LA REAL ACADEMIA DE INGENIERÍA EN MADRID

Hace poco tuve la fortuna de visitar esta singular Institución, situada en la Calle de San Pedro, en pleno Madrid medieval. El emplazamiento de la misma en este lugar es reciente , ya que el edificio estuvo anteriormente ocupado por un restaurante, el Puerta de Moros, y previamente por el Palacio del Marqués de Villafranca. La construcción corrió a cargo de Don Pedro Álvarez de Toledo V Marqués de Villafranca, que se la encargó a Francisco Ruiz, arquitecto de renombre, que comienza su construcción en 1717, terminándola en 1734.

Como dato curioso el XI Marqués de Villafranca y de Medina Sidonia, que residió aquí, estaba casado con Cayetana de Alba, la singular protagonista de muchos de los cuadros salidos de los pinceles de Francisco de Goya.

Ya en el siglo XIX los propietarios del palacio, el matrimonio formado por la marquesa de Pinohermoso y el conde de Velle, deciden redecorar las salas principales del palacio y se lo encargan al arquitecto, pintor y escultor, Arturo Mélida. Una lástima, es un artista relevante al que no se le dá la importancia que merece. Además está presente en muchas de estas nobles instituciones. Ya os hablaré en otra ocasión de la Real Academia de Farmacia, donde se pueden admirar también sus obras.

El patio interior desde donde nos hicieron la breve introducción histórica no hacia presagiar en absoluto la maravilla que alberga entre sus muros.

Pasamos a la Sala de Juntas en primer lugar, zona de reunión de los Académicos de Honor y de Número, donde se recibe a los nuevos miembros. De ahí subimos a una sala más moderna donde nos proyectaron un interesante vídeo describiendo las labores de esta institución y quienes la integran.

Y he aquí mi sorpresa, porque en la zona de acceso se encuentra el fragmento mejor conservado de muralla cristiana de la ciudad del Siglo XII. Realmente impacta, ya que es el más grande de los que existen en la ciudad.

 

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Tras el vídeo fuimos conducidas a un fragmento del viaje de aguas que albergaba el palacete, y que además es el único visitable de toda la ciudad. De la Sierra de Guadarrama y de la de Ayllón era ( y aún es) abastecida la ciudad. Pocos Palacios disponían de su propio viaje, lo cual habla de la grandeza de éste.

Por estos singulares lugares circulaban las aguas gordas ( destinadas a regadíos y limpieza)  y las aguas finas (consideradas ideales para el consumo humano)

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Y por estos conductos circulaban los aguadores en sus mulas.  He aquí la imagen del conducto subterráneo.

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Las dependencias de la Academia han mantenido la estructura palaciega, y están asombrosamente bien cuidadas. Desde las arañas de cristal en el Salón de recepciones, hasta los minuciosos detalles, como el angelote de lapislázuli obra de Arturo Mélida, todo destila aires de otras épocas, y nos trasladan a aquellos tiempos

 

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Angelote de lapislázuli de Arturo Mélida

Excelente también el Salón de juntas extraordinarias al que daba acceso un pequeño gabinete cubierto de este curioso artesonado con platos de decoración.

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El cuadro que cuelga de la pared es de le Escuela de Rubens.

 

Detalle de chimenea de mármol con ratoncillo en mármol, obra de Arturo Mélida . Fué arquitecto, escultor, militar y pintor, hermano del pintor Enrique Mélida, trabajó en la decoración de numerosos palacetes de la alta burguesía española.

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También en perfecto estado la señorial escalera que sirve para ocasiones solemnes, tales como las inauguraciones del Curso Académico a las que acude el rey de España.

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Nos despedimos encantadas de haber descubierto esta joya en pleno centro de Madrid, y de haber disfrutado de las excelentes explicaciones que allí nos dieron.

LA PASIÓN RAYONISTA DE NATALIA GONCHAROVA

Esta mañana el primer tuit artístico que he escrito ha sido el del aniversario del nacimiento de esta pintora rusa. Ya había pasado por su obra de soslayo, cuando preparaba con mimo mis clases  para bachilleres en el museo Thyssen Bornemisza, referente clave en la capital para sondear todas estas vanguardias, y donde trabajé durante una temporada que os puedo asegurar fué maravillosa para mí.

Una de mis obras favoritas del museo: Pissarro, cronista urbano en ese momento de lluvia, magistralmente captada, así como la atmósfera.

Una de las cosas en que incido antes de penetrar en el apasionante y arriesgado panorama de las vanguardias es en la necesidad de ponerse un poco “en la piel” del artista, tratar de empatizar con los momentos históricos, artísticos e incluso personales que les conducen a crear, a pintar y expresarse de un modo u otro.

Y otro de los aspectos que trato de remarcar es que cualquier opinión es válida ante una obra de arte, cualquier sentimiento que suscite la contemplación de estos retazos de sus experiencias vitales que quedan, a veces hechos jirones sobre el lienzo.

 

 

Franzie ante una silla tallada de Kirschnner. Una interpretación asombrosa. ¿Porqué la pintó así? Esos colores prefiguraban la monstruosidad de vida que estaba obligada a llevar. ¿No es maravillosa?

Y en tercer lugar tendremos la valoración estética, esto es, si nos gusta o no, entendiendo que la belleza o la emoción es algo subjetivo, y que no tiene que ser uniforme en todos gracias a Dios. En la diversidad está la riqueza.

Tras esta disquisición metámonos en la vida de nuestra protagonista de hoy: Natalia Goncharova. Nació en Ladyzhino, Tula, siendo de las primeras pintoras y escenógrafas rusas de vanguardia. A los diecisiete años abandona su pueblo natal, y marcha a Moscú, sede de sus anhelos desde niña, donde se matricula en la Escuela de Arquitectura, Escultura y Pintura.

Nuestra protagonista

Fué en esa escuela, y al abrigo de su pasión por el arte donde encontró a su otro gran amor, que sería su marido: Mijaíl Larionov.

Fascinada como estaba por el incipiente movimiento de la vanguardia histórica estudió con atención el impresionismo, puntilllismo, simbolismo y fauvismo. Estas influencias se ven perfectamente reflejadas en sus obras de juventud.

Explosión fauvista en “Gradiva” Colección Carmen Thyssen, Museo Thyssen Bornemisza.

La expresividad fauvista y simbolista encontró cauce en sus pulsiones, aunando a ella  otra de las debilidades de Natalia: el arte tradicional, el folklore de su tierra, desde el arte popular a los iconos y los “lubki”, esto es, grabados tradicionales en planchas de madera.

Curioso lubki, grabados o relatos rusos.

