LA EXPOSICIÓN INTERNACIONAL DE BARCELONA

Hoy nos acercaremos a este suceso fundamental para la vida de la ciudad condal.

En las postrimerías de la dictadura, el régimen buscó ofrecer al mundo una imagen de España como una nación moderna, plenamente integrada en la Europa occidental.

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Cartel anunciador de la Exposición internacional. Aunque beneficiosa para los barceloneses como fuente de riqueza, la exposición gravó penosamente las arcas de la ciudad: de los 180 millones de pesetas que costó, el estado sólo aportó 52. F. Galí.

Como escaparate ideal para ello se organizó la Exposición internacional de Barcelona, inaugurada por los reyes y el dictador el 19 de mayo de 1929, en un amplio recinto, a los pies del Montjuïc, al que se accedía por la plaza de España, urbanizada para la ocasión.

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Alfonso XIII y su familia en la Inauguración de la Exposicion Internacional de Barcelona, el 19 de mayo de 1929. La muestra fue clausurada el 15 de mayo de 1930, cuatro meses después de la caida del dictador. Archivo histórico de la ciudad de Barcelona.

Los diversos edificios, para cuya construcción el estado y el ayuntamiento aportaron 160 millones de pesetas, se agrupaban en tres secciones.

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El Palacio nacional en construcción. La exposición y la construcción del metro barcelonés conllevaron la expansión de la metalurgia y la construcción catalanas, ampliando el mercado de trabajo, lo que favoreció la llegada a Barcelona de la primera gran oleada migratoria procedente del sur de la península. 1928. Archivo histórico de Barcelona.

La industrial contaba con los palacios de comunicaciones y transportes, proyecciones y cinematografía, artes gráficas o industria química.

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Exposición Internacional de Barcelona. La idea de una exposición internacional fue concebida por Puig y Cadafalch, presidente de la Mancomunidad de Cataluña; Primo de Rivera la adoptó viendo en ella un magnífico escaparate donde exponer los logros de la dictadura.

Las joyas de la sección de arte español eran el Palacio nacional, hoy Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Palacio de Arte moderno y el Pueblo español, uno de los más visitados, que reproducía casas y calles de diversas regiones españolas.

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Jinete, obra de Pablo Gargallo, para el estadio levantado en Monjuïc con motivo de la Exposición Internacional de 1929, remodelado y convertido en estadio olímpico en 1992.

Finalmente, dentro de las construcciones de la sección de deportes se levantó un estadio, entonces el segundo del mundo por su capacidad estimada en 60.000 espectadores, y que se inauguró con un partido de rugby entre España e Italia.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS ENSANCHES

Desde 1850, el desequilibrio entre población y estructuras urbanas se volvió insostenible a causa de los movimientos migratorios que tenían como meta las principales ciudades del país.

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Paseo de coches en el Retiro de Madrid. Ver y hacerse ver en las amplias avenidas nacidas con los ensanches formaba parte del encanto de la nueva ciudad.

Se hizo necesario que las ciudades rompiesen definitivamente con las limitaciones fiscales o militares (como las murallas) que frenaban su crecimiento espacial , y empezaban a extenderse más allá de los centros tradicionales.

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Madrid desde el puente de Segovia. La urbanización se extendería como una mancha de aceite, rompiendo la límpida separación entre el campo y la ciudad que aún se aprecia aquí. 1842. A. Guesdon. Biblioteca Nacional, Madrid

Surgieron así las primeras voces que reclamaban la ampliación de las ciudades, que dió lugar al nacimiento de un término que resumiría la principal realización urbana de las ciudades españolas del siglo XIX: el “ensanche”.

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Vista de Barcelona. Bajo la montaña de Monjuic humean las chimeneas de las fábricas; su número y el hacinamiento de la población exigió la ampliación del recinto urbano. 1842. A. Guesdon. Biblioteca Nacional, Madrid.

Se trataba de un sistema de planeamiento concebido como respuesta a la escasez de suelo urbanizable y a la falta de higiene, con el deseo expreso de buscar una nueva nacionalidad urbanística, basada en el plano geométrico.

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El Paseo de Gracia, imagen cortesía de http://www.todocolección.net. Unía la Barcelona antigua con la Villa de Gracia, convirtiéndose en el centro de la vida social barcelonesa tras el ensanche de la urbe. Hacia 1893. F. Miralles. Colección particular. Barcelona.

