UN DÍA EN VALLADOLID MUY BIEN APROVECHADO

El pasado miércoles tuve la suerte de pasar el día en esta ciudad castellano-leonesa, sede temporal de la Corte en tiempos de Felipe III.

Cuando piensas en Valladolid en el plano artístico-cultural normalmente lo primero que se te viene a la cabeza es la Catedral de San Pablo o el Museo Nacional de Escultura. Pero tiene mucho más que visitar. De hecho en esta ocasión no nos hemos acercado a ninguno de los monumentos anteriormente citados. Y es que el patrimonio de la ciudad va mucho más allá.

La excusa para acudir allí era contemplar la muestra temporal que hay en el antiguo Monasterio de las Francesas sobre Fortuny y Madrazo, pero, afortunadamente el día dio para mucho más.

Lo primero que fuimos a visitar fué la Casa que Cervantes habitó de modo temporal durante la estancia de la Corte en tierras vallisoletanas. Como es de suponer nuestro escritor más internacional marchó en pos de Felipe III, y fruto de esa estancia nacieron algunas de sus Novelas Ejemplares. Además la Edición Príncipe del Quijote fué impresa y publicada en la Imprenta de Juan de la Cuesta de la Calle Atocha de Madrid mientras él estaba por allí. Fueron, pues, años esenciales para su trayectoria vital.

Situada en la Calle del Rastro está construida en ladrillo, y su fachada presenta balcones y ventanas recercados en yeso. En el jardín fueron instalados los restos de la antigua fachada del Hospital de la Resurrección que en tiempos de Cervantes se hallaba próximo a su casa.

Gracias a la intervención del gran mecenas y también cervantista marqués de la Vega- Inclán que consiguió las reparaciones y compras pertinentes con su propia ayuda más la ayuda que le prestó el rey Alfonso XIII , y la del Presidente de la Sociedad Hispánica de Nueva York , señor Archer Milton Huntington, íntimo amigo de Sorolla pudo conservarse y convertirse en museo la casa de Valladolid que durante algunos años cobijó a Cervantes y su familia.

Su rincón de inspiración.

Las Novelas Ejemplares: El coloquio de los perros, El casamiento engañoso, La ilustre fregona o El licenciado vidriera nacieron al abrigo de estas paredes.

Lo maravilloso es que está impecable, y dá una idea muy gráfica de cómo era la vida en aquel entonces.

Desde allí marchamos al Museo situado en el Monasterio de San Joaquín y Santa Ana.

Parece mentira, pero allí se encuentran tres obras de Francisco de Goya concebidas de modo específico para que fueran albergadas en sus muros, más tres de su suegro, Francisco de Bayeu ; en la iglesia interior cobijada por una arquitectura elíptica del mismísimo Sabatini. Se cubre el conjunto con una cúpula en la que se abren óculos, y una pequeña linterna. Recuerda poderosamente la arquitectura italiana de Borromini, uno de sus genios.

Una imagen interior.

Al lado de la Epístola se abre un coro monacal, con sillería neoclásica. Tanto nos gustó que preguntamos si en ese mágico recinto se celebraban bodas, a lo que nos dijeron que, pese a lo solicitado que está el lugar para ello no está permitido por el daño que puede sufrir esta pequeña joya.

La imagen que preside el retablo es la deliciosa familia de San Joaquín, Santa Ana y la Virgen Niña.

Las obras que de Goya custodia son las siguientes: Santa LudgardaLa muerte de San José y Los santos Bernardo y Roberto.

La muerte de San José representa una novedad, ya que esa escena ha sido rarísimamente representada dentro del repertorio iconográfico sagrado. La emoción que contiene es enorme. No en vano Goya estaba trasponiendo la muerte de su propio padre al lienzo. Ahora os explico con la obra delante

La imagen de San José que aparece tumbado no es otra que la del padre de Goya. Un Cristo prácticamente imberbe y de rostro redondo contempla la escena. Es la cara de Goya la que aparece retratada. ¿Y qué decir de la Virgen?¿ Acaso no es el rostro tantas veces contemplado en obras como El quitasol?

Las obras de Bayeu son, a su vez, Santa EscolásticaLa Inmaculada con San Francisco y San Antonio, y San Benito. Os hablaré de la leyenda de Santa Escolástica, digna de conocerse por estar impregnada de una fuerte espiritualidad y belleza. Veamos primero la obra

Santa Escolástica era hermana de S. Benito de Nursia, fun­dador y abad de Montecassino. Su figura se pierde en la leyenda y en las pocas noticias que nos transmiten los biógrafos del gran santo fundador del monacato de Occidente. La devoción por esta mujer santa y piadosa se ha mantenido a través de los siglos.
S. Gregorio Magno, en su segundo libro de los Diálogos, relata sus virtudes y hechos santos. Se consagró a Dios desde la infancia. Vivió luego cerca de su hermano en Cassino. Cada año se re­unía una vez con él para orar y hablar de Dios. El último encuentro es recordado con veneración.
Se prolongó el coloquio hasta tarde. Ella pidió a su hermano que se quedase por la noche para conversar más de Dios. El se negó y una terrible tormenta cayó en la zona, lo que le impidió salir. “Lo que no has querido concederme, Dios me lo ha dado”.
Tres días más tarde, Benito vio el alma de Escolástica subir al cielo en forma de una paloma. Regresó al monasterio y llevó su cadáver a Montecassino y la enterró en el oratorio de la cumbre del monte, donde todavía reposan sus restos junto a los de su hermano. El reconocimiento canónico y científico de sus huesos, junto con los de su hermano, hecho en 1950, confirmó la autenticidad de la tradición.

Preciosa la historia de esta Santa, que conocemos fielmente , como las de otros importantes santos a través de un libro clave para entender la iconografía cristiana: la Leyenda Áurea de Santiago (o Jacoppo) de la Vorágine. Siempre fué uno de mis volúmenes de cabecera durante mis años de estudiante.

