EL MONTE ATHOS

Hoy hablaremos de este lugar fascinante. Empecemos:

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Monasterio de Simonos Petras, Simón Pedro. Según la mitología griega, el monte Athos nació de un gesto de desafío del gigante Athos que lanzó una piedra a Poseidón, dios del mar.

Desde los inicios del monacato oriental, el monje modelo había sido el ermitaño. En un imperio que había dejado sus desiertos en manos de los árabes, los aspirantes a la santidad se dirigieron hacia las montañas, en los alrededores de Constantinopla: el monte Kyminas y el Olimpo de Bitinia, al norte de Bursa.

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Las Marías visitando el sepulcro de Cristo. Gracias a los pintores de iconos del monte Athos esta iconografía se difundió por los Balcanes y el mundo eslavo.

Más tarde descubrieron la península más oriental y escarpada de Calcídica, la de Agion Oros, donde se encuentra el monte Athos, abandonada por sus habitantes.

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Nacimiento de Jesús, de Teófanes de Creta, artista activo en el monte Athos

Entre los siglos IX y X se multiplicaron las ermitas, y los ascetas se organizaron en torno al protos (“primero”), instalado en Carias o Kariés.

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San Atanasio funda Lavras, gran monasterio o laura en la falda del monte Athos. Debajo, la imagen del refectorio del monasterio.

La llegada del monje Atanasio, iniciado en el monacato en el monte Kyminas por Miguel Maleinos, tío de Nicéforo Focas, cambió la situación.

Atanasio fundó en el extremo de la península una laura, monasterio cuya norma de vida era un compromiso entre el eremitismo y el cenotibismo: los monjes vivían aislados en sus celdas y se reunían para las comidas y el oficio del sábado y el domingo.

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Hospedería de un monasterio. Los peregrinos llegaban a venerar a la Virgen, única presencia femenina del monte Athos: en 1060 una bula prohibió el acceso a las mujeres.

Atanasio, al que dotó generosamente Nicéforo Focas, hizo cavar la montaña para traer el agua de riego a los huertos del monasterio de Lavras. En los años siguientes se fundaron unas diez lauras

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LOS RETRATOS DE FAYUM

Hoy nos aproximaremos a estas manifestaciones artísticas apasionantes. Empecemos:

Un lago inmenso, semejante a un mar interior en medio del desierto, situado a 100 kilómetros al suroeste de El Cairo, era para los antiguos egipcios, la prueba de la existencia del Nun, el océano original, mientras Heródoto atribuía su paternidad a un soberano mítico.

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Retrato funerario de hombre. Con los retratos de Fayum, la tradición funeraria egipcia aportó su conribución al arte de Próximo oriente de comienzos de la era cristiana. La enorme expresividad de estos rostros preludia el arte copto y guarda similitud con lo que más tarde será el icono bizantino. Siglo II d.J.C. British Museum, Londres.

El lago fué secándose, y la depresión de Fayum es la zona más fértil de Egipto; desde el tiempo de los faraones está unida al valle del Nilo por antiguas esclusas y los canales de Fayum y los del Nilo se comunican por norias y molinos.

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Retrato de una joven. Los 600 retratos hallados en Fayum son de una calidad desigual. Este, particularmente cuidado, es de un sorprendente realismo. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

En los lagos pantanosos, el faraón se dedicaba a la pesca y a la caza. El dios local era el cocodrilo Sebek, venerado hasta la época romana y la región atraía a numerosos peregrinos.

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Retrato funerario de mujer sobre momia. Estos retratos que reemplazan las máscaras mortuorias de los antiguos egipcios están depositados junto a las momias o incorporados mediante bandas. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

Tolomeo II Filadelfo fundó en ella numerosas ciudades y fué precisamente allí donde unos siglos más tarde, los habitantes de la ciudad de Sedit o Cocodrilópolis, hoy Madinat-al-Fayyum, rompieron las antiguas costumbres funerarias: en una necrópolis cercana a la ciudad se hallaron centenares de retratos, colocados como máscaras mortuorias sobre las momias del siglo I a.J.C. al siglo IV d.J.C.

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Retrato funerario de mujer. Pintura a la encáustica sobre madera. Siglos I-IV d.J.C. Museo del Louvre, París.