Los dos ensanches más célebres fueron los de Madrid y Barcelona. El teórico más destacado sobre el tema fue el ingeniero catalán Ildefonso Cerdá, autor del proyecto de ensanche de Barcelona, con su “Teoría general de la urbanización”, publicada en 1867.

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Proyecto del ensanche de Madrid, por C. M de Castro. Los ensanches dispusieron una corona de vías matemáticamente ordenadas en torno a los antiguos núcleos urbanos de morfología irregular. 1857. Archivo de la Villa Madrid.

 

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Proyecto de ensanche de Barcelona. Obra de Ildefonso Cerdá, preveía amplios espacios ajardinados y comunitarios que una especulación atroz convertiría en edificios. 1859. Museo de historia de la ciudad, Barcelona.

El ensanche de Madrid fue obra del también ingeniero Carlos María de Castro.

Nuevas propuestas urbanísticas para tiempos modernos y en constante evolución.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

LAS TELAS DE JOUY

Hoy nos aproximaremos a la historia de estas telas, que han marcado tendencia en el campo de la decoración, y aún son vitales en la ornamentación de muchos interiores.

En 1787 un burgués rechazó los títulos de nobleza que le ofrecía Luis XVI por su contribución al arte y a la industria francesa. Conviene aclarar que, para un ilustrado como Christophe Philippe Oberkampf únicamente la obra individual tenía valor.

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Christophe Philippe Oberkampf. Tras haber sido grabador y colorista, a los 22 años creó la manufactura de Jouy, que llegó a emplear a 300 obreros. Museo Municipal de la Tela de Jouy. Jouy-en-Josas.

Este industrial de origen bávaro, primero grabador y después colorista en la manufactura el Arsenal de París, obtuvo una patente real en 1759 para crear una manufactura de tejidos de algodón en Jouy-en-Losas.

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La manufactura. Oberkampf encargó este cuadro después de recibir la Legion de Honor. 1806. J.B. Huet. Museo Municipal de la Tela de Jouy. Jouy-en-Josas.

La técnica de Oberkampf era muy original: los tejidos de Jouy se estampaban rápidamente mediante planchas de cobre grabadas; eran telas luminosas, alegres y baratas, que permitían decorar los interiores a la última.

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Escena pastoril y galante. Estampado de algodón con plancha de cobre. 183-1789. Museo Municipal de la Tela de Jouy. Jouy-en Josas.

Entonces la naturaleza estaba de moda, y los dibujos representaban pastores, caballos y escenas campestres o de oficios menores. El éxito fue tal que los beneficios de la manufactura de Oberkampf crecieron de forma espectacular y ésta se convirtió en manufactura real.

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Escena de corral con gallo y gallina. La expresión “tela de Jouy” se convirtió en una denominación genérica, aun vigente en nuestros días

Oberkampf pasó la Revolución sin demasiados problemas y reemprendió sus actividades en 1797, con nuevos colores y con una máquina de su invención. Recibió la Legión de Honor de manos de Napoleón en 1806 y en esta ocasión aceptó la distinción.

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Monumentos de Europa. Servían en esta decoración para dar sensación de viaje y conocimiento a quienes habitaban en los espacios que decoraban.

Oberkampf murió al mismo tiempo que el Imperio francés, en 1815, incapaz de resistir la competencia de los nuevos tejidos británicos, que también juegan un papel vital en la decoración de nuestros días

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La ilusión del lejano oriente también decoraba.

A mí me encanta particularmente. Poseo una colcha de cama de Jouy.

¡Confío en que os haya gustado!

 

 

LAS RUTAS DE LOS INCAS

Hoy nos adentraremos en estas misteriosas y desconocidas rutas.

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Vista general del Machu Picchu. La ruta inca estaba sostenida por terrazas de apoyo y jalonada de mojones.

Los incas no utilizaban la rueda, pero han dejado una red de caminos de al menos 23.000 kilómetros.

Estos caminos, tallados en la roca de las montañas o dibujados sobre la arena, partían de la capital, Cuzco, y llegaban siguiendo los cuatro puntos cardinales, hacia las cuatro provincias del Imperio inca.

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Puente colgante. Los puentes se hacían con lianas de fibras de agave, o también con troncos de árboles. Los viajeros podían circular por ellos sentados en cestas.

