El pasado miércoles tuve la suerte de pasar el día en esta ciudad castellano-leonesa, sede temporal de la Corte en tiempos de Felipe III.
Cuando piensas en Valladolid en el plano artístico-cultural normalmente lo primero que se te viene a la cabeza es la Catedral de San Pablo o el Museo Nacional de Escultura. Pero tiene mucho más que visitar. De hecho en esta ocasión no nos hemos acercado a ninguno de los monumentos anteriormente citados. Y es que el patrimonio de la ciudad va mucho más allá.
La excusa para acudir allí era contemplar la muestra temporal que hay en el antiguo Monasterio de las Francesas sobre Fortuny y Madrazo, pero, afortunadamente el día dio para mucho más.
Lo primero que fuimos a visitar fué la Casa que Cervantes habitó de modo temporal durante la estancia de la Corte en tierras vallisoletanas. Como es de suponer nuestro escritor más internacional marchó en pos de Felipe III, y fruto de esa estancia nacieron algunas de sus Novelas Ejemplares. Además la Edición Príncipe del Quijote fué impresa y publicada en la Imprenta de Juan de la Cuesta de la Calle Atocha de Madrid mientras él estaba por allí. Fueron, pues, años esenciales para su trayectoria vital.
Situada en la Calle del Rastro está construida en ladrillo, y su fachada presenta balcones y ventanas recercados en yeso. En el jardín fueron instalados los restos de la antigua fachada del Hospital de la Resurrección que en tiempos de Cervantes se hallaba próximo a su casa.
Gracias a la intervención del gran mecenas y también cervantista marqués de la Vega- Inclán que consiguió las reparaciones y compras pertinentes con su propia ayuda más la ayuda que le prestó el rey Alfonso XIII , y la del Presidente de la Sociedad Hispánica de Nueva York , señor Archer Milton Huntington, íntimo amigo de Sorolla pudo conservarse y convertirse en museo la casa de Valladolid que durante algunos años cobijó a Cervantes y su familia.
Su rincón de inspiración.
Las Novelas Ejemplares: El coloquio de los perros, El casamiento engañoso, La ilustre fregona o El licenciado vidriera nacieron al abrigo de estas paredes.
Lo maravilloso es que está impecable, y dá una idea muy gráfica de cómo era la vida en aquel entonces.
Desde allí marchamos al Museo situado en el Monasterio de San Joaquín y Santa Ana.
Parece mentira, pero allí se encuentran tres obras de Francisco de Goya concebidas de modo específico para que fueran albergadas en sus muros, más tres de su suegro, Francisco de Bayeu ; en la iglesia interior cobijada por una arquitectura elíptica del mismísimo Sabatini. Se cubre el conjunto con una cúpula en la que se abren óculos, y una pequeña linterna. Recuerda poderosamente la arquitectura italiana de Borromini, uno de sus genios.
Una imagen interior.
Al lado de la Epístola se abre un coro monacal, con sillería neoclásica. Tanto nos gustó que preguntamos si en ese mágico recinto se celebraban bodas, a lo que nos dijeron que, pese a lo solicitado que está el lugar para ello no está permitido por el daño que puede sufrir esta pequeña joya.
La imagen que preside el retablo es la deliciosa familia de San Joaquín, Santa Ana y la Virgen Niña.
Las obras que de Goya custodia son las siguientes: Santa Ludgarda; La muerte de San José y Los santos Bernardo y Roberto.
La muerte de San José representa una novedad, ya que esa escena ha sido rarísimamente representada dentro del repertorio iconográfico sagrado. La emoción que contiene es enorme. No en vano Goya estaba trasponiendo la muerte de su propio padre al lienzo. Ahora os explico con la obra delante
La imagen de San José que aparece tumbado no es otra que la del padre de Goya. Un Cristo prácticamente imberbe y de rostro redondo contempla la escena. Es la cara de Goya la que aparece retratada. ¿Y qué decir de la Virgen?¿ Acaso no es el rostro tantas veces contemplado en obras como El quitasol?
Las obras de Bayeu son, a su vez, Santa Escolástica, La Inmaculada con San Francisco y San Antonio, y San Benito. Os hablaré de la leyenda de Santa Escolástica, digna de conocerse por estar impregnada de una fuerte espiritualidad y belleza. Veamos primero la obra
Santa Escolástica era hermana de S. Benito de Nursia, fundador y abad de Montecassino. Su figura se pierde en la leyenda y en las pocas noticias que nos transmiten los biógrafos del gran santo fundador del monacato de Occidente. La devoción por esta mujer santa y piadosa se ha mantenido a través de los siglos.
