentes almonedas y anticuarios que recorrió de manera incansable, arrastrado por una pasión que llevaba luego a sus lienzos, al papel.

Por otra parte, Madrazo, que ocupa la parte del coro del antiguo convento,  se formó en París en lugar de en Roma, y alcanzó talla internacional como gran retratista gracias a una precisa y depurada técnica pictórica que aprendió de su padre Federico y de su abuelo José, también prestigiosos pintores.

Dos formas de entender el proceso de la creación pictórica muy diferentes, pero salidos de los pinceles, de los lápices de dos de nuestros mejores artistas.

Os recomiendo vivamente que hagáis esta visita. ¡Tiene mucho que ofrecer Valladolid!


Hacía días que os debía este post acerca de una muestra a todas luces imprescindible en el panorama cultural de nuestra ciudad.

Las tres veces que he gozado e ella han sido una absoluta delicia, y en cada una de esas ocasiones he podido admirar un detalle nuevo que las anteriores había pasado desapercibido. Es el poder de la naturaleza, cambiante, caprichosa, en ocasiones efímera que vibra en cada retazo de obra de la exposición, y que parece destilar vida por los cuatro costados.

La antigua teoría que sustentaba que el arte se podía clasificar en compartimentos estancos, y que podía meter en diferentes cajas cada vanguardia, cada movimiento, ha sido afortunadamente desechado en aras de una transversalidad, que es una manera más viva, y a mi modo de ver más inteligente de acercarse a la contemplación y al estudio de la obra de arte.

Así pues, cuando en los libros de arte leemos que el impresionismo comenzó en Manet, su padre ideológico, no reflejan del todo la verdad. Cien años antes de que esto ocurriera ya se habían trasladado los artistas al medio natural para plasmar sus sensaciones, sus emociones, pese a terminar sus obras en el estudio.

Todo ello fué propiciado por algo en apariencia insignificante, a saber: la invención del tubo de óleo en pequeño formato. Este invento facilitó tener frescos los pigmentos, lo cual permitía pintar sin apremios, y posteriormente fué genialmente rematado por la invención del caballete. Así pues los artistas gozaron de una libertad sin precedentes, propiciando que abandonasen el estudio y que atrapasen “in situ”, al aire libre, los paisajes naturales, y, con ellos, sus sensaciones térmicas.

Hagamos un poco de historia de este género tan apasionante:

A pesar de que el arte chino había cultivado el género del paisaje desde el siglo IV, en Occidente esté género no se iba a desarrollar de manera más o menos autónoma hasta la llegada del Renacimiento; cuando las vistas de prados, montes y colinas comienzan a tomar protagonismo en las composiciones de Durero, Patinir o Brueghel el Viejo.


Paisaje chino

Paisaje de Patinir.

En el siglo XVII este tipo de representaciones va metiéndose poco a poco junto a la pintura de figuras; sobre todo en las escuelas holandesa y flamenca, con nombres como Ruisdael o el francés Claudio de Lorena, uno de mis pintores preferidos.

Tobías y el Angel, Claudio de Lorena.

Cien años más tarde, en las composiciones paisajistas las figuras van cediendo espacio a las panorámicas, situadas aquellas ya como simples referentes de escala. Es el momento de las famosas “vedutte” venecianas de Canaletto, o Guardi, y de las fantásticas ruinas de Zuccarelli o Belloto.


Paisaje urbano o vedutte veneciana.

Paisaje de Zuccarelli.

Antes de instalarse de plano derecho en Francia, este tipo de pintura recaló en Gran Bretaña, donde tuvo seguidores vitales, sobre todo Constable y Turner. En Constable es tal la identificación del hombre con la naturaleza que las pequeñas figuras del lienzo llegan a compenetrarse a la perfección con los elementos de la vida rústica.

Turner arranca de la naturaleza su quintaesencia, transformándola en pura energía y vibración cromática.

Tras esta introducción al género paisajístico, que espero hay sido ilustrativa, nos metemos  de lleno en la muestra, que es absolutamente fascinante  Está dividida en distintas salas, asociadas éstas a accidentes de la naturaleza. La primera de ellas llamada Ruinas, tejados y azoteas remarca la importancia que estos pintores le daban a las ruinas como elemento integrante del paisaje, al que otorgaban un aspecto pintoresco. Fueron objeto de atención de muchos jóvenes artistas que se formaron en Italia a fines del siglo XVIII y principios del XIX siguiendo una tradición idealista

Impresionantes aquí dos visiones de la misma azotea en dos momentos diferentes del día, obra de Pierre Henry de Valenciennes. Es el auténtico precursor de la pintura al aire libre. En 1800 escribió un Tratado sobre el género del paisaje, que influyó notablemente en las siguientes generaciones.

En el asegura algo que vemos perfectamente plasmado en este par de versiones de la misma azotea: “todos los estudios de la naturaleza deberían ser realizados en dos horas como máximo, y, si su efecto es la salida o la puesta del sol, no deberían tomar más de media hora”

La diferencia entre ambas es palpable.