Escalaban pendientes vertiginosas, atravesaban desfiladeros con puentes de lianas. El camino más frecuentado y, aun hoy en día, el mejor conservado, unía Cuzco con Quito, en el norte.

El camino del sur se dividía en dos ramas alrededor del río Titicaca; las del este y el oeste tenían un trazado mal conocido y permitían llegar hasta la costa del Pacífico y la vertiente oriental de la cordillera de los Andes.

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Sandalias de la cultura chimú. El cuero está trabajado y adornado con un disco de oro con una turquesa incrustada. Museo del Oro, Lima.

A estos grandes ejes se añadían numerosas vías transversales. Como el apogeo del Imperio inca se sitúa un siglo antes de la conquista española, seguramente no hubo tiempo para construir todos los caminos, y hubo que utilizar rutas trazadas por civilizaciones anteriores.

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El camino del inca sigue siendo visible en la actualidad. Unos “ingenieros” seguían al ejército y construían la calzada a medida que iban avanzando las conquistas.

Esta red de caminos permitía una rápida difusión de la información: los mensajes eran encomendados a unos hombres, los chasquis, que se relevaban después de haber corrido distancias de hasta 45 kilómetros.

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Chasqui corredor-correo que cubría las comunicaciones interiores. Según los indios, este servicio era tan eficaz que el Inca podía comer pescado crudo en Cuzco. 1609. Museo Nacional de Antropología, Lima.

Estos caminos estaban jalonados de tarubas o puestos de descanso o de reserva de grano y ropa, que desempeñaban un papel esencial en una economía basada en la redistribución permanente de las riquezas.

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Gobernador de los puentes reales. Dirigía los trabajos de construcción. La destrucción de puentes podía ser castigada con la muerte. 1609. Museo Nacional de Antropología y Arqueología. Lima.

Una rutas apasionantes, fascinantes y desconocidas.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ARTE VIETNAMITA

Un gran desconocido al que hoy le “hincaremos el diente”

Los chinos de la época Han, en el sureste asiático, y desde el siglo II a.J.C, no alteraron las instituciones locales, y se limitaron a exigir a la población un tributo periódico, pero influyeron profundamente en la civilización vietnamita.

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Jinete chino. El oficial y su montura están protegidos por una armadura de placas de metal articuladas. Museo Cermuchi, París.

En el arte la cultura de Dong Son, autóctona y con afinidades indonesias, dio paso a un arte de influencia china. Sin embargo las tradiciones locales no desparecieron. Los objetos hallados en numerosas tumbas de ladrillo descubiertas en el delta de Tonkín y en el de Thanh Loa dan idea de dicha evolución.

Están adornados con motivos geométricos y variados, entre ellos espirales en forma de S que recuerdan a las que adornan los tambores de bronce de Dong Son.

Otros motivos, como las cruces con florones o los dragones, se inspiran en el arte chino. En algunos ladrillos aparecen inscripciones con caracteres chinos. Las cerámicas de las tumbas son también de inspiración local o china.vietnam3

Guerrero chino con armadura. A pesar de las afinidades culturales, los vietnamitas se rebelaron con frecuencia contra la ocupación china. Siglo III. Museo Cermuchi. París.

Los espejos decorados con motivos geométricos, hojas, flores y animales recuerdan a objetos chinos similares.

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Labranza con arado. Una de las aportaciones chinas fue el arado metálico conocido a partir del siglo VI a.J.C. Una pieza transversal regulable permitía razar surcos de distintas profundidades. Museo de Xi´an, China.

La arquitectura también da testimonio de dichas influencias. Los modelos reducidos de casas hallados en las tumbas reproducen la morada del difunto y, junto con el resto del mobiliario, debían permitirle proseguir su existencia en el más allá.

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Soldado. El norte de Vietnam formó parte de un gran conjunto centrado en Cantón antes de que China se lo anexionase durante un milenio. El arte perdió entonces su originalidad y pasó a parecerse al de los ocupantes. Hacia 220-290. Museo Cermuchi, París.

Una gran desconocida, que nos sorprende gratamente este jueves.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA PESCA A ORILLAS DEL NILO

Buenos días. Hoy continuaremos con las costumbres de la civilización egipcia.

