POETA Y VISIONARIO BLAKE, HIPNOTIZADOR DE LOS INFIERNOS

Hoy he vuelto a gozar de una de las mejores exposiciones que he tenido la fortuna de visitar en los últimos tiempos. Y digo que la he disfrutado hoy, pese a que ya había estado en Caixa hace unos días , y acudía con la prevención típica ante un pintor de vida atormentada, caracterizada por esas múltiples «apariciones» en su vida. ¿Qué tenía Blake que ofrecerme?

Me parece fundamental a la hora de hacerme una idea del artista cuya obra voy a visitar bucear un poco en sus condicionantes; en toda producción artística se refleja la radiografía vital de un modo u otro.

Fué Blake un visionario, adelantado a su época, y cuya estela dejaría una vivísima impronta en los prerrafaelitas, nabís, neorrománticos…pero estuvo dotado de una personalidad única; aquella que hace sencillo vislumbrar la originalidad, y ese algo intangible, pero existente, que hace del pintor un Artista con mayúsculas.

Nada más entrar a la exposición te recibe su retrato

Dentro de los cánones más académicos, William es retratado con una acertadísima semblanza psicológica de su subconsciente. Se capta a la primera su clarividencia dentro de un apasionamiento que le era inherente. Como en todos los artistas, ya fueran pintores, grabadores, poetas, escritores…de la época romántica en la que vivió durante gran parte de su producción pictórica.

Llama poderosamente la atención la cantidad de obra que ha viajado a esta muestra, y que nos lo presenta como pintor prolífico, de incesante actividad.

El montaje es magnífico, como cualquier exposición en que se embarca CaixaFórum: la atmósfera de color rojo de las paredes, la iluminación de las salas…todo está encaminado a sublimar su obra, y a ayudar al espectador a sumergirse en su universo onírico, e hipnótico.

Elohím crea a Adán

Este cuadro es una de sus creaciones más conocidas, y nos saluda desde la sala segunda de la muestra. En él Dios( llamado Elohím en hebreo) crea a Adán, en cuya pierna se enrosca la serpiente, prefigurando lo que sucederá como consecuencia de la tentación a la que le sometió junto a Eva. Es un Dios sin principio ni fin que emerge(es insondable) de no se sabe bien dónde y que flota etéreamente en el cielo.

Predomina claramente el dibujo sobre el color, cuya utilización en sus tonos más vibrantes siempre desdeñó Blake. Tal concepción chocó de modo diametral con la del Director de la Real Academia de pintura británica, Sir Thomas Lawrence, virtuoso y maravilloso retratista, pero de carácter avinagrado y estirado, lo cual le granjeó no pocas enemistades dentro del ambiente de la Academia que dirigía con férrea mano.

Autorretrato de Sir Thomas Lawrence

Blake siempre sostuvo ideas peregrinas, tales como que su hermano se le había aparecido una noche (ya estaba muerto) o como las conversaciones mantenidas por él, entre otros con el profeta Ezequiel. Esta aparición le costó un tortazo de su madre cierto día en que Chesterton( íntimo amigo de Blake, escritor de la época) le esperó en su casa durante horas. En la madrugada regresaba Blake del campo, y, al ser preguntado por su madre que dónde había estado, y que porqué había dejado plantado a su amigo, el respondió: «se me había aparecido Ezequiel, no le iba a dejar con la palabra en la boca durante la conversación»

Personaje rebelde, cosa que se refleja en su poesía, muchos le tomaron por loco; utilizó su imaginación como base de su irrefrenable fantasía. En este aforismo lo deja claro:» aquel que desea, pero no obra, engendra pestilencia» (tremendo, ¿no?)

La lucha entre el bien y el mal aparece de modo recurrente en su pintura. Para él el bien era la actividad, la realización de los impulsos del ser humano, mientras que el mal estaba asociado a la apatía, la abulia y el estancamiento físico y psíquico.

Gustaba de los temas medievales, y de representar animales relacionados con el mundo de la noche, la magia y la hechicería incluso.

