MARÍA BLANCHARD, EL ALMA DEL CUBISMO

El domingo disfrutamos en el Museo Reina Sofía de una muestra a todas luces imprescindible: me refiero a la de María Blanchard, que organizan el mismo museo junto a la Fundación Botín, como no podía ser de otra forma, hablando de esta santanderina universal.

Se reivindica de este modo la personalidad y la figura de una artista que marcó profundamente la vanguardia cubista a golpe de esos retazos de su vida y sentimientos, de esos pedazos de su alma que quedaron vívidamente impresos en los lienzos que pintó.

A mi he de decir que la travesía vital de esta pintora, de esta mujer, me marca de un modo especial, me atrae de un modo subyugante, y me conmueve al mismo tiempo, por lo que estas líneas irradiarán esos sentimientos inconscientemente. Creo que cuando la conozcáis un poco os ocurrirá como a mí.

María Blanchard nace el 6 de marzo de 1881 en el seno de una familia de la nueva burguesía santanderina. La familia Gutiérrez-Cueto Blanchard; tenían ya dos hijas cuando nació:  Aurelia, y Carmen; años más tarde nacería su otra hija Ana.

Siempre se movió en un medio muy culto; no en vano su abuelo fue el fundador de La Abeja montañesa y su padre de El Atlántico, prestigioso diario liberal que dirigió durante diez años.

Imagen del periódico que dirigió su padre.

María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad  condicionará desde su nacimiento tanto su destino como la devoción por su trabajo.

Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente su propia imagen, por lo que apenas existen fotografías de la artista.  La pluma de Ramón Gómez de la Serna nos deja su mejor descripción: “Menudita, con su pelo castaño despeinado en flotantes, tenía mirada de niña, mirada susurrante de pájaro con triste alegría”. Algunas de sus palabras  reflejan su propia opinión sobre su físico y su obra.”no tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo” o “cambiaría toda mi obra… por un poco de belleza”.

María en imagen de archivo.

El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad sus dotes para el dibujo y su extraordinaria sensibilidad.

Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Aquí es donde primero notó el zarpazo de una sociedad cerrada, y con él sus sufrimientos.

Al año siguiente muere su padre, por lo que toda la familia decide trasladarse a Madrid, hecho que supuso para ella el necesario espaldarazo que su alma en ese momento estaba pidiendo a gritos.

Estudió en el año 1906 con Fernando Alvarez de Sotomayor y empieza a exponer en Bellas Artes. Dos años más tarde concurre de nuevo, consiguiendo tercera medalla de pintura con la obra Los primeros pasos. Ese año entra en el taller de Manuel Benedito( del cual hay una magnífica fundación en la calle José Ortega y Gasset, altamente recomendable) . La diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos.

La muestra se articula en torno a tres momentos, tres etapas que conformaron su recorrido tanto artístico como vital, aquí están:

Entre 1908 y 1913 transcurre la maduración de una identidad pictórica propia donde se aprecia la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Es la época de las obras tempranas, los estudios en París y sus primeros contactos con pintores como Anglada Camarasa y Diego Rivera. María absorbe todo este mosaico de experiencias con avidez, y gesta con ellas su propio estilo, lleno de color, dotándolo de una humanidad que será una de sus “marca de fábrica” en toda su trayectoria.

A partir de 1913 y hasta 1919 Blanchard, de regreso en París, entra activamente en el círculo cubista de la mano de Rivera. Plena conocedora de los avances estéticos y formales de la nueva vanguardia, se suma con voz propia a este movimiento.

Desde 1915 fijará su residencia definitiva en París, donde llegará a ser una figura reconocida, partícipe de las discusiones cubistas y amiga íntima de Lipchitz y Juan Gris. Blanchard lograría un perfecto dominio de la expresión cubista sintética, unida a un orden cromático sentimental lleno de plasticidad poética. Los recursos del collage y de la utilización de diversos materiales en su obra, hasta convertirla en una suerte de cubismo matérico, hablan de su preclara mente y lo avanzado de su estética.

File:Mblanchard3.jpg

Los años finales de la experiencia cubista serán también los del reconocimiento público, con la participación en exposiciones junto a los otros grandes nombres del cubismo.

Cubismo sintético, collage.

Una última Etapa de Retorno al Orden hasta su fallecimiento en 1932 muestra a una artista progresivamente aislada, marcada por sus dolencias físicas y volcada en una pintura que es expresión de sus propias vivencias, y que muestra fuertes acentos espirituales después de 1927, año en que la muerte de Gris conmueve a la artista.