El rostro de los difuntos se pintaba sobre lienzo al temple o a la encáustica, según técnicas griegas, pero con un estilo que recuerda a los mosaicos romanos.

A mí me fascina el verismo y la modernidad que se aprecia en ellos.

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Retratos funerarios en las momias de dos niños. Siglos I-IV d.J.C. Museo egipcio, Berlín.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS RITOS FUNERARIOS DEL NEOLÍTICO

Hoy nos aproximaremos a este tema fundamental de la prehistoria. Empecemos:

Las primeras tumbas fueron excavadas por el hombre de Neanderthal hace 50.000 años; durante el neolítico las prácticas funerarias se hicieron más complejas. Los neandertales depositaban al difunto en una fosa, ofrendas como flores y cuernos de íbice..

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Cráneo de Jericó. Está cubierto de arcilla de color carne y tiene dos conchas incrustadas en las cuencas oculares. Los huesos de la bóveda craneal están al descubierto, probablemente llevaban un tocado. 6000-4000 a.J.C. Museo de Prehistoria, Amman.

Las sepulturas de grupos sedentarios, más ricas, son prueba de que se daba en ellos una relación intensa entre el mundo de los vivos y de los muertos.

La mayor parte de los muertos eran enterrados, aunque la incineración se conoció tempranamente; sin embargo nunca fue práctica mayoritaria salvo en algunas regiones como en Irlanda antes del II milenio a.J.C.

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Ídolo de terracota. De sorprendente modernidad, pertenece a la civilización del grupo de Vinca. Está civilización, que se desarrollo cerca de Belgrado, se extendió a Rumanía. V-IV milenio. Museo de Historia de Bucarest.

Los muertos se enterraban en posición fetal o acostados boca abajo. Casi todos los poblados contaban con un cementerio, un espacio reservado a los muertos, separado del de los vivos.

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Esqueleto de Pontcharraud. En este yacimiento 70 sepulturas encerraban cuerpos que fueron inhumados en solitario o colectivamente en posición fetal o acostados boca abajo. Las tumbas contenían útiles de piedra, cerámica y alfarería procedentes de Italia. IV milenio a.J.C.

En Anatolia, los muertos se mezclaban con la tierra para construir casas. Unos 3 500 años antes de la era cristiana aparecieron las primeras sepulturas colectivas, probablemente familiares; la jerarquía social se reflejaba también en las tumbas: las de los jefes se distinguen del resto por objetos suntuosos.

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Máscara de roca caliza. Durante la revolución neolítica, a partir del VII milenio a.J.C., hizo su aparición la ideología de la familia y de la cohesión al grupo. Prueba de ello es el culto a los cráneos. En el Próximo oriente, por ejemplo, los cráneos primero se enterraban y más tarde se exponían a la vista de todo el mundo, en el interior de una vivienda o en un santuario. Los seis agujeros que rodean esta máscara servían para fijarla a un ídolo. Hacia 7500 a.J.C. Museo de Israel, Jerusalén.

En Varna (Bulgaria), éstas contenían gran cantidad de joyas; en la más rica se encontraron 1.5 kilos de oro.

Un mundo desconocido pero no por ello menos fascinante.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GUERRA EN EL CINE

Hoy nos aproximaremos al efecto que tuvo la guerra en la gran fábrica de sueños. Empecemos:

La derrota de Vietnam socavó los cimientos del mito norteamericano. La televisión había mostrado en directo la huida, sin gloria de los últimos soldados que despegaron del tejado de la embajada norteamericana en Saigón.

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La película Corazones de hierro con Thuy Thu Le y Michael J. Fox reconstruyó la terrible matanza de la aldea de My Lai en marzo de 1968.

Los veteranos, los vets, sufrían por lo que habían visto y no eran bien aceptados por una sociedad que se sentía culpable. Para superar el trauma que afectaba a toda la sociedad.

Hollywood dio protagonismo a Vietnam. Algunas veces lo hizo ingenuamente, como cuando Sylvester Stallone (Rambo) salvaba en solitario el honor de la nación.

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Rambo, un héroe ridiculizado a veces por su hipertrofia muscular se erigió en el símbolo de la Norteamérica de la era Reagan. 1983.

