MARÍA BLANCHARD, EL ALMA DEL CUBISMO

El domingo disfrutamos en el Museo Reina Sofía de una muestra a todas luces imprescindible: me refiero a la de María Blanchard, que organizan el mismo museo junto a la Fundación Botín, como no podía ser de otra forma, hablando de esta santanderina universal.

Se reivindica de este modo la personalidad y la figura de una artista que marcó profundamente la vanguardia cubista a golpe de esos retazos de su vida y sentimientos, de esos pedazos de su alma que quedaron vívidamente impresos en los lienzos que pintó.

A mi he de decir que la travesía vital de esta pintora, de esta mujer, me marca de un modo especial, me atrae de un modo subyugante, y me conmueve al mismo tiempo, por lo que estas líneas irradiarán esos sentimientos inconscientemente. Creo que cuando la conozcáis un poco os ocurrirá como a mí.

María Blanchard nace el 6 de marzo de 1881 en el seno de una familia de la nueva burguesía santanderina. La familia Gutiérrez-Cueto Blanchard; tenían ya dos hijas cuando nació:  Aurelia, y Carmen; años más tarde nacería su otra hija Ana.

Siempre se movió en un medio muy culto; no en vano su abuelo fue el fundador de La Abeja montañesa y su padre de El Atlántico, prestigioso diario liberal que dirigió durante diez años.

Imagen del periódico que dirigió su padre.

María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad  condicionará desde su nacimiento tanto su destino como la devoción por su trabajo.

Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente su propia imagen, por lo que apenas existen fotografías de la artista.  La pluma de Ramón Gómez de la Serna nos deja su mejor descripción: “Menudita, con su pelo castaño despeinado en flotantes, tenía mirada de niña, mirada susurrante de pájaro con triste alegría”. Algunas de sus palabras  reflejan su propia opinión sobre su físico y su obra.”no tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo” o “cambiaría toda mi obra… por un poco de belleza”.

María en imagen de archivo.

El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad sus dotes para el dibujo y su extraordinaria sensibilidad.

Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Aquí es donde primero notó el zarpazo de una sociedad cerrada, y con él sus sufrimientos.

Al año siguiente muere su padre, por lo que toda la familia decide trasladarse a Madrid, hecho que supuso para ella el necesario espaldarazo que su alma en ese momento estaba pidiendo a gritos.

Estudió en el año 1906 con Fernando Alvarez de Sotomayor y empieza a exponer en Bellas Artes. Dos años más tarde concurre de nuevo, consiguiendo tercera medalla de pintura con la obra Los primeros pasos. Ese año entra en el taller de Manuel Benedito( del cual hay una magnífica fundación en la calle José Ortega y Gasset, altamente recomendable) . La diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos.

La muestra se articula en torno a tres momentos, tres etapas que conformaron su recorrido tanto artístico como vital, aquí están:

Entre 1908 y 1913 transcurre la maduración de una identidad pictórica propia donde se aprecia la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Es la época de las obras tempranas, los estudios en París y sus primeros contactos con pintores como Anglada Camarasa y Diego Rivera. María absorbe todo este mosaico de experiencias con avidez, y gesta con ellas su propio estilo, lleno de color, dotándolo de una humanidad que será una de sus “marca de fábrica” en toda su trayectoria.

A partir de 1913 y hasta 1919 Blanchard, de regreso en París, entra activamente en el círculo cubista de la mano de Rivera. Plena conocedora de los avances estéticos y formales de la nueva vanguardia, se suma con voz propia a este movimiento.

Desde 1915 fijará su residencia definitiva en París, donde llegará a ser una figura reconocida, partícipe de las discusiones cubistas y amiga íntima de Lipchitz y Juan Gris. Blanchard lograría un perfecto dominio de la expresión cubista sintética, unida a un orden cromático sentimental lleno de plasticidad poética. Los recursos del collage y de la utilización de diversos materiales en su obra, hasta convertirla en una suerte de cubismo matérico, hablan de su preclara mente y lo avanzado de su estética.

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Los años finales de la experiencia cubista serán también los del reconocimiento público, con la participación en exposiciones junto a los otros grandes nombres del cubismo.

Cubismo sintético, collage.

