PLAN DEL TRIMESTRE DE ARTE AL INSTANTE

Tras el avance de citas culturales en plan general que os dejé el otro día, aquí está recién salido del horno el plan pormenorizado de este trimestre.

Espero que sea del interés de todos. Si por un casual no podéis asistir a alguna de estas propuestas los días estipulados podéis pedirme que lo realice otro día. Para ello escribidme a artealinstante@hotmail.es y estaré encantada de buscar otra opción.

PLAN DEL TRIMESTRE

Semana del 13 al 19 de octubre:

El último viaje de la fragata Mercedes en el Museo Naval.

Martes 14 a las 12.00 y Viernes 17 a las 18.00

Precio: 15 euros entrada incluida

Semana del 20 al 26 de octubre

Tras las huellas del Quijote

Martes 21 a las 11.00 y Viernes 24 a las 17.00. Punto de partida: Atocha 87

Precio: 10 euros

Semana del 27 al 2 de Noviembre:

Martes 28 a las 14.30 Sorolla y Estados Unidos en la Fundación Mapfre

Precio: 10 euros

y viernes 31 la Colección Abelló en Centro Centro

Precio: 20 euros, entrada incluida

Semana del 3 al 9 de Noviembre

Martes 4 a las 11.00: Madrid de los Austrias. Punto de encuentro Puerta del Sol, junto al oso y el madroño.

Precio: 10 euros.

Viernes 7 a las 18.00 Hubert de Givenchy en el Museo Thyssen

Precio: 20 euros, entrada incluida

Semana del 10 al 16 de Noviembre:

Martes 11 a las 12.30 Hubert de Givenchy en el Museo Thyssen

Precio: 20 euros, entrada incluida

Viernes 14 a las 17.00: Madrid de los Austrias. Punto de encuentro Puerta del Sol, junto al oso y el madroño.

Precio: 10 euros.

Semana del 17 al 23 de Noviembre

Redescubriendo el Museo Arqueológico Nacional: Egipto, Iberos y Roma

Días 18 de Noviembre a las 11.00 y 21 de Noviembre a las 17.00

Precio: 15 euros, entrada incluida.

Semana del 24 al 30 de noviembre

El Madrid del tiempo entre costuras

 

Martes 25 a las 11.00 y viernes 29 a las 17.00

Punto de partida: Embassy Salón de té.

Precio: 10 euros.

Semana del 1 al 7 de diciembre

Mediterráneo, del Mito a la razón en CaixaFórum Madrid

Día 2 a las 11.00 y 5 a las 17.00

 

Precio: 15 euros, entrada incluida.

Semana del 8 al 14 de Diciembre:

LA zona de AZCA. El “Manhattan” madrileño. Punto de encuentro Torre Picasso

Días 9 de diciembre a las 11.00 y 12 de diciembre a las 17.00

Precio: 1o euros, entrada incluida.

Espero que sea de vuestro interés. Para inscribiros sabéis que hay dos posibles modalidades: la trimestral, de 140 euros, entradas no incluidas, o las clases sueltas.

Escribidme a artealinstante@hotmail.es, o llamadme al 638510832.

¡Os espero!

 

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PROPUESTAS CULTURALES PARA CONOCER MADRID DE UN MODO DIFERENTE

ARTE AL INSTANTE Nace con el claro objetivo de proporcionar una oferta cultural integral en la capital.

 Está avalada por ANCES GESTIÓN CULTURAL S. L

Madrid es una ciudad vital, cosmopolita, poliédrica, que está en constante evolución. Pero tras su imagen actual late una historia de años apasionante.

Te proponemos una manera de conocer los entresijos que conformaron, a través de edificios, barrios y plazas, el pasado de la ciudad, para poder comprender mejor el presente.

Enlazaremos pasado y presente a través de recorridos históricos, visitas a museos, y a esas exposiciones que hacen de Madrid una de las ciudades con una oferta más variada y atrayente.

Tendremos cursos monográficos sobre arte, charlas en tiendas de solera, comidas o cenas en entornos con magia, originales clases de cocina con chef, visitas a subastas… todo dentro de un agradable clima de cordialidad y amistad. En definitiva, reivindicamos una cierta vuelta al humanismo del Renacimiento…en pleno siglo XXI.

Y si eres extranjero tenemos guías que hablan inglés, francés, alemán, italiano, portugués y ruso

He aquí nuestra oferta de un modo pormenorizado y completo:

EXPOSICIONES TEMPORALES

MUSEO DEL PRADO

1. Velázquez. Últimos retratos

A través de unas treinta obras, la exposición Velázquez y la familia de Felipe IV mostrará el desarrollo del retrato cortesano de Velázquez desde su segundo viaje a Roma en 1649 hasta su muerte en Madrid en 1660, una época que vio crear algunas de las pinturas más importantes de la historia de este género, como Las Meninas

2. El Greco y la pintura moderna

El objetivo de esta exposición organizada por el Museo del Prado es mostrar la relevante influencia de la obra del Greco en el origen de la pintura más radicalmente moderna, comenzando por Édouard Manet y Paúl Cézanne. Especial importancia tiene el análisis de la influencia sobre Picasso y el origen del cubismo, así como la decisiva inspiración que la obra del cretense supuso para los diferentes movimientos expresionistas que a lo largo del siglo XX se desarrollaron en Europa y América.

MUSEO THYSSEN BORNEMISZA

1. El Surrealismo y el Sueño

El Surrealismo no fue un movimiento artístico más, sino una actitud ante la vida que ha dejado una marcada huella en todo el arte posterior. Esta exposición mostrará, por vez primera, cómo esa huella, esa transformación de la sensibilidad contemporánea, tiene su raíz más profunda en la vinculación surrealista entre sueño e imagen.

2. Cezanne

Guillermo Solana, director artístico del Museo, es el comisario de esta muestra -la primera monográfica sobre el padre del arte moderno -organizada en España en los últimos treinta años-, que explorará la relación entre dos géneros que el pintor frecuentó con la misma pasión: los paisajes y las naturalezas muerta

3. Darío De Regoyos

Una exposición que recorre su amplia trayectoria artística. Regoyos inició su formación en Madrid, aunque rápidamente se trasladó a Bruselas, donde formó parte de los grupos europeos de vanguardia L’Essor y Les XX y se interesó por los efectos de la luz, pintando principalmente retratos y paisajes.

4. Mitos del Pop

La exposición Mitos del Pop propone, por primera vez en España, una visión renovada de esta corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI.

CAIXAFÓRUM MADRID

Japonismo

El japonismo, una de las expresiones artísticas más ricas y poliédricas del siglo XIX, es un movimiento artístico muy conocido internacionalmente. El interés por Japón se extendió por toda Europa durante la segunda mitad del siglo XIX gracias a iniciativas de alcance internacional tan influyentes como el establecimiento y los productos art nouveau de Siegfried Bing, que dejó su impronta en la obra de artistas del impresionismo, del postimpresionismo, del simbolismo e incluso de la vanguardia.

FUNDACIÓN MAPFRE

Los Macchiaioli.

El Siglo XIX en Italia fue el de la unificación, el de la búsqueda de una identidad nacional a pesar de las diferencias sociales. El germen patriótico contagió a artistas e intelectuales, que se comprometieron y formaron parte de los principales conflictos del Risorgimento.

Contemplaremos su original obra en esta muestra.