Entre 1907 y 1908 su estilo fué expresivo, sencillo y lleno de color, característico del llamado neoprimitivismo de la época, al que se sometió, hechizada por su simplicidad aparente y por su fuerza.

Danza campesina.

En 1912 participó en la organización de la exposición La cola del burro que se celebró en Moscú y constituyó la cumbre del neoprimitivismo en Rusia. Fué en ella donde, influenciado por el cubismo y el futurismo italiano, Larionov publicó su manifiesto rayonista, cuyo principio básico,es  la interacción de los rayos de luz en torno a los objetos, lo que llevó a Goncharova a crear algunas obras rayonistas que incorporan elementos angulares y astillados, como es el caso de Gatos

Gatos. Solomon Guggenheim colection

En otoño de 1913 creó la escenografía y el vestuario para Le coq d’or que Sergei Diáguilev estaba produciendo para los Ballets Rusos, y cuya magnífica muestra en CaixaFórum tuvimos la fortuna de disfrutar. Su relación con el empresario ruso hizo que en 1915 abandonara Rusia para trasladarse a Lausana. En 1918 fue a París, donde residiría ya el resto de su vida junto a Larionov.

Uno de los decorados que hizo para Diaghilev, absoluta joya. Percibimos la influencia del simbolismo, y su pasión por el folklore.

Continuó trabajando para Diáguilev hasta la muerte de éste, en 1929, y partir de entonces diseñó escenografías para óperas y ballets, principalmente en París y Londres, sin dejar por ello de pintar y exponer su obra.

Otra maravillosa escenografía salida de sus pinceles.

Las pinturas de su última época tienen un estilo que recuerda su fase neoprimitivista, pero sobre todo imperó el rayonismo.

El rayonismo fué su pasión, el hilo conductor de su trayectoria hasta su muerte

Una mujer increíble, que luchó en aquella Rusia aún algo primitiva, por abrirse paso en un mundo de hombres.

Desde aquí le rendimos este homenaje.

LA TIENDA DE ALMUDENA Y LOS PREMIOS BAZAR ME LO PIDO

Hoy os quiero hablar de Almudena, y de su tienda. Desde que comencé mi andadura por esos tuiteros mundos ha formado parte de mi TL. Quizá sea cierto que existe un sutil hilo que te une a otras personas, así, de modo intuitivo, sin que a veces haya mediado el conocimiento físico o la desvirtualización; en cualquier caso es algo que me ocurrió de modo particular con ella, cuando decidí comenzar a seguir sus andanzas.

Almu con Ana, otra estupendísima mujer,  factotum de los Premios Bazar Me Lo Pido y otro magnífico hallazgo para mí. Hablaré sobre ella en breve.

La realidad he de decir ha superado con creces a la ficción. Almudena es una mujer fantástica, encantadora, siempre impecable, y que lo primero que me transmitió fue una arrolladora vitalidad, y una enorme pasión por aquello que hace, y lo hace de maravilla, y con un arte incuestionable,  por cierto( ¡creédmelo, de arte yo entiendo mucho!)

Su pasión por el negocio que ha levantado es algo que transmite de modo contagioso. Mujer infatigable a la hora de conocer las nuevas tendencias del mercado en la confección de zapatos, mantiene en paralelo una línea tradicional en productos estrella que también son “marca” de su casa, como su colección de mocasines en infinidad de colores. ¡Miradlos!

Me quedaría con uno de cada color, ¡me chiflan!

Ella concurre a los Premios Bazar me lo Pido a las mejores tiendas, y, como no podía ser de otro modo está seleccionada. Os daré mis razones por las que me gustaría que ganara en esta crónica.

El día que la visité acompañada por mi hija Sonsoles, que pese a su corta edad (tiene 8 años) es una apasionada de las compras y el diseño, tenía el escaparate puesto de primavera/verano. Tiene unos bolsos que me volvieron loca, y caí irremisiblemente bajo su poderoso hechizo.

¿No son divinos? Están hechos de capote de torero y van forrados. Me los enseñó por dentro y están magníficamente rematados. ¡Quiero uno!

El  capítulo alpargatas merece punto y aparte. Busca los mejores proveedores en Logroño y trae verdaderas obras de arte, de calidad increíble. Es ahí, en esos detalles, donde la marca España gana enteros. Yo adquirí unas alpargatas rosa palo maravillosas para mi madre por su cumple. ¡Le han encantado!

Os muestro un ejemplo. No las había visto así en ningún lugar. Un plus de su tienda es esa originalidad que hace que sean únicas, como ella.

Y el capítulo de caballeros está magníficamente representado en cinturones, que son todos confeccionados en España, así como sus gemelos realizados a partir de nuestra querida peseta

Hay un montón de ellos, en variedad de tamaños y colores.

Sonsoles se compró una pulsera azul, que exhibe con orgullo cada vez que puede:” me la he comprado en la tienda tan bonita de la amiga de mi madre” dice cada vez que le preguntan.

 

Y yo me quedé loca por estos originales zuecos de ante.

Enlace permanente de imagen incrustada

Aviso: la 37 es mi talla. Y mi cumple el 10 de junio. A buen entendedor…

También muy originales unas camisetas de Mira la Marela de distintas celebrities de Hollywood vestidas de chulapas, ¡mirad esta!:

La “chulapa” Marilyn.

En fin diría muchísimas cosas más. Sólo añadiré que para mí ha sido un privilegio añadir a mi lista de amistades a esta infatigable luchadora, y dejarme impregnar de su belleza, alegría y optimismo. ¡Muchos éxitos, Almudena, y que yo los vea!

ALBERTO DURERO: A GERMAN RENAISSANCE PAINTER

When I read the newspaper this morning, two important birthdays  appeared into my eyes: the birth a day like today  in 1527 of Philip II, under whose historic reign Spain became a great empire, and Albrecht Dürer in Nuremberg , 1471, city ​​where his father, a goldsmith originally from Hungary had emigrated.

As art is mine, I will talk about  the latter, which exerted a powerful impression on me in a sample that was in 2005 about the works that he guards the Albertina in Vienna, and traveled in an exceptional way to the Prado Museum .

What prodigious representing hands, difficult subject to capture with this perfection!

 

We said that his father had come to the capital of Franconia, attracted by the prosperity enjoyed by the city. And he was right, the result of its decision, the family enjoyed a certain level social rank, above the craftsmen, which allowed very young Dürer interact with circles of intellectuals and humanists, of which emerged later some of its major customers.

His artistic training as a goldsmith increased development of his extraordinary faculties for observation and thoroughness. His drawing skills soon inclined him towards painting.

The image representation has always been among their concerns.

 

After traveling in Colmar, Basel and Strasbourg, where he acquired knowledge of the technique of engraving, returns to his hometown to marry Agnes Frey, union agreed by the family to ensure economic stability.