Una imagen original del libro.

San Atilano. Lleva el pez en una mano y el anillo en la otra.

Otra de las historias sacadas de esta “novela de santos” es la de San Atilano. Se cuenta que peregrinó a Jerusalén, en penitencia por pecados de su juventud. Cuando abandonaba la ciudad al cruzar el puente, arrojó su anillo episcopal al Duero, con la esperanza de recuperarlo algún día como prenda segura del perdón obtenido. Tras dos años, inspirado por Dios, vuelve de incógnito a Zamora y recibe hospedaje muy cerca, en la ermita de San Vicente de Cornu. Preparando su comida, abre un pez recibido de limosna y dentro encuentra su anillo. Las campanas de la ciudad repicaron solas, y ante los zamoranos que acudieron a recibirle jubilosos, avisados por tal prodigio, apareció revestido milagrosamente con los ornamentos episcopales.

Otra curiosa historia, sacada de la Leyenda Aúrea.

Cautivadas por la iglesia  proseguimos la visita que nos llevó a la segunda planta. Allí, junto a casullas y ornamentos litúrgicos primorosamente guardados, realizados con telas ricas como seas traídas de Filipinas y China,  y custodiados en originales hornacinas, se hallaban una profusión de Niños Jesús de distintas tipologías suntuosamente ataviados. voy a enseñaros una hornacina que llamó poderosamente mi atención:

Al fondo una colección de trajes para el Niño Jesús, en primer plano una colección de zapatitos, y en el baúl una colección de rostrillos de la Virgen María.

Capítulo aparte es destacar la existencia de un Cristo Yacente de Gregorio Fernández, y de una Inmaculada de Pedro de Mena  dos de nuestros mejores artistas barrocos totalmente al alcance de nuestra vista, y de nuestras manos.

Cristo Yacente y Dolorosa. El Cristo sale en procesión todos los Sábados Santos.

El Museo nos dejó el mejor de los sabores de boca, salvo por una terrible noticia, que nos dio la persona que lleva al frente de la Institución desde hace veinte años: su inminente cierre. Y cuando eso ocurra, lamentablemente sus tesoros se dispersarán o acabarán quién sabe dónde.

En fin  de allí salí con la firme determinación de escribir al Presidente de Castilla y León para pedir que no lo cierren. No sé donde parará mi protesta, pero ahí quedará.

Fuimos a oír Misa a la Iglesia de Santiago, donde nos impactó el Retablo Barroco, de gran belleza, presidido por una imponente figura de Santiago Matamoros, y el riquísimo estofado que cubría el retablo en su totalidad.

Archivo:Valladolid - Santiago 08.JPG

Bella imagen del retablo.

Y el final del día fué apoteósico. Entramos en el Antiguo Convento de las Francesas, hoy habilitado como sala de exposiciones, para visitar una muestra a todas luces sensacional. Unir en un mismo espacio a dos familias tan relevantes en el mundo artístico de principios de siglo pasado es un acierto impresionante.

Son cerca de un centenar de obras que forman parte de colecciones privadas y cuya procedencia, en la mayoría de los casos, es el propio taller de los artistas (que además de ser cuñados, eran amigos).
Las obras presentadas son una serie de dibujos, acuarelas y pinturas de pequeño formato de gran valor iconográfico que representan el entorno más íntimo y privado de los artistas y que nos muestran a familiares y amigos retratados de una manera espontánea. Están reunidos aquí de una manera didáctica y así podemos ver un boceto y a su lado la obra terminada.

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Bellísimos dibujos de Fortuny, enmarcados de un modo exquisito.

A pesar de que Mariano Fortuny falleció a los treinta y seis años, fue un pintor prolijo e incansable dibujante, me atrevería a decir que el mejor de su época  En relación a Raimundo de Madrazo subrayó su triunfo como retratista en toda Europa y América, estando su obra caracterizada por una exquisita aptitud descriptiva y cromática. Su obra constituye un ejemplo del arte decimonónico gozando de un gran prestigio en los salones de París.

Fortuny y Madrazo. El dibujo español en el siglo XIX

Maravillosa escena carnavalesca de Fortuny. Para su realización empleó multitud de dibujos preparatorios que también se pueden admirar en la muestra.

En Fortuny , en sus magníficos dibujos y grabados, e incluso acuarelas de fragmentos decorativos de las casas tales como respaldos de sillas, empuñaduras de espadas, se puede adivinar la enorme pasión que sentía por curiosear en las diferentes almonedas y anticuarios que recorrió de manera incansable, arrastrado por una pasión que llevaba luego a sus lienzos, al papel.

Por otra parte, Madrazo, que ocupa la parte del coro del antiguo convento,  se formó en París en lugar de en Roma, y alcanzó talla internacional como gran retratista gracias a una precisa y depurada técnica pictórica que aprendió de su padre Federico y de su abuelo José, también prestigiosos pintores.

Dos formas de entender el proceso de la creación pictórica muy diferentes, pero salidos de los pinceles, de los lápices de dos de nuestros mejores artistas.

Os recomiendo vivamente que hagáis esta visita. ¡Tiene mucho que ofrecer Valladolid!