FUNDACIÓN JUAN MARCH

Surrealistas antes del Surrealismo. La fantasía y lo fantástico en el dibujo, el grabado y la fotografía.

Esta muestra sigue el rastro de la legendaria exposición que, con el título de Fantastic Art, Dada, Surrealism, Alfred H. Barr, director fundador del Museo de Arte Moderno de Nueva York, organizó hace 75 años, en la que se confrontaban por vez primera obras de artistas contemporáneos con obras de Hieronymus Bosch, Giuseppe Arcimboldo, Giovanni Battista Piranesi, William Hogarth, Francisco de Goya, Grandville y otros artistas, con el propósito de dotar de un árbol genealógico histórico al surrealismo.

MUSEO NAVAL

Blas de Lezo. El valor de mediohombre.

La muestra recupera la memoria del teniente general de la Armada, conocido por encabezar en 1741 la defensa de Cartagena de Indias con solo seis navíos de guerra frente a la flota inglesa del almirante Vernon, ocho veces superior. El control de la plaza colombiana, considerada estratégicamente como la “llave de Indias” fue clave para mantener el dominio español en América.

Disfrutaremos de ella y del Museo como merecen.

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

Manuel Benedito

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando nos ofrecerá en primicia la primera gran exposición dedicada al pintor valenciano Manuel Benedito. En 2013 se cumplen cincuenta años de su fallecimiento. La exposición repasa la trayectoria artística y los vínculos del pintor con la Academia, de la que fue elegido numerario hace noventa años.Tras ella iremos al lugar donde estuvo su casa-estudio desde 1927 hasta su fallecimiento y que en la actualidad es la sede de la Fundación.

¡Visítala con nosotros!

Precio: 30 euros

Las visitas a los museos tendrán lugar los viernes por la tarde, a las 5.00

El precio de las mismas será de 25 euros, entrada no incluída

RUTAS URBANAS

  1. El Madrid de las Leyendas y un tesoro escondido: la Capilla del Obispo. Opcional comida en el Palacio de Anglona

¿Sabéis porqué Madrid fue elegida capital de España? ¿Por qué fue fundada por Octo Bianor y los llamados “hombres sin ciudad”? ¿Cómo la ganó el Cid Campeador? ¿Cómo apareció su Patrona, la Virgen de la Almudena? ¿Cómo Isidro Labrador fue hecho Santo y Patrono de la ciudad?

Iremos desgranando estas y otras incógnitas en un apasionante paseo en el que nos convertiremos en descubridores de los misterios y leyendas que sustentan, a través de este pasado, el presente de Madrid.

Punto de partida: Cuesta de la Vega.

Opcional después del tour: comida- maridaje en el Palacio de Anglona.

Precio sin comida: 20 euros por persona, niños gratis

Precio con comida: 60 euros.

2. El Madrid Imperial y El Palacio Real.

¿Os venís a conocer la capital del Imperio donde no se ponía el sol? ¿La ciudad donde se gestaron conjuras y conspiraciones? ¿El lugar donde el acero de la espada aguardaba tras cada esquina? ¿El restaurante más antiguo del mundo en el que Goya lavaba los platos para costearse sus estudios?

Caballeros traigan sus espadas, damas, vístanse de terciopelo y seda para acompañarnos en este singular paseo. El broche de oro lo pondrá la visita al Palacio Real. ¡Un plan regio!

Después, opcional un regio cocido en La Taberna de la Bola para intercambiar impresiones.

Punto de partida: Puerta del sol, junto al oso y el madroño

Precio: 20 euros por persona, niños gratis.

Precio con comida: 60 euros por persona

¡Delicioso olor desprenden esos pucheros!

  1. Madrid desde sus tejados y azoteas

Una propuesta totalmente diferente para conocer Madrid del adoquín al firmamento, de la calle a las azoteas de los Hoteles y edificios de postín, descubriendo recodos y lugares fascinantes vertebrados en torno a la arteria más vibrante de la ciudad, la Gran Vía, o el Broadway español, como la bautizó Hemingway. ¡Tiene tanto que contarnos!

Después, y opcional, una comida en Mesón Cinco Jotas, con cortador de jamón

Punto de partida: Plaza de España. Junto a la estatua del Quijote

Precio: 20 euros sin comida

Precio con comida 60 euros.

Paseando por la Milla de Oro de los Museos.

Una propuesta totalmente diferente para conocer el Madrid de Carlos III, que proyectó la primera Ciudad de las Artes y las Ciencias donde actualmente se encuentra ubicada la Milla de Oro del Arte.

Conocerán de primera mano, visitando exteriormente la historia de Museos tan emblemáticos como el Nacional de Arte Reina Sofía, el Museo del Prado, el Museo Thyssen Bornemisza el Museo Naval, la Biblioteca Nacional y Centros de arte vanguardistas de nuevo cuño como Caixa Fórum, que visitaremos además interiormente.

Punto de partida: Estatua de Pío Baroja, en la Cuesta de Claudio Moyano.

Opcional comida en la terraza del actual Ayuntamiento de Madrid, del grupo Adolfo. ¡Unas vistas espectaculares y una cocina increíble!

Precio: 20 euros el tour, niños gratis.

Precio con comida: 60 euros

4. El Madrid Señorial y Chic del Barrio de Salamanca . Parada en Vintage By López Linares con charla sobre joyería incluida.

El barrio ideado por el estadista y hombre de negocios José Salamanca y Mayol, tomando como referencia los barrios parisinos que había conocido durante su exilio en Francia se nos brinda generoso para recorrer una de las calles más chics de la ciudad: Serrano. ¡Hay mucho que aprender de ella!

Escenario de la vida política y de la prensa en sus inicios, hoy se ha convertido en el escaparate de tiendas nacionales e internacionales, que configuran el escenario de más glamour de Madrid.

La siguiente parada será una pequeña charla sobre reproducción de joyas históricas en el paraíso Vintage de los prestigiosos anticuarios López Linares.¡Hay auténticas maravillas!

Y luego, opcional, y como broche de oro, comida en el restaurante de aire neoyorkino Iroco.

6. Iglesias del Barroco madrileño: Las Salesas Nuevas, San Antonio de los Alemanes y San Plácido

Monumentales altares mayores, profusas decoraciones, colosales cúpulas e imágenes de gran valor artístico- histórico, hacen de estas iglesias parada obligatoria, si queremos adentrarnos en tan fascinante período.

Qué maravilla de decoración. ¿No creéis?

Punto de partida: Glorieta de San Bernardo

Precio: 20 euros

7. El Barrio del Rastro y un Corralón convertido en Museo

El mágico sabor castizo del barrio del Rastro y sus corralas se ha visto singularmente enriquecido con la inauguración del Museo de Artes y Tradiciones Populares que venía funcionando en la Universidad Autónoma de Madrid desde 1975, cuando doña Guadalupe González Hontoria donó 2800 piezas de carácter etnográfico. ¡Interesantísimo!

Precio: 20 euros.

8. Los Palacios de la Castellana y quién los habitó.

Desde el paseo del Prado hasta el Paseo Nuevo de las Delicias de la Princesa —luego paseo de la Castellana—, medio centenar de mansiones rivalizaban por ser las más bellas. Neogóticos, neoárabes, neoclásicos o modernistas… Hasta nuestros días solo han sobrevivido poco más de diez palacios. ¡Visitémoslos!