Pero la guerra también inspiró a realizadores de talento. En 1978 Michael Cimino presentó en El cazador el drama de unos soldados de extracción obrera arrojados a un conflicto que les era ajeno.

Al año siguiente Francis Ford Coppola adaptó una novela de Conrad para elaborar una eficaz metáfora del horror: Apocalypse now.

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Apocalypse now evoca, en un estilo barroco y sobrecogedor, los trastornos psicológicos que afectan a unos hombres entregados a sí mismos. 1979.chaqueta

Escena de La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick, 1979. Exhibió una doble faceta: la militar y la antibélica.

Stanley Kubrick mostró en La chaqueta metálica (1987) la deshumanización programada de los soldados.

Oliver Stone, veterano de Vietnam, exorcizó ese siniestro período en un tríptico estremecedor: Platoon (1986), Nacido el 4 de julio (1989) y Entre el cielo y la tierra (1993).platoonPlatoon-05

Dos escenas de Platoon. Dotadas de grandes presupuestos, las películas norteamericanas podían hacer reconstrucciones muy realistas de la guerra. 1986.

Una fiel plasmación de estos horrores, llevada a la gran pantalla de la mano de estos genios de manera magistral.

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Corazones de hierro. Poco habituados a la guerra de guerrillas, los norteamericanos respondían con violentas represalias, utilizando armas químicas. 1989. Brian de Palma.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

 

VIENA EN LA ÉPOCA DEL CONGRESO

Hoy hablaremos de esta época crucial en la historia de Viena y los vieneses. Empecemos:

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La catedral de San Esteban, corazón y símbolo de la ciudad, erige con orgullo su torre sur, el Steffel.

El congreso atrajo a la ciudad a una muchedumbre tan numerosa como variopinta. Los seis soberanos y los casi seiscientos diplomáticos llegaron acompañados de una corte de secretarios, criados y amantes- más o menos oficiales…- a los que muy pronto siguieron estafadores, astrólogos de feria, prostitutas y jugadores profesionales.

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Schönbrunn. Su gran galería fué, durante el congreso, el marco de recepciones y bailes fastuosos.

La gente se divertía con las aventuras galantes del rey de Württemberg y con las del zar, que iba de amante en amante.

El espionaje también estaba muy en boga. Además de los espías profesionales infiltrados en las delegaciones, Viena bullía de espías ocasionales, reclutados por la Hofpolizei, entre los que había desde doncellas a gentes de mundo y a los que divertía locamente desempeñar un papel en aquellas horas tan emocionantes.

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Schubert en una velada musical. En torno a 1825 eran frecuentes las “schubertiadas”, veladas en las que el músico tocaba su lieder.

La vigilancia era obsesiva: se registraban basuras, se espiaban las conversaciones y hasta los documentos más triviales eran estudiados, catalogados, archivados…

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El Prater. En este parque, a partir de entonces público, la gente podía cruzarse con el emperador o con el duque de Reischtadt.

Los vieneses, al principio halagados por la elección de su ciudad como sede del congreso, pronto se desencantaron, ya que era su emperador quien a expensas del erario público, invitaba y obsequiaba a todos.

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Francisco José, el emperador, paseando en carroza. Elegancia y ocio caracterizaron el Vormärz, periodo previo a la revolución de marzo.

En aquellas lujosas veladas se derrocharon miles de florines.

Una época intrigante, convulsa y apasionante.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS ICONOS

Hoy hablaré de esta maravillosa expresión artística de Rusia. Empecemos:

Los iconos aparecieron en los primeros tiempos del cristianismo para ilustrar la enseñanza religiosa, pero poco a poco llegaron a convertirse en auténticos objetos de culto.

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Virgen de Yaroslav. este icono pertenece al grupo de las “Vírgenes de la Misericordia”, una de cuyas características es la ternura con que el Niño se arrebuja contra su madre. Siglos XIII-XIV. Colección Ostrojov, Moscú.

Así las imágenes de santos vinieron a sustituir a las del emperador, por aquel entonces el único mediador entre Dios y los hombres.

Los emperadores del siglo VIII, para recuperar ese puesto clave y reagrupar en torno a sí todas las energías , impulsaron la iconoclastia. Los 113 años de lucha sobre las imágenes se terminaron con la victoria de los iconódulos (“adoradores de imágenes”).

