CONTINUISMO Y DISIDENCIA EN EL CINE ESPAÑOL

Hoy haré una crónica sobre esta época de nuestro cine. Empecemos:

A lo largo de los años cincuenta se produjo una cierta modificación en el seno del cine español.

Cartel de :»¿Dónde vas Alfonso XII?». Luis César Amadori dirigió a Vicente Parra y Paquita Rico en este film, que recreaba la romántica (y trágica) relación entre aquel rey y su esposa, María de las Mercedes. Fué uno de los grandes éxitos de la década.

El nombramiento de José María Escudero en 1951 como director general de Cine y Teatro, aunque duró muy poco y sólo alcanzaría verdadera relevancia en una segunda oportunidad (1962) significó un mayor grado de apertura.

En Muerte de un ciclista, interpretada por Alberto Closas y Lucía Bosé, un atropello daba pie a Juan Antonio Bardem a plantear un problema de conciencia en un marco de crítica social.

Un examen de las películas de mayor éxito permite constatar la permanencia del cine histórico, vinculado a la temática musical: las tres películas de mayor permanencia en cartel fueron El último cuplé (1957), La violetera (1958) y ¿Dónde vas Alfonso XII? (1959), seguidas por el cine religioso: Marcelino pan y vino (1954), Molokai (1959), en los puestos cuarto y sexto respectivamente, y por la comedia Historias de la radio (1955), en el séptimo.

Cartel de El último cuplé. Este exitoso y melodramático musical de Juan de Orduña catapultó al estrellato a una sensual y exhuberante Sara Montiel.

Marcelino pan y vino, dirigida por Ladislao Vajda, debió su éxito a la espontaneidad de su protagonista infantil, Pablito Calvo, y a un buen guión , una gran dirección y un lacrimoso desenlace

Sólo en decimocuarto lugar aparece Bienvenido Mister Marshall (1952) de Luis García Berlanga.

En general el cine de disidencia se caracterizó por una mezcla entre la comedia y los tintes amargos, apreciable en Esa pareja feliz, de García Berlanga y Bardem. Berlanga siguió con su trayectoria crítica en Los jueves milagro (1957) y Plácido (1961).

Calle Mayor, donde Bardem narró la mezquina broma de que es objeto una solterona de provincias a la que se le declaran en matrimonio, se convirtió en el fresco de la miseria moral de la época.

Bardem, en cambio, derivó hacia el drama de costumbres en Muerte de un ciclista (1955) y Calle Mayor (1956)

Una época algo olvidada que merece la pena recordar.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ROCOCÓ

Hoy hablaremos de este exhuberante estilo:

El término rococó se acuñó en un siglo XIX austero y poco adecuado por esta forma de expresión artística que floreció en toda la Europa de la Ilustración.

Biblioteca de la Abadía de San Florián, uno de los edificios más bellos del barroco austriaco. 1744-1750. Gothard Hayberger

El estilo rococó que invadió tanto las artes decorativas como la pintura, la escultura y la arquitectura, deriva a la vez del gran barroco italiano y de la decoración de rocalla francesa.

En Francia las muestras más antiguas de este estilo se remontan a la utilización por los decoradores de de los motivos de tipo rocalla en el Salón del hotel de Soubise a comienzos del reinado de Luis XV.

La sala Terrena del palacio Eszterhaza. El príncipe Nicolás Eszterhazy lo mandó construir con la intención de crear un Versalles húngaro. Contaba con 126 habitaciones decoradas y una gran ópera donde Haydn dirigió  la ejecución de sus obras. 1766. Ferrod. Hungría.

Las curvas y complicados entrelazos permitían camuflar- hasta borrarlas- las estructuras arquitectónicas y desplegaban formas suaves y elegantes.

La abadía de Melk, encaramada sobre una peña que domina el Danubio, es muy representativa del barroco austríaco en su apogeo. Tras sufrir un incendio fue reconstruida entre 1702 y 1740 por el arquitecto tirolés Prandtahuer que hizo de ella la obra de su vida.

