UN ARTE FLORECIENTE

Hoy nos aproximamos a este magnífico arte. Empecemos:

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Igor Stravinsky vivió antes de la primera guerra mundial, su “período ruso”, una época rutilante, inspirada por el folklore nacional. 1915. J.E Blanche, Museo D´Orsay, París

El extraordinario auge de los movimientos artísticos en la primera década del siglo XX demostró hasta qué punto la revolución de 1905 había contribuido a la liberación de los espíritus y a la innovación.

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Marcha fúnebre, de Vasili Kandinsky. En el límite entre el fauvismo y el expresionismo, la obra tendía a la abstracción, aunque los personajes y los sentimientos fueran todavía identificables. 1909. Museo de Arte Moderno. Nueva York.

Fue una época brillante, que arrancó en 1898 con la publicación de la revista El mundo del arte de Diaghilev y Alexandre Benois. A partir de entonces se produjo una formidable explosión de corrientes literarias y filosóficas y un renacimiento de las bellas artes, la danza y la música.

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La consagración de la primavera, de Stravinsky, representada en París en 1913 por los ballets rusos de Diaguilev, con coreografía de Nijinski. Aquel despliegue de sensualidad pagana fascinó a los parisinos. Colección particular.

Poetas de diversas tendencias como Blok, Gumiliov o Maiakovski revolucionaron la poesía, y pintores como Malevich, Lariónov y Kandinsky crearon formas de expresión pictórica nuevas y provocadoras.

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Vaca y violín, de Malévich. Las asociaciones incongruentes anunciaban el dadaísmo , las formas y los volúmenes estaban marcados por el cubismo. 1913. Museo ruso de San Petersburgo.

El impacto de los ballets rusos de Diaghilev en occidente, así como los experimentos de compositores como Stravinsky situaron la creatividad rusa en la vanguardia de las expresiones artísticas europeas.

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Las lavanderas de Goncharova. El vigor del trazo y la violencia de los colores expresan las duras condiciones del trabajo de las mujeres. Museo de San Petersburgo.

Todos aquellos movimientos, si bien no sirvieron de un modo directo a los ideales revolucionarios, fueron un valioso apoyo para ellos, debido a su desprecio por los valores burgueses y materialistas y a su dimensión, muy a menudo escatológica, que revelaba su fe en la transformación del mundo a corto plazo.

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Chaliapin en Boris Godunov de Rimski Korsakov. El célebre bajo, también miembro de la compañía de Diaguilev utilizó sus dotes de actor trágico para exaltar el pasado ruso. 1913.

¡Confío en que os haya gustado!

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LA ESCUELA DE FONTAINEBLAU

Hoy haré mi crónica sobre este lugar fascinante:

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Detalle de la cámara de la duquesa de Étampes. Para su favorita Francisco I encargó a Primaticcio un decorado que Luis XV conservó en la escalera del rey de 1747. Imagen cortesía de alamy stock photo.

En sus orígenes, Fontaineblau era un viejo torreón que Francisco I transformó en un palacio renacentista con la colaboración de grandes artistas. Rosso Fiorentino; Primaticcio, venido de Bolonia; el célebre orfebre y escultor Benvenuto Cellini, todos los grandes nombres del arte italiano se dieron cita en el nuevo castillo del rey de Francia.

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La galería de Francisco I en Fontaineblau. Las paredes están adornadas con una exhuberante decoración italiana que incluye frescos y estucos de Rosso Fiorentino.

Aquel grupo excepcional de artistas recibió el nombre de escuela de Fontaineblau, y aunque algunas de sus obras han desaparecido, como los baños de la planta baja, destruidos en la época de Luis XIV, muchas aún siguen allí, como testimonio de su magnífico trabajo.

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Gabrielle d´Estrées (a la derecha) y su hermana. Amante de Enrique II, a quien dio tres hijos, inspiró a los pintores de la segunda escuela de Fontaineblau.

La galería de Francisco I, decorada por Rosso, la cámara de la Duquesa de Étampes, con pinturas sobre la vida de Alejandro Magno, demuestran que la escuela de Fontaineblau supo crear un estilo.

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Su originalidad reside en la importancia que concedió a la escultura decorativa, a las guirnaldas de flores y frutas, a las pilastras y a las figuras pintadas en las que se mezclan niños, sátiros y cuerpos femeninos y de atletas.