UNA TARDE EN LA PARADISÍACA POLINESIA DE LA MANO DE GAUGUIN “EL SALVAJE”

Aún con el recuerdo en la mente de la maravillosa proximidad que tuvimos la fortuna de sentir con Gauguin y sus nuevos lenguajes creativos, me siento a escribir esta entrada, que espero que sea del agrado de los que me leéis. Cuando estudiaba en la universidad a Gauguin y al círculo del impresionismo siempre me pareció una figura antipática, de un modo instintivo, así que aparqué deliberadamente toda intención de profundizar en su figura. Años después, y gracias a la maravillosa oportunidad brindada por el Thyssen en su veinte aniversario me doy perfecta cuenta de cuán equivocada estuve. De sabios es rectificar, y lo hago de un modo público. La vida de Gauguín( París 1948- Islas Marquesas, 1903) estuvo plena de acción, se podría decir que la mitad de su existencia transcurrió a bordo de algún barco recorriendo y explorando el ancho mundo. Según comentaba varias veces por sus venas corría sangre peruana, ya que alardeaba de tener un antepasado que fué el último virrey del Perú. Sus primeros nueve años de infancia transcurrieron en Río de Janeiro, donde se sintió un niño libre que hablaba español y corría por aquellos frondosos bosques. Esto marcará su trayectoria plena de viajes o como marino mercante o como oficial de la armada…y marcó el espíritu libre que le acompañó de por vida. Pero lo fundamental que acaeció en su vida fué el conocimiento de los artistas románticos en la magnífica colección que tenía su tutor, Ricardo Arosa. Allí “intimó” con el Delacroix seducido por Argel, y cuyo  cuadro nos saluda desde la primera sala a modo de introducción. Es toda una invitación al viaje, ¿no os parece? Su fascinación por esas tierras propiciaron su vuelta al primitivismo, a través de lo exótico, lo misterioso, esa civilización libre de ataduras que se le brindó generosa cuando, tras decirle a su mujer , Mette: “me voy a Panamá a vivir como un salvaje” puso rumbo a esas tierras. La imagen que aquí observamos está realizada a través de una de las ensoñaciones pictóricas del autor, que liberó su imaginación en el proceso creativo. La muchacha sentada con vestimenta rosa pertenecía a la misión católica que había acudido allí a evangelizarlos. ¿Percibís las enormes superficies de color, y el empleo “caprichoso” de éste? En “Mujeres tahitianas” (sobre estas líneas) se observa la fascinación que sintió por este tipo de mujeres, a las que representa de un modo hercúleo y algo achatadas. En el pareo de la de la izquierda se observan reminiscencias de la pintura japonesa, que le redescubrió Van Gogh durante su breve convivencia juntos en Arles. Desde un primer momento sentó las bases de la renovación pictórica  que tanta huella dejaría en su contemporáneos a los que nos referiremos en el diálogo que mantienen en la sala tercera de la muestra. Sería una técnica a partir de grandes superficies de color planas, sin gradación tonal, y una utilización arbitraria del color. Esto impactó de un modo radical en la corriente fauvista apadrinada por Matisse,cuya presencia en la muestra es de gran importancia. El paraíso tahitiano que veremos a continuación es, fundamentalmente un gran homenaje del pintor a la vida auténtica, pura, libre de encorsetamientos y condicionantes morales que impregnaba la vida de los habitantes de aquellas islas del pacífico. Fundamentalmente quiso perpetuar la cultura maori  en vías de desaparición. Muerte. Paisaje con pavos reales Matamua Nos impregnan estas pinturas de fragancias exóticas, recreando paisajes edénicos. A ello contribuyen poderosamente la explosión de colores en grandes masas cromáticas. En “Matamoe” nos habla de la muerte paradójicamente, íntima y misteriosamente ligada a lo salvaje de los trópicos; mientras que en “Matamua” aparece el simbolismo mítico y ancestral del “tiki”( ídolo religioso de forma humana) representando e Hina, la divinidad maori femenina que representa el mundo del misterio y de la noche. La composición se desdobla con el árbol que funciona a modo de bisagra, que desdobla la rotunda escena en la parte derecha, donde una de las mujeres sentadas toca la flauta, y la parte izquierda, en la que aparecen otras figuras realizando un baile ritual en torno a la diosa. Trilogía de los tres tikis o divinidades maoríes: Ku( dios masculino) Hina( esposa de Ku) y el hijo de ambos. ¿No traen a la mente enseguida las figuras de los moais  en la Isla de Pascua? En la tercera salas somos testigos de excepción del diálogo establecido entre Gauguin y los que siguieron su estela de ruptura y reencuentro con la jungla, lo misterioso y lo salvaje. Aventuremos lo que pueden estar diciéndose entre sí:

 

 

 

 

 