Como Francia era en aquel entonces la pionera de las modas, el estilo rococó se adoptó en todas las cortes europeas, ansiosas por recibir a los decoradores y ebanistas de París. Sus cómodas, chiffoniers, tocadores y mesas de juego dan fe de nuevas formas de relación social y del concepto de comodidad en la Europa del siglo XVIII.

Los jardines del palacio de Schönbrunn, diseñados durante el reinado de María Teresa. Siglo XVIII. Kuntshistorische Museum, Viena.

El sentido de un bienestar ya burgués iba reemplazando a la fría pompa cortesana. Y si bien el rococó nació en los salones parisienses, también produjo en Europa central obras maestras del arte sacro.

Sillón regencia. Los muebles se prestan a las formas sinuosas y combadas del estilo rococó. Colección Seligman.

A mí me fascina lo que se relaciona con él.

¡Confío en que os haya gustado!

EL TRABAJO DE LOS METALES

Hoy nos aproximaremos a estos singulares creadores. Empecemos:

Orfebrería celta. Este fragmento de colgante está trabajado muy finamente según la técnica del repujado a la que eran aficionados los celtas. Está decorado con motivos figurativos: un jinete y una mujer con dos calderos tal vez realizando una función ritual. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

El arte celta es al arte bárbaro más rico, pero como sucede con todos los pueblos emigrantes, al principio fue un arte de objetos pequeños, es decir, de bienes que pudieran transportarse fácilmente.

Las obras de arte, que se elaboraban no tanto para honrar a los dioses como para embellecer la vida cotidiana, estaban profusamente decoradas: los celtas fabricaban o compraban magníficos vasos y calderos, adornaban sus cascos y espadas con sítulas (sellos) y, sobre todo, se engalanaban con joyas suntuosas.

Casco de Amfreville. De bronce y acero cincelado y esmaltado presenta una decoración geométrica de gran delicadeza. Se trata de un casco de gala, cuya factura revela claramente una influencia neoitálica. Siglo IV a.J.C. Museo de Saint Germain en-Laye. Francia.

Sus orfebres dominaban todas las técnicas del trabajo de los metales: grabar, repujar, incrustar, perforar y recubrir el bronce y el hierro con finas láminas de oro.

Torque de Fenouillet. Este collar hace honor a su nombre de torque (del latín torquere, torcer), ya que representa una cuerdecilla con hebras retorcidas. Aunque los torques se hayan encontrado principalmente en tumbas de mujeres, también se trataba de un adorno masculino. Siglos III-I aJ.C. Museo Saint-Raymond, Toulouse.

Los motivos preferidos por los orfebres son de influencias diversas: lineas curvas entrelazadas, espirales y esvásticas indoeuropeas, curvas del yin y del yang heredadas de China, palmetas y grecas mediterráneas, animales y plantas estilizados y dragones afrontados.

Brazalete de oro. Es una de las obras maestras de la orfebrería celta. Está formado por ramos de flores enrollados en circulo. La impresión de exhuberancia vegetal que desprende resume la doble inspiración del arte celta: la naturaleza y la fantasía. Siglos III-II a.J.C. Museo Saint-Raymond, Toulouse.

Los diseños eran al principio simétricos, pero en los siglos IV y III a.J.C, el estilo «libre» rompió con esa tradición. También al principio los celtas no osaban representar la figura humana, pero en los siglos III y II utilizaron magistralmente dicho tema, bien de modo realista o estilizándolo al máximo con el fin de encajarlo en la superficie que pretendían decorar.

Orfebrería celta. Los celtas, que eran seminómadas, eran muy aficionados a los objetos de orfebrería que pudieran servir al mismo tiempo para una función de gala y que fueran fácilmente transportables en sus desplazamientos. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

Hay auténticas joyas de este arte en el Museo Arqueológico Nacional.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA CULTURA CHAVÍN

Hoy mi crónica irá sobre esta cultura desconocida. Empecemos:

El Castillo, gran pirámide del yacimiento arqueológico de Chavín de Huantar. Chavín fue el foco de una civilización  poco conocida y dio su nombre a un estilo artístico que se expandió a lo largo de la costa del Pacífico. 1000-700 a.J.C. Perú.