Una última Etapa de Retorno al Orden hasta su fallecimiento en 1932 muestra a una artista progresivamente aislada, marcada por sus dolencias físicas y volcada en una pintura que es expresión de sus propias vivencias, y que muestra fuertes acentos espirituales después de 1927, año en que la muerte de Gris conmueve a la artista.

Os invito a formar parte de la vida de esta mujer tan apasionante, que pintaba con pincelada violenta y llena de color un mundo y una vida que le hubiera gustado que fuera de otra manera.  Me alegro de que el Reina haya tenido esta fantástica iniciativa de rescatar del injustificado olvido a un alma independiente, liberada de un cuerpo que la oprimió físicamente, pero nunca psíquicamente, en ese sentido siempre fué libre, como nos demuestra en una obra rotunda y original.

Y además si visitáis el museo podréis gozar también de la muestra fotográfica del americano Robert Adams, y en breve de una muestra que será un bombazo: “Metonimia” de Cristina Iglesias. ¡Muchos éxitos al Reina Sofía!

PROGRAMACIÓN DEL AÑO 2013, ¡DEJAOS ATRAPAR POR ELLA!

Hoy he estado trabajando toda la tarde en el programa del 2013. Ya veréis lo completo que es. Espero que os dejéis seducir por él.

Comenzaremos Enero celebrando el Aniversario del nuevo espacio de las Artes del remodelado Corte Inglés de Castellana.  Con tal motivo hay una interesantísima muestra de grabados de primeras figuras.

Por fin el arte es accesible

¿Os parece una buena forma de empezar?

El día 19 de enero tendremos una cita en CentroCentro para conocer de primera mano El legado de la Casa de Alba. La colección de la Casa de Alba es el único legado familiar histórico que se conserva casi intacto después de casi 500 años. Se trata de una colección nobiliaria que ha ido absorbiendo por matrimonio o herencia importantes piezas de grandes artistas, se ha incrementado con adquisiciones del mejor arte de su momento y se ha conservado de una manera excepcional. Ésta familia inició la colección a finales del siglo XV.

El día 26 de Enero veremos una magnífica colección de arte catalán en Madrid en la Casa Museo Daurella. Acoge una colección titulada Luz del Mediterráneo, con 257 obras, de las cuales 198 son pinturas, 32 esculturas y 27 dibujos. La gran parte pertenecen al modernismo catalán e impresionismo, un periodo artístico especialmente fértil impulsado por la burguesía catalana que se hacía de oro suministrando productos textiles durante la I Guerra Mundial.

Comenzaremos febrero en el Museo del Prado, donde nos aproximaremos a El joven Van Dyck. Como un Amadeus con pincel, un joven de 14 años pintó obras de arte a la altura de Las Meninas. ¿Cómo pudo ocurrir? Esta es la historia que cuenta ‘El joven Van Dyck (1599-1641)’, la exposición que ocupa el invierno (hasta el próximo 3 de marzo) en el Museo del Prado. La muestra es la primera dedicada al artista holandés en España y una de las más importantes que se han hecho nunca.

Será el viernes 1 de febrero a las 17.00

El viernes 8 de Febrero nos espera Los espejos del alma. Paisaje alemán en el Romanticismo”, que propone un paseo por el paisaje alemán del siglo XIX a través de los pintores más destacados de esa época en Alemania.

Será en el Museo del Romanticismo a las 17.00

El viernes 15 de febrero cogeremos paleta y pinceles para visitar Impresionismo y aire libre, de Corot a Van Gogh una gran exposición que analizará el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX. En el Museo Thyssen a las 17.00.

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El Domingo 24 nos daremos una vuelta por la Gran Vía, del adoquín al firmamento, visitando sus edificios, conociendo sus historias, y haciendo escalas sorpresa en lugares fascinantes. ¡Tiene tanto que contarnos!

El punto de encuentro será el Edificio Grassy. La hora las 12.00. Remataremos con tapas!

El mes de marzo lo empezamos sepultados por un volcán. Visitaremos Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio  nos traslada, en esta ocasión, a la Antigua Roma de hace dos mil años. A través de más de 600 piezas, la mayoría nunca vistas en España

Será a las 17.00 en la Fundación Canal.