S. Gregorio Magno, en su segundo libro de los Diálogos, relata sus virtudes y hechos santos. Se consagró a Dios desde la infancia. Vivió luego cerca de su hermano en Cassino. Cada año se reunía una vez con él para orar y hablar de Dios. El último encuentro es recordado con veneración.
Se prolongó el coloquio hasta tarde. Ella pidió a su hermano que se quedase por la noche para conversar más de Dios. El se negó y una terrible tormenta cayó en la zona, lo que le impidió salir. “Lo que no has querido concederme, Dios me lo ha dado”.
Tres días más tarde, Benito vio el alma de Escolástica subir al cielo en forma de una paloma. Regresó al monasterio y llevó su cadáver a Montecassino y la enterró en el oratorio de la cumbre del monte, donde todavía reposan sus restos junto a los de su hermano. El reconocimiento canónico y científico de sus huesos, junto con los de su hermano, hecho en 1950, confirmó la autenticidad de la tradición.
Preciosa la historia de esta Santa, que conocemos fielmente , como las de otros importantes santos a través de un libro clave para entender la iconografía cristiana: la Leyenda Áurea de Santiago (o Jacoppo) de la Vorágine. Siempre fué uno de mis volúmenes de cabecera durante mis años de estudiante.
Una imagen original del libro.
San Atilano. Lleva el pez en una mano y el anillo en la otra.
Otra de las historias sacadas de esta «novela de santos» es la de San Atilano. Se cuenta que peregrinó a Jerusalén, en penitencia por pecados de su juventud. Cuando abandonaba la ciudad al cruzar el puente, arrojó su anillo episcopal al Duero, con la esperanza de recuperarlo algún día como prenda segura del perdón obtenido. Tras dos años, inspirado por Dios, vuelve de incógnito a Zamora y recibe hospedaje muy cerca, en la ermita de San Vicente de Cornu. Preparando su comida, abre un pez recibido de limosna y dentro encuentra su anillo. Las campanas de la ciudad repicaron solas, y ante los zamoranos que acudieron a recibirle jubilosos, avisados por tal prodigio, apareció revestido milagrosamente con los ornamentos episcopales.
Otra curiosa historia, sacada de la Leyenda Aúrea.
Cautivadas por la iglesia proseguimos la visita que nos llevó a la segunda planta. Allí, junto a casullas y ornamentos litúrgicos primorosamente guardados, realizados con telas ricas como seas traídas de Filipinas y China, y custodiados en originales hornacinas, se hallaban una profusión de Niños Jesús de distintas tipologías suntuosamente ataviados. voy a enseñaros una hornacina que llamó poderosamente mi atención:
Al fondo una colección de trajes para el Niño Jesús, en primer plano una colección de zapatitos, y en el baúl una colección de rostrillos de la Virgen María.
Capítulo aparte es destacar la existencia de un Cristo Yacente de Gregorio Fernández, y de una Inmaculada de Pedro de Mena dos de nuestros mejores artistas barrocos totalmente al alcance de nuestra vista, y de nuestras manos.
Cristo Yacente y Dolorosa. El Cristo sale en procesión todos los Sábados Santos.
El Museo nos dejó el mejor de los sabores de boca, salvo por una terrible noticia, que nos dio la persona que lleva al frente de la Institución desde hace veinte años: su inminente cierre. Y cuando eso ocurra, lamentablemente sus tesoros se dispersarán o acabarán quién sabe dónde.
En fin de allí salí con la firme determinación de escribir al Presidente de Castilla y León para pedir que no lo cierren. No sé donde parará mi protesta, pero ahí quedará.
Fuimos a oír Misa a la Iglesia de Santiago, donde nos impactó el Retablo Barroco, de gran belleza, presidido por una imponente figura de Santiago Matamoros, y el riquísimo estofado que cubría el retablo en su totalidad.
Bella imagen del retablo.
Y el final del día fué apoteósico. Entramos en el Antiguo Convento de las Francesas, hoy habilitado como sala de exposiciones, para visitar una muestra a todas luces sensacional. Unir en un mismo espacio a dos familias tan relevantes en el mundo artístico de principios de siglo pasado es un acierto impresionante.
Son cerca de un centenar de obras que forman parte de colecciones privadas y cuya procedencia, en la mayoría de los casos, es el propio taller de los artistas (que además de ser cuñados, eran amigos).