El yacimiento de Chavín de Huantar está situado en las estribaciones de la cordillera Blanca de los Andes peruanos. Ha dado su nombre a una civilización mal conocida que se desarrolló entre 900 y 200 a.J.C.

Vasija con asa con una figura fantástica. La cerámica oscura  aparece sobre todo en la costa norte de Perú antes del desarrollo de la cultura Chavín. Los motivos esculpidos y el punteado son rasgos característicos de esta cultura. 1000-500 a.J.C. Museo Andino, Lima.

A pesar de siglos de saqueos, las obras de Chavín  han conservado su imponente aspecto. Debían formar parte de un gran centro ceremonial. Una boca estilizada con colmillos, quizá un símbolo de una deidad jaguar, es una de las características del estilo Chavín.

Figura de zarigüeya. La representación de un marsupial, animal de los bosques tropicales, atestigua los principales intercambios que realizaba esta civilización con otras áreas geográficas, como las franjas exteriores del bosque amazónico.  Hacia 500 a.J.C. Museo del hombre, París

Se han exhumado cerámicas con motivos decorativos de este estilo en lugares muy alejados del centro original, hecho que ha suscitado una polémica acerca de si la cultura Chavín  habría dominado todo el territorio peruano.

Mujer con felino. De cerámica punteada. Cultura Chavín. Hacia 1000 a.J.C

Los historiadores actuales suponen que el período Chavín pudo corresponder a una etapa decisiva en la evolución de las primeras civilizaciones de este área geográfica: el momento, que se sitúa entre los siglos V y II a.J.C, en que diversas transformaciones socioeconómicas provocaron un proceso de diferenciación de las clases sociales.

Guerrero con una maza. El valle del Casma, al norte del país, es un área importante de cultura Chavín. Los relieves con líneas geométricas entrelazadas representan escenas violentas protagonizadas por guerreros y sus víctimas. 1 milenio a.J.C. Estela de un templo de Cerro Sechín V.

Sólo sociedades organizadas pudieron producir obras arquitectónicas de esta envergadura y mantener intercambios interregionales a larga distancia.

Ya sabemos un poco más de esta desconocida cultura

LA ARMONÍA ZEN

Hoy mi crónica irá de esta ancestral tradición de Japón.

En Japón, los adeptos del zen, arrastrados por la nueva corriente, pero también seducidos por su estética, trataron de difundirlo por todo el país.

El Saiho-Ji en Kioto. Este jardín, tapizado por veinte especies de musgo, fue creado en 1939 por el sacerdote Muso Koshushi (1276-1351), reformador del budismo zen. Aunque parece obra del capricho en realidad obedece a una geografía calculada en la que nada se deja al azar.

Rinzai, el primer centro Zen japonés, se convirtió pronto en un centro de arte en que se enseñaba la caligrafía , la pintura con tinta china, así como el arte de dirigir la ceremonia del té y componer los jardines.

Ikebana, ramo de flores zen. . El arte de componer ramos se basa en una serie de principios filosóficos.

Los nobles y los guerreros de Kyoto y Kamakura no tardaron en convertirse e hicieron construir numerosos monasterios.

La práctica de la meditación inspira toda la estética de los religiosos zen; sus jardines se componen de elementos altamente simbólicos. El agua está presente o representada mediante arena gris que simula las olas, interrumpida por las rocas que representan las islas.

La arena se rastrilla cuidadosamente cada día. La disposición de las estrías está tan rigurosamente codificada como la de los platos de un paisaje monócromo.

Las cascadas dan ritmo a las corrientes de agua y los puentes cruzan los ríos, reales o no. Las piedras forman montañas, animales…

Musgos y árboles esculpidos completan el paisaje. Naturaleza salvaje y naturaleza ordenada por manos humanas conviven en armonía. Los jardines secos monocromos -construidos únicamente con arena y piedras-son las representaciones más impresionantes de la meditación zen: el que se diseñó en el siglo XV en el monasterio de Ryoan-Ji es un simple espacio de grava blanca rastrillada de la que surgen quince rocas.