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El Salón de baile del castillo de Fontaineblau, o galería de Enrique II, en cuyo reinado fue terminada. De treinta metros de longitud, es la sala más bella del palacio, decorada por Primaticcio y su discípulo Niccolo dell´Abbate. El artesonado es obra de Philibert Delorme.

Aquel gusto decorativo era nuevo en Francia, pues hasta entonces las paredes de los castillos se adornaban con tapices.

Enrique II embelleció aun más el palacio en el estilo renacentista clásico, que se inspiraba en las normas establecidas en el siglo I a.J.C por el arquitecto romano Vitrubio.

Una magnífica y desconocida residencia palaciega. ¡Confío en que os haya gustado!

EL CORÁN

Hoy hablaremos de este libro sagrado. Empecemos:

El Corán, que en árabe significa “Recitación” representa para todos los musulmanes el texto sagrado por excelencia: se trata de la palabra de Dios convertida en libro.

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Cofre para el Corán, mezquita de Damasco. Como cualquier otra religión, el Islam ha generado un arte peculiar. Su mas bella expresión es la decoración con edificios fantásticos y los motivos geométricos.

Los acólitos del profeta aprendían de memoria las revelaciones según éste iba trasmitiéndoselas y las transcribían en piedras lisas, omóplatos de camello y trozos de cuero.

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Biblioteca en una mezquita. Ilustración de uno de los Magamat o sesiones de al- Hariri, un género literario donde las anécdotas cómicas imitan versículos del Corán. Siglo XIII. Biblioteca Nacional, París.

En 652 el califa Utmán, tercer sucesor del profeta, ordenó reunir todos los textos. Esta versión, considerada como la definitiva, sigue estando en vigor en el mundo musulmán.

El Corán se compone de 114 azoras o suras (capítulos), divididos en 6243 versículos, las azoras se han clasificado comenzando por las más largas (la segunda, la Vaca, consta de 286 versículos) y acabando por las más cortas.

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El Corán, texto sagrado para todos los musulmanes es la palabra de Dios transmitida a Mahoma. Se compone de 114 azoras y de 6243 versículos.

Esta clasificación es contraria, por lo general, al orden cronológico. Los capítulos más cortos, y a menudo los más poéticos, corresponden a las revelaciones mecanas entre 612 y 622, y recibieron el nombre de “azoras mecanas”.

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El Islam, religión de la escritura por excelencia, dedica una especial atención a los manuscritos. Puesto que la representación de Alá y de Mahoma estaba prohibida, la caligrafía concentra todo su arte en las letras y en los colores. Página miniada del Corán, colección particular.

En cambio las “azoras medinenses”transmitidas entre 622 y 632, de mayor carácter jurídico, se refieren a la vez a la edificación de la ciudad musulmana, a la definición del dogma y a las prácticas de la nueva religión.

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Corán. La extraordinaria ornamentación que acompaña los textos recuerda el arte del tapiz. Incluso la letra se convierte en un motivo decorativo que se mezcla con los arabescos y entrelazos. El alfabeto se escribe de derecha a izquierda y tan sólo está formado por consonantes y semiconsonantes. Siglo XVI. Biblioteca del Arsenal. París

¡Confío en que os haya resultado interesante acercaros a este singular libro!

 

LAS DAMAS IBÉRICAS

Hoy mi crónica irá dirigida a este insólito grupo de damas escultóricas. Empecemos:

En 1897 fue descubierta la Dama de Elche, a quien los aldeanos del lugar bautizaron como “la reina mora”. Se trataba probablemente de una escultura sedente, pero falta la mitad inferior.

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La Dama de Elche. Museo Arqueológico Nacional Madrid.

Aunque no son muy numerosas, han aparecido esculturas ibéricas femeninas, como la Dama del Llano de la Consolación, o la Gran Dama oferente del Cerro de los Santos.

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Gran Dama oferente del Cerro de los Santos. Esta pieza extraordinaria muestra en todo su esplendor la riqueza del vestuario femenino ibérico y el complejo tocado con que se adornaban ls mujeres de las clases altas. Siglos IV-II a.J.C. Montealegre del Castillo, Albacete. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

Hasta el descubrimiento de la Dama de Baza en 1971, estas esculturas fueron objeto de interpretaciones muy dispares.