Os invito a formar parte de la vida de esta mujer tan apasionante, que pintaba con pincelada violenta y llena de color un mundo y una vida que le hubiera gustado que fuera de otra manera.  Me alegro de que el Reina haya tenido esta fantástica iniciativa de rescatar del injustificado olvido a un alma independiente, liberada de un cuerpo que la oprimió físicamente, pero nunca psíquicamente, en ese sentido siempre fué libre, como nos demuestra en una obra rotunda y original.

Y además si visitáis el museo podréis gozar también de la muestra fotográfica del americano Robert Adams, y en breve de una muestra que será un bombazo: “Metonimia” de Cristina Iglesias. ¡Muchos éxitos al Reina Sofía!

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EL MADRID DEL PASEO DEL PRADO Y RECOLETOS.:DE CIUDAD DE LAS ARTES Y LAS CIENCIAS CON CARLOS III A MILLA DE ORO DEL ARTE ACTUAL

La verdad es que los que vivimos en Madrid a veces no somos conscientes de la importancia que tienen los dos paseos que arrancaron en el siglo XVIII el proyecto más ambicioso de Carlos III, conocido con el sobrenombre de “mejor alcalde de Madrid”.

Durante los primeros 50 años de reformas borbónicas, con Felipe V  y Fernando VI la ciudad ya había comenzado a “lavarse la cara”; se habían empezado a construir alcantarillados, y habían comenzado a iluminarse calles y edificios…estas reformas no serán completas hasta la llegada de Carlos III. El paseo del Prado, antiguo Prado de San Jerónimo es convertido en calle por orden real dada al arquitecto José de Hermosilla, quien empedra la calle y soterra el arroyo Valnegral, que pasaba por allí (venía de la Plaza de Castilla y desembocaba en el Manzanares, ¡señor arroyo era!)

La fuente de Atocha, con  puerta detrás( hoy tristemente desaparecida)

Esta fuente también se conoce con el nombre de fuente de la alcachofa. La que está actualmente es una copia, estando la original dentro del Parque del Retiro. Su cuerpo bajo lo constituyen dos figuras, hombre y mujer, bajo la forma de tritones de la mitología clásica. El primer cuerpo está formado por una taza, cubierta de hojas y flanqueada por angelotes, y en la cúspide la alcachofa, a la que se atribuyó en tiempos de Felipe IV una milagrosa curación de unas fuertes anginas. Además tiene propiedades diuréticas.

El esquema de esta zona de la ciudad, que el rey quería dedicar íntegra a las artes y las ciencias, tendría una parte central arbolada y peatonal, y dos calles laterales, de subida y de bajada, dividida en tres sectores divididos por las fuentes: Atocha, San Jerónimo, y San Martín.

El edificio que hoy cobija el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía fué el primitivo Hospital de San Carlos, el primero que se crea en Madrid para estudiar al hombre. Está situado en las afueras por razones sanitarias( estaba prohibido tener dichos centros dentro de la ciudad por el temor al contagio de las distintas enfermedades que albergaban). Se concibió como edificio moderno, con clases de medicina, Cátedra para profesores y estudiantes, y estaba dotado del cercano Jardín Botánico para la farmacia del lugar.

Imagen del primitivo Hospital.

Finalmente sólo se edifica una tercera parte de lo proyectado( no es de extrañar, era un macroproyecto que superaba en espacio al Palacio Real), y se abren en él tres instituciones novedosas: el laboratorio de mineralogía, el de química, y otro de cirugía, con permiso legal para diseccionar e investigar cadáveres.

Hoy día es el Museo referente del arte contemporáneo de la ciudad, y alberga, entre otras la exposición de María Blanchard, altamente recomendable, y, a partir de primavera la muestra más ambiciosa que de Dalí se ha visto en Madrid.

Unos pasos mas allá Carlos III construye otro edificio para el estudio sistemático de las ciencias naturales: el Jardín Botánico.. Ya en tiempos de Felipe II hubo uno en Aranjuez, y con Fernando Vi en la Carretera el Pardo; la novedad de Carlos III estuvo en construirlo dentro de la ciudad, ¿con qué motivo? con el de acercar la ciencia al pueblo, por eso se hizo visible desde la calle.

El edificio es del arquitecto Juan de Villanueva y del jardinero del rey, Casimiro del Valle. La verja exterior, auténtica obra de arte, pertenece a Francisco Arrillaga y Pedro José de Muñoz.

 

El Jardín Botánico

El desnivel existente en el terreno donde se edificó se salvó por medio de tres terrazas:

En la superior se construye el edificio de trabajo y la Cátedra de Botánica, donde clasificaban y dibujaban las plantas para que ninguna se perdiera.