Precio: 20 euros

Tras las Huellas del Quijote

Revivamos el Madrid del Siglo de Oro en pos de la pluma del autor del Quijote y sus coetáneos, visitemos la casa que habitó Lope de Vega, conozcamos los entresijos del Teatro Español, participemos en los mentideros de la villa de las críticas despiadadas a los últimos estrenos de Lope de Vega, Quevedo o Góngora. ¡Es fascinante!

Punto de partida: Imprenta Juan de la Cuesta, Calle Atocha

Precio: 20 euros

Opcional en visitas por la mañana: Comida en Tartufo- Viva Madrid total 60 euros

Opcional en Visitas por la tarde: Tapas en la Taberna del Chato. total 60 euros

DE SUBASTAS EN DURÁN A FLAMENCO EN CHINITAS. ARTE EN ESTADO PURO

Desde 1969 hasta el día de hoy ha realizado más de 400 subastas con importantísimas obras de artistas nacionales e internacionales, joyas, libros, manuscritos y objetos de arte. Hoy Durán sigue siendo líder en el mercado del arte realizando por primera vez en España subastas temáticas de arte pop, minerales, fotografía, estilográficas, fósiles, ajedrez y otras áreas de coleccionismo. Nos introduciremos en los entresijos de la subasta y si os animáis podremos hasta pujar.

Tras la subasta un remate de arte flamenco con cena en el Café de Chinitas

Un Restaurante Tablao Flamenco en el centro de Madrid situado en los bajos de un viejo y bello palacio del siglo XVII, en el número 7 de la Calle de Torija, casi enfrente del edificio del Senado. Espléndida y selectísima cocina y un servicio eficaz. ¿Os dejáis atrapar por el duende?

Tour realizado en horario de tarde.

Precio: 60 euros.

CURSOS

OCTUBRE

La Aventura de las Vanguardias

Trataremos de acercarte a uno de los períodos más fascinantes e incomprendidos de la historia del arte: el nacimiento y desarrollo de las vanguardias,un acontecimiento crucial en la ruptura con la tradición dominante desde hace cuatro siglos.

Martes 8, 15, 21 y 28 de Octubre a las 11.30

Precio del curso :25 euros

NOVIEMBRE

Mujeres que rompieron moldes pincel en mano en el S. XVI.

Aquellas “chicas raras” estaban siendo unas auténticas revolucionarias en el mundo del arte; posiblemente, ni ellas mismas lo intuyeran. No sólo estaban adentrándose en un mundo que no les correspondía sino que, también, estaban sentando las bases de la igualdad de la mujer en el arte y en una sociedad, que por entonces, tenía unos valores que paralizaba cualquier innovación que proviniera del mundo femenino.

Mujeres

Martes 5, 12, 19 y 26 de noviembre de 11.30 a 1.00 y de 19.00 a 20.30

Precio 25 euros

DICIEMBRE

Del Bosco a Tiziano. Arte y Maravilla en El Escorial

Coincidiendo con el 450 aniversario de la colocación de la primera piedra del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, Patrimonio Nacional inaugurará una exposición centrada en el ornato artístico de este edificio y en el papel que desempeñaron artistas como El Bosco, Tiziano, Patinir, Navarrete “el Mudo”, Alonso Sánchez Coello, Antonio Moro, Gerard David o Bernard Van Orley

Teóricas: Martes 3 de diciembre a las 11.30 y a las 18.00

Visitas: Martes 10 a las 11.30 y a las 18.00

La tradición del Belén. La Navidad en el Arte

Parece que fue San Francisco de Asís quien realizó la primera representación en Greccio
Después, Santa Clara la difundió por los conventos franciscanos de Italia y posteriormente la propia difusión de la orden contribuyó a la extensión del pesebre representado por seres vivos o figuras.

Visitaremos los Belenes Napolitanos, auténticas joyas que se custodian en el Palacio Real, y realizaremos una degustación de dulces navideños en el Horno de San Onofre.

Martes 17 a las 11.30 y a las 18.00

Precio: 20 euros

ENERO

Iconografía del Románico del Camino de Santiago. ¿Qué se esconde tras cada imagen?

La iconografía es la ciencia que estudia el origen y la formación de las imágenes, las relaciones de las mismas con lo alegórico y lo simbólico, así como sus respectivas identificaciones por medio de los atributos que casi siempre las acompañan.

Estudiaremos qué simbología se esconde tras las portadas de algunos monumentos románicos claves en el Camino de Santiago.

Martes 7, 14, 21 y 28 de Enero a las 11.30 y a las 19.00

Qué rica iconografía atesora el Pórtico de Santa María la Real de Sangüesa.

Precio: 25 euros

FEBRERO

La escultura clásica y su influencia en la renacentista

La escultura renacentista bebe de las fuentes de la escultura clásica griega, ya que querían impulsar el renacimiento de este arte en pleno siglo XV. Un antropocentrismo que tenía mucho que ver en ambas épocas, junto con la búsqueda del ideal de belleza y el naturalismo.eSCULTURA

Martes 4, 11, 18 y 25 de febrero a las 11.30 y a las 19.00

MARZO

¿Qué aportó el manierismo al Greco, y qué aportó él a las siguientes generaciones?

No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido.

Veremos qué italianos influyeron en el cretense más universal, y en quién dejó él mismo su impronta.

4, 11 18 y 25 de Marzo a las 11.30 y a las 19.00

Precio: 25 euros

ABRIL

El jardín en el Arte: Origen y evolución histórica.

Ya eran famosos los Jardines colgantes de Babilonia, considerados como una de las maravillas del mundo antiguo, lo que denota que estos espacios de ocio tienen desde entonces una larga tradición.

A lo largo de la Historia los jardines han variado no solamente en sus estilos sino que también en relación a las especies. ¡Nos introduciremos en ellos!

Habrá concurso fotográfico para ilustrar gráficamente el curso

Martes 8, 15, 22 y 29 de Abril a las 11.30 y a las 19.00

MAYO

El Romanticismo en la pintura británica: Retratos y Paisajes.

La pintura Romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución Francesa.

Abordaremos este apasionante período en el curso final.

Martes 6, 13, 20 y 27 a las 11.30 y a las 19.00

También realizamos tour a medida, según vuestro gusto particular.

Todas estas actividades y cursos que ofrece Arte al Instante cuentan con el soporte de ANCES GESTIÓN CULTURAL S.L

Para inscribirse escribid un mail a: ancescultural@gmail.com o                          artealinstante@hotmail.es, o llamar al teléfono 638 510 832

¡¡Os esperamos!!

CITAS CULTURALES MAYO

Buenas tardes a todos.

Os dejo las dos próximas citas con el arte y la cultura del mes de mayo, deseando que las recorráisCita Dalicita Belleza encerrada de mi mano.

Enviadme un e-mail si estáis interesados: artealinstante@hotmail.es

 

¡Os espero!

ELMYR DE HORY. CUANDO LA FALSIFICACIÓN ES UN ARTE

Estos días se están exhibiendo en el Circulo de Bellas Artes de Madrid una serie de obras de Matisse, Modigliani, Monet…salidas de las manos, de los pinceles de uno de los personajes más apasionantes y controvertidos del pasado siglo, a saber: el húngaro Elmyr de Hory. Pongámosle cara al personaje:

Elmyr solazándose en una de las innumerables fiestas a las que asistió.