Las obras presentadas son una serie de dibujos, acuarelas y pinturas de pequeño formato de gran valor iconográfico que representan el entorno más íntimo y privado de los artistas y que nos muestran a familiares y amigos retratados de una manera espontánea. Están reunidos aquí de una manera didáctica y así podemos ver un boceto y a su lado la obra terminada.
Bellísimos dibujos de Fortuny, enmarcados de un modo exquisito.
A pesar de que Mariano Fortuny falleció a los treinta y seis años, fue un pintor prolijo e incansable dibujante, me atrevería a decir que el mejor de su época En relación a Raimundo de Madrazo subrayó su triunfo como retratista en toda Europa y América, estando su obra caracterizada por una exquisita aptitud descriptiva y cromática. Su obra constituye un ejemplo del arte decimonónico gozando de un gran prestigio en los salones de París.
Maravillosa escena carnavalesca de Fortuny. Para su realización empleó multitud de dibujos preparatorios que también se pueden admirar en la muestra.
En Fortuny , en sus magníficos dibujos y grabados, e incluso acuarelas de fragmentos decorativos de las casas tales como respaldos de sillas, empuñaduras de espadas, se puede adivinar la enorme pasión que sentía por curiosear en las diferentes almonedas y anticuarios que recorrió de manera incansable, arrastrado por una pasión que llevaba luego a sus lienzos, al papel.
Por otra parte, Madrazo, que ocupa la parte del coro del antiguo convento, se formó en París en lugar de en Roma, y alcanzó talla internacional como gran retratista gracias a una precisa y depurada técnica pictórica que aprendió de su padre Federico y de su abuelo José, también prestigiosos pintores.
Dos formas de entender el proceso de la creación pictórica muy diferentes, pero salidos de los pinceles, de los lápices de dos de nuestros mejores artistas.
Os recomiendo vivamente que hagáis esta visita. ¡Tiene mucho que ofrecer Valladolid!
Pero lo fundamental que acaeció en su vida fué el conocimiento de los artistas románticos en la magnífica colección que tenía su tutor, Ricardo Arosa. Allí «intimó» con el Delacroix seducido por Argel, y cuyo cuadro nos saluda desde la primera sala a modo de introducción. 
La imagen que aquí observamos está realizada a través de una de las ensoñaciones pictóricas del autor, que liberó su imaginación en el proceso creativo. La muchacha sentada con vestimenta rosa pertenecía a la misión católica que había acudido allí a evangelizarlos. ¿Percibís las enormes superficies de color, y el empleo «caprichoso» de éste? En «Mujeres tahitianas» (sobre estas líneas) se observa la fascinación que sintió por este tipo de mujeres, a las que representa de un modo hercúleo y algo achatadas. En el pareo de la de la izquierda se observan reminiscencias de la pintura japonesa, que le redescubrió Van Gogh durante su breve convivencia juntos en Arles. Desde un primer momento sentó las bases de la renovación pictórica que tanta huella dejaría en su contemporáneos a los que nos referiremos en el diálogo que mantienen en la sala tercera de la muestra. Sería una técnica a partir de grandes superficies de color planas, sin gradación tonal, y una utilización arbitraria del color. Esto impactó de un modo radical en la corriente fauvista apadrinada por Matisse,cuya presencia en la muestra es de gran importancia. 
El paraíso tahitiano que veremos a continuación es, fundamentalmente un gran homenaje del pintor a la vida auténtica, pura, libre de encorsetamientos y condicionantes morales que impregnaba la vida de los habitantes de aquellas islas del pacífico. Fundamentalmente quiso perpetuar la cultura maori en vías de desaparición. 
Muerte. Paisaje con pavos reales 
Matamua Nos impregnan estas pinturas de fragancias exóticas, recreando paisajes edénicos. A ello contribuyen poderosamente la explosión de colores en grandes masas cromáticas. En «Matamoe» nos habla de la muerte paradójicamente, íntima y misteriosamente ligada a lo salvaje de los trópicos; mientras que en «Matamua» aparece el simbolismo mítico y ancestral del «tiki»( ídolo religioso de forma humana) representando e Hina, la divinidad maori femenina que representa el mundo del misterio y de la noche. La composición se desdobla con el árbol que funciona a modo de bisagra, que desdobla la rotunda escena en la parte derecha, donde una de las mujeres sentadas toca la flauta, y la parte izquierda, en la que aparecen otras figuras realizando un baile ritual en torno a la diosa. 