 

No other artist was able to recreate nature in a way as truthful as he.

In the fall of that same year made his first trip to Venice, with the intention of meeting the new language of Italian Renaissance, thereafter, decisively influenced his art, by the memory of the ancient classical learning of Pollaiuolo and Mantegna treatment of the nude.

 

Plasma her beauty humanist ideal. The man at the center of creation.

His return to Nuremberg provided with the baggage of experiences opened doors notoriously scholarly circles and facilitated numerous commissions. Thus contributed greatly to the cultural renewal of Germany under humanistic precepts.

His paintings of animals endowed with an extraordinary degree of visual richness and nuances. They say in the rabbit eye is reflected his face.

And there he continued his work as a painter and engraver, and this facet mainly his fame crossed borders. During his second Venetian voyage his fame had preceded him, and was received with honors including by Giovanni Bellini.

 

Prodigy language development woodcut and engraving burin practice of incredible technical mastery.

On his return Maximilian I appointed him court painter, so that as of 1512 her work mainly headed to exalt the imperial power until the monarch’s life is suddenly cut short in 1519, and with it financial rewards that guaranteed the monarch. He travelled with his wife to the Netherlands to ask  Carlos V the continuity in this remuneration.

Dürer prepares his papers, the colors to create the wealth needed to be to have a painting, and plasma traits portrayed.

But unfortunately malaria had seized him. and he said with all virulence on his return to his country.

Although he continued his work as a painter and engraver, during his later years he devoted himself especially to the development of theoretical texts, showing special concern for the study of geometry, perspective and proportions of the human body.

Dürer died in 1528. Behind him he left a key to explain the shift from the medieval mind to the modern age. His role was crucial in the history of the painting, which today could not understand whether contributions like hims.

 

I hope you have enjoyed!

UN PASEO POR EL MISTICISMO EVOCADOR DE LAS NATURALEZAS DE CASPAR DAVID FRIEDRICH

Entre las efemérides de todos los colores y sabores que salpican el panorama del día una lo adorna como pocas en el plano artístico: El aniversario del fallecimiento en la localidad alemana de Dresde un día como hoy de 1840 de Caspar David Friedrich, adalid del romanticismo alemán en pintura, junto a su coetáneo Philipp Otto Runge.

Pintura de Runge, el otro romántico alemán.

No es ningún secreto que una de mis épocas históricas predilectas es el siglo XIX, repleto de convulsiones sociales y políticas, y jalonado por personalidades en el ámbito de la cultura que hacen de esta centuria una de las etapas más fascinantes  de conocer, al menos para mí.

Las Afinidades Electivas

Justo es reconocer que el Romanticismo tiene su germen y nacimiento en Alemania, aunque Gran Bretaña le siga de cerca. Personajes de la talla de Goethe, cuyas Afinidades electivas dejaron tan viva impronta en mí el pasado año, o el grandísimo Wagner,con su Epopeya del Anillo del Nibelungo, al que conozco muy bien por la confesa predilección que por él siente mi padre desde mi infancia, son ilustres hijos del pueblo germano.

Epica imagen del Anillo del Nibelungo, del gran Wagner

En ese caldo de cultivo nace el protagonista de esta semblanza, Caspar David Friedrich. Mi primera impresión sobre él la tuve en una muestra organizada hace  varios años en el Museo del Prado, en 1992,  y ya ejerció un poderoso hechizo sobre mí.

Caspar David Friedrich era el sexto de los nueve hijos de Adolf Gottlieb Friedrich, un fabricante de velas y jabones de Greifswald y su esposa Sophie Dorothea Friedrich, de soltera Bechly. Greifswald pertenecía entonces a la corona sueca.

Los sucesivos fallecimientos que tuvieron lugar en su familia, entre ellos el de su madre y su hermano Johann Christoffer, fallecido trágicamente en la nieve al  salvarlo a él mismo dejaron una vivísima impronta en su memoria, hasta el punto que la muerte se convertirá en leit motif de su paleta.

De la Escuela de Dibujo de su Greifswald natal, en la que pintó varios paisajes de su lugar de nacimiento  pasó a una Escuela de Copenhague, donde realizó vaciados de modelos en yeso, formándose esencialmente como dibujante.

¡Que sutileza y poesía en este dibujo de árboles!

Acaba por trasladarse a Dresde, cuna de todo el movimiento pictórico alemán, y en esa localidad siguió viviendo hasta su muerte. Allí frecuentó los círculos filosóficos y literarios, convirtiéndose en un filósofo más.

Tras un intento de suicidio le sobreviene su primer éxito, que data de 1805 cuando obtuvo un premio compartido en un concurso artístico organizado por Goethe en Weimar, gracias a dos paisajes dibujados en tinta sepia.

Sus convicciones defendían la libertad de opinión y una mayor participación de la clase media en las decisiones políticas. El avance de Napoleón propició la creación de la Confederación del Rihn. La postura del pintor fué claramente anti-francesa.

¿No se asemejan las ramas de los árboles a dedos misteriosos, que parecen atraparnos hacia dentro, como tentáculos mágicos?

En 1808 pintó su primera gran pintura al óleo: La cruz en la montaña  El cuadro era poco habitual y desató una fuerte polémica. No obstante, en este cuadro se basa gran parte de la fama de Friedrich y su éxito financiero, abriendo el camino a la pintura romántica en Alemania. Se trata de una de las primeras obras en las que imprime ya su concepción del «paisaje sublime», una nueva modalidad que será muy imitada. «Otorgó a lo familiar la dignidad de lo desconocido», dijo el poeta Heinrich Von Kleist  de Friedrich.

El impactante oleo, todo un universo evocador de sensaciones. El hombre inerme ante la naturaleza.

En esa época es cuando realiza varios viajes por el Báltico. La naturaleza agreste, salvaje, la fuerza y rotundidad de los glaciares se quedaron impresas en su mente. He aquí una de las obras del autor que más me sobrecogen.

El mar glaciar.

Caspar David Friedrich contrae matrimonio a los  44 años  con la joven Christiane Caroline Bommer, de 25 años. Tuvieron dos hijas y un hijo. De esa época, una de las más felices en la vida del pintor pinta Los acantilados blancos de Rugen

Los personajes, siempre de espaldas, nos introducen en la naturaleza, siempre misteriosa.

El caminante sobre el mar de niebla. Parece pensativo, dubitativo acerca de si adentrarse en esta espesa niebla, mágica, que le atrae tanto como le asusta.

Pero la situación política comenzó a tomar una deriva que no le gustaba en absoluto. Comenzó la censura, y medidas represivas que culminaron con la muerte de algunos de sus amigos intelectuales, lo cual fué minando su salud psíquica.