Las dos inferiores se subdividen en 12 cuadrados independientes con su fuente y acequias propias. En ellos se colocan las plantas por familias, según las clasificó Linneo, eminente botánico italiano. Se trajeron plantas procedentes de las colonias; siendo la dalia mexicana la primera vez que se cultiva en España.

En 1808 se vé enriquecida la colección por los paquetes de semillas que proceden de Europa, aproximadamente 7.500.

Conocer los usos, tanto médicos como industriales de la plantas era fundamental para el comercio. Para ello Carlos III dio licencias de solicitud gratis (otro avance)

Imagen del edificio de trabajo con el busto de Linneo en primer plano.

Frente al idílico botánico se yergue otro jardín, el Vertical de Patrick Blank, en la acera de enfrente. Forma parte del espacio más moderno del Paseo, el edificio de CaixaFórum Madrid, una de las grandes obras del estudio de arquitectos suizos Herzog &de Meurón, que reaprovecharon una autentica estación eléctrica sobre la que se encuentra el Centro Cultural.

Hoy día cobija la Exposición Torres y rascacielos, de Babel a Dubai, o el ansia del ser humano de llegar a lo mas alto.

Continuamos caminando y nos encontramos con el Padre de todos nuestros Museos, El Museo Nacional del Prado. Le preceden cuatro fuentes idénticas, con niños y tritones.

En un principio fué concebido por Carlos III como Museo de Ciencias Naturales. Le pidió al arquitecto, Juan de Villanueva un 3 en 1: Laboratorio de ciencias Naturales, Academia de Ciencias Naturales y Museo. Era un absoluto apasionado de las ciencias, y poseía una gran colección de objetos de la más variada índole. Villanueva realiza:

1) La fachada que da al Jardín Botánico( más tarde conocida como la de Murillo, por la escultura que la preside) y que correspondería al laboratorio en orden corintio, símbolo del trabajo. En su interior habría un patio a la izquierda, hacia el norte se ubicarían las zonas de paso y el almacén, y a la derecha las salas abovedadas con las mesas de trabajo.

Puerta de Murillo.

2) La fachada principal correspondería al edificio de la Academia, perpendicular al paseo y retranqueada. De volúmenes cuadrados, estilo dórico toscano, el más rotundo y sencillo, recuerda al Partenón de Atenea, diosa de la sabiduría.

Y en la segunda planta se aprecia el jónico, relacionado con el mundo divino.

El “Partenón” madrileño.

3) Puerta del “Museo de Ciencias Naturales” Su fachada es diferente, y modificada por el desnivel del terreno. Llegaba directamente a la segunda planta del edificio principal. Su orden es el jónico, y el eje N-S forma un gran arco, para la gran galería donde se ubicarían los objetos.

Puerta de Goya.

Mas la mujer de Fernando VII, Isabel de Braganza, decide cambiar la función primitiva del edificio y decide colocar aquí la Pinacoteca que albergue las colecciones reales, al hilo de lo que entonces se estaba llevando a cabo en Europa.  Era importante exhibir el espíritu ilustrado de la corte española.

Actualmente alberga dos de las exposiciones mas relevantes de la temporada: El paisajista Martín Rico, y El joven Van Dyck.

Importante es constatar que en el Madrid de los Austrias no había un espacio con empaque para pasear, ver y ser visto, las calles eran estrechas, lo cual dificultaba enormemente la vida social al aire libre. Por ello el tramo de paseo a partir de este punto está concebido a modo de gran sala de reunión, de hecho se le conocía como Salón del Prado. Su recorrido era elíptico, y recuerda a un hipódromo…en fin, se había convertido en un enclave primordial en la capital.

Las damas paseaban en coche o a pie elegantemente ataviadas, y los caballeros acudían allí a cortejarlas.

Se construyeron muchos Palacios allí, el de Xifré, el que ocupaba el actual Hotel Palace, o el de Villahermosa, sede actual del Museo Thyssen Bornemisza. Dicha institución es vital, y convierte esta zona de Madrid en la de máxima concentración de obras de arte del mundo: El Reina Sofía y su oferta contemporánea, el Museo del Prado y su oferta medieval, renacentista, barroca y neoclásica…ven cubiertas sus “lagunas” con la oferta de la colección privada de arte más completa del mundo.

Imagen de archivo del antiguo Palacio Xifré

En estos momentos nos brinda la ocasión de viajar a lo exótico con Gauguin, y de recrear la vista con el arte de Cartier.

Esta plaza tan vital está adornada por la Fuente de Neptuno, dios del mar, relacionado con los triunfos del Atlético de Madrid.