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San Jorge matando al dragón. Los iconos de santos dan testimonio de la deificación del hombre, llamado a resucitar en Cristo. Rostov. Rusia.

Pero también el culto de los iconos cobró justas proporciones y, en adelante, consistió en simple veneración.

A partir de entonces, los iconos se desarrollaron libremente. En las iglesias, el santuario se ocultó de la vista de los fieles mediante el iconostasio, un cancel con varias puertas decoradas con iconos.

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La Trinidad de Rubliov. Los tres ángeles en torno al cáliz eucarístico evocan a los tres hombres a quien recibió Abraham. Siglo XV. Galería Tretiakov, Moscú.

Los iconos, que además de pintarse sobre tabla, se esculpían sobre marfil o piedras blandas como la esteatita, representaban grandes escenas, como la crucifixión.

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La Crucifixión. Imagen cortesía de http://www.ortodoxy-icons. Pertenece al Tesoro de la Basílica de San Marcos de Venecia.Se trajo este icono de la toma de Constantinopla.  Siglo XII-XIII. Venecia.

Muchos de ellos, sin embargo, se consagraron a la Virgen.

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La catedral de la Dormición. Imagen cortesía de all-free-photos. Construida en 1158. Andrei Rubliov decoró su interior en 1408. En los muros y bóvedas se han conservado parte de los frescos del pintor.. Vladimir. Rusia.

La influencia bizantina en el arte eslavo, se realizó  través de los iconos sobre todo en Rusia (Virgen de Vladimir).

El artista ruso Andrei Rubliov fué el pintor de iconos más importante de los siglos XIV y XV.

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San Gregorio Nacianceno , San Juan Crisóstomo y San Basilio el Grande, padres evangelizadores de la Capadocia, centro de difusión del cristianismo en Asia Menor.

A mí me parecen fascinantes.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL GUSTO POR LO ANTIGUO

Suscitó gran fascinación en su tiempo. Imitación y emulación, reverencia e irreverencia, tales eran las relaciones ambivalentes que los humanistas del Renacimiento establecieron con los antiguos.

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El palacio Strozzi. Comenzado en 1489 por Benedetto da Maiano para el banquero y humanista Strozzi, rival de los Médicis, fue terminado por estos hacia 1500 por razones de urbanismo local. Este tipo de arquitectura se inició con el Palacio Médicis- Riccardi

Exaltación de la belleza y de la sensualidad, amor por la naturaleza y por la razón, y sobre todo, el lugar eminente atribuido al hombre: se trata de recuperar los ideales de la antigüedad compaginándolos con los valores cristianos.

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Villa Médicis de Poggio a Caiano en Toscana. Sangallo realizó en 1485 para Lorenzo de Médicis un palacio modelo a imagen de la villa patricia en la antiguedad. Debajo, los oleos precursores del impresionismo que sobre sus jardines pintó el siempre genial Velázquez.

El Renacimiento se definió como “un retorno a las fuentes” olvidando que los sabios medievales nunca habían dejado de leer a los clásicos.

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El domo de Florencia. La cúpula de Brunelleschi coronó en 1461 el mayor edificio de la cristiandad del siglo XIV. El arquitecto supo resolver, gracias a sus estudios sobre los monumentos antiguos, los problemas planteados por sus predecesores.

El impulso partió de Florencia: los letrados se dedicaron a buscar manuscritos griegos y latinos y Cosme de Médicis alentó los estudios sobre Platón. Gracias a la imprenta, los tratados tuvieron una amplia difusión y fueron sometidos a la crítica filológica y a los comentarios.

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Fresco de la sala de los peregrinos del hospital de Santa María della Scala, por Doménico di Bartolo. A pesar de ser sienés, di Bartolo reflejó las innovaciones florentinas, aunque a veces recurrió a un estilo más cercano al gótico. 1443. Siena.

El gusto por lo antiguo se manifestó también en la admiración por las estatuas griegas y romanas alimentó los primeros museos de los papas Paulo II o Sixto IV. Los artistas se interesaron por la mitología y copiaron las proporciones de los desnudos antiguos.

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Joven guiado hacia las siete artes liberales. La antigua división entre “artes mecánicas” o manuales y “artes liberales” o del espíritu, concluyó en el Renacimiento, cuando los artistas consideraron que carecía ya de vigencia. Siglo XV. Museo del Louvre.