Los “pescadores y cazadores de aves acuáticas”, muy numerosos en Egipto desde hacía siglos, faenaban en las aguas poco profundas de los pantanos, o en las aguas tranquilas y ricas de peces del Nilo.

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Caza a orillas del Nilo. Al aproximarse los cazadores, una gran variedad de aves emprende el vuelo tras los juncos, al fondo las mujeres cogen ramilletes de loto. Escena pintada en las paredes de la tumba de Najt, astrónomo de Amón. Hacia 1567-1320 a.J.C. Guma.

Pescaban durante todo el día, escondidos entre la maleza y con el agua hasta las rodillas, y también utilizaban ligeras barcas de papiro, colocaban una nasa en el agua o arrastraban una red triangular entre dos barcas.

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Barco de vela con obenques y timón, a la que apareja la tripulación. Para asegurarse su desplazamiento hacia el más allá y procurarse el pescado en el Nilo el difunto había hecho colocar en su tumba un barco, tripulación incluida. 1800 a.J.C. Museo del Louvre, París.

Los peces quedaban atrapados en la red, ya que se izaba dentro del agua gracias a unos flotadores fijos en el borde superior y a unos pesos atados a su borde inferior. Los pescadores abrían los peces con un corte a lo largo de la espina dorsal, los vaciaban, los limpiaban de escamas y los ponían a secar al sol. Así se conservaban largo tiempo, con lo que desempeñaron un papel importantísimo en la alimentación de los egipcios.

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Estatua de Tot. Representado con la forma de un ibis, ave acuática de orillas del Nilo, Tot era adorado en Jmunu, la Hermópolis de la época helenística. Dios de la escritura, de la sabiduría y de los números, y por lo tanto de las fórmulas mágicas, fué asimilado al Hermés griego. Baja época. Museo del Louvre, París.

 

La pesca era tan próspera que el pueblo percibía a menudo los pagos en pescado. Además las conserveras y las pesquerías de Fayum eran tan rentables que llegaron a ser una de las primeras fuentes de ingresos del país.

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Usados como amuletos, los hipopótamos azules se fabricaban en grandes cantidades por los egipcios, que se protegían así de los desastres ocasionados por estos animales. Hacia 1800 a.J.C. Kuntshistorische Museum, Viena.

Interesante, ¿No? ¡Confío en que os haya entretenido!

MODA Y BELLEZA EN EGIPTO

Hoy mi crónica irá sobre estos rituales de los antiguos egipcios. Empecemos:

Es posible hacerse una idea de la manera de vestir de los egipcios gracias a las momias, a los vestidos hallados en las excavaciones y a las numerosas pinturas o estatuas.

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Mujer egipcia con el tradicional vestido ajustado que parece haber sido desde siempre el atuendo de la mujer egipcia de cualquier condición. El tejido empleado a causa del clima suave, es el lino que la agricultura egipcia producía en gran cantidad. El peinado muy cuidado era un elemento esencial. Las pelucas rizadas o trenzadas eran de uso corriente. Museo de El Cairo.

Vestían ropa ligera a causa del intenso calor, y los niños iban desnudos con el pelo afeitado excepto un pequeño mechón a un lado para evitar las pulgas y los piojos.

Los hombres solían llevar una simple pieza de lino que les cubría de la cintura a las rodillas. Muchas veces iban desnudos. Los egipcios ricos a veces llevaban esta pieza plisada, o más larga o abombada, o adornada con algún broche o cinturón.

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Peine con un íbice. Los objetos de aseo eran de pequeñas dimensiones y podían servir tanto para los vivos como simbólicamente para los muertos. Solían estar decorados con figuras esculpidas que representaban animales o flores. Siglos XVI- XIV a.J.C. Museo del Louvre.

Se han contado unos cuarenta modelos distintos. A veces añadían una larga camisa. En cuanto a las mujeres llevaban estrechos vestido con tirantes y si eran pudientes, usaban velos transparentes, finas redecillas de perlas y complicados drapeados.

Hombre y mujeres eran muy aficionados a las joyas de oro adornadas con piedras preciosas: azul oscuro del lapislázuli, marrón de la cornalina, azul intenso de la turquesa.

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Cofre de aseo que contiene frascos y esencias perfumadas y recipientes para los khol o maquillaje. Los productos de belleza también tenían fama por su función profiláctica. Se observa un recipiente estrecho azul para colirio, con su bastoncillo aplicador. Siglos XVI-XIV. Museo egipcio, Turín.