Henry Rousseau:” Gorila atacando a un indio

” “Gracias te doy, Gauguin, por abrirnos las puertas a tus coetáneos al maravilloso universo de la jungla, del mundo perdido a los ojos de la civilización humana. Mi lenguaje pictórico difiere del tuyo, ya que mi estética “naif” hace que delimite los contornos, de una manera deliberadamente ingenua. Creo que esa es la manera en la que me puedo expresar más libremente” Franz Marc “El sueño” “Imbuidos de tus enseñanzas en ese momento, oh salvaje Gauguin, mi amigo Kandinsky y yo fundamos “Der blaue reiter” fusionando mi pasión por los caballos y la de él por el color azul. Escapamos del mundo turbulento en que vivimos escapando con nuestra imaginación a un mundo arcádico, en el que hombre y animales convivirán en perfecta armonía. Lo hacemos dentro de nuestra particular teoría cromática, donde lo azul simboliza lo masculino y equilibrado, lo amarillo la locura y pasión de lo femenino, el rojo la fuerza, y el verde el equilibrio” “Selva tropical” Emil Nolde: “Enseguida me sentí impelido a salir en pos de tus pasos, Gauguin, tan pronto tuve noticias de tu libertad compositiva, y tu huida hacia naturalezas salvajes, en estado puro. Liberé la composición, introduciendo grandes extensiones de color y utilizando pequeñas manchas rojas, en forma de loros, para causar más impacto en el espectador. Todo dentro de un estilo anticlasicista y lleno de fuerza” Metzinger, “Bañistas” “Yo realicé mi particular versión del primitivismo dentro de una técnica divisionista. Sabedor de que tú, Gauguin estabas también fuertemente influido por el mundo de la vidriera medieval, quise acentuar el colorido, para que mis bañistas se asemejaran a una vidriera en movimiento. Dentro de una ensoñación que no tenía nada de académica” ¿No os imagináis el diálogo que establecen entre sí, y que bien podría ser el que he reproducido al hablar de ellos ? Etnográficamente hablando Gauguin siempre quiso vivir como ellos, pero siempre mostrando la diferencia entre las dos culturas, sin tener intención alguna de imitarles, sino de aprender, enriqueciéndose, de las diferencias palpables entre una y otra raza y cultura. Muchacha con abanico Maravilloso en esta línea el exótico retrato de esta joven nativa, ataviada con túnica blanca y exótico abanico, sentada en una silla colonial, posando para él con regocijo. La pintura de Gauguin se convirtió en un nuevo canon  una nueva forma de vivir para los expresionistas alemanes de la talla de Kirschner, que traslada a las mujeres desnudas a sus claustrofóbicos espacios( no hay que olvidar lo atormentado que estaba tras haber participado en un conflicto bélico) , Heckel, o Nolde, que se recreó en la fisonomía de los habitantes de los mares del sur, casi con precisión antropológica, todo un prodigio su estudio de las narices, pómulos, y rasgos anatómicos. Dos desnudos, Kirschner Papuan head, Nolde Otros pintores se lanzaron sin ambages a viajar a lugares exóticos, en lo que han llamado “La luna del sur” Resaltar las figuras de 1) Kandinsky, fascinado por el viaje que realizó a Argel en 1905( ¡qué teclas más diversas tocó de modo infatigable el autor ruso!) de cuya obra dejo plasmada una obra: Improvisación 6 (Africano) Kandinsky: Improvisación 6 Destaca en ella lo vibrante de un colorido fruto del influjo de la luz y el color, que quiso plasmar de un modo vibrante. 2) Matisse: “Flores y cerámica” En él el artista rinde su particular homenaje a Gauguin en la utilización de una superficie grande de azul lapislázuli en un bellísimo florero inserto en una composición como de collage. 3) Delaunay emprende un viaje etno-folclórico por la Península Ibérica y pinta su ” La portuguesa” dentro de su técnica cubista/ órfica donde introduce el concepto de sinfonía en su pintura, casi caleidoscópica. En la última sala, como colofón encontramos las obras peculiares que Matisse realizó desde la Polinesia francesa con sus  papiers découpés (papeles recortados), reverenciados como la culminación de su carrera y de su principio rector  “orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad” coincidió con el cineasta expresionista Murnau, que estaba realizando su película “Tabú” acerca de las costumbres nativas, y que se puede ver proyectada en una de las paredes de la sala. El esquimal Matisse: “El esquimal” Fotograma de “Tabú” Un público entregado, hizo que valorara más, si cabe, mi trabajo, que a la vez es mi vocación. También contribuyó el espectacular montaje  de la muestra por parte del Museo, auténtico maestro en estas lides. Espero haber aportado algo con la entrada. ¡Feliz sábado!

BROOKE ASTOR: FILÁNTROPA, COLECCIONISTA, NOVELISTA E ICONO DE LA ELEGANCIA

Repasando las noticias culturales, esta mañana tenía ganas de una de esas típicas historias fuera de lo común, de esas que ponen en funcionamiento las neuronas, convirtiéndote en investigadora.

De pronto ha aparecido ante mis ojos, ni más ni menos que lo que estaba buscando: Sothebys ha realizado hace escasos días una subasta de la colección de una mujer: Brooke Astor, de la cual no conocía más que el apellido, que vinculaba al mundo de la cosmética. Ávida de conocer más me he lanzado a la tarea, que trataré de compartir con vosotros.

Brooke Astor (30 de marzo de 1902- 13 de agosto de 2007) fue una filántropa estadounidense perteneciente a la alta sociedad, quien fue la presidenta de la Fundación Astor, que había sido creada por su tercer marido, Vincent Astor, hijo de John Jacob Astor IV y bisnieto del primer multi-millonario de los Estados Unidos, John Jacob Astor. Parece que toda esta rimbombante presentación le va que ni pintada a nuestra protagonista de hoy.

También fue una novelista y escribió dos volúmenes de memorias.

Roberta Brooke Russell nació en Portsmourh, New Hampshire, la única hija de John Henry Russell Jr,  quien fue comandante de la Infantería de Marina y su esposa, Cecilia Mabel Howard . Su abuelo paterno fue John Henry Russell, un almirante de la Marina de los EE.UU. Ella fue nombrada por su abuela materna, Roberta Traill Brooke MacGill Howard y fue conocida como Bobby por sus amigos cercanos y familiares.

Debido a la carrera de su padre, pasó gran parte de su niñez viviendo en China y la República Dominicana, así como en otros lugares.

Se casó con su primer marido, John Dryden  Kuser , poco después de su decimoséptimo cumpleaños, el 26 de abril de 1919, en Washington, DC.

“No recomendaría a los jóvenes ,casarse”, dijo más tarde. “A la edad de dieciséis años, las personas no están cuajadas todavía. La primera persona que miras, te enamoras y te casas.”

Su marido, fue hijo del financista y conservacionista coronel Anthony Rudolph Kuser, ynieto de el Senador john F. Dryden.

“Los peores años de mi vida”, fue como Brooke describió su primer matrimonio tumultuoso, que termino en divorcio por el abuso físico de su marido, presuntamente debido al alcoholismo y el adulterio.

Según Frances Kiernan,escritor de la biografía de Brooke, cuando Brooke tenía seis meses de embarazo del único hijo de la pareja, su marido se rompió la mandíbula durante una pelea conyugal. “Aprendí sobre costumbres terribles de la familia de mi primer marido” le dijo a The New York Times. “Ellos no saben cómo tratar a la gente.”. Al año de matrimonio, según un informe publicado durante el procedimiento de divorcio, Dryden Kuser comenzó a avergonzarla en las reuniones sociales,… le dijo que ya no la amaba y que su matrimonio fue un fracaso.

Con su primer marido. Tenían un mono.

Astor tuvo un niño con Dryden Kuser, Anthony Kuser Dryden nacido en 1924

En junio de 1929, Kuser acuso a su esposa de abandono matrimonial.