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Dama mitrada oferente. El estudio de la estatuaria ibérica en piedra- siempre se utilizaba caliza de canteras locales- ha llevado a especular sobre la existencia de dos tipos de talleres: unos de carácter culto y otros populares. Siglos II-I a.J.C. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

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Dama mitrada procedente de Collado de los Jardines. El desarrollo de la metalurgia del hierro no significó el abandono del bronce, que se reservó para otros objetos que fuesen armas y herramientas de trabajo, como el exvoto que aquí se reproduce. Siglos IV-IIIa.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid.

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Portadora de vaso. Este relieve en piedra caliza se debía hallar en la esquina del muro de un monumento funerario: en la otra cara del bloque de piedra en que fue tallada, tal como vemos, se observa otra figura.Siglos III-II a.J.C. Osuna, Sevilla. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

El estudio de la Dama de Baza, hallada durante las excavaciones de la necrópolis bastetana de Baza (Granada), fechada en la primera mitad del siglo IV a.J.C, ha permitido determinar que las esculturas femeninas sedentes estaban destinadas a servir como urnas cinerarias.

Algunos elementos de su atuendo, como los vestidos, son indígenas, y recuerdan los mantos de vivos colores que usaban las nativas, citados por Estrabón, mientras que el modelo del trono procedía del Mediterráneo oriental.

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Dama de Baza. En algunas zonas de la Basetania o de Turdetania se construyeron tumbas de cámara de origen orientalizante. Podían ser colectivas o individuales, como en este caso de la Dama de Baza, perteneciente a un rey o a un gran personaje; el trono es una urna cineraria. Siglo IV a.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

En la sociedad ibérica la mujer debía de desempeñar un importante papel en los ámbitos familiar y religioso, como se deprende de la riqueza de algunas tumbas femeninas, o de las numerosas representaciones de figuras femeninas.

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Dama sedente procedente del Cerro de los Santos en Montealegre del Castillo, Albacete. Siglos IV-II a.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

Tenemos la fortuna de encontrar gran parte de ellas en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

UN ARTE PROFANO

Hoy nos acercamos a este arte desconocido, pero enormemente importante. Empecemos:

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Hatfield House. Era la residencia del obispo de Ely, pero Enrique VIII se apoderó del castillo y de los bienes eclesiásticos. Posteriormente fue donado por Jacobo II al code de Salisbury. Isabel pasó allí su juventud antes de acceder al trono. El jardín, creado por Lord Salisbury, es característico del estilo Tudor

Durante los reinados de Enrique VIII t Eduardo VI se destruyeron muchas iglesias y monasterios, pero a pesar de ello, en el periodo isabelino no se levantaron grandes y nuevas construcciones religiosas.

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Wollaton Hall, en Nottingham. Construida entre 1580 y 1588 esta mansión da fe del interés de los nobles ingleses por sus residencias campestres. Las ventanas, frontones, pilastras y balaustradas son típico del renacimiento. Una gran galería rodea toda la primera planta. Los ciervos le dan belleza añadida.

En cambio los nobles edificaron castillos de un estilo particular en los que la influencia italiana se hallaba muy limitada. La arquitectura que triunfó a finales del siglo XVI se caracterizó por una mezcla de geometría y luz, de simetría y ligereza.

El castillo de Hardwick Hall, construido cerca de Derby entre 1950 y 1597, constituye un excelente ejemplo de estilo isabelino.

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Sin embargo, el gran arte del siglo fue el retrato cortesano. El reinado de Isabel se vio marcado por los pintores flamencos Hans Eworth y Marcus Gheeraerts padre e hijo. Sus obras tienen un gran interés histórico, ya que describen con maravillosa precisión los trajes de la epoca, lo cual de por si es una crónica impagable.

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Isabel, reina que siempre siguió la moda, con una amplia gorguera y el cabello recogido. El busto comprimido por un corsé rígido sobre una fina camisa de mangas adornadas por perlas de contornos irregulares estaba a la última entre la realeza y la alta aristocracia.

Pero el miniaturista Nicholas Hilliard, gracias a quien se conocen los rostros de los personajes más célebres del momento, dio prueba de mayor originalidad, y cuando murió en 1619, gozaba de fama internacional.

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Joven apoyado en un árbol. La perfección técnica de la obra y la aparente frivolidad del tema, próximas al manierismo no logran disimular una cierta melancolía. Siglo XVI. Nichols Hilliard. Victoria and Albert Museum Londres.