Trilogía de los tres tikis o divinidades maoríes: Ku( dios masculino) Hina( esposa de Ku) y el hijo de ambos. ¿No traen a la mente enseguida las figuras de los moais en la Isla de Pascua? En la tercera salas somos testigos de excepción del diálogo establecido entre Gauguin y los que siguieron su estela de ruptura y reencuentro con la jungla, lo misterioso y lo salvaje. Aventuremos lo que pueden estar diciéndose entre sí:
Franz Marc «El sueño» «Imbuidos de tus enseñanzas en ese momento, oh salvaje Gauguin, mi amigo Kandinsky y yo fundamos «Der blaue reiter» fusionando mi pasión por los caballos y la de él por el color azul. Escapamos del mundo turbulento en que vivimos escapando con nuestra imaginación a un mundo arcádico, en el que hombre y animales convivirán en perfecta armonía. Lo hacemos dentro de nuestra particular teoría cromática, donde lo azul simboliza lo masculino y equilibrado, lo amarillo la locura y pasión de lo femenino, el rojo la fuerza, y el verde el equilibrio» 
«Selva tropical» Emil Nolde: «Enseguida me sentí impelido a salir en pos de tus pasos, Gauguin, tan pronto tuve noticias de tu libertad compositiva, y tu huida hacia naturalezas salvajes, en estado puro. Liberé la composición, introduciendo grandes extensiones de color y utilizando pequeñas manchas rojas, en forma de loros, para causar más impacto en el espectador. Todo dentro de un estilo anticlasicista y lleno de fuerza» 
Metzinger, «Bañistas» «Yo realicé mi particular versión del primitivismo dentro de una técnica divisionista. Sabedor de que tú, Gauguin estabas también fuertemente influido por el mundo de la vidriera medieval, quise acentuar el colorido, para que mis bañistas se asemejaran a una vidriera en movimiento. Dentro de una ensoñación que no tenía nada de académica» ¿No os imagináis el diálogo que establecen entre sí, y que bien podría ser el que he reproducido al hablar de ellos ? Etnográficamente hablando Gauguin siempre quiso vivir como ellos, pero siempre mostrando la diferencia entre las dos culturas, sin tener intención alguna de imitarles, sino de aprender, enriqueciéndose, de las diferencias palpables entre una y otra raza y cultura. 
Maravilloso en esta línea el exótico retrato de esta joven nativa, ataviada con túnica blanca y exótico abanico, sentada en una silla colonial, posando para él con regocijo. La pintura de Gauguin se convirtió en un nuevo canon una nueva forma de vivir para los expresionistas alemanes de la talla de Kirschner, que traslada a las mujeres desnudas a sus claustrofóbicos espacios( no hay que olvidar lo atormentado que estaba tras haber participado en un conflicto bélico) , Heckel, o Nolde, que se recreó en la fisonomía de los habitantes de los mares del sur, casi con precisión antropológica, todo un prodigio su estudio de las narices, pómulos, y rasgos anatómicos. 
Dos desnudos, Kirschner 
Papuan head, Nolde Otros pintores se lanzaron sin ambages a viajar a lugares exóticos, en lo que han llamado «La luna del sur» Resaltar las figuras de 1) Kandinsky, fascinado por el viaje que realizó a Argel en 1905( ¡qué teclas más diversas tocó de modo infatigable el autor ruso!) de cuya obra dejo plasmada una obra: 
Kandinsky: Improvisación 6 Destaca en ella lo vibrante de un colorido fruto del influjo de la luz y el color, que quiso plasmar de un modo vibrante. 2) Matisse: 
«Flores y cerámica» En él el artista rinde su particular homenaje a Gauguin en la utilización de una superficie grande de azul lapislázuli en un bellísimo florero inserto en una composición como de collage. 3) Delaunay emprende un viaje etno-folclórico por la Península Ibérica y pinta su » La portuguesa» dentro de su técnica cubista/ órfica donde introduce el concepto de sinfonía en su pintura, casi caleidoscópica. 
En la última sala, como colofón encontramos las obras peculiares que Matisse realizó desde la Polinesia francesa con sus papiers découpés (papeles recortados), reverenciados como la culminación de su carrera y de su principio rector “orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad” coincidió con el cineasta expresionista Murnau, que estaba realizando su película «Tabú» acerca de las costumbres nativas, y que se puede ver proyectada en una de las paredes de la sala. 
Matisse: «El esquimal» 
Fotograma de «Tabú» Un público entregado, hizo que valorara más, si cabe, mi trabajo, que a la vez es mi vocación. También contribuyó el espectacular montaje de la muestra por parte del Museo, auténtico maestro en estas lides. Espero haber aportado algo con la entrada. ¡Feliz sábado!
Con su primer marido. Tenían un mono.