Hécate

En la mitología Hécate era la diosa de la Luna, la Tierra y el reino subterráneo de los muertos; más tarde se consideró la diosa de la hechicería y la brujería. Blake hace hincapié en este último papel y la muestra como reina de la noche tenebrosa, con la mano sobre un libro abierto, acompañada a la izquierda y en el fondo por animales extraños y amenazadores. Este monotipo es una impresión en color cuya técnica había sido inventada por el propio Blake.

En otro orden de cosas siempre le fascinó lo medieval; mientras sus compañeros de Academia estaban enfrascados en trabajos dictados por Lawrence él gustaba de escaparse a pintar los motivos góticos de la sillería del coro de la Catedral de Westminster.

Muchas de las obras de la muestra son pintura al temple. Hasta en esos detalles técnicos volvió a esa lejana época sus ojos. En ellas y sobre lienzos finísimos que fabricaba él mismo para favorecer la conservación utilizaba también polvo de pan de oro. Sus encuadres de las obras son tremendamente originales.

El resultado son unas obras de una belleza delicadísima rozando lo sublime. Además se dejó influir por la pintura flamenca en determinados colores azules que configuran el fondo de las obras, así como en la precisión casi científica en plasmar determinados motivos vegetales.

Particularmente originales me han parecido las obras que configuran la sala de la Divina Comedia, libro de Dante que ejerció un hechizo poderoso no sólo en Blake, sino en varios pintores y artistas de la época.

Y en sus visiones del infierno no hay desgarramiento, no hay exacerbación del sentimiento trágico, ni dramático, hay ese poder de sugestión hipnótica que hace que desees tenerlos colgados en el salón de tu casa.

Para remate, aparte de sus miniaturas enmarcadas primorosamente, está su influencia en autores prerrafaelitas como Millais, o Rosetti, gran Santo de mi devoción, que dejan sencillamente sin palabras.

El sueño de Dante, de Rosetti

Así pues, a pesar de que la primera vez no le saqué el jugo debido, en este caso segundas partes han sido muy buenas.

Un 10 para Caixa por la idea de acercarnos a este visionario británico a Madrid. Estaba también la muestra de rascacielos, que dejo para otra ocasión. Os invito a visitar Blake, hasta el 21 estáis a tiempo!

DE LA PASIÓN POR LO MEDIEVAL EN EL ROMANTICISMO: LOS PRERRAFAELITAS

Quienes ya habéis leído alguna entrada de este blog de sobra conocéis mi pasión por el siglo XIX. EL Romanticismo en todas sus acepciones me parece, no sólo fascinante, sino esencial a la hora de entender un poco el devenir artístico-literario producido a partir de la citada época.

Hoy os hablaré sobre pintores prerrafaelitas, y nazarenos. La denominación de cada uno de estos movimientos ya prefigura los postulados en los que iban a basar sus principios y directrices.

Veamos la génesis del primero de los movimientos citados: la hermandad prerrafaelita. Fundada en 1848 en Londres por el pintor John Everett Millais, Dante Gabriel Rosetti, y William Holman Hunt, aglutinó a su alrededor toda una pléyade de pintores, poetas, y hasta críticos ingleses.

Sobre estas líneas de izquierda a derecha: William Holman Hunt y John Everett Millais. Debajo Dante Gabriel Rosetti.

Fundamentalmente se rebelaban contra el academicismo establecido por el entonces Director de la Academia Inglesa, Sir Joshua Reynolds. Según ellos éste no hacía sino seguir las directrices marcadas por el manierismo. que no hacía sino perpetuar una tradición de retrato ampuloso y elegante, pero vacío de significado

Retrato de Sir Joshua Reynolds.

De ahí nace el nombre prerrafaelita, ya que denosta todo arte realizado tras Miguel Ángel, y, sobre todo, Rafael. Tuvieron como premisa fundamental: 1) el regreso al detallismo minucioso, y 2) la vuelta al colorido vibrante y luminoso de los primitivos italianos y flamencos.