Llevaban collares, brazaletes, pendientes, etc. Los orfebres creaban verdaderas maravillas, aunque la inmensa mayoría de egipcias tenía que conformarse con flores, amuletos protectores, o a veces conchas.

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Espejo con mango en forma de muchacha con los brazos levantados. Los mangos de los espejos suelen representar una columna de papiro o una estatuilla de mujer superpuesta a la planta sagrada. El disco del espejo, generalmente de bronce, también podía ser de oro o de plata, evocando el sol o la luna. Siglos XVI-XIV a.J.C. Museo del Louvre.

A mí me resulta sumamente interesante.

¡Espero que a vosotros también os lo haya parecido!

LA BAUHAUS

Hoy hablaré de este estilo, crucial para su época, y que se convirtió también en un estilo de vida. Empecemos:

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Trasladada a Dessau en 1925, la Bauhaus ocupó un edificio diseñado por Walter Grophius, su fundador. Siete años más tarde la escuela se trasladó a Berlín.

La República de Weimar, con una economía débil y políticamente inestable, propició una excepcional fiebre creativa, favorecida por el nuevo clima de libertad. Berlín se convirtió en el nuevo laboratorio cultural de Europa, semillero de nuevas y prometedoras corrientes intelectuales y estéticas.

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Proyecto de un quiosco de prensa. La estética divulgada por la Bauhaus se apartaba claramente de los esquemas que los arquitectos aplicaban hasta aquel momento. Archivos de la Bauhaus, Berlín.

En aquel nuevo hervidero artístico y científico, la escuela de la Bauhaus (casa en construcción), fundada en 1919 en Weimar por el arquitecto Walter Grophius y trasladada en 1925 a Dessau, era el punto de encuentro de la experimentación artística.

Sus principales representantes-L. Mies Van Der Rohe, Paul Klee, V. Kandinsky- intentaban conciliar- mediante la arquitectura y las artes aplicadas- la máquina, el arte y el hombre.

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Los artistas de la Bauhaus no desdeñaban diseñar objetos de uso corriente, como esta jarra con tapadera que es casi una escultura. 1922. Lindig. Colecciones de arte. Weimar.

La Bauhaus estaba abierta a múltiples disciplinas: desde el urbanismo al diseño del mobiliario, pasando por la pintura, la fotografía y los carteles.

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Un prospecto concebido para la ciudad de Dessau, en Sajonia-Anhalt. El artista intentó dar un efecto de profundidad, que los creadores publicitarios adoptaron con frecuencia. 1931. J. Scmidt. Archivos de la Bauhaus, Berlín.

Cada taller se proponía disipar las fronteras entre arte, artesanado e industria para buscar la estética propia del más vulgar de los objetos.

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Tapiz confeccionado con una máquina de coser: sus dimensiones son 296 por 164 cms. La Bauhaus abrió también un taller de confección de tejidos. 1921. I. Kerkovius. Archivos de la Bauhaus, Berlín.

La escuela, declarada antigermánica y degenerada, fue clausurada por los nazis en 1933.

A mí me encanta cómo revolucionó el mundo de las teorías artísticas y la filosofía estética que lo acompañó.

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Silla de listones, y realizada con madera de arce. Marcel Breuer fue director de la estación de diseño de mobiliario de la Bauhaus entre 1925 y 1928. 1924. M. Breuer. Archivos de la Bauhaus, Berlín.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA MEDICINA CHINA

Hoy mi crónica irá acerca de esta sabiduría milenaria. Empecemos:

Desde su llegada a China, los europeos proclamaron su admiración por la medicina local.

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Los remedios naturales ocupan un puesto primordial incluso en la literatura: esta muchacha, Ma-Kou, heroína de un cuento popular, regresa de la fiesta del Pian-Tao-Hoei con una laya para recoger hierbas naturales

A diferencia de las teorías árabes, persas o griegas, en las cuales se funda la medicina occidental, los médicos chinos se preocuparon de inventariar y clasificar los elementos del universo, pero la buena salud se debía, según ellos, a la combinación armoniosa del ying y el yang con los cinco elementos que componen el mundo: agua, hierro, madera, fuego y metal.