El 8 de marzo tendremos Durero grabador. Del Gótico al Renacimiento en la Biblioteca Nacional. La exposición pone de manifiesto la fama internacional que Alberto Durero tuvo como grabador. En total se presentan más de 100 ejemplos de grabados realizados por Durero y se acompañan de estampas de otros artistas de su época. Entre ellos, se encuentran importantes pintores del Renacimiento alemán, como Hans Holbein o Lucas Cranach entre otros.

Grabado de la exposición. Imagen cedida por Obra Social CajaCanarias

Será a las 17.00.

El 15 de marzo a las 17.00 nos inundaremos de la luz de Sorolla, en su Casa Museo. La muestra se llama Jardines de luz.

Los patios árabes de Sorolla vuelven a cobijarse a la sombra de la Alhambra

El sábado 23 os propongo algo diferente: En el Museo de Antropología asistiremos a un espectáculo/danza en homenaje a las mujeres del mundo. Lo llevará a cabo la Compañía de la india Sohinimoksha

Un espectáculo diferente!

El viernes 5 de Abril tomaremos el pulso al Museo de América. Es altamente recomendable! Será a las 17.00 de la tarde.

El viernes 12 de Abril a las 17.00 nos adentraremos en las enseñanzas de Paul Klee en la Bauhaus, con la ayuda de la Fundación Juan March.

El viernes 19 de Abril os propongo un viaje surrealista hacia el inconsciente de la mano de Dalí. En el Museo Reina Sofía a las 17.00.

La exposición se propondrá revalorizar al Dalí pensador, escritor y creador de una
particular visión del mundo.

La persistencia de la memoria viaja con la muestra!

El viernes 16 realizaremos una semblanza de la pintura española del XIX en el Museo del Prado, dándole la importancia que merece.

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros, Gisbert.

El mes de mayo lo comenzamos en CaixaFórum visitando “Antes del diluvio. Mesopotamia”  explora qué le debemos a esta primera cultura del antiguo Oriente Próximo, qué imagen del mundo tuvieron los mesopotámicos del cuarto y tercer milenio a. C., que, en gran parte, nos ha sido legada a través de la Biblia, el Corán y varios mitos y textos griegos.

El viernes 10 de mayo a las 17.00 nos acercaremos a Una genealogía del hiperrealismo en el Museo Thyssen. A finales de la década de 1960 surge en Estados Unidos una corriente pictórica dedicada a la representación realista de escenas y objetos del día a día de la vida cotidiana. Estos artistas parten siempre de la fotografía como documentación para su pintura.

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El viernes 17 de mayo a las 17.00 nos acercaremos al Circulo de Bellas Artes a la muestra Elmyr de Hory. Proyecto Fake. Elmyr de Hory fue uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que fueron expuestos en museos de todo el mundo, bajo la firma de Picasso, Modigliani o Degas, entre otros.

Una de sus increíbles falsificaciones.

El Domingo 26 de mayo propongo una Excursión a la ciudad Financiera del Banco de Santander en Boadilla del Monte a disfrutar de La colección Cranford  de arte contemporáneo, una de las más importantes del mundo, fundada en 1999 por Muriel y Freddy Salem.

El viernes 31 visitaremos el Museo Naval, acercándonos a la historia de la marina española, la construcción de barcos, la arqueología subacuática…un mar de inagotable conocimiento!

 

El viernes 7 de junio iremos al Museo Arqueológico Nacional, de reciente reinauguración. ¡Nuestro pasado nos está esperando!

El viernes 14 de junio haremos una Visita al Museo al Aire Libre, situado bajo el puente de Juan Bravo, testigo de una cultura “underground” del Madrid que nunca duerme. ¡Os sorprenderá!

Y el Domingo 22 tendremos un broche de oro: visitaremos el Templo hindú de Madrid  y comeremos en Swagat, donde nos vestiremos el sari y degustaremos una gastronomía de lo más cool con Shibani Saigal, su dueña.

En cuanto al precio serán 60 euros al mes, sin incluir entradas a exposiciones.

Todo un universo nos espera, ¡daos un baño de cultura en buena compañía!