La contemplación creará árboles, nubes…

El Saiho-Ji, también llamado «Kore-dera». Templo de los musgos, alberga el Salón de té.

Un mundo fascinante y enriquecedor

LA FAMILIA IMPERIAL

Hoy nos acercamos a esta trágica etapa de la historia rusa:

El Zar Nicolás II , la zarina Alejandra y sus cinco hijos fueron las víctimas más célebres de la revolución rusa. La pareja imperial al principio tuvo sólo hijas antes de que le naciera un príncipe heredero, el zarevich Alejo, cuya hemofilia preocupaba sobremanera a la familia real.

El zar y la zarina con el traje nacional ruso. Nicolás II se casó en 1894 con la princesa Alix de Hesse-Darmstadt, nieta de la reina Victoria. 1930

Sin embargo ésta ofrecía a Europa una imagen ejemplar que la sombra de Rasputín apenas logró empañar. El zar cubría a su esposa e hijos de presentes, como los célebres huevos de Fabergé, piezas de orfebrería muy del gusto de la época.

Cuadernillo de apuntes de Fabergé. Aunque el joyero tuviera filiales en Moscú y en el extranjero sus obras estaban marcadas por la corriente petersburguesa del Art Nouveau, muy influida por el clasicismo.

Cuando Nicolás y Alejandra tuvieron que separarse se escribían cartas apasionadas en inglés, en las que la zarina aconsejaba a «Nicky» que no descuidase la firmeza y el rigor que a la postre serían la causa de la caída del régimen.

Uno de los 54 huevos de Fabergé realizados para la familia del zar. La Pascua era la fiesta más importante del calendario ortodoxo.

Tras la revolución y durante la guerra civil, la familia real fue hecha prisionera y trasladada conforme iban avanzando los ejércitos blancos.

Nicolás II y su familia a bordo de uno de sus yates. El zar, débil e indeciso, no era capaz de gobernar un país en período de crisis. 1906.

En julio de 1918 estaba en Yekaterimburg, en los Urales. El día 17 , toda la familia, tres sirvientes y su médico fueron fusilados.

Imagen del fusilamiento en el diario ABC

Una triste historia que nos sigue estremeciendo.

DADAÍSMO Y VANGUARDIA

Hablaremos hoy de esta vanguardia crucial y su enmarque histórico:

Parada amorosa. Imagen cortesía de arteHistoria. El movimiento dadá asimiló al hombre moderno a una máquina. El surrealismo no andaba lejos- 1917. Francis Picabia. Colección Morton Neumann, Chicago

El conflicto mundial asestó un duro golpe al florecimiento artístico y a la efervescencia de ideas anteriores a la guerra. Sin embargo también incitó a los artistas a expresarse: en 1915 nació en Zurich el movimiento dadá como reacción a lo absurdo de la guerra.

El espíritu de nuestro tiempo. La provocación ácida y la burla sangrienta fueron las manifestaciones del movimiento dadá contra su época. 1919. Raul Hausmann. Museo Nacional de arte moderno. París

Un grupo de artistas exiliados como Tristán Tzara, su objetivo era destruir las distintas corrientes creativas para dar paso a otras formas de arte con materiales plásticos.

La inspiración tenía que proceder de una explosión del inconsciente y la sinrazón. El dadaísmo nació para «recordar que existen mas allá de la guerra y de las patrias, hombres independientes que viven de otros ideales».

Retrato de Tristán Tzara, fundador del movimiento dadá, que proponía un total rechazo a las formas tradicionales del arte y que tuvo su apogeo en París entre 1920 y 1923. 1923. Sonia Delaunay. London Gallery. Londres

Exposiciones y manifiestos se propagaron por Nueva York con el pintor Picabia. Algunos artistas hallaron su experiencia en los combates de una nueva fuente de inspiración.