Los planos de Vitrubio, ingeniero de César en el siglo I a.J.C., sugirieron modelos a los arquitectos y el Panteón de Agripa inspiró a Brunelleschi la cúpula de la Catedral de Florencia, una maravilla de la técnica que aún nos deja boquiabiertos.

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Palacio Médicis-Riccardi en Florencia. Construido en 1444 por Michelozzo, marca los inicios de la arquitectura civil en el Renacimiento florentino. En él se pueden apreciar tanto la influencia de Brunelleschi como la de la tradición medieval.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

PETRA, LUGAR ETERNO

Hoy mi crónica irá sobre esta joya mágica y misteriosa de la lejana Jordania. Empecemos:

La ciudad de Petra había caído en el olvido hasta que en 1812, Burckhardt, un suizo convertido al islam, la descubrió al ir en peregrinación a la Meca por el desfiladero de Sikh, cerca de la aldea de Uadi Musa (el “torrente de Moisés”).

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Templo El Deir, en Petra. Esta construcción es característica del sincretismo arquitectónico de Petra, en el se mezclan rasgos orientales, alejandrinos y corintios. Se trata del santuario del rey Obodas, divinizado por su pueblo después de la victoria sobre los sirios hacia el 85 a.J.C.

La presencia de tribus nómadas semitas en la península arábiga está atestiguada desde el siglo IV a.J.C. Algunos árabes formaban parte de los ejércitos de Jerjes, y los griegos describen a los árabes “escenitas” (que viven bajo la tienda) del desierto, y que son antepasados de los beduinos actuales.

Los árabes, instalados en los oasis, sufrieron con mayor intensidad las influencias exteriores.

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Interior de una tumba en Madein Saleh (Arabia Saudita), otra ciudad nabatea en la ruta de las caravanas. Los escultores y arquitectos de esta ciudad, como los de Petra, se inspiraron en el arte grecorromano, y también en el egipcio, más geométrico y sobrio.

Este fue el caso de las tribus que en el siglo VI a.J.C expulsaron a los edomitas de su territorio, que corresponde a la actual Jordania y fundaron el reino nabateo, entre el mar muerto y el golfo de Aqaba.

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Gran teatro romano de Petra. En 64 a.J.C, con la creación de la provincia romana de Siria, los romanos trataron de ejercer su influencia en Petra. Capital de los nabateos y etapa en la ruta de las especias. Petra no quedó incluida en la provincia romana de Arabia hasta 106 a.J.C. , aunque numerosos romanos ya residían en ella con anterioridad a esta fecha. Fines del siglo I. A.J.C.

Su capital era una etapa importante en la ruta que unía el mar Rojo con el Mediterráneo.

Los soberanos de la dinastía de los Aretas, fieles aliados de Roma, consiguieron hacerse designar reyes de la Siria romana y se proclamaron “tiranos de los árabes” hasta que su reino fue anexionado al Imperio , y se convirtió en el reino de Arabia en 106 a.J.C.

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Petra. Detalles de la fachada de un templo funerario. Según el geógrafo griego Estrabón, la capital de los nabateos debe su nombre (Petra significa “roca”) a su situación: un paraje rodeado de una verdadera muralla de rocas cortadas a pico que constituía un oasis de verdor  en medio de un paisaje desértico que se extiende hasta Judea.

 

Una ciudad anclada en el pasado, mágica y fascinate, que sigue atrayendo a miles de turistas a ella.

¡Confío en que os haya resultado tan interesante como a mí!

 

LA CERÁMICA GRIEGA

Hoy haré una aproximación a esta manifestación artística, vital para este pueblo. Empecemos:

En la Grecia antigua se fabricaban numerosos vasos. Existían talleres en todas las regiones y cada una de ellas tenía su estilo propio: hay vasijas áticas, corintias, apulianas, etc.

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Crátera corintia con escenas de banquete y animales. Los vasos corintios marcan el inicio de la cerámica de figuras negras. Las figuras eran delimitadas mediante incisiones y la vasija se adornaba con “resaltos”, figuras de color marrón obtenidas mediante procedimientos de preparación y de cocción especiales. 625-600 a.J.C. Museo del Louvre, París.