En el siglo XIX la burguesía sigue manteniendo este espacio como centro mercantil y financiero de la ciudad. Aquí encontramos el edificio de La Bolsa, de Repuchés y Vargas. En él se hace un homenaje a Villanueva. Su pórtico de tres cuerpos es igual al del Observatorio Astronómico Nacional

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Edificio de la Bolsa

El proyecto inicial de Ventura Rodríguez  era poner un edificio comercial de lujo en la Plaza de la Bolsa. Desafortunadamente parece que los acontecimientos acaecidos durante el levantamiento del dos de mayo cambiaron radicalmente la funcionalidad de la zona. Aquí depositaron los cadáveres para escarnio de sus familias, así que lo que encontramos es un obelisco y el Monumento al soldado desconocido.

En el centro de este trecho se halla la Fuente de Apolo, que en la mitología es el dios de la razón.

Bella imagen de Apolo con su lira. Hace alusión al paso de las estaciones esta curiosa sucesión, tras Neptuno, y antes de Cibeles.

Siguiendo camino hallamos otro museo imprescindible: el Museo Naval, altamente recomendable.

Actualmente en “No fueron solos  exhibe la admirable gesta de las mujeres que acompañaron a los descubridores y colonizadores del Nuevo Mundo.

Llegamos en nuestro recorrido a la plaza de Cibeles, donde se encuentra la Fuente dedicada a la diosa de la tierra, y donde celebra sus triunfos el Real Madrid

Además está el Palacio de las Comunicaciones, obra de Palacios y Otamendi de imponente factura, que era conocido popularmente como “la catedral” por los madrileños. Actualmente alberga la sede del Ayuntamiento de Madrid, y exhibe El legado de la Casa de Alba, su primera exposición.

La continuación del Paseo del Prado, el Paseo de Recoletos, sigue siendo la arteria más importante del Madrid de Carlos III, se llama así por la comunidad de Agustinos Recoletos que tenían su convento y huertos aquí.

Destaca sobre todo la Biblioteca Nacional, obra de Jareño, que alberga exposiciones de alto interés. Una de las que se pueden visitar actualmente es El alegre ruido del jazz.

Fachada de la Biblioteca.

Detrás tiene adosado el Museo Arqueológico Nacional, cuya reapertura es inminente.

Frente a la Biblioteca tienen lugar las exposiciones temporales de la Fundación Mapfre. Actualmente están Los retratos del Centro Pompidou, y Gaultier.

Los jardines del Descubrimiento marcan un punto de inflexión en nuestro recorrido. A su derecha el Barrio de Salamanca( ya hablé de él) y a partir de ellos la Castellana… corazón financiero de la ciudad que nunca duerme .Como Colón, descubriremos qué hay más allá de ellos en otros posts.

¿Os habéis dado cuenta de cómo se puede disfrutar enormemente de estas dos arterias vitales de nuestra ciudad, y de la amplia y rica oferta cultural que exhiben sus maravillosos museos? Merece la pena tomarse un tiempo los día libres para recorrer este pedazo de historia hecha piedra, fuentes, jardines tradicionales y modernos, historia, y vida…¡la que seguimos edificando nosotros en ellas!

LA NOCHE DE LA MODA EN FUSE PUERTA DE AMERICA.¡ NUESTRAS TIENDAS LO VALEN!

Hoy quiero recomendaros la asistencia a un evento que hará correr ríos de tinta, pues a buen seguro se recordará como el acontecimiento del otoño: La noche de la Moda. Convocada por La Luna de Metrópoli y su sección Bazar me lo Pido nos brinda una generosa ocasión de ponernos al día acerca de las tendencias que están actualmente a nuestro alcance en aquellas tiendas españolas que se caracterizan por ser únicas, exclusivas, aportando el sello de calidad que las distingue.

Pasaremos un buen rato al lado de patrocinadores de la talla de:

Dyson Isabel Mora , Carla Bulgaria Roses Beauty, Método Nascia, Señorita  Malauva, Marionnaud ,Cc – Academias Llongueras, Trazos Design, Vaya  Pelos, Te mereces un detalle, Glam Fashion & Events.

Contamos con la confirmación de participación de lo más granado en comercio exclusivo:

 Tim De Kir,  Teresa Aldama, La  Tienda De Almudena, Cortijo Verde , The Philippiness, Mabel  Feijo VINTAGE, Voneka, Capas Seseña,  Vintage López Linares, Armería Española, que darán cumplida muestra de la riquísima y poliédrica variedad de producto “number one” en España.