El mar y la noche, dos elementos insondables.

La depresión se agudiza por motivo del asesinato en 1820 de su amigo el pintor Gerhard von Kügelgen. Se traslada a las afueras de Dresde a una casa desde donde contempla melancólico el paso de las embarcaciones. Entonces recibe la visita del príncipe ruso Nicolás de Rusia, que adquirirá gran número de obras. Esto será su postrero soplo de aire fresco.

A su juicio, el arte debía mediar entre las dos obras de Dios, los humanos y la Naturaleza. Con este punto de vista se acerca a las bellezas naturales, en cuya representación procesó tendencias y sentimientos. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino de un sentimiento metafísico, inaprensible. El primer plano y el fondo, separados a menudo por un abismo, se relacionan entre sí.

Las ruinas del cementerio. La muerte, otro motivo recurrente.

El espíritu que domina la obra de Friedrich es radicalmente romántico: abundan las escenas a la luz de la luna, espacios gélidos (mar de hielo, campos helados), las noches, paisajes montañosos y agrestes. Cuando incluye elementos humanos, suelen ser de carácter sombrío, como cementerios o ruinas góticas. Una y otra vez aparecen elementos religiosos, como crucifijos o iglesias.

Otra de sus características cruces en medio del camino. Esta vez con Iglesia de fondo.

Según él  la auténtica humanización, se encuentra en la Naturaleza, de esta manera logra una metáfora visual de la disolución del individuo en el “todo”

Megalitos, creaciones ancestrales del pasado.

A mí simplemente me fascina toda su trayectoria, la obra de un hombre profundo, que supo lograr una simbiosis casi perfecta con la naturaleza, ejerciendo un enorme poder sugestivo e hipnótico en el espectador.

ELMYR DE HORY. CUANDO LA FALSIFICACIÓN ES UN ARTE

Estos días se están exhibiendo en el Circulo de Bellas Artes de Madrid una serie de obras de Matisse, Modigliani, Monet…salidas de las manos, de los pinceles de uno de los personajes más apasionantes y controvertidos del pasado siglo, a saber: el húngaro Elmyr de Hory. Pongámosle cara al personaje:

Elmyr solazándose en una de las innumerables fiestas a las que asistió.

Elmyr nació en Budapest en 1906, de padres aristócratas judíos. Marchó pronto a la entonces meca del arte, París, donde ya se encontraban Derain, Matisse y un joven Picasso, decidido a ser pintor.

Al llegar la segunda guerra mundial, y sabido su orígen judío fué devuelto a su Budapest natal. Allí durante un interrogatorio la Gestapo le rompió  una pierna, por lo que le ingresan en un Hospital.  ¿Paradoja del destino? un buen día se dejan la puerta abierta, lo que aprovecha para salir de allí de puntillas.  El resto de la guerra malvive en su ciudad natal en la indigencia, y al finalizar la misma regresará a París, donde la fortuna económica dista mucho de sonreírle.

 

¿Cómo fué posible que amasara la fortuna que después le acompaño?  Os contaré: un buen día una amiga suya confundió una de sus creaciones con un auténtico Picasso y se lo compró. Entró, pues, en el mundo del hampa gracias a nuestro malagueño más universal. Y también a su costa las puertas de las mejores galerías europeas se rindieron a sus pies, adquiriendo otros cuantos falsos “Picassos” salidos de su puño y pincel.

Elmyr a lo Picasso

Posteriormente se trasladó a la isla de Ibiza. Allí falsificador e isla se hicieron ojitos mutuos, decidiéndose el húngaro a establecerse en este paraíso de modo permanente. Durante dieciséis años continuó realizando sus obras y donde entabló amistad con muchos ibicencos y residentes extranjeros.

Elmyr/ Modigliani

En ese momento se asocia con Legros y Lessard, que le abren los mercados internacionales. Fruto de esa simbiosis aparece en escena el magnate y filántropo estadounidense Algur Hurtle Meadows, que realiza en los años 50 un viaje a España. Meadows se enamora de la cultura y el arte de nuestro país, y, decide atesorar cuantas más obras mejor. Comenzando por Carreño de Miranda, no hubo pintor por quien no se sintiera fascinado. La ocasión la pintaban calva, y es entonces cuando Elmyr y secuaces aprovechan para su golpe maestro.

En el estudio creando un Matisse

De las mil obras que habían vendido casi la mitad habían ido a parar a las arcas del magnate, que ya había proyectado la creación del Meadows Museum de Dallas.

Mas no se sabe bien porqué el magnate que no tenía un pelo de tonto decide investigar. Tras pedir el asesoramiento de cinco expertos, se descubrió que 44 cuadros no eran originales.  El asunto constituyó un mazazo para el falsificador, que, para más inri, recibía sólo unos cientos de dólares al mes. Lessard explicó posteriormente que “Teníamos que mantenerle pobre, para que siguiera a nuestras órdenes”.

Elmyr/Monet

Descubiertas las falsificaciones, el Tribunal de vagos y maleantes le abrió una investigación, y fue condenado a dos meses de cárcel por homosexualidad, convivencia con delincuentes y “carecer de medios demostrables de subsistencia”

Se suicidó en la isla de Ibiza el 11 de diciembre de 1976, poco después de recibir la noticia de que iba a ser extraditado para ser juzgado por falsificación y después de despedirse de algunos de sus amigos más íntimos de la isla.

Y probablemente esta apasionante historia, digna a mi parecer de una buena película, hubiera pasado al olvido, sin pena ni gloria, de no ser por la biografía que de él escribió Clifford Irving,  fuente en tela de juicio por la falsa que escribió sobre Howard Hughes, y  el documental PROYECTO FAKE de Orson Welles, que habla sobre mentiras, trampas y fraudes en el mundo del arte. Ahí se trasluce la enorme burla que Elmyr hizo a los críticos, por no saber darse cuenta de lo que tenían delante.

El Circulo de Bellas Artes nos brinda una excepcional oportunidad para disfrutar de una significativa cantidad de las obras que pintó. Hay óleos, acuarelas, litografías…

Para el autor lo realmente fraudulento eran las leyes del mercado, no el concepto de falsificación.

Lo dejo esto último a vuestra consideración.  Espero que os haya gustado!

UN PASEO POR EL TEMPLO DE LA SABIDURÍA: LA BIBLIOTECA NACIONAL, EN EL DÍA DEL LIBRO

   Hoy es el día del libro, San Jorge o San Jordi en Cataluña. Por tal razón todas las redes sociales están echando humo publicando noticias a tal efecto. No es para menos. Parafraseando a André Maurois  “La lectura de un buen libro es un diálogo incesante en que el libro habla y el alma contesta”.