En la sección rocas nos damos cuenta de que su representación ha estado presente en la historia de la pintura desde sus inicios. Los primeros estudios de roquedales fueron pintados en Italia a finales del XVIII; pero el protagonismo les llegó con la Escuela de Barbizón. Dicha escuela tuvo su sede en la villa del mismo nombre, cercana a un antiguo bosque de caza real, el bosque de Fontaineblau. Allí los pintores iban a cultivar, entre otras modalidades el “paisage intime”

Lo empieza a cultivar Corot tras su regreso de Italia.

A dichas rocas se les otorgan valores melancólicos, de soledad, desolación, y en el caso de los pintores europeos, cierto idealismo.

En el caso de los pintores americanos el arte y la geología fueron de la mano. Fueron más precisos, más científicos.

Cezanne recurrió a ellas para construir el espacio sin sombreado ni  perspectiva. Las obras que hay en la muestra salidas de sus pinceles son un prodigio técnico.

En el suelo la pincelada es horizontal, en la parte superior vertical, y en las rocas en todas direcciones.

En la sala montañas nos damos cuenta de que fueron motivo de interés estético desde el XVIII.

Fueron concebidas en principio como fondos para composición de cuadros en el estudio, a excepción del Vesubio( presente también en la muestra de la Fundación Canal que hemos disfrutado hoy).

Se observa cierta concepción panteísta en ellas, como un camino ascendente hacia la divinidad.

En la falda de la montaña. Hodler.

Vemos que en Centroeuropa la iconografía de la montaña alcanzó sus cotas más originales, a caballo entre cierto idealismo romántico y el interés científico. Dicho interés por las montañas lo hallamos en Austria, Francia o España.

Árboles y plantas

Otra vez Italia es el punto de referencia. Allí se extendió la costumbre de ejecutar estudios del natural de los ejemplares más bellos y pintorescos de árboles y plantas. A ello se sumó el interés botánico puesto de moda por Linneo, y que se difundió con rapidez por países anglosajones.

Valenciennes. mi favorito.

Donde esta costumbre consiguió más adeptos fué en Francia a principios del XIX, merced a la preparación de las pruebas del Grand Prix de Rome de paysage histórico creado en 1817.

Para los pintores de Barbizón algo más tarde los árboles se convirtieron en actores silenciosos del paisaje.

Rousseau. bosque de robles

Toda la sala es un himno a la naturaleza, con una profusión de maravillas entre las que no sabrías bien con cual quedarte. Sobre todo abunda la presencia de robles y hayas. A comienzos de 1860 los impresionistas también pintarán árboles en el bosque de Fontaineblau. Pintores como Monet se concentran en las sensaciones visuales de la luz al filtrarse a través de las hojas.

Monet y sus filtraciones. Todo un prodigio en técnica y sensibilidad.

Cascadas, arroyos y ríos

   Desde los inicios el agua imprimió variedad, frescura y vitalidad. Se aprende su representación en enclaves próximos a Roma, con lagos como el Nemi, plasmados sintéticamente, sobre todo por Corot, que pasó largas temporadas en la zona inspirándose en estas mágicas caídas del líquido elemento.

En Inglaterra adquieren el punto culminante en Constable y Turner. Fué Daubigny quien introduce este elemento en Barbizón, haciéndose construír un barco estudio para pintar desde el Sena.

Cielos y nubes

Ambos elementos atmosféricos han estado en la mente de los tratadistas desde Leonado  A partir de los siglos XVIII y XIX se extendió la costumbre de los estudios de nubes entre artistas franceses y alemanes formados en Italia.

El que más lo trabajó fué Constable, que, llevado por su obsesión por la integración entre cielo y paisaje pintó más de cien estudios en sus dos campañas de Hampstead.

O Van Gogh, que a veces se quejaba diciendo:”¡que cuadro pintaría de no hacer tanto viento!”

Van Gogh. Obsérvese cómo plasma el viento soplando con fuerza en la pincelada del campo y en la fuerza y dimensión de las nubes.

Otro fué Boudín, influyendo en Courbet y Monet.

Tempestad sobre el mar en Islandia. Las olas desprenden caracoles de espuma, fruto del viento embravecido.

El mar

Ha sido contemplado con temor hasta el XVIII. Fué Constable el autor de las primeras marinas al aire libre.

La moda de las estancias en la playa como destino vacacional desde el 2º cuarto del XIX se extendió por Francia desde Inglaterra. Los destinos eran lugares de tiempo nublado, proclive a esos paseos marítimos de las clases acomodadas. Clave fué el descubrimiento de Normandía por pintores y escritores.

Courbet cultivó este género, pero sin duda el más atraído por los impresionistas del mar fué Monet. Pinto en repetidas ocasiones los acantilados de Etrètat, donde estuvo a punto de morir ahogado mientras pintaba. dice que sólo un milagro y los pescadores de la zona le salvaron.

La naturaleza y su fuerza, su misterio, su agreste atractivo, ante la que el hombre no puede nada.

No es de extrañar, pues, que pese a ser una muestra extensa, se salga con ganas de visitarla de nuevo, para que nada se nos escape.

Espero que os haya gustado!


Buenas tardes a todos.

Tras visitar Pompeya el Domingo os emplazo a nuestra siguiente actividad que tendrá lugar la semana próxima.

Además visitaremos el Museo del Libro, situado en la misma Biblioteca.

Espero que os guste!Durero invitación