Para apuntarse escribid un mail a artealinstante@hotmail.es. Pueden ser meses sueltos o clases sueltas…la modalidad la elegís vosotros.

Espero vuestros correos, felices Navidades!

JEAN PAUL GAULTIER. DE LA CALLE A LAS ESTRELLAS

Cuando uno visita una muestra como la de Jean Paul Gaultier en la Fundación Mapfre se siente enormemente afortunado de vivir en una ciudad como Madrid. Desde su reciente andadura en el Palacete de Recoletos, la Fundación Mapfre se ha convertido en lugar de referencia, donde se celebran exposiciones del más alto nivel.

Lo primero que llama poderosamente la atención en la muestra es el montaje de la misma en sí, como si fuera una pasarela interactiva de unos modelos que se te hacen más cercanos porque la mayoría de sus rostros tienen vida, gracias a un sofisticado sistema de cámaras.

Al lado de una desenfadada pintada, en la que Gaultier rinde su peculiar homenaje a España, está su modelo de raso rosa de té con exvoto de abanicos. Como bien apuntó María López Linares, el encaje del país de todos los abanicos es de alta calidad. En la ejecución del mismo se invirtieron 1583 horas.

El vestido tiene corte de sirena, uno de los preferidos de un genio enormemente próximo, carente de esa altivez que a veces caracteriza a los divos de la alta costura. Y es que él mismo ha querido que la muestra tenga carácter más de instalación que de exposición, ya que, según él, estas últimas se dedican a gente muerta, y él está vivito y coleando.

La primera parte de la muestra nos aproxima a tres de los motivos recurrentes de su panorama creativo: las vírgenes, las sirenas y los marineros.

Entre los maniquíes que llevan sus “virginales” modelos está el primer diseño que realizó, con una exótica modelo a quien conoció en Guadalupe, Alitzia, y que más tarde se convertiría en pieza clave de su equipo. Es un vestido con el pecho totalmente descubierto.

También contemplamos un vestido que llevó una de sus celebrities, Killie Minogue, y que obedece a una  frase de una de sus canciones “el amor apresa”, y otro que llevó en Cannes Catherine Deneuve. Todos ellos ellos  repletos de mezclas imposibles, casi irreverentes de exvotos religiosos, tales como trípticos o imágenes.  Para sus creaciones le sirve, tanto el encaje más fino, como la pieza de deshecho encontrada por las calles.

Jean Paul Gaultier exhibition

El segundo por la izquierda, en la fila trasera es el primero que realizó. A su derecha, de azul y rojo el que llevó Catherine Deneuve, y delante, con la cara tapada de encaje, el de Killie Minogue. Coronas de plástico y plexiglás completan el conjunto.

Al lado, y enfatizando el aspecto espiritual de las mismas una fotografía suya, a modo de recordatorio de comunión.

La torre Eiffel, símbolo fetiche del autor, se vé en segundo plano. La fotografía es del estudio de Pierre and Gilles.

El segundo motivo que observamos en el centro de la sala son sus sirenas, de trajes de escamas, uno de ellos terminado en cola, y repletos de madreperlas y corales. Uno de ellos le quedó tan estrecho que tuvo que fabricar unas muletas para que la modelo pudiera caminar por la pasarela.

Encima les coloca una pátina de pintura incolora, para que tengan el efecto brillante de los pescados recién salidos del mar.

dos sirenas de Gaultier, una de ellas con los pechos cónicos  prefigurando la mujer dominadora con sus armas de seducción expresamente acentuadas.

Gaultier es un buscador incansable de la singularidad  de la rareza. Cuando hace castings para sus desfiles hace uso de una premisa básica :”rostros raros no abstenerse”

En la tercera parte de su particular odisea está la raya marinera, otro de sus leit motifs. Para él en la raya simboliza la perfección arquitectónica de la línea. “Siempre he dicho que la raya marinera es atemporal, “se llevaba cuando nací, se lleva ahora, y me atrevo a asegurar que se llevará siempre”

Cabe destacar un vestido de raya marinera, de aspecto casual en su parte superior, pero con la falda repleta de plumas de avestruz lacadas y cosidas a mano individualmente. Este vestido lo llevó Carolina de Mónaco en uno de los Bailes de la rosa en Montecarlo.