   Mi particular homenaje a la palabra escrita será este nuevo post, fruto del estudio del Museo de La Biblioteca Nacional,  ese gran desconocido que está esperando, como la perla en la ostra, ser descubierto por el público.
El MUSEO de la BIBLIOTECA NACIONAL nace con el objetivo de divulgar la historia de esta institución, sus colecciones y el trabajo de los profesionales que hacen posible que estas sean consultadas por parte de los lectores e investigadores.
   Hagamos una crónica histórica:
•La Biblioteca Nacional fue fundada en 1712 por el rey Felipe V, primer monarca de la dinastía borbónica, que trajo la idea del progreso cultural a nuestro país. Entonces se la llamó Real Biblioteca Pública. El nuevo proyecto real tenía dos objetivos, uno era el de fomentar el estudio de los súbditos, y el otro era reunir las bibliotecas incautadas a los nobles partidarios del otro pretendiente a la corona de España: Carlos de Habsburgo, durante el transcurso de la Guerra de Sucesión( 1702-1713)
También formaron parte de la Biblioteca los libros traídos de Francia por el propio Rey.
   Felipe V de Anjou, primer monarca borbónico.
•   La primera sede de la Biblioteca fue el pasadizo que unía el Real Alcázar con el Monasterio de la Encarnación.
•En 1716 la Biblioteca se financia con los impuestos obtenidos del Tabaco y de los Naipes, obteniendo el privilegio de que todo el que costeara o imprimiera libros y papeles, debía entregar un ejemplar encuadernado a la Biblioteca Real; fue el antecedente del actual Depósito Legal. Así el fondo de la biblioteca fue aumentando hasta constituirse en el centro depositario del patrimonio bibliográfico español
   Naipes de aquellos tiempos.
•En 1836 la Biblioteca deja de ser propiedad de la Corona. Pasa entonces a depender del Ministerio de la Gobernación y a denominarse Biblioteca Nacional.
•En 1838 la Biblioteca, que estaba situada en la Casa del Marqués de Alcañices, abre sus puertas a las mujeres como investigadoras, ya que hasta aquel momento sólo podían acudir en calidad de visitantes. La primera de todas fue Maria Antonia Gutiérrez. Lo que hoy en día es un hecho cotidiano tuvo un comienzo reivindicativo.
   Imagen del Palacio
•La Desamortización de Mendizábal incrementó notablemente las colecciones de la Biblioteca. A partir de 1856 los gobiernos liberales crearon una incipiente red de bibliotecas, el Cuerpo Facultativo de Archiveros y Bibliotecarios y la Escuela Diplomática, en la que se estudiaba Paleografía y Diplomática, ambas disciplinas básicas para su formación.
•Desde sus inicios la Biblioteca tuvo diversos emplazamientos, hasta que en 1866 Isabel II colocó la primera piedra del actual edificio, que abrió sus puertas al público el 16 de marzo de 1896.
 
   La Reina Isabel II.
La Biblioteca Nacional reúne, organiza y conserva, según datos de 2007, 21 millones de documentos. Cada año se incorpora a la Biblioteca una media de 900.000 documentos, la mayoría a través del Depósito Legal. Existen otras formas de adquisición: la compra, el donativo, el depósito y el canje.
   Una vez situados hablemos de la escritura. Mañana lo haremos acerca de la evolución de ella a través de los siglos. Hoy aprenderemos de las distintas escrituras en el mundo.
La escritura y sus soportes
•Desde el homo Sapiens de Altamira hasta la actualidad el ser humano se ha afanado en fijar y trasmitir sus conocimientos, utilizando para ello todo tipo de materiales e ideando sistemas de escritura o códigos para plasmarlos sobre esos soportes materiales
•En tiempos más recientes esta vieja aspiración se ha visto colmada con la captación del sonido y la imagen fija en movimiento, gracias a inventos como la fotografía, el cinematógrafo, etc.
Historia de la escritura
•Se cree que el hombre empezó a hablar entre los años 100.000 y 40.000 a. C.
•   Hasta que consiguió crear un sistema para escribir, sólo contó con la memoria para conservar su saber y sus tradiciones. Vivía en una cultura oral. Lo que sabía tenía que transmitirlo a la siguiente generación hablando y ésta tenía que conservarlo memorizando lo que oía.
•   Hacia el 30.000 a. C., el hombre empezó a dibujar y pintar: en piedras, en objetos, en las paredes de las cuevas…Las pinturas rupestres le sirvieron a menudo para representar lo principal de los relatos orales y ayudarle a recordarlos.
  Bisonte de Altamira
   Cueva de las manos, Argentina
•   La cultura oral tendió a desaparecer allí donde aparecieron sistemas de escritura. El paso de la cultura oral a la cultura escrita se considera el paso de la prehistoria a la historia.
   La escritura cuneiforme
•La escritura cuneiforme nace en Uruk, Mesopotamia, a orillas del río Eufrates (actual Irak), hacia el 3300 a. C. Y es una invención del pueblo sumerio.
•Es el primer sistema de escritura realmente desarrollado. Y también el primero que se usa no sólo en lo religioso sino también en el palacio, la escuela, y especialmente el mercado. Porque la escritura cuneiforme se deriva de un sistema para registrar tratos comerciales que emplearon los sumerios durante muchísimo tiempo( desde el noveno milenio a. C.).
•Los primero signos cuneiformes son ideográficos, es decir, cada signo representa un concepto ( un objeto, un ser, una acción…).
•Hubo entre 500 y 800 signos, de los que se usaban con más frecuencia 400.
•La escritura cuneiforme fue adoptada por numerosos pueblos, vecinos de los sumerios o más distantes incluso.
  Escritura egipcia
•Su rasgo más característico y conocido son los maravillosos jeroglíficos que la forman.
•Como la cuneiforme, al principio( hacia el año 3000 a. C ) la escritura egipcia fue ideográfica. Cada jeroglífico significaba lo que representaba: una estrella, un ser humano, un pájaro, una herramienta…
•Pero con el tiempo fue sufriendo transformaciones y a finales del tercer milenio y principios del segundo a. C., los jeroglíficos podían tener también un uso fonético, es decir, servían también para representar sonidos.
  Tablilla jeroglífica.
El alfabeto y su expansión
  El primer alfabeto lo idearon los fenicios hace mas de 3000 años.
Tiene 22 letras. Lo curioso es que todas son consonantes. Los signos para representar las vocales no aparecieron hasta que los griegos adoptaron el alfabeto fenicio.
   Alfabeto fenicio.
•En el siguiente paso de la evolución del alfabeto, los etruscos (predecesores de los romanos) adoptaron el alfabeto griego.
   Alfabeto griego
•Cuando éste pasó a los romanos, surgió el alfabeto latino, que es el que se usa en la mayor parte de Occidente actualmente.
•La otra rama que parte del alfabeto fenicio y da lugar al arameo (la lengua que se hablaba en la Palestina de Jesucristo) acaba en el otro gran alfabeto actual: el árabe.
   Alfabeto árabe.
   Paralelamente, hacia el 1.200 a. c surgen los llamados “huesos oraculares” en China, con los primeros caracteres de esta escritura. Los caracteres chinos más antiguos que se conocen ahora fueron descubiertos en una inscripción tallada con cuchillo sobre hueso de tortuga hace 3,000 años. Debido a la existencia de más de dos mil símbolos el aprendizaje de dicha escritura no lo emprenden los niños hasta los 8 años de edad.
 