Y en el transcurso de la velada contaremos con desfiles de diseñadores de la talla de:

Eva CardonaOscar San Miguel, SicalipsisCrazycruePailletesLola PiñelPeonia Lätelier,Natacha ArranzRosa ArtesaníaCristina Sánchez…¡Hasta Angel  Schlesser!

No os lo perdáis, la noche de la moda se acerca…id apuntando este “must” en vuestra agenda…¡Ya está aquí!

PROGRAMA ARTE AL INSTANTE 2012/2013: PEQUEÑO APERITIVO DE LO QUE NOS ESPERA

Hoy he dedicado parte de la mañana a hacer una selección de las cosas que me parecen más atrayentes de entre el poliédrico y variado abanico de propuestas con que nos obsequia nuestra ciudad.  Este es el resultado:

DIA 2 DE NOVIEMBRE A LAS 5.30

-Gauguin y el Viaje a lo exótico en el Museo Thyssen

Portador del estandarte del primitivismo, marchó a Tahití en plena producción pictórica en busca de un arte sin convencionalismos, en estado puro.

Precio: 20 euros.

Imprescindible avisar 72 horas antes.

DIA 16 DE NOVIEMBRE A LAS 17.00

-Encuentros con los años 30 en el Museo Centro Nacional Reina Sofía

Aborda esta década del siglo XX como un periodo turbulento en el que el arte y el poder se aliaron y confrontaron y que, a muchos niveles, resulta clave para entender nuestro propio presente.

Precio: 20 euros.

DIA 30 DE NOVIEMBRE A LAS 17.00

-Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas.

Se podrán ver sus creaciones para desfiles de moda junto a una selección de audiovisuales, entrevistas, dibujos e imágenes tomadas por los grandes nombres de la fotografía, un conjunto expositivo que revelará las transgresiones y las creaciones más atrevidas de este virtuoso de la moda.

Precio:15 euros.

DIA 14 DE DICIEMBRE A LAS 17.00

-El Arte de Cartier en el Museo Thyssen Bornemisza.

Una gran exposición que ofrecerá al público la ocasión única de conocer la mejor colección de joyería del mundo, y admirar la creatividad y maestría de sus diseñadores y artistas joyeros desde hace más de cien años.

Precio: 15 euros.

DÍA 11 DE ENERO A LAS 17.00

-Goya y el Infante Don Luis en el Palacio Real

En 1783 Goya pasa un mes en el palacio de Arenas de San Pedro donde tenía su pequeña corte el Infante Don Luis, alejado de Madrid por sus nupcias morganáticas con doña María Teresa de Vallabriga

La exposición presenta 300 piezas, entre ellas 17 obras de Goya, completa ese conjunto goyesco con la obra de otros pintores que también formaron parte de este círculo cortesano: Luis Paret, Mariano Salvador Maella, Francisco Bayeu, Luis Meléndez, Mengs y Tiépolo

Precio: 15 euros

DIA 18 DE ENERO A LAS 17.45 EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

-La Isla del Tesoro. De Holbein a Hockney.

Un relato de la extraordinaria dimensión y la considerable vitalidad que conoció el arte británico entre los siglos XV y XX es lo que ofrece esta exposición, cuyo título hace eco de la novela homónima del escritor británico Robert Louis Stevenson, al reflejar cómo la isla tiene un tesoro –su arte, su pintura y escultura- que, como casi todos los tesoros, está aún medio oculto y por descubrir.

Precio: 15 euros.

1 DE FEBRERO DE 2013 A LAS 17.00

-El joven Van Dyck en el Museo del Prado

Importante exposición, una de las mayores dedicadas al arte de Van Dyck (1599-1641) en el mundo y la primera celebrada en España.

Admiraremos la obra temprana del artista.

Precio: 20 euros.

15 DE FEBRERO DE 2013 A LAS 17.00

– El legado Obras de Goya, Tiziano, Rubens o Fra Angelico se exhibirán a partir del próximo mes de diciembre en el Palacio de Cibeles de Madrid dentro de una exposición que pretende dar a conocer al gran público la valiosa colección artística acumulada a lo largo de cinco siglos por la Casa de Alba.Casa de Alba en el Ayuntamiento de Madrid

Precio: 20 euros.

2 DE MARZO DE 2013

-Visita al Palacio de Linares, actual sede de la Casa de America.

Terminaremos tomando aperitivo en el Café del Espejo.

Precio: 15 euros.

15 DE MARZO DE 2013

– Un aparente desconocido: el Museo de Artes Decorativas.