Elmyr nació en Budapest en 1906, de padres aristócratas judíos. Marchó pronto a la entonces meca del arte, París, donde ya se encontraban Derain, Matisse y un joven Picasso, decidido a ser pintor.

Al llegar la segunda guerra mundial, y sabido su orígen judío fué devuelto a su Budapest natal. Allí durante un interrogatorio la Gestapo le rompió  una pierna, por lo que le ingresan en un Hospital.  ¿Paradoja del destino? un buen día se dejan la puerta abierta, lo que aprovecha para salir de allí de puntillas.  El resto de la guerra malvive en su ciudad natal en la indigencia, y al finalizar la misma regresará a París, donde la fortuna económica dista mucho de sonreírle.

 

¿Cómo fué posible que amasara la fortuna que después le acompaño?  Os contaré: un buen día una amiga suya confundió una de sus creaciones con un auténtico Picasso y se lo compró. Entró, pues, en el mundo del hampa gracias a nuestro malagueño más universal. Y también a su costa las puertas de las mejores galerías europeas se rindieron a sus pies, adquiriendo otros cuantos falsos “Picassos” salidos de su puño y pincel.

Elmyr a lo Picasso

Posteriormente se trasladó a la isla de Ibiza. Allí falsificador e isla se hicieron ojitos mutuos, decidiéndose el húngaro a establecerse en este paraíso de modo permanente. Durante dieciséis años continuó realizando sus obras y donde entabló amistad con muchos ibicencos y residentes extranjeros.

Elmyr/ Modigliani

En ese momento se asocia con Legros y Lessard, que le abren los mercados internacionales. Fruto de esa simbiosis aparece en escena el magnate y filántropo estadounidense Algur Hurtle Meadows, que realiza en los años 50 un viaje a España. Meadows se enamora de la cultura y el arte de nuestro país, y, decide atesorar cuantas más obras mejor. Comenzando por Carreño de Miranda, no hubo pintor por quien no se sintiera fascinado. La ocasión la pintaban calva, y es entonces cuando Elmyr y secuaces aprovechan para su golpe maestro.

En el estudio creando un Matisse

De las mil obras que habían vendido casi la mitad habían ido a parar a las arcas del magnate, que ya había proyectado la creación del Meadows Museum de Dallas.

Mas no se sabe bien porqué el magnate que no tenía un pelo de tonto decide investigar. Tras pedir el asesoramiento de cinco expertos, se descubrió que 44 cuadros no eran originales.  El asunto constituyó un mazazo para el falsificador, que, para más inri, recibía sólo unos cientos de dólares al mes. Lessard explicó posteriormente que “Teníamos que mantenerle pobre, para que siguiera a nuestras órdenes”.

Elmyr/Monet

Descubiertas las falsificaciones, el Tribunal de vagos y maleantes le abrió una investigación, y fue condenado a dos meses de cárcel por homosexualidad, convivencia con delincuentes y “carecer de medios demostrables de subsistencia”

Se suicidó en la isla de Ibiza el 11 de diciembre de 1976, poco después de recibir la noticia de que iba a ser extraditado para ser juzgado por falsificación y después de despedirse de algunos de sus amigos más íntimos de la isla.

Y probablemente esta apasionante historia, digna a mi parecer de una buena película, hubiera pasado al olvido, sin pena ni gloria, de no ser por la biografía que de él escribió Clifford Irving,  fuente en tela de juicio por la falsa que escribió sobre Howard Hughes, y  el documental PROYECTO FAKE de Orson Welles, que habla sobre mentiras, trampas y fraudes en el mundo del arte. Ahí se trasluce la enorme burla que Elmyr hizo a los críticos, por no saber darse cuenta de lo que tenían delante.

El Circulo de Bellas Artes nos brinda una excepcional oportunidad para disfrutar de una significativa cantidad de las obras que pintó. Hay óleos, acuarelas, litografías…

Para el autor lo realmente fraudulento eran las leyes del mercado, no el concepto de falsificación.

Lo dejo esto último a vuestra consideración.  Espero que os haya gustado!

UN PASEO POR EL TEMPLO DE LA SABIDURÍA: LA BIBLIOTECA NACIONAL, EN EL DÍA DEL LIBRO

   Hoy es el día del libro, San Jorge o San Jordi en Cataluña. Por tal razón todas las redes sociales están echando humo publicando noticias a tal efecto. No es para menos. Parafraseando a André Maurois  “La lectura de un buen libro es un diálogo incesante en que el libro habla y el alma contesta”.

   Mi particular homenaje a la palabra escrita será este nuevo post, fruto del estudio del Museo de La Biblioteca Nacional,  ese gran desconocido que está esperando, como la perla en la ostra, ser descubierto por el público.
El MUSEO de la BIBLIOTECA NACIONAL nace con el objetivo de divulgar la historia de esta institución, sus colecciones y el trabajo de los profesionales que hacen posible que estas sean consultadas por parte de los lectores e investigadores.
   Hagamos una crónica histórica:
•La Biblioteca Nacional fue fundada en 1712 por el rey Felipe V, primer monarca de la dinastía borbónica, que trajo la idea del progreso cultural a nuestro país. Entonces se la llamó Real Biblioteca Pública. El nuevo proyecto real tenía dos objetivos, uno era el de fomentar el estudio de los súbditos, y el otro era reunir las bibliotecas incautadas a los nobles partidarios del otro pretendiente a la corona de España: Carlos de Habsburgo, durante el transcurso de la Guerra de Sucesión( 1702-1713)
También formaron parte de la Biblioteca los libros traídos de Francia por el propio Rey.
   Felipe V de Anjou, primer monarca borbónico.
•   La primera sede de la Biblioteca fue el pasadizo que unía el Real Alcázar con el Monasterio de la Encarnación.
•En 1716 la Biblioteca se financia con los impuestos obtenidos del Tabaco y de los Naipes, obteniendo el privilegio de que todo el que costeara o imprimiera libros y papeles, debía entregar un ejemplar encuadernado a la Biblioteca Real; fue el antecedente del actual Depósito Legal. Así el fondo de la biblioteca fue aumentando hasta constituirse en el centro depositario del patrimonio bibliográfico español
   Naipes de aquellos tiempos.
•En 1836 la Biblioteca deja de ser propiedad de la Corona. Pasa entonces a depender del Ministerio de la Gobernación y a denominarse Biblioteca Nacional.
•En 1838 la Biblioteca, que estaba situada en la Casa del Marqués de Alcañices, abre sus puertas a las mujeres como investigadoras, ya que hasta aquel momento sólo podían acudir en calidad de visitantes. La primera de todas fue Maria Antonia Gutiérrez. Lo que hoy en día es un hecho cotidiano tuvo un comienzo reivindicativo.
   Imagen del Palacio
•La Desamortización de Mendizábal incrementó notablemente las colecciones de la Biblioteca. A partir de 1856 los gobiernos liberales crearon una incipiente red de bibliotecas, el Cuerpo Facultativo de Archiveros y Bibliotecarios y la Escuela Diplomática, en la que se estudiaba Paleografía y Diplomática, ambas disciplinas básicas para su formación.
•Desde sus inicios la Biblioteca tuvo diversos emplazamientos, hasta que en 1866 Isabel II colocó la primera piedra del actual edificio, que abrió sus puertas al público el 16 de marzo de 1896.
 