Estas piezas, casi siempre decoradas, son auténticas obras de arte. Se han podido identificar algunos talleres y artistas por sus firmas o gracias a los estudios del erudito británico J.D. Beaezly, que reconstituyó obras dispersas por todo el mundo.

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Medallón que adornaba el fondo de una copa ática. Las escenas de dioses navegando con peces eran frecuentes en estas representaciones. 510 a.J.C. Museo del Louvre, París.

Estos vasos, presentes en todos los rincones del mundo griego antiguo, constituyen todo un universo de imágenes, que toman sus temas de la mitología (dioses, héroes o sátiros), de la vida cotidiana de la ciudad (deportes, banquetes, sacrificios, escenas eróticas), pero no de la vida política.

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Ánfora con tapa. Fintias el artesano, que realizó este ánfora, fue uno de los pioneros de la “cerámica de figuras negras. Siglo V a.J.C. Museo del Louvre, París.

Hacia fines del siglo VII se empezó a usar la técnica de las figuras negras. Hacia 530 los procedimientos de fabricación se invirtieron y apareció la de las figuras rojas.

Esta técnica consiste en aplicar a la vasija un barniz negro que delimita el dibujo trazado sobre el fondo claro de la arcilla. De esta manera, la figura de un color cálido destaca sobre el fondo negro.

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Medallón de una copa de figuras rojas. Dionisos se deja servir por un joven griego, ataviada con la túnica especial de los banquetes. 490 a.J.C. Antiken Museum, Munich.

La cerámica de figuras rojas se extendió de los siglos V al III a.J.C., aunque el período más brillante de este estilo fué muy breve: de 530 a 480.

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Vaso de figuras rojas, imagen cortesía de ArteHistoria. Las figuras rojas permitían el dibujo con pincel, lo que abrió un campo de expresión más amplio. La esfinge revela un oráculo a un joven. Siglo IV a.J.C. Museo del Louvre, Paris.

Hay una buena representación de esta cerámica en nuestro Museo Arqueológico Nacional de Madrid.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ARTE FUNERARIO AFRICANO

Hoy haré una semblanza de este desconocido arte. Empecemos:

La pregunta acerca de una posible vida tras la muerte era ajena a la mayor parte de las culturas africanas, pero en casi todo el continente las gentes intentaban perpetuar un nexo con los difuntos.

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Máscara Marka de Mali, imagen cortesía de http://www.todocoleccion.net, rematada con cuernos de antílope. Algunos dioses eran animales alegóricos procedentes de las primeras divinidades: tortuga, búfalo, antílope…Museo de las artes africanas y oceánicas, París.

Para ello se conservaban fragmentos del cuerpo de los difuntos con el fin de beneficiarse de su fuerza, su sabiduría y su protección.

El culto que se rendía a aquellas reliquias aseguraba la estabilidad del grupo y atraía sobre él la benevolencia de las divinidades por intercesión del antepasado.

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Máscara de madera pintada, de ojos cerrados y saltones, adornada por fibras vegetales. La barba simboliza a un poderoso espíritu protector. Exposición Pergina Valsugana, Trento.

Para guardar los huesos, los cabellos, o las cenizas de los muertos, se construían relicarios que por lo general se componían de dos partes: una la constituía un receptáculo de madera, de corteza, de cestería o de hojas y cuero, que contenía la reliquia; la otra era una figurita que evocaba al difunto.

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Máscara de madera con un tocado y un collar de conchas y perlas. Cultura kuba. Museo Nacional de etnología, Leiden.

El receptáculo y la imagen componían a menudo un conjunto armónico, como en los taburetes reales que contenían los huesos de los soberanos o en las estatuas de los antepasados adornadas con auténticos cabellos del difunto.

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Estatuilla funeraria de la tribu songhya (instalada en el Congo), que representa a una antepasada como una diosa guerrera y fecunda. Siglo XIX. Colección particular.

A veces los relicarios encerraban una joya perteneciente al muerto, prueba de su riqueza; una semilla, símbolo de la fertilidad, o un objeto mágico.

El arte del relicario africano era muy variado, pero, alrededor del río Congo, se desarrolló un estilo unificado, llamado “arte de los kota”

¡Confío en que os haya resultado interesante!