En sus obras destinadas a la corte, Hilliard prefirió la pureza de líneas; en cambio en sus retratos privados adoptó un estilo más libre, aunque siempre refinado.

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Damas y gentiles hombres bailando. Los aristócratas de la época Tudor decoraron con riquezas sus viviendas y no dudaron en añadir un ala a sus castillos en prevision de que la reina pudiera hacerles una visita. Paul Vredeman de Vrés. Christie’s, Londres.

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Henry Percy, noveno conde de Northumberland. La austeridad del traje tal vez sea un presagio del rigor puritano a no ser que subraye la tristeza del modelo. Siglo XVI. Nicholas Hilliard. Rijksmuseum, Amsterdam.

Es maravilloso descubrir estas manifestaciones artísticas, tan bellas como desconocidas. ¡Confío en que os haya resultado interesante!

VERDI, CANTOR DE ITALIA

Hoy nos acercaremos a la figura de este músico clave para entender la música italiana. Empecemos:

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Giuseppe Verdi, contemporáneo de Cavour y de Victor Manuel II dio testimonio a través de su música, de todas las aspiraciones de la Italia del Risorgimento.

La causa del Risorgimento contó entre sus adeptos con uno de los más grandes compositores italianos del siglo XIX: Giuseppe Verdi, nacido en 1813 en el ducado de Parma.

En 1842 su ópera Nabucco hizo vibrar de emoción al público de la Scala de Milán con el célebre coro de los esclavos hebreos exiliados.

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Heredero de Bellini y Rossini, Verdi fue el maestro indiscutible de la ópera italiana. I Lombardi confirmó el éxito de Nabucco. 1843. Museo de La Scala de Milán.

Al año siguiente, una nueva ópera titulada I lombardi alla prima crocciata afianzó aún más la popularidad de Verdi, cantor semioficial de la causa nacional. Los patriotas incluso hicieron de su apellido un eslogan: VERDI se convirtió en en acrónimo de “Vittorio Emmanuelle , Re d´Italia”.

(c) Royal Academy of Music; Supplied by The Public Catalogue Foundation

La cantante Giulia Grisi interpretó a Desdémona en la opera Otelo, compuesta por Verdi en 1887.

En 1849 Roma era una república, y en ella se interpretó la Batalla de Legnano, cuya célebre aria Viva Italia despertó un vivo entusiasmo. Pero la república romana desapareció muy pronto y Verdi inició una nueva etapa, en la que compuso sus obras más famosas: Rigoletto, en 1851, Il trovatore y La Traviata en 1853.

Sin embargo siguió considerándose un servidor de la causa nacional italiana, y en 1861 entró en el parlamento de la Italia unificada.

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En su juventud Verdi no fue aceptado en el conservatorio de Milán debido a sus lagunas técnicas. Entonces se volcó en la composición.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA NUEVA CIUDAD MEDIEVAL

Hoy mi crónica irá sobre el nacimiento de estas nuevas ciudades. Empecemos:

En la Europa de la alta edad media, la ciudad era la mayoría de las veces el núcleo episcopal. Alrededor de la catedral y de la residencia del obispo-o del castillo condal-se apiñaban unas cuantas y precarias casas.

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Centro de ciudad medieval, en concreto la plaza comercial. Los artesanos vendían sus productos en sus puestos y trabajaban a la vista de los transeúntes. La regulación del mercado, muy estricta y meticulosa, prohibía trabajas tras la caída de la noche, de ahí la expresión “trabajo negro” (en la oscuridad de la noche)

A partir del siglo XI el auge económico transformó aquella viejas estructuras, ampliadas por la construcción de las grandes catedrales, auténticas ciudades dentro de la ciudad.

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La torre de Brujas, construida en el siglo XIII. Su carillón sigue celebrando la riqueza de los burgueses flamencos. LA ciudad (Brugge significa “desembarcadero” en neerlandés) se construyó en la desembocadura de Ostende, Gante y L´Ecluse.

Sin embargo, el factor decisivo fue el aumento de la población. Así pues se edificaron iglesias suplementarias, en particular las de las órdenes mendicantes. Las casas se construyeron más amplias y mas separadas entre sí con el fin de poder derribarlas en caso de incendio.