Leger pasó del cubismo a un cierto plasticismo. Estas cubiertas evocan los Caligramas de Apollinaire. 1919. Colección particular

El poeta Guillaume Apollinaire, herido e intoxicado por gases en el frente, escribió sus Caligramas en 1917. El pintor Fernand Léger, también víctima de los gases escribía desde el frente a su mujer Jeanne :»No hay nada más cubista que una guerra como esta, que divide mejor o peor a un hombre en varios trozos y lo manda a los cuatro puntos cardinales»

Retrato de Apollinaire, obra premonitoria en la que el poeta figura en segundo plano con la marca exacta del obús que le alcanzará en 1916. 1914. Giorgio de Chirico. Museo Nacional de Arte Moderno, París

A mi me parece de vital importancia dicha corriente artística.

EL ESTILO IMPERIO

Hoy haré una aproximación al estilo de vida propugnado por Napoleón.

El salón de música de Josefina de Malmaison era de una sobriedad de líneas acorde con el gusto refinado de la emperatriz. Columnas y bustos se codean con cuadros de prestigio y con muebles decorados con Victorias aladas. 1812 Auguste Gameray. Museo de Malmaison.

Al adoptar los principios de la antigüedad clásica como doctrina estética de su reinado, Napoleón dio una dimensión política al arte de principios del siglo XIX. La reproducción de obras de arte grecorromanas, así como la importancia de la nitidez del dibujo y la composición geométrica se convirtieron en las grandes bases del estilo Imperio.

Armario joyero de la emperatriz Josefina. De linea muy sobria, pero cubierto de adornos inspirados en la antigüedad clásica. 1809. Jacob Desmalter. Museo del Louvre, París.

Tres artistas lo simbolizan a la perfección: el pintor David y los arquitectos Percier y Fontaine. No fué una casualidad que Napoleón escogiera al primero para realizar el boceto del gran fresco de su consagración para la catedral de Notre-Dame de París.

Los delicados motivos del respaldo, inspirados en Roma, justifican el apelativo de «estilo etrusco» que se dio a esta clásica silla de caoba. George Jacob. Museo Marmottan, París

La vuelta de lo antiguo se hizo palpable en la decoración: los muebles, de formas rectilíneas, de caoba, limonero o nudos de madera de frutales se decoraban con bronces o esculturas doradas que representaban esfinges, animales fabulosos, Victorias aladas y coronas de laurel.

Servicio de te del emperador en plata dorada, fue realizado por Biennais, el mejor orfebre de la época napoleónica. 1809. Martin Biennais. Museo del Louvre, París.

La abeja, emblema de Napoleón, constituía asimismo un elemento importante de aquel decorado, a veces en exceso solemne y pomposo. La misma adoración por la antigüedad inspiró la moda de las dams, cuyos vestidos de talle muy alto y peinados «al estilo Tito» pretendían imitar a los de las elegantes de la Roma antigua.

Detalle de la «vajilla olímpica». Fue diseñada por el arquitecto Alexandre Brongniart, cuyo hijo dirigía la manufactura de Sévres. 1806. Manufactura de Sévres

Dama estilo imperio

Un estilo fascinante, fruto de una época gloriosa.

 

LOS SALONES EN FRANCIA

Hoy hablaré de estas refinadas reuniones. Empecemos:

La Restauración fue más favorable a los salones que el Imperio. Cada ciudad poseía el suyo, pero París marcaba la pauta.

La Opera de la Calle Le Peletier se inauguró en 1821 y allí se celebraban todos los grandes bailes de la época romántica. 1821. Biblioteca de la Opera. París

Allí, al igual que en las provincias, la sociedad estaba dividida en dos clanes: el barrio de Saint-Germain, en el que dominaba la nobleza, y el de Saint-Honoré, más próximo a los medios de las altas finanzas y la política.

Los salones se distinguían por las personas que los frecuentaban. El más literario era el de Madame Ancelot, que acogía a la juventud romántica. A partir de las siete de la tarde se iba de frac y se hablaba, se escuchaba música, o se leía el último escrito del día.

El salón romano de la reina Hortensia, que hacia 1815 regentó en París uno de los Salones más brillantes del Imperio. F.Cottrau. Museo Napolitano. Roma.