El St. Regis.
En sus labores filantrópicas.
Su residencia en Westchester.
Apartamento de Park Avenue.
Gertrude Bell «La Reina del Desierto»
Imagen antes del expolio.
El Concierto de Vermeer.
Anverso y reverso de la obra de arte.
Posando para la portada de Vogue.
El cuadro en cuestión.
Frecuentado por millonarios burgueses y miembros de la aristocracia europea, está rodeado de un aura de sofisticación y glamour, propios de finales del XIX , ejerciendo una fascinación inmediata. La revolucionaria idea de unir Europa occidental y el Sudoeste asiático nació en la mente de Georges Nagelmackers. 
El caballero en cuestión Dicho caballero belga fue creador de la francesa Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Esta compañía, creada en 1872, había sido la primera en Europa en introducir coches cama y vagones restaurante en los trenes (idea que había sido puesta en práctica ya en los Estados Unidos por Georges Pullman). En la década del 30 el Expreso de Oriente alcanzó su auge máximo, con tres servicios atravesando Europa: el Expreso de Oriente original, el Simplon Orient Express, y el nuevo Arlberg Orient Express, que seguía la trayectoria París – Budapest pasando por Zúrich e Innsbruck, con vagones siguiendo rumbo hasta Bucarest o hasta Atenas. En esta época Londres ya contaba con los servicios del Simplon. 
Rutas del Orient Express, quien pudiera, ¿no? Los pasajeros salían en tren con la British Southern Railway desde la estación Victoria hasta Dover, donde tomaban un ferry hacia Calais. A partir de allí seguían en tren hasta la estación La Gare de Lyon, en París, donde los vagones se acoplaban al Simplon. Fue en esta época que el Expreso de Oriente adquirió su fama de tren lujoso, ofreciendo un servicio de primera clase para sus pasajeros (en sus cocinas eran contratados renombrados chefs), que incluía miembros de la realeza, diplomáticos, millonarios y personalidades en general. 
El vagón de descanso El aura de misterio e intriga que envolvía al Orient Express atraía a los escritores como la miel a las moscas. Entre los muchos escritores que narraron el encanto del legendario tren se encuentran Eric Ambler, Lawrence Durell, Agatha Christie
El vagón restaurante El Orient Express ha tenido una vida más larga en la ficción que en la realidad. Su momento decisivo fue la II Guerra Mundial, la cual acabó con los ferrocarriles europeos y causó graves daños al material rodante de la Compagnie Internationale. Sin embargo, en noviembre de 1945 se volvió a abrir la ruta París-Estambul, ciudad ésta que cambió el nombre de Constantinopla en 1930. Pero los tiempos eran otros. Con la llegada de la guerra fría a Europa, los controles fronterizos se hicieron cada vez más lentos y tediosos. En aquél entonces era probable que los viajeros, en vez de encanto y emoción, encontraran hostilidad y sospecha. 
Trayecto del Transiberiano Vladivostok se había convertido en una importante ciudad portuaria, y la falta de comunicaciones entre la Rusia europea y sus provincias del Lejano Oriente era un problema que se hacía sentir. La construcción del ferrocarril comenzó en 1891 por iniciativa del Conde Serguéi
Lago Baikal, de los más grandes del mundo. Un ferry rompehielos fue adquirido a inglaterra para el traslado de la locomotora y coches de pasajeros, mientras que los pasajeros eran trasladados junto con sus equipajes en trineo de un extremo del lago hacia el otro. Este sistema se continuó aplicando hasta la finalización de la traza sobre el extremo sur del lago. Dos trenes han nacido al amparo del Transiberiano: el Trasmanchuriano, que sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú y Chitá, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia China. 
Palacio en Manchuria. y el Transmongoliano sigue el mismo recorrido que el Transiberiano entre Moscú y Ulan Ude, para luego atravesar las siguientes poblaciones en su camino hacia Mongolia y China. 
Mongolia El Transiberiano sigue siendo la vía de comunicación más importante de Rusia, al punto de que cerca del 30% de las exportaciones de este país son transportadas por ella. Si bien su atractivo turístico lleva a que muchos visitantes viajen en él, todavía es muy utilizado por los rusos en sus viajes domésticos..jpg)
El vagón restaurante. Funciona de mayo a octubre. Buena opción ¿Verdad? Tres rutas, tres caminos, muy diferentes entre ellos, cada uno con su elegancia, glamour y atractivo. El ser humano y sus ansias de viajar, de conocer, de ver mundo, satisfechas en estas tres alternativas.¿ Os venís conmigo?
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