La piedra se utilizó en las mansiones patricias que las dinastías mercantiles levantaron por toda Europa; en cambio los nobles, que permanecieron en la ciudad, tuvieron que derribar sus torres para que no se les distinguiera de sus vecinos burgueses.

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Sello de la ciudad de Middelburg (Países Bajos) en 1322. Puesto que sus ciudades estaban dotadas de personalidad jurídica, los burgueses se otorgaron a sí mismos un sello amulando a sus señores. Los de Middleburg tomaron como emblema su torre. Imagen cortesía de alamy stock photo.

Se alzaron palacios comunales y ayuntamientos, rematados a menudo por un campanario o una gran torre, para dejar constancia de la nueva situación política de la ciudad.

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El palacio comunal de Siena, construido en ladrillo entre 1288 y 1309. Las almenas dan fe de la arrogancia de los mercaderes. En el siglo XIV mandaron edificar la torre del Mangia, de una altura de 80 metros, que servía de campanario.

Las casas y las capillas de las guildas y de las cofradías de artesanos se multiplicaron. Los comerciantes fundaron hospitales y también se edificaron lonjas y mercados, mientras que la ciudad se rodeó de fortificaciones de defensa.

¡Espero que os haya gustado!

LA CERCANÍA DEL APOCALIPSIS

Haré hoy mi particular crónica sobre este tema apasionante. Empecemos:

Los temores y esperanzas que marcaron el final del primer milenio pusieron de actualidad el texto del Apocalípsis de san Juan en que el apóstol narra las visiones de Patmos.

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Babilonia en llamas. Un angel vuela sobre una ciudad mozárabe, llena de riquezas pero sin un alma. En los huecos de las ventanas de las casas vacías hay vasos preciosos. 1047. Biblioteca Nacional. Madrid.

El contenido de la obra, que aborda primordialmente la cuestión de la escatología- el destino último del hombre y del universo-, respondía a las preocupaciones sobre la salvación.

El Apocalipsis da una lección de esperanza: tras el tiempo del castigo viene la certeza del reino de Dios, ya que el texto termina con el establecimiento de la “nueva Jerusalén, vestida como una esposa engalanada para su esposo”.

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La Bestia, el dragón y el falso profeta vomitan ranas. Beato de Liébana. Siglo XI.

Hacia el año 950 se difundieron los Comentarios sobre el Apocalipsis , obra escrita en el 766 por el monje asturiano Beato de Liébana. El texto fue transcrito de nuevo, y ricamente iluminado en suntuosos manuscritos llamados “beatos”, de los que se conservan veinticinco, catorce de ellos realizados en los siglos X y XI.

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Los monstruos invaden la tierra. Las pesadillas nacidas de la inseguridad de la época inspiraban un gran temor, ya que el fin del mundo se veía próximo. Beato de Liébana. Siglo XI.

Las relaciones entre Francia y el Norte de España a favor de la peregrinación de Santiago de Compostela dieron a conocer la obra en el norte de los Pirineos, donde posteriormente se realizaron una nueva serie de manuscritos.

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Las langostas que se propagaron por la tierra, con un poder parecido al de los escorpiones y semejante a caballos aparejados para la guerra tenían sobre sí al ángel del abismo. Apocalípsis de Saint- Sever. Biblioteca Nacional, París.

El más bello es el Apocalipsis de Saint-Sever, realizado a mediados del siglo XI en la abadía fundada en 982 por Guillermo Sancho, duque de Gascuña.

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El quinto trompeta y los caballos infernales. Beato de Liébana. Siglo XI.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS JUEGOS DEL CIRCO

Hoy mi crónica irá de estos magníficos juegos. Empecemos:

El Coliseo, construido por Vespasiano e inaugurado por Tito tenía 10.000 plazas. Al principio los juegos se celebraban a título privado en honor de un difunto.

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El Coliseo podía acoger a 100.000 espectadores. Más tarde serviría como cantera de piedra, lo que explica que actualmente estén a la vista las estructuras que se encontraban bajo la arena.

En la época imperial se hicieron públicos, pero los espectadores asistían vestidos de oscuro en recuerdo de su antigua relación con la muerte.

Entre los gladiadores destacaron los samnitas, armados con un escudo y una espada; los tracios, que llevaban un escudo y un puñal, los mirmillones, que se protegían con un casco, y los retiarios, armados de una red y un tridente.