La Malibrán, una de las cantantes más célebres de la época, deleitaba al público con su voz y Delphine Gay, la «musa de la Restauración», declamaba poemas.

La Malibrán. La gran cantante, de origen español, triunfó en París entre 1825 y 1830. Henri Decaisne. Museo Carnavalier, Paris.

El de la Duquesa de Duras era muy monárquico, mientras que el de Madame Staël era más liberal. Sin embargo, los salones eran también lugares de diversión, consagrados después de la medianoche a la juventud y a la danza.

Trajes de baile. La mujer lleva un largo corpiño ajustado y una falda de volantes; el hombre viste frac sobre pantalón ancho corto. Biblioteca de las Artes Decorativas, Paris.

El baile de disfraces que dio el 20 de febrero de 1829 la duquesa de Berry, nuera de Carlos X, se hizo célebre.

La duquesa de Berry con sus hijos. Reina de la moda,alcanzó su máximo prestigio en 1829, cuando organizó la «contradanza de María Estuardo, un baile de disfraces al estilo del siglo XVI. 1822. Françoise Gerard, Museo de Versalles.

Baile turco ofrecido por la duquesa de Berry en las Tullerías.

Un ambiente al mismo tiempo erudito y frívolo, que despertaba pasiones.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

VELÁZQUEZ

Mucho se ha escrito sobre el artista sevillano. Yo haré mi particular aproximación.

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, nacido en 1599, firmó todas sus obras con el apellido de su madre, Jerónima Velázquez. En 1617, tras cinco años de formación, abrió un taller en Sevilla.

Los borrachos o el Triunfo de Baco. Los personajes de corte picaresco de la derecha contrastan con la ingenuidad al estilo de Rubens de los de la izquierda. 1628-1629. Museo del Prado, Madrid.

Su reputación llegó hasta Madrid, y fue el Conde-Duque de Olivares, primera autoridad el Estado después del rey, quien le invitó a la capital en 1623, donde el pintor realizó el retrato de Felipe IV.

La reacción de éste fue inmediata: «No quiero otro pintor que no sea Diego Velázquez». Aquel retrato sería la primera de una larga serie de obras maestras. Durante 40 años Velázquez fue el pintor oficial de la familia real, a pesar de que dejara España en dos ocasiones, a fin de visitar Italia.

Felipe IV armado con un león a sus pies. Velázquez puso en práctica los consejos de su maestro Pacheco, que le enseñó a utilizar los colores vivos y la pincelada suelta y libre. La influencia de Rubens le ayudó a perfeccionar esta técnica. Hacia 1652. Museo del Prado, Madrid

Hasta su muerte, en Agosto de 1660, una profunda amistad unió a aquel al que en Madrid llamaban «el sevillano», con Felipe IV.

La infanta doña Margarita de Austria. La princesa, que fue retratada por Velázquez en repetidas ocasiones, desde los 3 a los 9 años de edad, se casará con su tío, el emperador germánico. Hacia 1660. Museo del Prado. Madrid.

Velázquez dio una imagen penetrante de aquella sociedad cortesana de la España del siglo XVII, regida por una etiqueta implacable. Sólo la grotesca aparición de los bufones gesticulantes y de los enanos favoritos recordaba la vanidad de aquel teatro de las apariencias.

El bufón Don Sebastián de Morra. Velázquez pintó 83 retratos de la familia real y 60 de cortesanos y bufones. 1642-1644. Museo del Prado, Madrid

Su impronta sigue indeleble en el imaginario creativo de muchos artistas contemporáneos. A mí me fascina su genio, y lo avanzado de su creación, introduciendo la atmósfera y el movimiento casi impresionista en sus composiciones.

Las Meninas, la tela más famosa del maestro, representa la cumbre de la ilusión escenográfica de la pintura barroca. La pareja real, Felipe IV y Mariana de Austria, sólo aparecen reflejados en el espejo. 1656. Museo del Prado Madrid.

¡Larga vida al genio sevillano!