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Estatuilla del dios de la longevidad, imagen cortesía de alamy stock photo. Es de la época Qing (1644-1911). Tiene 20 centímetros de altura y está finamente tallada en cristal de roca, material que, según se creía, tenía poderes sobrenaturales. Museo del Palacio Nacional, Taipei.

Un buen médico debía conocer la astronomía, pues se suponía que el movimiento de los astros regula los actos, los los órganos y las funciones; también debía dominar todas las correspondencias simbólicas, ya que se consideraba al ser humano estrechamente asociado a los elementos de la naturaleza, plantas o animales.

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El cirujano Hoa-Tuo, cuya sabiduría está simbolizada por el traje y la barba. Aparece en plena curación de un enfermo.

La anatomía carecía de interés, sin embargo. El ser humano debía estar perfectamente integrado al concierto universal: cada víscera pertenecía a un complejo sistema vinculado a un sector cutáneo bien determinado.

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El mapa anatómico tibetano describe los órganos vitales a la izquierda, la columna vertebral en el centro, y la “rueda” del corazón a la derecha. Se asemeja a los mapas de acupuntura, que no es sino uno más de los métodos terapéutico utilizados por los médicos chinos.

El conjunto funciona sólo gracias a la función de la energía vital, favorecido por el respeto a las normas de vida físicas y mentales.

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El tabaco se consideraba una planta con propiedades curativas. No se abusaba de él y los médicos chinos lo conservaban en preciosos frascos de jade, como éste, imagen cortesía de http://www.todocolección.net, o en preciosos frascos de porcelana finamente tallados.

La terapéutica debía restablecer la armonía destruida y la circulación de la energía para conseguir la curación del enfermo.

¡Espero que os haya resultado interesante!

LA LEYENDA NAPOLEÓNICA

Hoy hablaremos de este gran personaje. Empecemos:

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El culto napoleónico fué casi oficial durante la monarquía de Julio. Estampa de Épinal. Museo Carnavalet. París.

Si bien, tras el exilio del emperador, el bonapartismo constituyó una corriente importante de la vida política francesa, fue sobre todo en los medios populares donde se gestó la leyenda de Napoleón.

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La apoteosis de los héroes caídos por la patria utiliza el tema, poco utilizado en Francia, del panteón nórdico. 1802. Girordet-Trioson. Castillo de la Malmaison.

El mito del héroe vengador de los pueblos, luchador y mártir de la libertad, se amplificó tras la muerte del antiguo emperador, acaecida en 1821.

Dos obras de éxito contribuyeron a ello: el Memorial de Santa Elena, del conde de ls Cases, secretario de Napoleón, y La voz de Santa Elena. publicado por O´Meara, un cirujano irlandés que formó parte del grupo de allegados del exiliado.

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Napoleón y la madre del granadero. Imagen cortesía de http://www.todocolección, exalta el fervor del pueblo llano por el emperador, que siempre estuvo cerca de los humildes. Georgin. Estampa de Épinal. Museo de Carnavalet, París.

Durante la Restauración y la monarquía de Julio, estampas, canciones, calendarios, almanaques y folletines exaltaron las aventuras, reales o míticas del emperador.

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El sombrero del emperador, al igual que su levita gris, sorprendía por su sencillez en medio de los uniformes abigarrados de su entorno. CH. Steuben (1788-1856). La vida de Napoleón en nueve sombreros. Castillo de Boiespréau.

 

Gracias a sus populares versos sobre la leyenda napoleónica, Beránger fué proclamado “poeta nacional”. El romanticismo se apoderó también de la figura del emperador: franceses como Chateaubriand, Victor Hugo, Lamartine, y extranjeros como Byron, Manzoni, Pushkin y Heinrich Heine hicieron de Napoleón el Prometeo moderno.

En 1840 , el regreso a París de las cenizas del emperador fué una auténtica apoteosis, y su féretro, recibido por una impresionante multitud, fué depositado en los Inválidos.

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El regreso de las cenizas de Napoleón  a París el 15 de diciembre de 1840. Imagen cortesía de alamy stock photo. Este regreso consagró el homenaje de los franceses al emperador. Victor Hugo hizo una descripción inolvidable en Cosas vistas. 1840. Jacques Guiaud. Museo de Versalles.

¡Confío en que os haya gustado empezar así la semana!