Tiene tintes románticos hasta la Sesión Inaugural, que tuvo lugar en la casa de los padres de John Everett Millais, y a la que asistieron el mismo John, Rosetti, y Hunt, que, como hemos apuntado anteriormente, fueron los creadores del grupo.

¿Paradoja? Jonh Everett Millais y Willian Holman Hunt estudiaban en la denostada Royal Academy, a la que, por supuesto, mantuvieron en la más absoluta ignorancia de su hermandad. En cuanto al tercer fundador, Rosetti, digamos que era alumno de Ford Maddox Brown, y había quedado prendado por un cuadro de Hunt inspirado en la poesía de Keats: «La víspera de Santa Agnes»

La víspera de Santa Inés. Holman Hunt

En una segunda hornada se unieron al club William Michel Rosetti, hermano de Dante Gabriel Rossetti, Thomas Woolner,James Collinson y Frederic George Stephens.

Basaron sus obras en autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales, principalmente,leyendas arcaicas e incluso pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

Nacimiento de Venus de Botticelli( detalle)

En cuanto a sus objetivos, los unían cuatro puntos inamovibles, si bien luego cada uno caminó por su propia senda: 1)Expresar ideas auténticas y sinceras, 2) Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas, 3) Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria, y 4) lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.

Al ser su visión óptica e investigadora, ese detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte.¿Antecesores, pues, salvando las distancias de Antonio López, o Edward Hopper, que pronto desembarca en el Thyssen?

Antonio versus Holman Hunt. Impactante realismo el de ambas pinturas!

Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado.Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. ¿Precedentes inmediatos de Newton, o Chevreul, con sus teorías del color?

Teoría de descomposición del color de Chevreul.

La pintura prerrafaelita fue mostrada al público por primera vez en 1849. Los cuadros Isabella(1848–1849), de Millais, y Rienzi (1848–1849), de Hunt, se expusieron en la Royal Academy, y La juventud de la Virgen María de Rossetti en la exposición libre de Hyde Park Corner. Como habían acordado, todos los miembros de la hermandad añadieron, tras su firma, las siglas PRB (Pre-Raphaelite Brotherhood).

Isabella de Millais

Rienzi, de Hunt

La juventud de la Virgen María de Rosetti

En 1850 la Hermandad Prerrafaelita se convirtió en el centro de una polémica a causa de la exhibición del cuadro de Millais, Cristo en casa de sus padres, considerado blasfemo por varios críticos, entre ellos el famoso novelista Charles Dickens.

Dickens y el cuadro de la polémica.

A causa de estas polémicas, James Collinson abandonó la hermandad. El grupo comenzó a deshacerse, aunque su influencia continuaría haciéndose sentir. Los artistas que habían pertenecido al movimiento continuaron con los planteamientos iniciales del, pero dejaron de incorporar a sus obras las iniciales PRB.

A partir de 1856, Rosetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Se gesta el movimiento Arts & Crafts.

Motivo decorativo de ARTS&CRAFTS

Hunt y Millais evitaron después de 1850 la imitación directa del arte medieval, interesados en profundizar en los aspectos realistas y científicos del movimiento prerrafaelita. Sin embargo, Hunt continuó destacando la significación espiritual del arte y, tratando de conciliar religión y ciencia, documentó cuidadosamente sus pinturas de tema bíblico con viajes a Egipto y Palestina.

Moisés, de Hunt

Por el contrario, Millais abandonó los postulados prerrafaelistas después de 1860 volviendo paradójicamente a una pintura más académica, con influencias de Sir Joshua Reynolds que fue duramente condenada por William Morris y otros artistas.

La Ofelia de Millais

Según algunos críticos, el prerrafaelismo podría considerarse el primer movimiento de vanguardia. Algunos rasgos del grupo (la intención rupturista, su carácter programático, la adopción de un nuevo nombre para su arte o la publicación de una revista, The Germ, como órgano de promoción del movimiento) sí parecen anticipar lo que luego será común en las vanguardias; si bien la ruptura con la realidad no tiene la radicalidad de las del siglo XX.

A mí me parece sencillamente fascinante. Espero que os haya gustado! Y en la próxima hablaré de los Nazarenos.