   Distintos tipos de escritura chinos
 

  Especial atención hemos de dedicar también e la escritura del Valle del Indo( actual India y Pakistán), y los textos antiguos reflejados en sus Rij Veda utilizaron sistemas ideográficos.
  Sánscrito

   Es una de las escrituras más tempranamente documentadas. Significa “perfectamente hecho”
   Silabario devanagári.
   Es el idioma del yoga y otros lenguajes de meditación transcendental.
   De la América Maya destacamos el nahuatl, sistema de escritura ideográfico con similitudes con el jeroglífico, En él está escrito el códice trocortesiano.
   Escritura nahuatl.
SISTEMAS DE COMUNICACIÓN ADAPTADOS
•Desde el siglo XVI se han desarrollado sistemas de comunicación escritos para personas con algún tipo de discapacidad sensorial.
•El más conocido es el inventado en 1825 por el francés Louis Braille, quien creó el sistema que lleva su nombre. Se trata de un sistema de sesenta y cuatro signos formados por las combinaciones de seis puntos que, realizados en relieve pueden leerse con las yemas de los dedos. En su origen esta escritura se trazaba mediante una pauta o regleta con punzón sobre un papel especial que permite la reproducción del punto en relieve. Ahora se hace mecánicamente.
   Alfabeto Braille
•Para personas con problemas de comunicación verbal se emplean métodos basados en sistemas gráficos, como son los sistemas pictográficos:: A. Sistema Pictográfico de Comunicación o Pictograma PIC y B. Sistemas logográficos, como el sistema BLISS o REBUS.
 
  Soportes e instrumentos
•Las características de los muy diferentes soportes de escritura utilizados por las distintas civilizaciones han condicionado el tipo de escritura y el instrumento empleados: cincel, pincel, pluma de ave, bolígrafo…
•Los primeros testimonios escritos se conservan en tablillas de arcilla, de Mesopotamia. Más adelante los egipcios utilizaron el papiro, elaborado a partir de la planta del mismo nombre, que crecía en abundancia en las márgenes del Nilo.
   La planta de papiro, y debajo, el papiro listo para escribir en él.
•Este va perdiendo protagonismo frente al pergamino, elaborado a partir de piel de cordero, ternera o cabra, cuyo uso se prolongó durante mas de mil años.
   Pliego de pergamino
•Ya en el siglo XV se impuso el uso del papel, el soporte mas difundido del que se benefició la imprenta para su expansión.
   Desarrollado por el eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han oriental, en el S. II d. C;  hasta el siglo IX no fué extendido su uso por los árabes por occidente.
SOPORTES DE IMAGEN Y SONIDO
•En tiempos más recientes esta vieja aspiración se ha visto colmada con la captación del sonido y la imagen fija en movimiento, gracias a inventos como la fotografía, el cinematógrafo, etc.
   Cinematógrafo.
  Por su parte la historia de los soportes empleados para registrar sonidos e imágenes reales va pareja a los avances científicos.

Los principales soportes para el registro de las imágenes han sido el metal (daguerrotipos, ferrotipos o platinotipos), el papel (calcotipos, papel albúmina) y el vidrio (ambrotipos o placas de cristal).
   Ambrotipo

Para registrar sonidos dependiendo del sistema de grabación, se han utilizado cilindros de papel ahumado, chapas de estaño, cilindros y discos de cera, ebonita, pizarra o vinilo, para las cintas magnéticas, cintas de metal (DAT), discos compactos y DVD.

   Disco de vinilo.
   Mañana publicaré la segunda parte del post. Espero que os haya entretenido!

ABSTRACT EXPRESSIONISM, A BRIEF REFERENCE

“Only we agree that we are different”

This was the unwritten slogan of the New Yorker group dispersed artists of the 40’s and 50 generally qualified as abstract expressionists, or first generation of New York School.

Its source is more important in art and theories of Gauguin and his circle, and evolves from Matisse’s Fauvism to Abstract Expressionism Kandinsky painting pre-war.

It is an intuitive and emotional tradition rather than intellectual,  prefer organic and biomorphic forms to geometric, curved lines to straight lines, the decorative nature to structural.

His interest in the mystical, irrational and spontaneity talks about his romantic character.

Let’s talk about two of these masterpieces:

First of all “Full Fathom Five”, painted by Jackson Pollock

In the winter between 1946 and 1947 Pollock introduced a turning point in his work: abandoned traditional easel painting and began work on cloth spread on the ground. Pollock knew the technique of “dripping” in 1936, in the experimental workshop Mexican artist Alvaro Siqueiros.

Pollock described his painting process thoroughly in a paper to the journal “possibilities”, whose only issue appeared in the winter. “My painting does not come from the easel. Hardly extend the canvas before painting. Rather stick it to the wall studs or floor hard without extending. Need the resistance of a hard surface. On the floor I feel better. I feel closer box, am part of it, because I can move around, work it from all four sides and literally be in the works a method similar to Indian sand painters of the West. “Instead of traditional instruments such as easel, palette and brush, Pollock used to the techniques of dripping and pouring sticks, spatulas, knives or containers with leaking or spilling paint on the canvas without touching it directly. Sometimes paint mixed with other materials such as sand or pieces of glass.

The mesh of the upper layers of paint conceals a figure made ​​with lead paint. Objects on the table, eg key or button, folks are placed in relation to the hidden figure.

Pollock so named in honour of his work “The Tempest” by Shakespeare

Five fathoms here

Lies the body of your father

And his bones are coral, pearl eyes

Nothing he has dispersed

All he has transformed into sea

And it’s all beautiful, and it’s all strange

The second masterpiece is Ochre and red on red, painted by Mark Rothko.

Mark Rothko conceived in 1949 its characteristic horizontal arrangement of colour fields on a monochrome background, which persisted until the end.

The same would explain his decision to paint large format for a symposium: “I paint large pictures. Aware that, historically painting large pictures is to do something grand and ostentatious. Yet deep reason for this is my desire to be very intimate and human. Perform a small piece is placed outside of the experience, is to look at the experience as a stereotyped image through a lens or diminutive. But to paint a large box is inside, not something that is can have no more.