Después de esperar la culminación con éxito de su campaña senatorial de Nueva Jersey, ella solicitó el divorcio el 15 de febrero de 1930 en Reno, Nevada, el cual fue sentenciado ese mismo año.

Su segundo marido, con quien se casó en 1932, fue Charles Henry “Buddy” Marshall. Era el socio principal de la empresa de inversión Butler, Herrick& Marshall.

Brooke escribió más tarde que el matrimonio era “un partido de gran amor.”

Ella tenía dos hijastros por el matrimonio, Peter Marshall y Helen Marshall de Huntington.

En 1942  Anthony Dryden Kuser, entonces de 18 años, cambió su nombre a Anthony Marshall Dryden. No está claro si fue o no adoptado formalmente por su padrastro.

En 1953, once meses después de la muerte de Charles Henry Marshall, se casó con su tercer y último marido, Vincent Astor, quien fue presidente de la junta directiva de la revista Newsweek y el último miembro de de la familia Astor.

Fue el hijo mayor de John Jacob Astor IV  víctima del Titanic y su primera esposa, se había casado y divorciado dos veces antes y era conocido por tener una personalidad difícil.

“Vincent Tuvo una infancia terrible, y como resultado, tuvo momentos de profunda melancolía,” Brooke recordó. “Pero creo que me hacía feliz. Por eso me propuse hacerle reír, algo que nadie había hecho antes.

“Debido a su fortuna, Vincent sospechaba de todas las personas, ese mal traté de curarselo”.

De acuerdo con una historia en los círculos de la sociedad, Astor acordó divorciarse de su segunda esposa, Minnie, sólo después de que había encontrado a una cónyuge de reemplazo.

Durante su breve matrimonio con Astor, a quien llamó “el capitán”, Brooke participó en su inmobiliaria el negocio hotelero y sus acciones filantrópicas.

Entre 1954 y 1958, redecoro una de sus propiedades, el Hotel ST Regis, que había sido construido por su suegro.

 El St. Regis.

A pesar de que recibió varias propuestas de matrimonio después de la muerte de Vincent, decidió no volver a casarse. Ella comento “Yo tendría que casarme con un hombre de una edad adecuada y no es fácil. Francamente, creo que soy incasable ahora”, ella dijo en una entrevista en 1980, cuando tenía 78. “Estoy demasiada acostumbrada a tener las cosas a mi manera. Pero todavía puedo disfrutar de una coquetería de vez en cuando”.

En sus labores filantrópicas.

A pesar de que fue nombrada miembro de la junta directiva de la Fundación Astor poco después de su matrimonio, tras la muerte de Vincent en 1959, se hizo cargo de todas las instituciones filantrópicas que dejó su difunto esposo. A pesar de la liquidación de la Fundación Astor en 1997, continuó participando activamente en organizaciones de caridad y en la vida social de Nueva York. La Biblioteca Pública de Nueva York  fue siempre una obra de caridad favorita.

Como resultado de su trabajo de caridad, Astor fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1998.

El lema de su vida esta resumida en las siguientes palabras: “El dinero es como el estiércol, no vale la pena a menos que se reparta.”

Su residencia en Westchester.

Entre muchas otras organizaciones, participó en “ Lighthouse for the Blind”, la Asociación Central de Maternidad, la Casa Astor para los niños con trastornos emocionales, el Comité Internacional de Rescate, el Fondo de aire fresco, y Mujeres auxiliares de la Sociedad del Hospital de Nueva York.

Apartamento de Park Avenue.

La sofisticación que impregnó la vida personal de la millonaria y filántropa neoyorquina Brooke Astor se ofreció al público a través de los cuadros, las figuras de porcelana o las esculturas de bronce con las que decoró sus residencias y que se subastaron ayer en la Gran Manzana.

Hasta 1.500 obras de arte, muebles o joyas de la acaudalada neoyorquina (1902-2007) fueron puestas a la venta por la casa de subastas Sotheby’s, que acercó de este modo el estilo y la belleza que rodeó a Brooke Astor, presentes, por ejemplo, en un óleo del pintor orientalista John Frederick Lewis (1804-1876), que se vendió por 1,594 millones de dólares (1,23 millones de euros).

Ésta fue la pieza que alcanzó un precio más elevado de todas las que se ofrecieron y que sumaron una recaudación de 8,7 millones de dólares (6,7 millones de euros)

Uno de los artículos más cotizados fue otra obra de arte, en este caso un dibujo del paisajista veneciano Canaletto (1697-1768), que se vendió por 1,2 millones de dólares (927.240 euros), el doble del precio en el que estaba valorado.

La afición de Astor por el arte la hizo atesorar a lo largo de su vida, tanto en su lujoso apartamento de Park Avenue como en su finca del condado de Westchester (Nueva York), decenas de pinturas, entre las que figuraban varias de Tiepolo, una de las cuales se vendió por 722.500 dólares (558.275 euros).

Uno de los Tiépolos.

Esta pasión por las artes decorativas se encarnó también en piezas de porcelana y de laca orientales, algunas de la dinastía Qing, que alcanzaron un precio de 200.500 dólares (154.926 euros), así como espejos pintados, por los que se pagaron hasta 194.500 dólares (150.290 euros), o jarrones japoneses del siglo XVII, que no se quedaron atrás, con un valor de 170.500 dólares (131.728 euros)

Ese mismo precio alcanzó una figurita de bronce tibetana, fechada entre los siglos XIV y XV, que superó así con creces todas las expectativas, ya que estaba tasada únicamente en 12.000 dólares.

Gran parte de esta colección de arte oriental fue adquirida durante los años en los que Astor vivió en Pekín junto a su padre, el general John Russell.

Otra de las grandes motivaciones de la multimillonaria,fueron los animales, lo que se plasmó en sus cuadros, en los que los perros se convirtieron en una temática recurrente, o en esculturas y figuritas.