Siguiendo una concepción similar a la que había animado la puesta en marcha de otros museos del mismo tipo, como el South Kensington Museum (hoy Victoria and Albert Museum) de Londres, y el Musèe des Arts Dècoratifs de París, nos muestra una interesante colección, fraguada en tiempos de Amadeo I.

Precio: 15 euros

Espero que encontréis la propuesta variada e interesante.

Interesados escribid una mail a artealinstante@hotmail.es

¡Os espero!

PROGRAMA DEL TRIMESTRE SEPTIEMBRE/DICIEMBRE 2012

Queridos amigos:

Ya tengo diseñadas las actividades que llevaremos a cabo durante el trimestre. Sólo deseo que las encontréis interesantes, y que vayáis cuadrando vuestras agendas con objeto de acudir a las que más os interesen.

Y el segundo trimestre lo inauguraremos con el Joven Van Dyck en el Prado.

Hay una especial que cerrará el trimestre que aún no tengo preparada, pero tan pronto esté os la mostraré por aquí.

¡Se admiten sugerencias! Dejadme un post aquí, o bien escribidme a artealinstante@hotmail.es. ¡Estaré encantada de atenderos personalmente!

¡Os espero, seguro que nos divertimos!

LOS “SALVAJES” ALEMANES Y EL NACIMIENTO DEL EXPRESIONISMO

Hace pocos día admiré por segunda vez la magnífica muestra que sobre el fundador del expresionismo alemán alberga la Fundación MAPFRE.

Es la retrospectiva más ambiciosa que jamás se ha realizado sobre la figura de Erns Ludwig Kirschner, y para mi sorpresa , también se exhiben sus obras fotográficas, faceta del artista que era desconocida para mí.

¡Cuántas veces habré explicado en el Thyssen el cuadro Fränzie ante una silla tallada! ¡Y qué maravillosa me pareció la niña contemplada en una fotografía de la muestra! He realizado una fotocomposición entre la fotografía y la particular visión de Kirschner sobre ella que paso a compartir con vosotros a continuación.

 

La cara de la niña la pinta de verde. En ese momento para él dicho color era el color de lo monstruoso; decía que los dragones, seres horrendos de la literatura fantástica, eran verdes. ¿Y acaso, si nos fijamos en la realidad cinematográfica, Hulk, o el mismo Shrek no son del mismo color?

La niña estaba abocada a vivir en la calle si no tenía un golpe de fortuna que cambiara su vida. De hecho ya posaba desnuda para el con el fin de agenciarse unas monedas, ya que era pobre. El la veía ejerciendo la prostitución en el futuro. De ahí esa gama estridente y chillona que la acompaña.

¿Y esos labios prominentes y tan rojos? ¿Acaso no preconizan es oscuro futuro también?

El mismo respaldo de la silla parece una figura de un monstruo.

La niña a la izquierda, la imagen que de ella tuvo Kirschner a la derecha.

Tenemos que investigar un poquito en este movimiento que fundó con otros tres compañeros denominado Die Brücke. En el nombre les inspiró, entre otros Friedrich Nietzsche que decía:” La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta; lo que del hombre se puede amar es que es un tránsito, y no un ocaso”

Dresde fue el lugar de gestación del movimiento. En 1900 comenzó a moverse en dirección a la modernidad con pasos cautelosos. El espíritu de la Secesión venía agitando los áimos desde 1895 aproximadamente. Muchos paisajistas se alinearon entre las filas del impresionismo alemán.

Era un periodo-puente, una transición. en el rechazo salvaje a la historia y a la fe ciega en el futuro, despuntó el “siglo de los extremos” y con él la era heroica del arte moderno.

En ese caldo de cultivo, imprescindible de conocer para entender la estética expresionista, un 7 de junio de 1905 cuatro estudiantes de arquitectura, el mayor de los cuales acababa de cumplir 25 años, mientras que el menor aún no tenía 22, irrumpieron en el mundo artístico con el nombre de “Brücke”. El nombre al parecer lo sugirió Schmidt- Rottluff. Dicha palabra según él era polisémica y no implicaba ningún programa, pero en cierto modo les conduciría de una orilla a otra.

Ellos eran:

  • Ernst Ludwig Kirschner (1880-1938)
  • Erich Heckel (1883-1970)
  • Fritz  Bleyl (1880-1966)
  • Karl Schmidt- Rottluff(1884-1976)

Simultáneamente surgieron en París las explosiones de color de Matisse, Derain y Vlaminck, que fueron presentadas en el Salón de Otoño de París , donde recibieron el despectivo apelativo de “fauvistas”

Una de las obras de Matisse

Para ellos era necesario obtener una voluntad artística propia, extrayéndola del salvaje estudio del natural.