Rothko personally fixed the conditions of submission of his paintings: how to group them, hang them and enlighten. Your deep sensitivity required a deep relationship with their curators and collectors

in their efforts to trap light inside surfaces formed by layers, Rothko applied first a binder with pigment directly onto uncoated and untreated canvas in layers of oil paint so relieved that had the consistency of watercolour, overlaying a layer directly above the other. When the fugitive pigments suspended in a medium made ​​of egg yolk (a special recipe created by the own Rothko) filtered through dilute layers, one on the surface appeared whitish image.

“A picture comes to life in the presence of a sensitive viewer, whose consciousness develops and grows. However, the reaction of the viewer can be lethal. Hence the fact bring a picture to the world constitutes a risky and cruel audacity. How often suffer permanent damage because of the eyes of the common people or the cruelty of the impotent, that what they want most is to bring unhappiness to everything else?”

Mark Rothko.

Hope you enjoy it!

AVANT-GARDES FROM 1950 TO THE PRESENT. ULTIMATE PART

As I promised here is the Avant-gardes third and ultimate part.

ART AFTER WW2

From the second half of the twentieth century New York replaced Paris in his role as artistic center, being a land where no one has lived the war devastation .
The artwork becomes an object of consumption within the capitalist system, multiplying museums, modern art collections, biennials and exhibitions.

Guggenheim Bilbao

Solomon Guggenheim New York.
There is a limit avalanche currents imprecise engaged each other and in that mix different artistic languages.
The traditional techniques and materials will be displaced, and unconventional media were used as the body itself.
From the 80 there will be a plurality of trends that continues today.
The last quarter century artists introduce themes that reflect concern, globalization, immigration, feminism, the environment …

ABSTRACT EXPRESSIONISM

It takes place during the 40s and 50s in New York.
The automatic will significantly surrealists in abstract expressionism.
Recovers art passion for art. The painting is thus an event, an encounter between the artist and the material used.
It is a gesture painting used in expressive colors and large formats.
The artist is interested in being perceived almost total body involvement in the creative process.
We know two fold: 1. Action Painting (action painting)
2. paint color fields (color field painting)

Pollock action painting

Rothko colour fields painting.

EUROPEAN INFORMALISM

It was in Europe that the United States Abstract Expressionism, although the differences between the two movements are remarkable.
The informalistas felt disillusioned by Western culture, refusing the traditional way of painting.
Although abstraction are attracted sometimes include figurative elements.
Investigated with various materials (sand, plaster, dirt, rocks, etc.). Creating works that were called matéricas.

Dubuffet sculpture

Lucio Muñoz picture.

POP ART

The so-called “popular art” emerged in the decade of the 50 in Britain and the United States as opposed to abstract expressionism that had opened a gulf of misunderstanding between art and viewer.
The Pop recovers figuration to that art can be understood by the public.
They use more elements of everyday consumer society more recognizable by the public on foot: banners, packaging, comic strips, or the faces of the figures in the music world and the world of Hollywood.
Seriation introduced in the art world, this is the same picture is repeated several times in different colors in the same box.

Andy Warhol and Roy Lichtenstein.

NEW FIGURATIVE

In the 60s a number of trends emerge as an alternative to abstract trends prevailing in Europe and the U.S.
These proposals call for rendering realistic images more or less, in each case on the basis of different criteria.
Many of these trends maintain connections with Pop Art
Within this new configuration highlights the work of Francis Bacon. Using isolated deformed figures and claustrophobic interiors, English painter reflected this better than anyone the feeling of uneasiness of his time.


Meanwhile the new French realism is closer to reality through a process of appropriation of elements of the consumer society, recycling, accumulating them, compressing or packing them.
In narrative figuration resort to television, film, advertising and the comic to raise a critical conception of society.
The Hyperrealism point making photography; their representations are to pursue a greater realism to the camera, illusionists and paradoxical recovering procedures.

Gran Vía Antonio López.

NEW ABSTRACT

In the first half of the 60 was developed in the U.S. a current exalted pictorial geometry, crisp lines, hard outlines, expository simplicity and the primacy of color.
Attach more importance to analysis to action or emotion
Employ nontraditional media forms that just determining the compositions.

Morris Louis

OPTIC AND KINETIC ART

• The expression of the movement is the main concern of these two abstract tendencies.
• The works are composed of elements are arranged methodically optical illusion, the cause virtual motion on the retina of the viewer on a flat surface.
•.
• The viewer has an active role in the contemplation of the work.
• kinetic art refers to all works that reflect the different types of motion.
• When considering the two dimensions of insufficient canvas usually make sculptures, installations and mobile materials like aluminum, steel or plastic.
• The OP ART refers to works that are based on optical and visual sensations that are perceived by the human eye.
• The mechanisms used in the aim to generate a sense of virtual movement in the viewer’s retina.

 File:Móvil (Eusebio Sempere) MEAL Madrid 01.jpg
   Eusebio Sempere sculpture, Madrid
  Vasarely picture.
   MINIMAL, POVERA AND LAND ART

These three artistic trends have in common time of onset in the early 60s, and his reaction to the commodification of art.
Minimalism is characterized by extreme simplification from geometric shapes industrial look.
The organic materials used Povera and poor in order to disrupt the viewer’s reflection.
Land Art wants to remove the artwork from the Museum, for transfer to the nature.
Deserts, glaciers, rivers and fields are to support artists remnants of his works, trying that they come alive in the solitude of space.

Sol LeWitt, Mario Merz and Richard Long.

CONCEPTUAL ART

It was a movement that appeared in the mid-60s and remained until well into the 70s.
Is influenced by the Readymades of Marcel Duchamp.
Ideas and concepts are more important than the finished work of art.
It rejects the idea of the art object as a commodity.

Baldessari.

Alberto Corazón.

BODY ART, HAPPENINGS Y PERFORMANCES

They are ephemeral art forms, used by artists of various schools and countries since the 50s.
BODY ART The artist uses her body as an expressive and artistic support, in order to investigate the physical and psychological reactions it has to different stimuli.
The word means HAPPENING event.
In an attempt to relate art and life, the public is actively involved in actions which mixes elements of different languages ​​(music, theater, painting ..)
The PERFORMANCE also combines elements of theater, music and visual arts.
It differs from the Happening where actions are planned, and there is no active public participation.