Un exponente de esto es una pequeña pieza de bronce y mármol, obra de Herbert Haseltine, que representa a un cerdo y cuyo precio ascendió a 50.000 dólares.

Tampoco faltaron en la subasta artículos de diversos juegos de vajilla y cubertería de plata, así como abundantes piezas de mobiliario entre los que figuraban mesas y butacas estilo Luis XVI, múltiples relojes, candelabros o un retrato de la propia Astor, que se vendió por 22.500 dólares.

Una parte importante de la venta la engrosan las piezas de joyería que tan características fueron a la filántropa, célebre por sus generosas obras de caridad y su compromiso con causas benéficas, por ejemplo, un collar de esmeraldas y diamantes o un anillo engastado con las mismas piedras preciosas.

Otra de las alhajas más sobresalientes es un broche de diamante, coral y rubí con forma de león inspirado en las esculturas que flanquean la Biblioteca Pública de Nueva York, una de las instituciones que se beneficiarán de lo recaudado en la subasta, junto al Museo de Arte Metropolitano, las escuelas de Nueva York o el Animal Medical Center.

Después de su fallecimiento, la herencia de Astor fue causa de gran controversia, hasta el punto de que su único hijo, Anthony Marshall, fue condenado en 2009 a tres años de cárcel por haber estafado a su madre en sus últimos años de vida, aprovechando que padecía mal de Alzheimer.

Gran mujer, y curiosa historia sobre la que bien podrá hacerse una serie de televisión del estilo de Downton Abbey, ¿No os parece? ¡Espero que os haya gustado!

EL TOP TEN DE LOS ROBOS EN OBRAS DE ARTE

El reciente robo de un Dalí en un Museo neoyorkino me ha hecho investigar en el tema de la sustracción de las obras de arte en todo el mundo, casos no resueltos, que han dado mucho que hablar y han hecho verter ríos de tinta al respecto.

Dejo aparte mi particular estupor, ante la imposibilidad de colocar dichas obras de arte en ningún mercado, dada la enorme repercusión mediática que suele acompañar a estas espectaculares y rocambolescas historias, urdidas con perfección matemática, y llevadas a cabo con maestría. Supongo que dichas orquestaciones provienen de encargos de coleccionistas privados millonarios, que pueden permitirse el lujo de encargar este tipo de trabajitos a ladrones profesionales, de esos denominados de “guante blanco”.

Mi investigación se basa en la lista que posee el FBI, que es a partir de la cual os ofrezco esta información.

En primer lugar, por la cuantía de las obras expoliadas y por la pasividad absoluta del ejército estadounidense tenemos el SAQUEO DE OBRAS IRAQUÍES EN BAGDAD.

En el se perdieron la friolera de 10.000 piezas arqueológicas de incalculable valor. Son los efectos colaterales de la guerra, tremenda barbarie, símbolo de la sinrazón humana.

La arqueología nace en el siglo XVIII en íntima relación al deseo de un reducido grupo de élite de adquirir obras de arte de la Antigüedad.

En este marco de hechos e ideas, podemos situar la figura de Gertrud Bell (1868-1926), escritora, viajera, analista política y arqueóloga por afición. Después de estudiar historia en Oxford, realizó varios viajes a Oriente. Sus conocimientos de la geografía y la política local le granjearon un lugar importante a la hora de trazar las fronteras del actual Irak (después de la caída del Imperio otomano en 1919) y de colocar a Faysal en el trono de ese país. Cuando la situación política se estabilizó, esta “reina sin corona de Mesopotamia” dejó de asesorar al nuevo rey y se dedicó de lleno a la arqueología. Estaba dispuesta a recuperar lo que, tanto ella como muchos europeos de su época, consideraba el pasado glorioso de Irak.

Gertrude Bell “La Reina del Desierto”

No sólo se destruyó una cantidad no estimada de vidas humanas. Otros muchos hombres y mujeres del pasado, que habían dejado el secreto de sus acciones escrito, tallado en el barro y las piedras de Irak, sacados a la luz por esta intrépida mujer, han sido condenados a una segunda y definitiva muerte con la destrucción de esos tesoros arqueológicos.

Imagen antes del expolio.

En segundo lugar encontramos el ROBO EN BOSTON
La madrugada del domingo 18 de marzo de 1990, la ciudad de Boston recibió un golpe mortal. Su pulcro museo, el Isabelle Stewart Gardner sufrió el robo de 13 pinturas de maestros del nivel de Rembrandt, Degas, Manet, Vermeer, entre otros autores.

La obra más valiosa fue “El concierto” del maestro holandés Vermeer, un óleo de 1660, valorado en más de 250 millones de dólares. El total completo de lo robado ascendió a más de 500 millones de dólares. Todo parece indicar que estos asaltantes sabían lo que querían, o por lo menos seguían fielmente las indicaciones de quien los contrató para realizar el asalto.

El Concierto de Vermeer.

Dos hombres disfrazados de policías entraron a la una y media de la madrugada, superaron hábilmente todas las medidas de seguridad del museo -abierto al público desde 1924- y amordazaron a los guardias.

Hoy, los agentes están en la posibilidad de precisar que la ruta seguida por los maleantes dentro del museo fue, en un inicio, ordenada, pero con el transcurrir de los minutos esta se volvió caótica y hasta absurda, pues se llevaron figuras de valor relativo dejando de lado verdaderas joyas del arte clásico.

Los investigadores del FBI cuentan que se llevaron, por ejemplo, un águila de bronce del Pabellón del Primer Regimiento de Napoleón, pero dejaron unas cartas firmadas por el propio emperador francés, de mucho mayor valor histórico y monetario. También despreciaron un Rafael original.

ROBOSIGLO.JPGNota de prensa de momento.

El mundo espera ver de nuevo las obras robadas. Veinte años es mucho tiempo.