Comenzaron sus prácticas colectivas reuniéndose una vez por semana, llevando a la práctica el deseo de dibujar copiando un modelo vivo, no a la manera académica, sino como el “desnudo del cuarto de hora”; nació, pues, del espíritu del dibujo y de un campo energético de vibrantes efectos alternos.

Una de las obras iniciales.

En estas primeras épocas estuvieron fuertemente influenciados por la controvertida figura de Van Gogh, con sus pinceladas pastosas y serpenteantes, y ese tímido comienzo de la descontextualización del color. De hecho Nolde les decía “deberíais llamaros, en vez de Brücke, vangoghianos”

Tras ello se trasladó a Berlín, donde vivía en un estrecho tenducho, que servía de taller, cuarto de estar y dormitorio. Allí pintaba con sus compañeros del grupo, mientras bailaban con artistas de circo africanos.

Es la época de máximo optimismo en Kirschner, que decía “es una feliz casualidad que se reúnan tantos talentos”

Máscara de Costa de Marfil.

El bullicioso Berlín y sus contrastes influyeron en su obra, en la que hay rasgos cubistas también, dentro de perspectivas anatómicas imposibles en ese mundo del placer nocturno, pintado por él hasta la saciedad

Una escena bulliciosa berlinesa. la mujer de rojo habla a través del color de la “profesión” que desempeña.

El exotismo propugnado por Gauguin, que marchó a Tahití en plena producción pictórica en busca de una cultura sin convencionalismos, les impactó también fuertemente. De ahí la primera búsqueda de su “paraíso terrenal” que Kirschner ubicó en la suiza localidad de Davos

 Lo vibrante de la gama cromática de la composición habla del sentimiento del pintor.

El siempre dijo” el ritmo, el murmullo de los colores, eso es lo que siempre me cautiva y absorbe”

Pero las nubes de la I Guerra Mundial se cernían amenazadoras sobre el horizonte. Kirschner es llamado a filas, cosa que le desestabilizó hasta el punto de ser declarado inútil para el servicio, y ahí comenzarían sus paranoias. Peregrinó por varios psiquiátricos, donde retrataría a médicos y cuidadores, y estudiaría la producción pictórica de los enfermos mentales.

Entre estancia y estancia vivía en Davos, que fué plasmado en multitud de ocasiones.

Pasó el tiempo y una nueva amenaza surgió en la figura de Hitler, que mandó retirar muchas obras del artista de los museos, denominando a este arte “degenerado”, llegando a quemar muchas de ellas. El hondo dolor causado en Kirschner por esta destrucción cruel era “a buen seguro similar al experimentado al perder un hijo” decía él mismo.

Bosque en Davos.

Incapaz de resistir la presión, Kirschner se descerrajó un tiro en su sien en un bosque de la localidad suiza que tan buenos ratos le hizo pasar.

La exposición es maravillosa. Os invito a descubrirla, si no la habéis visitado.

VERSATILE BLOGGER AWARD

Me ha sorprendido la nominación de Lady Attic, autores de The Attic Pro Video & Media. Os envío mi gratitud desde Madrid. Yo, que hasta ahora escribía mi blog a golpe de impulso, simplemente porque quería compartir mis inquietudes con el ancho mundo, pretendiendo ser un entretenimiento que se lee con agrado, así sin más, y buscando que mis intereses fueran los de más gente como yo, me encuentro con que dos prestigiosos profesionales afincados en la bellísima ciudad condal sintonizan conmigo hasta ese punto…definitivamente no tengo palabras.

Estas son las normas:

1) Agradécele al que te ha premiado y añade un enlace a su perfil o bitácora en tu entrada.
2) Comparte siete cosas sobre ti.
3) Pásale el premio a 15 bitácoras que hayas descubierto recientemente y que disfrutes leyendo.
4) Contacta a los bitacoreros que hayas escogido para que sepan que les has dado el premio.
I. La vena creativa siempre ha estado presente en mi vida. De abuelos y tíos abuelos pintores, pasando por tíos carnales poetas, mi vis, si es que se puede llamar así, siempre ha estado más enfocada a temas relativos a las Bellas Artes como vocación, y a la palabra escrita como devoción.
II. Soy una persona con gran inquietud por el mundo que me rodea. Esto me viene de una curiosidad innata, que me hacía preguntarle a todo el mundo cómo se llamaba y cuantos años tenía desde que tenía tres años.
III. Mi siglo preferido por muchas razones es el XIX. En él se potenciaba el saber y el amor a la cultura. Como creo que debía haber nacido en él, intento aproximarme a su forma de entender la vida leyendo, indagando, investigando y disfrutando de lo aprendido.
IV. Me siento en muchas cuestiones ciudadana del mundo. Trato de acercarme a sus diferentes tradiciones mediante la palabra escrita.
V. Creo que nuestros hijos se merecen un legado con algo más de humanismo.
VI. Disfruto las dos horas que tardo en escribir cada entrada.
VII. La labor de investigar hace que me convierta en el Sherlock Holmes de la cultura. ¡Me chifla el personaje!
Bueno, pues ya os he contado siete cosas sobre mí. Ahora tengo que proponer quince candidatos ¿Sólo quince? Se me quedarán muchos en el tintero, pero ahí van algunos de mis favoritos:

lironronquido

gestionandolaculturacritica

latablavivero

¿un cafe?

madridcoolandcultural

laculturadeloasis

vintage by lopezlinares

el blog de que aprendemos hoy

clinicadentalausin

lostragaldabas

lalineadelhorizonte.com

teveoenmadrid

carlabulgaria

godustyle

 

Arte XIX

VISITA AL TEMPLO HINDÚ DE MADRID

¿Sabíais que había uno? Está en pleno barrio de Salamanca, en la zona izquierda de Francisco Silvela.

Hoy he ultimado detalles con mi amiga india Minoo, y visitaremos este singular lugar acompañados de un guía que nos explicará con detalle quiénes son sus particulares divinidades.

Además estamos organizando para otro día un ágape de sus productos con mercadillo, bailes de Bollywood y saris incluidos.

Una oportunidad única de hacer algo diferente. ¡Os espero, Namasté!

ERNS LUDWIG KIRSCHNNER, ADALID DEL EXPRESIONISMO ALEMAN

Con el recuerdo de nuestra visita al Reina Sofía, os envío la próxima exposición que visitaremos, esta vez a toda una figura clave del expresionismo alemán.

Confío en que os interese,¡Hasta pronto!

René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor

 

 

Esta entrada la escribí hace tiempo, y la exposición ha terminado hace meses. La retoqué ayer, y aparece en primer plano. Al ser un trabajo más, la dejo aquí para ver que os parece..

René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor

Fechas: 20 de octubre de 2011 – 26 de marzo de 2012
Lugar:
Palacio de Velázquez, Parque del Retiro

Hace tiempo que el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro madrileño es un recinto especialmente utilizado para albergar exposiciones de arte contemporáneo. El otro día tuve la oportunidad de visitar en él la exposición de René Daniëls, al cual no tenía el privilegio de conocer.En primer lugar me llamó la atención lo espléndidamente bien montada que está la exposición. No tiene nada que envidiar a otros espacios expositivos a los que estamos más acostumbrados, y es que la colaboración de los espacios de que dispone el Parque del Retiro con el Museo Reina Sofía han venido a revalorizar el valor de dichas edificaciones, que hasta no hace mucho tiempo se hallaban en un estado de semiabandono que daba lástima.Palacio de VelázquezIrónica e imaginativa, la obra de René Daniëls (Eindhoven, 1950) implica otro marco de referencia para pensar la pintura, más allá de las alusiones postminimalistas o neoexpresionistas propias de los 80. El espacio de René Daniëls es el de los deslizamientos entre lenguaje e imagen, el de las ambigüedades entre representación y realidad, heredadas de René Magritte, Marcel Duschamp, y, a mi modo de ver, de la transvanguardia italiana de Cuchi o Pistoletto, por mencionar algunos ejemplos.Tal y como escribió el artista, su pintura busca ocupar la tierra de nadie entre literatura, artes visuales y vida. Ahí se muestra que ha recorrido como un nómada distintas disciplinas culturales y movimientos artísticos, tomando de cada uno de ellos lo que más le convenía.

El artista

Sus pinturas son intrigantes y evocadoras. En estas, René Daniëls, que siempre intentó que su trabajo se mantuviera abierto a la interpretación en tantos niveles como fuera posible, juega con el lenguaje y la poesía, con la tensión entre figura y fondo, con la opacidad y la transparencia, todo ello sin renunciar en ninguna de ellas a la figuración, logrando crear una atmósfera irreal y familiar, que desconcierta y cautiva a la vez.

Si ese bien tán escaso como precioso que es el tiempo me lo permite volveré a visitarla. Sus cisnes, mejillones, pajaritas( su motivo más utilizado) y esas enigmáticas estancias a lo Chirico me han fascinado.

Una exposición recomendable, a todas luces. Id a verla si tenéis oportunidad.