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Retiario con el tridente. En los combates los gladiadores, los retiarios solían enfrentarse a los mirmillones, armados de un escudo, una espada corta y un casco.

Luchaban entre ellos hasta la muerte, o se enfrentaban a las fieras. El ritual comenzaba con un desfile de los gladiadores, que se detenían al pie del palco imperial y pronunciaban la célebre fórmula:” Ave César, morituri te salutant”.

Los combates se sucedían de la mañana a la noche, con una pausa a mediodía dedicada a los criminales comunes, que debían matarse entre sí.

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Los gladiadores se dividían en dos categorías: los galos solían llevar armas ligeras, los samnitas llevaban un pesado equipo que incluía espada, casco y grebas. Galería Borghese, Roma.

Los gladiadores tenían una oportunidad de salvar la vida si el pueblo así lo solicitaba. El emperador consultaba al público y cumplía su veredicto, y el pueblo de Roma medía en el circo la fuerza de su poder.

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Carrera de carros en el circo. Los caballos daban vueltas alrededor de la spina, cuadrilátero que ocupaba el centro del circo. Siglo IV. Museo nacional de El Bardo. Túnez.

Los juegos permitían la expresión de pulsiones violentas de una sociedad ociosa, que necesitaba, según Juvenal, pan y juegos circenses (panem et circenses) para considerarse feliz.

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Juegos en el Circo Máximo, con capacidad para 400.000 espectadores. No existía ningún circo en Italia, puesto que las carreras estaban prohibidas desde Augusto. Siglo II. Museo de la civilización romana. Roma.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA ARQUITECTURA AFRICANA

Hoy nos aproximaremos a estos desconocidos testimonios de Africa en la primera de las grandes artes. Empecemos:

Las sociedades africanas han desarrollado a lo largo del tiempo una arquitectura de calidad en el aspecto artístico y en el técnico.

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Poblado del Senegal, con viviendas de adobe cubiertas de paja. Los dibujos que adornan las paredes de las cabañas tienen función religiosa, y se basan en mitos muy antiguos.

Los materiales y la elaboración de las formas demuestran una gran capacidad de adaptación a los climas y recursos locales: la madera, los materiales, así como la arcilla, eran de uso corriente: la piedra, al ser de difícil localización en África, se utilizó sobre todo en el sureste del continente.

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Ciudad lacustre de Dahomey, las lagunas costeras, rodeadas de tierras fértiles, alimentan a una numerosa población. De allí procedían los cauri, conchas que servían de moneda para el África occidental.

La forma arquitectónica más conocida es la choza redonda con techo de paja, aunque no es la más común, ya que también existían casas cuadradas o rectangulares, con tejados en pendiente en las regiones húmedas, y terrazas planas en las regiones secas con patios interiores…y con variedades infinitas.

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Aldea dogon en Mali. Las casa están hechas de piedras secas o ladrillos crudos recubiertos de arcilla. Las habitaciones dan a un patio interior. Las construcciones cónicas son graneros. Cada aldea posee un granero comunal, un altar, un cobertizo para las reuniones de los hombres y una casa redonda reservadas a las mujeres durante la regla.

En un mismo poblado, las viviendas son idénticas para no marcar las diferencias sociales. La mayor parte sólo se componían de una única pieza-la habitación- , ya que la cocina y la mayoría de las actividades tienen lugar en el soleado exterior.

Las diferentes casas de un hombre (las de sus mujeres) o de una familia se agrupan en torno a un patio y están unidas por un muro que delimita el recinto.

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La acrópolis de la ciudad de Zimbabwe, que dio su nombre a la antigua Rhodesia, estuvo ocupada desde el siglo III, y fue a fines del siglo XIII cuando se construyeron recintos.

Se trata de la “concesión” donde se desarrolla la vida en común. También se hallan en Africa edificios y monumentos suntuosos, como las grandes mezquitas del Sudán, residencias reales y fuertes militares.

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Cabaña obús de los musgum del norte de Camerún. En África ecuatorial, en la llanura inundante del Chari vive una población de tipo sudanés, islamizada , que construye pueblos donde cada clan tiene su barrio y cada linaje , descendiente del mismo antepasado , su grupo de casas.

Una arquitectura práctica, y muy bien diseñada, pese a proceder de un continente teóricamente atrasado.

¡Confío en que os haya resultado interesante!