   La Reina Isabel II.
La Biblioteca Nacional reúne, organiza y conserva, según datos de 2007, 21 millones de documentos. Cada año se incorpora a la Biblioteca una media de 900.000 documentos, la mayoría a través del Depósito Legal. Existen otras formas de adquisición: la compra, el donativo, el depósito y el canje.
   Una vez situados hablemos de la escritura. Mañana lo haremos acerca de la evolución de ella a través de los siglos. Hoy aprenderemos de las distintas escrituras en el mundo.
La escritura y sus soportes
•Desde el homo Sapiens de Altamira hasta la actualidad el ser humano se ha afanado en fijar y trasmitir sus conocimientos, utilizando para ello todo tipo de materiales e ideando sistemas de escritura o códigos para plasmarlos sobre esos soportes materiales
•En tiempos más recientes esta vieja aspiración se ha visto colmada con la captación del sonido y la imagen fija en movimiento, gracias a inventos como la fotografía, el cinematógrafo, etc.
Historia de la escritura
•Se cree que el hombre empezó a hablar entre los años 100.000 y 40.000 a. C.
•   Hasta que consiguió crear un sistema para escribir, sólo contó con la memoria para conservar su saber y sus tradiciones. Vivía en una cultura oral. Lo que sabía tenía que transmitirlo a la siguiente generación hablando y ésta tenía que conservarlo memorizando lo que oía.
•   Hacia el 30.000 a. C., el hombre empezó a dibujar y pintar: en piedras, en objetos, en las paredes de las cuevas…Las pinturas rupestres le sirvieron a menudo para representar lo principal de los relatos orales y ayudarle a recordarlos.
  Bisonte de Altamira
   Cueva de las manos, Argentina
•   La cultura oral tendió a desaparecer allí donde aparecieron sistemas de escritura. El paso de la cultura oral a la cultura escrita se considera el paso de la prehistoria a la historia.
   La escritura cuneiforme
•La escritura cuneiforme nace en Uruk, Mesopotamia, a orillas del río Eufrates (actual Irak), hacia el 3300 a. C. Y es una invención del pueblo sumerio.
•Es el primer sistema de escritura realmente desarrollado. Y también el primero que se usa no sólo en lo religioso sino también en el palacio, la escuela, y especialmente el mercado. Porque la escritura cuneiforme se deriva de un sistema para registrar tratos comerciales que emplearon los sumerios durante muchísimo tiempo( desde el noveno milenio a. C.).
•Los primero signos cuneiformes son ideográficos, es decir, cada signo representa un concepto ( un objeto, un ser, una acción…).
•Hubo entre 500 y 800 signos, de los que se usaban con más frecuencia 400.
•La escritura cuneiforme fue adoptada por numerosos pueblos, vecinos de los sumerios o más distantes incluso.
  Escritura egipcia
•Su rasgo más característico y conocido son los maravillosos jeroglíficos que la forman.
•Como la cuneiforme, al principio( hacia el año 3000 a. C ) la escritura egipcia fue ideográfica. Cada jeroglífico significaba lo que representaba: una estrella, un ser humano, un pájaro, una herramienta…
•Pero con el tiempo fue sufriendo transformaciones y a finales del tercer milenio y principios del segundo a. C., los jeroglíficos podían tener también un uso fonético, es decir, servían también para representar sonidos.
  Tablilla jeroglífica.
El alfabeto y su expansión
  El primer alfabeto lo idearon los fenicios hace mas de 3000 años.
Tiene 22 letras. Lo curioso es que todas son consonantes. Los signos para representar las vocales no aparecieron hasta que los griegos adoptaron el alfabeto fenicio.
   Alfabeto fenicio.
•En el siguiente paso de la evolución del alfabeto, los etruscos (predecesores de los romanos) adoptaron el alfabeto griego.
   Alfabeto griego
•Cuando éste pasó a los romanos, surgió el alfabeto latino, que es el que se usa en la mayor parte de Occidente actualmente.
•La otra rama que parte del alfabeto fenicio y da lugar al arameo (la lengua que se hablaba en la Palestina de Jesucristo) acaba en el otro gran alfabeto actual: el árabe.
   Alfabeto árabe.
   Paralelamente, hacia el 1.200 a. c surgen los llamados “huesos oraculares” en China, con los primeros caracteres de esta escritura. Los caracteres chinos más antiguos que se conocen ahora fueron descubiertos en una inscripción tallada con cuchillo sobre hueso de tortuga hace 3,000 años. Debido a la existencia de más de dos mil símbolos el aprendizaje de dicha escritura no lo emprenden los niños hasta los 8 años de edad.
 
   Distintos tipos de escritura chinos
 

  Especial atención hemos de dedicar también e la escritura del Valle del Indo( actual India y Pakistán), y los textos antiguos reflejados en sus Rij Veda utilizaron sistemas ideográficos.
  Sánscrito

   Es una de las escrituras más tempranamente documentadas. Significa “perfectamente hecho”
   Silabario devanagári.
   Es el idioma del yoga y otros lenguajes de meditación transcendental.
   De la América Maya destacamos el nahuatl, sistema de escritura ideográfico con similitudes con el jeroglífico, En él está escrito el códice trocortesiano.
   Escritura nahuatl.
SISTEMAS DE COMUNICACIÓN ADAPTADOS
•Desde el siglo XVI se han desarrollado sistemas de comunicación escritos para personas con algún tipo de discapacidad sensorial.
•El más conocido es el inventado en 1825 por el francés Louis Braille, quien creó el sistema que lleva su nombre. Se trata de un sistema de sesenta y cuatro signos formados por las combinaciones de seis puntos que, realizados en relieve pueden leerse con las yemas de los dedos. En su origen esta escritura se trazaba mediante una pauta o regleta con punzón sobre un papel especial que permite la reproducción del punto en relieve. Ahora se hace mecánicamente.
   Alfabeto Braille
•Para personas con problemas de comunicación verbal se emplean métodos basados en sistemas gráficos, como son los sistemas pictográficos:: A. Sistema Pictográfico de Comunicación o Pictograma PIC y B. Sistemas logográficos, como el sistema BLISS o REBUS.
 
  Soportes e instrumentos
•Las características de los muy diferentes soportes de escritura utilizados por las distintas civilizaciones han condicionado el tipo de escritura y el instrumento empleados: cincel, pincel, pluma de ave, bolígrafo…
•Los primeros testimonios escritos se conservan en tablillas de arcilla, de Mesopotamia. Más adelante los egipcios utilizaron el papiro, elaborado a partir de la planta del mismo nombre, que crecía en abundancia en las márgenes del Nilo.
   La planta de papiro, y debajo, el papiro listo para escribir en él.
•Este va perdiendo protagonismo frente al pergamino, elaborado a partir de piel de cordero, ternera o cabra, cuyo uso se prolongó durante mas de mil años.
   Pliego de pergamino
•Ya en el siglo XV se impuso el uso del papel, el soporte mas difundido del que se benefició la imprenta para su expansión.
   Desarrollado por el eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han oriental, en el S. II d. C;  hasta el siglo IX no fué extendido su uso por los árabes por occidente.
SOPORTES DE IMAGEN Y SONIDO
•En tiempos más recientes esta vieja aspiración se ha visto colmada con la captación del sonido y la imagen fija en movimiento, gracias a inventos como la fotografía, el cinematógrafo, etc.
   Cinematógrafo.
  Por su parte la historia de los soportes empleados para registrar sonidos e imágenes reales va pareja a los avances científicos.