Gilbert & George Performance artists

Allan Kaprow Happenings maker

POSTMODERN TRENDS AND ART TO XXI CENTURY

From the 80 is in crisis the concept of art, giving way to postmodernism.
It revises and reinterprets the past. Many streams retake the painting as an expressive medium.
Currents arise neo-expressionist figuration that retrieve and subjectivity.
ALEMAN neoexpresionismo
Its members, under some influence romantic and a great sense of nationalism, expressed through violent language.
Italian trans
Its members are like nomads who roam the historic tradition of artistic movements, to take from each what meets their aspirations plastic.
And express their vitality and their own conscience.
BAD PAINTING
In the same vein born this current abstract expressionist influences of artists like Schnabel

Anselm Kiefer

Enzo Cucci

 

Julián Schnabel

. A significant aspect is the rise of photography, which is presented below as the sovereign work instrument in its own right.
. It is also important to emphasize the importance that has taken the art of peripheral sites, in a globalized world (Africa, Latin America, and Asia) breaking the dominance of Western art as well as that done by women.
. In recent years there have been new support for the arts as a result of technological breakthroughs in communication.
. The audiovisual media, computer, and Internet have made alternative ways of expression that are reflected in the new forms of art.

Liu Jianhua

George Baselitz

Luis Gordillo.

A complex, multifaceted and exciting reality in the nowadays art. Hope you enjoy!

 

 

HISTORICAL AVANT-GARDES, SECOND PART

Are the many artistic movements and “isms” that occur at a rapid pace during the first third of the twentieth century until the outbreak of the World War.

The art center of gravity is in Europe, especially in Paris, focusing too in Germany and Russia.

The artists want placed outside the established, refusing to do traditional figurative art.

They share a desire experimental and innovative and reject any obstacle to your creativity.

His focus as found in 1. primitive, archaic and savage (carvings from Africa and Oceania)

2. Artistic expression of children and fools.

Aspiring to make an international art, its size and importance will be Universal.

FAUVISM

It represents a way of painting shared by a group of artists who coincided in France between 1905 and 1907.
The Fauvist color not used descriptively
They express their emotions establishing colorfully contrasts
The lines are very rhythmic and decorative.
They like to represent nature in a cheerful and optimistic

Henry Matisse

 

Benjamín Palencia.

EXPRESSIONISM

• In this avant-garde artists discussed their inner world. The underlying purpose is to express their emotions and moods individual, face an environment that they do not understand and find it hostile.
• His works convey a certain restlessness and anxiety about the world around them, usually linked to historical moments in which half a war.
• The lines are very rhythmic and decorative.
• Emphasizes freedom in the use of colors, sometimes used in very acidic ranges and shrill, and forms, sometimes including distortions and deformations.

Munch:The scream. Kirschnner: Franzie in front of the carved chair.

Utopia, Marc.

CUBISM

• Its creators were Picasso and Braque, who first applied to  the paint, and then spread to sculpture and other artistic languages
• The Cubists not want to imitate nature, but try to reinvent following a mental process and scientific.
• reflect reality from geometric shapes
• They represent different views of objects in the same plane.
• They use a very limited range of colors, form takes precedence over color.
• Eliminate the illusion of depth and abandon the traditional view.

 

Man with Clarinet, Picasso.

Violonchelo, Archipenko.

FUTURISM

It begins in 1909 in Italy with the intention of claiming the future and progress, refusing to do the values ​​of the past.
Les obsessed capture the movement and dynamism. His favorite subjects are the city, industry, factories, new transportation …
They represent different forces in a state of transformation and displacement

dynamism dog leash

Mobile Location graphic. Kupka.

THE ROAD TO ABSTRACTION

Appears in 1910 when the Russian painter Kandinsky to reach their study found that one of his paintings was upside down, and it seemed so much more beautiful and expressive.
Rejects the imitation of external reality.
The art is expressed through colors and shapes pose no issue.
Attach great importance to freedom of expression.
There are two major streams: lyrical abstraction more intuitive and expressive evolved to where many expressionists and surrealists, and geometric abstraction, more analytical and orderly, manifested in the Neo, Russian avant-garde movements and the German Bauhaus school.

Geometric and lyric abstraction, both of Kandinsky.

NEO

It is the name given to the aesthetic of a group together under the name of the magazine De Stijl (The Style), which served to promote this new movement that appeared in the Netherlands in 1917 by Piet Mondrian
The Neo tries to get a new universal order through art.
It is a purely abstract art, which simplifies the most natural forms.
They use regular geometric shapes, straight lines and primary colors.

Mondrian

 

author cabinet, De Stijl.

SUPREMATISM

Born in 1915 in St. Petersburg by the hand of MALEVICH This artist presented a series of abstract paintings which included his black square on a white background, one of the most revolutionary of all contemporary art.
It is a radical abstract movement that deviates completely from reality.
Use simple shapes: square, rectangle, cross, triangle and circle.
They use pure colors and especially black on white and white on white.

Malevich pictures.

CONSTRUCTIVISMO

When moving to the abstract image of the three-dimensional field, TATLIN takes the first steps of constructivism.
It is a movement fully abstract, geometric and functional three-dimensional potential advantage of Suprematism.
They use materials and manufacturing technology.
They want to build a functional art that serves society.

El Lissitzky proun.

AROUND THE ORDER

During the interwar period emerged all over Europe a series of streams linked to a more or less realistic figuration.
Reality constructed through a personal vision, regaining the lead elements had left.
Three current members of these postulates: Metaphysical painting, which developed in Italy with Giorgio de Chirico, Carlo Carra and Giorgio Moandi most representative artists., The New Objectivity, which was developed in Germany, and whose leading representatives are Otto Dix, George Grosz and Max Beckmann, and thirdly the School of Paris which includes several artists from different nationalities and agreed Montparnasse, as Soutine, Chagall and Modigliani, who created his personal style.

 

 

Metrópolis Grosz.

DADA

Born in full World War in a neutral city: Zurich, specifically in the Cabaret Voltaire, instead of artistic and literary evenings. Among those attending was the Romanian Tristan Tzara.
More than an art movement is a vital attitude dominated by rebellion and scandal. His spirit is based on the denial of almost everything, especially the bourgeois tradition and even art itself.
Support the provocation, absurdity and denial of almost all
Defend freedom and chance in the creative process.
Demystify the art, giving artistic significance to objects that were not before, as in the case of Marcel Duchamp, who brings a urinal in a public restroom and place it in a museum.

 

Duschamp urinary

Psychiatrist Schwitters.

SURREALISM

Its leader is Andre Breton, who writes the two manifestos of Surrealism in 1924 and 1930. In his theory had much to do the theories of psychoanalysis and dream interpretation of Freud.
It is a figurative style that explores the world of dreams and the subconscious.
They employ the technique of psychic automatism, which is being carried away by irrational stimuli without using logic.

Magritte

 

Dalí.

And tomorrow we´ll see the third part of the avantgardes adventure. Hope you enjoy, see you soon!