En tercer lugar hallamos el robo de LA NATIVIDAD CON SAN LORENZO Y SAN FRANCISCO DE CARAVAGGIO del Oratorio de San Lorenzo de Palermo

En octubre de 1969, dos ladrones entraron en el oratorio de San Lorenzo en Palermo, Italia, y sustrajeron de su marco Natividad con San Lorenzo y San Francisco. Vale unos 20 millones de dólares. La última pista sobre su paradero la ha proporcionado el traficante italiano Francesco Marino Mannoia, que ha reconocido haber participado en el robo, sin dar mayores detalles.

La Natividad con San Francisco y San LorenzoLa obra de Caravaggio

En cuarto lugar encontramos EL STRADIVARIUS DAVIDOFF-MORINI

Se robaron en Nueva York dos caros ejemplares de estas obras de arte musicales: uno a la violinista Erica Morini en su apartamento en 1996. Realizado en 1727, había sido un regalo de su padre cuando cumplió 21 años. Da lástima pensar que la anciana, que ya contaba 91 años, perdiera semejante joya. El  otro fué sustraído de un Rolls Royce aparcado en Manhattan en el 1924, pertenecía a un parisino, Maucotel.

Anverso y reverso de la obra de arte.

El quinto robo sucedió en el MUSEO DE VAN GOGH DE AMSTERDAM.

Las telas desaparecidas, que estaban expuestas en la sala principal, son ‘La iglesia protestante de Nuenen’, fechada entre 1884 y 1885, y ‘La playa de Scheveningen al desatarse la tormenta’. Los ladrones accedieron al Museo por el techo, que era de cristal. Eran obras no aseguradas, y pese a que finalmente atraparon a los culpables, las obras nunca se han recuperado.

Las dos pertenecían a la primera etapa del proceso creativo de Van Gogh. ¿En qué pared estarán colgadas? ¡Ah! Eso pertenece al misterio.

El sexto misterio sin resolver es el robo de VISTA DE AUVERS-SUR-OISE DE  CEZANNE, robado en 1999 del Museo Ashmoleand de Oxford, en Inglaterra. Dicho cuadro esta valorado en tres millones de libras esterlinas, y aún no se ha dado con su paradero. La policía baraja que se encuentre probablemente en algún lugar de Europa del Este.

Es una de las obras más emblemáticas del pintor.

En séptima posición están  Los Murales DE GERTRUDE VANDERBILT WHITNEY. Fué una escultora y filántropa estadounidense.Estudió escultura en la Art Students League de Nueva York y luego recibió clases en París con Auguste Rodin. Whitney instaló sendos estudios de arte en Greenwich Village (Nueva York) y en Passy (París) y recibió elogios en Europa y Estados Unidos por sus trabajos.

Posando para la portada de Vogue.

Dos paneles de la fundadora del Whitney Museum, los denominados 3-A y 3-B, pertenecientes a la galería Maxfield Parrish, fueron sustraidos en 2002 en West Hollywood (California).

 Uno de los murales robados

Es famosa por su Monumento a la Fe Descubridora en Huelva.

La octava plaza la ocupa el MUSEO CHÁCARA DO CEU

Los ladrones sorprendieron a los guardias del museo, localizado en el antiquísimo barrio de Santa Teresa, y después de desarmarlos desactivaron el circuito interno de televisión y retuvieron a varios turistas que visitaban las instalaciones. La acción de los ladrones, que se produjo poco antes de que cerrasen el museo, no causó víctimas.

   Aprovecharon ademas que fué en un momento en que en las calles había unas 10.000 personas atraídas por el primer día de carnaval.

Jardines de Luxemburgo, Matisse.

Según las autoridades, los cuadros sustraídos son “Los dos balcones”, de Dalí; “La danza”, de Picasso; “Marine”, de Monet; y “Jardín de Luxemburgo”, de Matisse. Junto con estas obras fue sustraída una edición de “Toros”, libro de grabados de Pablo Picasso.
   Aún no han sido recuperadas.
   El penúltimo sitio de la lista lo ocupa un VAN MIERIS , robado a plena luz del día de una Galería en Nueva Gales del Sur en Sidney, Australia en 2007.
Un Caballero, pintura a óleo de 20 por 16 centímetros hecha entre 1657 e 1659, fue retirada de la pared en que estaba colgada, sacada de su molde y llevada de la galería, sin que los guardias de seguridad notasen.
El cuadro en cuestión.

El cuadro fue donado a la Galería, en 1993, por el filántropo James Fairfax. Se piensa que estuvo implicado alguien internamente. ¿Quien dijo que sólo ocurrían estas cosas en las películas?

   Y el décimo lugar de momento lo ocupa un GOLPE EN LA COLECCIÓN E. G. BUHRLE. En 2008 fueron robados cuatro lienzos de esta colección de Zúrich (Suiza), entre los que había obras de Paul Cezanne, El muchacho del chaleco rojo, felizmente recuperado por la policía serbia, Campo de amapolas cerca de Argenteuil, de Monet, también recuperada,  el Conde Lépic y sus hijas, de  Edgar Degas, que sigue en paradero desconocido.
   El Conde Lépic y sus hijas.
      Espero que hayáis aprendido un poco con este recorrido a lo largo y ancho del planeta. ¡Hay que seguir buscándolas sin desfallecer! Un saludo, y hasta la próxima!