Los principales soportes para el registro de las imágenes han sido el metal (daguerrotipos, ferrotipos o platinotipos), el papel (calcotipos, papel albúmina) y el vidrio (ambrotipos o placas de cristal).
   Ambrotipo

Para registrar sonidos dependiendo del sistema de grabación, se han utilizado cilindros de papel ahumado, chapas de estaño, cilindros y discos de cera, ebonita, pizarra o vinilo, para las cintas magnéticas, cintas de metal (DAT), discos compactos y DVD.

   Disco de vinilo.
   Mañana publicaré la segunda parte del post. Espero que os haya entretenido!

SALVADOR DALÍ EN EL REINA SOFÍA: UN “MUST” DE LA PRIMAVERA

Buenas tardes a todos:

“El canibalismo es una de las manifestaciones más evidentes de la ternura”

¿Quién puede ser el artífice de esta provocadora máxima?

Pues efectivamente, nuestro surrealista más universal, Eugenio Salvador Dalí.

El Museo Reina Sofía nos brinda en bandeja una oportunidad única de sumergirnos en la creatividad de este genio absoluto del pincel.

Os contaré anécdotas curiosas y admiraremos juntos este desbordante universo Dali inv def

¡No falteis!

PRIMERA ACTIVIDAD DEL TERCER TRIMESTRE: HIPERREALISMO EN EL THYSSEN

Os deseo a todos unas vacaciones de Semana Santa tranquilas y sosegadas, y que os sirvan para recargar pilas para el tercer trimestre.

Aquí os dejo la reseña de la primera cita que tendremos al volver, imprescindible visitarla, y si es con Arte al Instante mejor!

Feliz descanso a todos!Invitación hiperrealismo

LA PINTURA PLENAIRISTA EN EL THYSSEN O CÓMO UN PEQUEÑO TUBO DE ÓLEO CAMBIÓ LA VIDA A LOS PINTORES

Hacía días que os debía este post acerca de una muestra a todas luces imprescindible en el panorama cultural de nuestra ciudad.

Las tres veces que he gozado e ella han sido una absoluta delicia, y en cada una de esas ocasiones he podido admirar un detalle nuevo que las anteriores había pasado desapercibido. Es el poder de la naturaleza, cambiante, caprichosa, en ocasiones efímera que vibra en cada retazo de obra de la exposición, y que parece destilar vida por los cuatro costados.

La antigua teoría que sustentaba que el arte se podía clasificar en compartimentos estancos, y que podía meter en diferentes cajas cada vanguardia, cada movimiento, ha sido afortunadamente desechado en aras de una transversalidad, que es una manera más viva, y a mi modo de ver más inteligente de acercarse a la contemplación y al estudio de la obra de arte.

Así pues, cuando en los libros de arte leemos que el impresionismo comenzó en Manet, su padre ideológico, no reflejan del todo la verdad. Cien años antes de que esto ocurriera ya se habían trasladado los artistas al medio natural para plasmar sus sensaciones, sus emociones, pese a terminar sus obras en el estudio.

Todo ello fué propiciado por algo en apariencia insignificante, a saber: la invención del tubo de óleo en pequeño formato. Este invento facilitó tener frescos los pigmentos, lo cual permitía pintar sin apremios, y posteriormente fué genialmente rematado por la invención del caballete. Así pues los artistas gozaron de una libertad sin precedentes, propiciando que abandonasen el estudio y que atrapasen “in situ”, al aire libre, los paisajes naturales, y, con ellos, sus sensaciones térmicas.

Hagamos un poco de historia de este género tan apasionante:

A pesar de que el arte chino había cultivado el género del paisaje desde el siglo IV, en Occidente esté género no se iba a desarrollar de manera más o menos autónoma hasta la llegada del Renacimiento; cuando las vistas de prados, montes y colinas comienzan a tomar protagonismo en las composiciones de Durero, Patinir o Brueghel el Viejo.

Paisaje chino

Paisaje de Patinir.

En el siglo XVII este tipo de representaciones va metiéndose poco a poco junto a la pintura de figuras; sobre todo en las escuelas holandesa y flamenca, con nombres como Ruisdael o el francés Claudio de Lorena, uno de mis pintores preferidos.

Tobías y el Angel, Claudio de Lorena.

Cien años más tarde, en las composiciones paisajistas las figuras van cediendo espacio a las panorámicas, situadas aquellas ya como simples referentes de escala. Es el momento de las famosas “vedutte” venecianas de Canaletto, o Guardi, y de las fantásticas ruinas de Zuccarelli o Belloto.

Paisaje urbano o vedutte veneciana.

Paisaje de Zuccarelli.

Antes de instalarse de plano derecho en Francia, este tipo de pintura recaló en Gran Bretaña, donde tuvo seguidores vitales, sobre todo Constable y Turner. En Constable es tal la identificación del hombre con la naturaleza que las pequeñas figuras del lienzo llegan a compenetrarse a la perfección con los elementos de la vida rústica.

Turner arranca de la naturaleza su quintaesencia, transformándola en pura energía y vibración cromática.

Tras esta introducción al género paisajístico, que espero hay sido ilustrativa, nos metemos  de lleno en la muestra, que es absolutamente fascinante  Está dividida en distintas salas, asociadas éstas a accidentes de la naturaleza. La primera de ellas llamada Ruinas, tejados y azoteas remarca la importancia que estos pintores le daban a las ruinas como elemento integrante del paisaje, al que otorgaban un aspecto pintoresco. Fueron objeto de atención de muchos jóvenes artistas que se formaron en Italia a fines del siglo XVIII y principios del XIX siguiendo una tradición idealista

Impresionantes aquí dos visiones de la misma azotea en dos momentos diferentes del día, obra de Pierre Henry de Valenciennes. Es el auténtico precursor de la pintura al aire libre. En 1800 escribió un Tratado sobre el género del paisaje, que influyó notablemente en las siguientes generaciones.

En el asegura algo que vemos perfectamente plasmado en este par de versiones de la misma azotea: “todos los estudios de la naturaleza deberían ser realizados en dos horas como máximo, y, si su efecto es la salida o la puesta del sol, no deberían tomar más de media hora”

La diferencia entre ambas es palpable.

En la sección rocas nos damos cuenta de que su representación ha estado presente en la historia de la pintura desde sus inicios. Los primeros estudios de roquedales fueron pintados en Italia a finales del XVIII; pero el protagonismo les llegó con la Escuela de Barbizón. Dicha escuela tuvo su sede en la villa del mismo nombre, cercana a un antiguo bosque de caza real, el bosque de Fontaineblau. Allí los pintores iban a cultivar, entre otras modalidades el “paisage intime”

Lo empieza a cultivar Corot tras su regreso de Italia.

A dichas rocas se les otorgan valores melancólicos, de soledad, desolación, y en el caso de los pintores europeos, cierto idealismo.

En el caso de los pintores americanos el arte y la geología fueron de la mano. Fueron más precisos, más científicos.

Cezanne recurrió a ellas para construir el espacio sin sombreado ni  perspectiva. Las obras que hay en la muestra salidas de sus pinceles son un prodigio técnico.

En el suelo la pincelada es horizontal, en la parte superior vertical, y en las rocas en todas direcciones.

En la sala montañas nos damos cuenta de que fueron motivo de interés estético desde el XVIII.

Fueron concebidas en principio como fondos para composición de cuadros en el estudio, a excepción del Vesubio( presente también en la muestra de la Fundación Canal que hemos disfrutado hoy).

Se observa cierta concepción panteísta en ellas, como un camino ascendente hacia la divinidad.

En la falda de la montaña. Hodler.

Vemos que en Centroeuropa la iconografía de la montaña alcanzó sus cotas más originales, a caballo entre cierto idealismo romántico y el interés científico. Dicho interés por las montañas lo hallamos en Austria, Francia o España.

Árboles y plantas

Otra vez Italia es el punto de referencia. Allí se extendió la costumbre de ejecutar estudios del natural de los ejemplares más bellos y pintorescos de árboles y plantas. A ello se sumó el interés botánico puesto de moda por Linneo, y que se difundió con rapidez por países anglosajones.

Valenciennes. mi favorito.

Donde esta costumbre consiguió más adeptos fué en Francia a principios del XIX, merced a la preparación de las pruebas del Grand Prix de Rome de paysage histórico creado en 1817.

Para los pintores de Barbizón algo más tarde los árboles se convirtieron en actores silenciosos del paisaje.

Rousseau. bosque de robles

Toda la sala es un himno a la naturaleza, con una profusión de maravillas entre las que no sabrías bien con cual quedarte. Sobre todo abunda la presencia de robles y hayas. A comienzos de 1860 los impresionistas también pintarán árboles en el bosque de Fontaineblau. Pintores como Monet se concentran en las sensaciones visuales de la luz al filtrarse a través de las hojas.

Monet y sus filtraciones. Todo un prodigio en técnica y sensibilidad.

Cascadas, arroyos y ríos

   Desde los inicios el agua imprimió variedad, frescura y vitalidad. Se aprende su representación en enclaves próximos a Roma, con lagos como el Nemi, plasmados sintéticamente, sobre todo por Corot, que pasó largas temporadas en la zona inspirándose en estas mágicas caídas del líquido elemento.

En Inglaterra adquieren el punto culminante en Constable y Turner. Fué Daubigny quien introduce este elemento en Barbizón, haciéndose construír un barco estudio para pintar desde el Sena.

Cielos y nubes

Ambos elementos atmosféricos han estado en la mente de los tratadistas desde Leonado  A partir de los siglos XVIII y XIX se extendió la costumbre de los estudios de nubes entre artistas franceses y alemanes formados en Italia.

El que más lo trabajó fué Constable, que, llevado por su obsesión por la integración entre cielo y paisaje pintó más de cien estudios en sus dos campañas de Hampstead.

O Van Gogh, que a veces se quejaba diciendo:”¡que cuadro pintaría de no hacer tanto viento!”

Van Gogh. Obsérvese cómo plasma el viento soplando con fuerza en la pincelada del campo y en la fuerza y dimensión de las nubes.

Otro fué Boudín, influyendo en Courbet y Monet.

Tempestad sobre el mar en Islandia. Las olas desprenden caracoles de espuma, fruto del viento embravecido.

El mar

Ha sido contemplado con temor hasta el XVIII. Fué Constable el autor de las primeras marinas al aire libre.

La moda de las estancias en la playa como destino vacacional desde el 2º cuarto del XIX se extendió por Francia desde Inglaterra. Los destinos eran lugares de tiempo nublado, proclive a esos paseos marítimos de las clases acomodadas. Clave fué el descubrimiento de Normandía por pintores y escritores.

Courbet cultivó este género, pero sin duda el más atraído por los impresionistas del mar fué Monet. Pinto en repetidas ocasiones los acantilados de Etrètat, donde estuvo a punto de morir ahogado mientras pintaba. dice que sólo un milagro y los pescadores de la zona le salvaron.

La naturaleza y su fuerza, su misterio, su agreste atractivo, ante la que el hombre no puede nada.

No es de extrañar, pues, que pese a ser una muestra extensa, se salga con ganas de visitarla de nuevo, para que nada se nos escape.

Espero que os haya gustado!

DURERO GRABADOR EN LA BIBLIOTECA NACIONAL. PRÓXIMA CITA CULTURAL

Buenas tardes a todos.

Tras visitar Pompeya el Domingo os emplazo a nuestra siguiente actividad que tendrá lugar la semana próxima.

Además visitaremos el Museo del Libro, situado en la misma Biblioteca.

Espero que os guste!Durero invitación

EL LEGADO VÁREZ FISA EN EL MUSEO DEL PRADO. UNA GENEROSA DONACIÓN

Buenos días a todos. Recientemente ha tenido lugar en el Museo del Prado una donación en extremo generosa llevada a cabo por el coleccionista José Luis Várez y su esposa, Milagros Benegas. Dicha donación significa ni más ni menos que, a partir del momento en que las obras entran en el Museo del Prado pasan a pertenecer al Estado. Dicho desprendimiento honra a este matrimonio de coleccionistas, que no hacen sino enriquecer de forma significativa la colección medieval de la Institución.

Milagros Benegas, José Luis Várez, Mariano Rajoy, Miguel Zugaza y José Pedro Pérez Llorca.

Fotografía del matrimonio con el presidente Rajoy, el Director Zugaza y José Pedro Pérez Llorca.

No es la primera vez que donan parte de su patrimonio, ya que el Prado disfruta de dos obras que legaron anteriormente. Así pues, en cierto modo, se convierten en deudores ante ellos.

La incorporación de este conjunto a los fondos del Museo contribuye a paliar algunas de las carencias de esta parte de la colección y ayuda a enriquecer y complementar otros estilos o autores ya representados. Conforme a lo estipulado en el acuerdo de donación, la colección se expondrá en una sala bajo el nombre “Sala Várez Fisa”, en reconocimiento a los donantes. Es la primera vez que una Sala del Museo se dedica ex profeso a alguien.

Moneo está siendo el artífice de la creación de la nueva sala, como no podía ser de otra manera. Para ello se encuentra adaptando uno de los techos del Museo al artesonado leonés del año 1350,que es una de las obras donadas.

Dicho artesonado de Coyanza se hallaba perdido hasta 1929. Ignoramos de qué modo se hicieron con él los Várez Fisa, pero es un hecho afortunado que se pueda admirar dentro de los muros del mejor Museo del mundo.

Voy a mostraros también un fragmento del mismo, para que apreciéis mejor la belleza que encierra.

Bajo la incomparable hermosura de dicho artesonado, sus bellas danzantes y sus caballeros guerreando, se cobijará  el resto de la donación.

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La Virgen de Tobed, de Jaume Serra.

El estilo italogótico caracterizó la obra de este pintor y sus hermanos, influidos en especial por la escuela de Siena,  influencia por otra parte dominante en la pintura catalana del siglo XIV. Los hermanos Serra se caracterizan por la pintura de figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña. Jaume difundió en particular un modelo de Virgen de la Humildad, lactante, entronizada con donante a un lado y de carácter funerario. En el caso de la de Tobed el donante es el futuro rey Enrique de Trastámara.

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Virgen Entronizada con el Niño. Gil de Siloe. Siglo XV. Alabastro con restos de policromía y dorado.