EL ORIENT EXPRESS Y OTROS FERROCARRILES DE LUJO NACIDOS EL XIX

Cuando he leído las efemérides de hoy me he encontrado con una que ha atraído poderosamente mi atención: la que mencionaba que tal día como hoy, en 1883 el Orient Express partía por primera vez de París con destino Estambul; con la particularidad de ser un expreso dotado de coches-cama. Habida cuenta que el tren es mi medio de transporte favorito, y que he visto con fruición casi obsesiva la popular cinta de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express me he lanzado a investigar sobre la materia. Frecuentado por millonarios burgueses y miembros de la aristocracia europea, está rodeado de un aura de sofisticación y glamour, propios de finales del XIX , ejerciendo una fascinación inmediata. La revolucionaria idea de unir Europa occidental y el Sudoeste asiático nació en la mente de Georges Nagelmackers. El caballero en cuestión Dicho caballero belga fue creador de la francesa Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Esta compañía, creada en 1872, había sido la primera en Europa en introducir coches cama y vagones restaurante en los trenes (idea que había sido puesta en práctica ya en los Estados Unidos por Georges Pullman). En la década del 30 el Expreso de Oriente alcanzó su auge máximo, con tres servicios atravesando Europa: el Expreso de Oriente original, el Simplon Orient Express, y el nuevo Arlberg Orient Express, que seguía la trayectoria París – Budapest pasando por Zúrich e Innsbruck, con vagones siguiendo rumbo hasta Bucarest o hasta Atenas. En esta época Londres ya contaba con los servicios del Simplon. Rutas del Orient Express, quien pudiera, ¿no? Los pasajeros salían en tren con la British Southern Railway desde la estación Victoria hasta Dover, donde tomaban un ferry hacia Calais. A partir de allí seguían en tren hasta la estación La Gare de Lyon, en París, donde los vagones se acoplaban al Simplon. Fue en esta época que el Expreso de Oriente adquirió su fama de tren lujoso, ofreciendo un servicio de primera clase para sus pasajeros (en sus cocinas eran contratados renombrados chefs), que incluía miembros de la realeza, diplomáticos, millonarios y personalidades en general. El vagón de descanso El aura de misterio e intriga que envolvía al Orient Express atraía a los escritores como la miel a las moscas. Entre los muchos escritores que narraron el encanto del legendario tren se encuentran Eric Ambler, Lawrence Durell, Agatha Christie y Graham Greene, mientras que James Bond y Hércules Poirot son muchos de los personajes que experimentaron la emoción de viajar en él. El vagón restaurante El Orient Express ha tenido una vida más larga en la ficción que en la realidad. Su momento decisivo fue la II Guerra Mundial, la cual acabó con los ferrocarriles europeos y causó graves daños al material rodante de la Compagnie Internationale. Sin embargo, en noviembre de 1945 se volvió a abrir la ruta París-Estambul, ciudad ésta que cambió el nombre de Constantinopla en 1930. Pero los tiempos eran otros. Con la llegada de la guerra fría a Europa, los controles fronterizos se hicieron cada vez más lentos y tediosos. En aquél entonces era probable que los viajeros, en vez de encanto y emoción, encontraran hostilidad y sospecha.

Uno de los carteles. Bellas damas vestidas a la última servían de reclamo publicitario. A finales de 2009 el Orient Express realizó su último viaje. Los vuelos baratos y los trenes de alta velocidad acabaron con la estrella del Orient Express. El Transiberiano es una red ferroviaria que conecta la Rusia europea con las provincias del Lejano Oriente ruso, Mongolia y China Parece que los rusos también quisieron ejercer poder e influencia sobre raíles, así pues se lanzaron a este proyecto en su época más dorada. La ruta principal fue inaugurada tras trece años de trabajo, el 21 de julio de 1904.   Une  Moscú con la costa rusa del Océano Pacífico, más precisamente con Vladivostok (localizada en el Mar de Japón, y cuyo significado en ruso es “poder sobre oriente”), atravesando la mayor parte de la que fue Asia soviética. Esta vía, que atraviesa ocho zonas horarias y cuyo recorrido demanda cerca de 6 días de viaje, constituye el servicio continuo más largo del mundo. Trayecto del Transiberiano Vladivostok se había convertido en una importante ciudad portuaria, y la falta de comunicaciones entre la Rusia europea y sus provincias del Lejano Oriente era un problema que se hacía sentir. La construcción del ferrocarril comenzó en 1891 por iniciativa del Conde Serguéi Witte , quien por ese entonces ocupaba el Ministerio de Finanzas. La mano de obra para la construcción del Transiberiano fue constituida por convictos de la Isla Sajalín y otros lugares, y también por soldados rusos. Uno de los mayores obstáculos a los que se enfrentó la traza del tren fue el lago Baikal, localizado a unos 65 km al este de Irkutsk. Con sus 640 km de longitud y sus 1600 m de profundidad, inicialmente se atravesaba en barco. Lago Baikal, de los más grandes del mundo. Un ferry rompehielos fue adquirido a inglaterra para el traslado de la locomotora y coches de pasajeros, mientras que los pasajeros eran trasladados junto con sus equipajes en trineo de un extremo del lago hacia el otro. Este sistema se continuó aplicando hasta la finalización de la traza sobre el extremo sur del lago. Dos trenes han nacido al amparo del Transiberiano: el Trasmanchuriano, que sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú  y Chitá, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia China. Palacio en Manchuria. y el  Transmongoliano sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú y Ulan Ude, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia Mongolia y China. Mongolia El Transiberiano sigue siendo la vía de comunicación más importante de Rusia, al punto de que cerca del 30% de las exportaciones de este país son transportadas por ella. Si bien su atractivo turístico lleva a que muchos visitantes viajen en él, todavía es muy utilizado por los rusos en sus viajes domésticos.

 

 

Interior del coche restaurante. Y como broche final tenemos el Transcantábrico, ya en nuestro pais. Cien años después del mítico Orient Express, el primer tren turístico de España echa a andar desde León a Santiago de Compostela, en un viaje de 8 días y 7 noches por la historia de España, desde los tiempos prehistóricos a la actualidad.

Una de las suites. La belleza de la España Verde, sus paisajes, monumentos y el deleite de una gastronomía sin igual, aguardan al pasajero. El vagón restaurante. Funciona de mayo a octubre. Buena opción ¿Verdad? Tres rutas, tres caminos, muy diferentes entre ellos, cada uno con su elegancia, glamour y atractivo. El ser humano y sus ansias de viajar, de conocer, de ver mundo, satisfechas en estas tres alternativas.¿ Os venís conmigo?