Gil de Siloé es una de las máximas figuras de la escultura hispánica, y europea por extensión, del siglo XV, cuando las formas del gótico postrero, hibridadas por las del arte mudéjar y las influencias flamencas de tipo flamígero  dieron origen al estilo gótico isabelino, exclusivo de España, del que Gil de Siloé es representante emblemático. Su estilo es recargado, decorativista y muy minucioso, dotado de un extraordinario virtuosismo técnico. Su hijo, Diego de Siloé, será pieza clave en el Renacimiento.

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Retablo de San Juan Bautista. Anónimo. Último cuarto del siglo XIII, León. Madera tallada y policromada.

Este original retablo nos muestra en distintas escenas la vida de San Juan Bautista, como si de un cómic se tratara, cobijada cada una de ellas por una arquería trilobulada de influencia árabe claramente idealizada, con esa miríada de torreones y almenas .Hay que tener en cuenta que, en aquel entonces el arte tenía una misión claramente didáctica, ya que la mayoría de la población no sabía leer ni escribir.

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Retablo de la Virgen. Maestro de Torralba. Primera mitad del siglo XV. Temple sobre tabla.

Su estilo es el gótico internacional, sabia síntesis entre las influencias italianas presentes en la época con la pintura franco/flamenca que se estaba extendiendo a través de los maravillosos libros de horas iluminados en miniatura. El lenguaje es ornamentado, minucioso, fantasioso, con una profusión de figuras, u “horror vacui”.

La perspectiva empleada es la caballera, en registros superpuestos, incidiendo en lo anecdótico a través de colores brillantes. Los fondos de oro modulan el color e iluminan las escenas.

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El Lavatorio. Maestro de San Esteve de Andorra. 1216 – 1220. Pintura mural traspasada a lienzo.

Esta obra entraña una dificultad enorme, al haber sido levantada de su emplazamiento original a un lienzo con el método  del strappo (arranque en español) tan sólo se separa del muro la materia pictórica. Se pierde en profundidad, pero al ser la perspectiva plana se puede asumir el riesgo de realizarlo con éxito.

Dentro de una gama cromática plana, y simple y con un cierto movimiento observado en los pliegues en zig zag  se narra esta bíblica escena.

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San Antonio Abad. Joan Reixach. 1440 – 1450. Temple sobre tabla.

Fué un pintor gótico valenciano que gozó de una excelente reputación. Su estilo se encuadra en el gótico internacional, aunque ya se observa la cercanía a los postulados renacentistas de la perspectiva. El representado, San Antonio, fué modelo de vida eremítica.  En la teología, colocar los animales junto a la figura de un cristiano era decir que esa persona había entrado en la vida bienaventurada, esto es, en el Cielo, puesto que dominaba la creación, de ahí la figura del cerdo que le acompaña.

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Frontal con escenas de la infancia de Cristo. Pintor castellano (La Rioja). Primer tercio del siglo XIII. Temple sobre tabla.

Maravilloso frontal en la línea de esos inicios del gótico que se estaban viviendo. Unas figuras que ya parecen estar en movimiento se cobijan bajo los arcos que separan esta representación cristalina de las escenas de la infancia de Jesús: la Adoración de los Magos y Jesús departiendo entre los doctores en Jerusalén.

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Frontal de Solanllong (Ripoll) Maestro de Lluça. 1200 – 1210. Tempera sobre tabla.

Hallado en la ermita cercana a la masía de Solanllong, en la comarca de Ripoll, se halló un antipendio que está decorado con el Pantocrátor que se rodea con los símbolos de los Evangelistas, las Marías ante el sepulcro, la aparición de Cristo a la Magdalena y la resurrección de Lázaro, escenas ubicadas en una disposición original que se aleja de la ortodoxia narrativa.

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San Gregorio el Grande y San Jerónimo. Pedro Berruguete. 1495 – 1500. Banco de un retablo, tabla.

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San Ambrosio y San Agustín. Pedro Berruguete. 1495 – 1500. Banco de un retablo, tabla.

Pedro Berruguete nació en Castilla  y sus primeras obras delatan este origen y su adscripción a los modos gotizantes que predominaban en el arte de la época. Su aprendizaje artístico es bastante desconocido. Se cree que marchó a pintar a Urbino, y que trabajó posteriormente para Isabel la Católica acabando sus días en Paredes de Nava. Fijaos cómo las figuras se salen de la adaptación tradicional al marco, sobre todo las mangas de los representados. Ya se percibe una captación más moderna.

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Cristo de Piedad con David y Jeremías. Diego de la Cruz. 1500. Óleo sobre tabla.

Diego de la Cruz fué un pintor hispano-flamenco afincado en Burgos. Su figura comenzó a ser valorada a partir de 1966. Su estilo se fue hispanizando progresivamente, no quedando en sus obras últimas ningún rastro de los suaves paisajes flamencos. Simultáneamente sus figuras presentan unos rasgos un tanto más duros, más afilados, característica propia del arte hispano. Se percibe claramente en los rostros de los personajes representados.

Várez Fisa, como hemos indicado anteriormente, ya donó al museo dos obras en anteriores ocasiones.

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Retablo de San Cristóbal. Anónimo. Escuela: Española. Cronología: Siglo XIV. Temple sobre tabla.

Pequeño retablo dividido en tres calles y tres cuerpos dedicado a San Cristóbal, protector contra la muerte súbita, que ocupa la calle central, rematada por la Crucifixión

San Cristóbal, mártir del siglo III recibió su apelativo, “portador de Cristo”, a raíz de su leyenda. Nacido con el nombre de Offerus o Réprobo, el santo quiso poner su enorme fuerza y descomunal tamaño al servicio del rey más poderoso de la Tierra, pero en todos halló grandes debilidades. En su búsqueda encontró un ermitaño que le habló de ofrecer sus dones a Cristo, le convirtió y le bautizó. Desde ese momento Cristóbal aceptó transportar a la gente de una orilla a otra de un caudaloso río como acto de devoción. Un día tuvo que llevar un Niño cuyo peso aumentaba a medida que se acercaban a la orilla. El Niño, interrogado por Cristóbal sobre el fenómeno, desveló su identidad como Cristo respondiendo que Él era el amo del Universo y sobre Él recaía todo su peso. Como prueba de ello, mandó que el santo clavara en el cauce del río el bastón en el que se apoyaba y de él milagrosamente nació una palmera. ¡Qué ingenua representación del agua que, llena de peces, circunda las piernas del Santo!

San Cristóbal aparece representado sosteniendo con su brazo izquierdo una piedra de molino, como prueba de su fuerza extraordinaria, y apoyándose en la milagrosa vara. Sobre él se sienta el Niño Jesús sosteniendo la bola del Mundo dividida en tierra, cielo y agua

En las calles laterales aparecen escenas de las vidas y martirios de otros santos: San Pedro, San Blas y San Millán, identificados con sus nombres en las molduras que los separan, y un ángel turiferario -portador de un incensario- en el remate.

Perteneciente al estilo francogótico o gótico lineal, propio de la pintura castellana del siglo XIV, el artista ha mantenido la perspectiva jerárquica en las figuras destacando especialmente la calidad del dibujo.

Un maravilloso remate para un legado de importancia trascendental para la historia del arte medieval, y para su nuevo continente, el Museo del Prado. Cuando queráis vamos a verla!