Enfundado en un jersey de rayas marineras de visón aparece el mismo Gaultier, que nos dá la bienvenida hablando en francés, inglés y español.

Aparece la falda masculina, para la cual se inspiró en los camareros de los restaurantes parisinos y en los samuráis. Es cuando aparece la idea del hombre objeto, y cuando se desdibuja la diferencia entre prendas destinadas a la mujer y al hombre. Todos pueden llevarlo todo.

Vestidos de marinero de cuero, el vestido de plumas de avestruz y Gaultier con jersey visón y falda masculina.

Gaultier nace en 1954 en Acueil, a las afueras de París. Desde niño sintió aversión por el colegio, donde le ridiculizaban y le tildaban de afeminado. Por ello inventaba mil excusas, ante las que sus padres le dejaban al cargo de su abuela. Allí se gestó su carácter, su vocación, al abrigo de aquella mujer inusual que ejercía de curandera, y que tenía un aparato de televisión donde le dejaba ver de todo.

Estaba de moda la película Falbalas, que narraba la historia de un joven modisto y su musa, la actriz Micheline Preslé.

 

Curiosamente Gaultier diseñó el vestido que llevó esta actriz cuando le entregaron el Cannes honorífico en 2007.

Curioseando en al armario de su abuela descubrió los corsés que ésta se ponía. Al saber que eran elementos que oprimían al cuerpo, quedó hondamente impresionado. Su abuela le contó qué sacrificios hacían las mujeres, que ingerían bocanadas de vinagre antes de cada tirón para contraer el estómago. Comenzó a diseñar sus propias versiones. su primer modelo fue Nana, su osa de peluche, con la que experimentaba, le cortaba el pelo, la teñía…

La famosa Nana

De su abuela sacó también la fascinación por las latas de conserva, ella tenía un gato, y le alimentaba a base de ellas. Por ello y como tributo a este objeto sus primeros perfumes fueron en latas. Las esencias también fueron alteradas, usando algunas típicas femeninas en perfumes de caballero, como la vainilla.

Diseña para Madonna los corsés liberadores para el  Blond Ambition Tour del 1990. Estaban creados con materiales ligeros, que liberaban a la mujer. Madonna los llevaba por encima de la ropa, lo cual fué un impacto para la época.

Los dos corsés más usados en la gira.

Consideraba el cuerpo humano como algo perfecto, digno de ser admirado y estudiado. Aparecen en la sección “Como una segunda piel” unos diseños enormemente originales, auténticos trampantojos, prodigios de su imaginación. Se marcan las venas, los músculos, aparecen vestidos de “desnudos” y fotografías del singular Mario Testino de las celebrities que sucumbieron a sus encantos: Naomí Campbell, Kate Moss, Linda Evangelista…las top de los 80. Hasta Carla Bruni le encargó un modelo cuando estaba embarazada.

La gira de Madonna del 2006 vuelve a tenerle como diseñador. La mujer está ejerciendo de dominatrix ante un hombre objeto vencido. La cola del caballo que pende del sombrero de la cantante es otro símbolo de dominación. En China se prohibió la gira por la polémica suscitada.

 

En el centro, segunda piel, a los lados imágenes de la gira de Madonna 2006.

En la siguiente sala rinde un homenaje al París más tradicional, más “clásico” aunque no por ello deja de introducir en los modelos sus toques de originalidad: el principe de gales, el ojo de perdiz…los motivos clásicos dentro de un universo creativo de incuestionable originalidad.

Un rotundo homenaje a la torre Eiffel aparece en tacones, medias y vestidos. La femme fatal se despoja de los convencionalismos y se reviste de modernidad en los hábitos. ¿El rey? El tabaco.

Divertido y original homenaje al Folies Bergere.

Cruzamos a la sección de enfrente, como si del Canal de la Mancha se tratase para ver la sección que ha dado en bautizar como punk can- can. No falta ni el grafitti, realizado expresamente para la muestra por Estudio 33 (nada se ha dejado al azar). En la pasarela cuadros escoceses, tachuelas, vestidos de noche de camuflaje, en concreto uno que llevó Sarah Jessica Parker a los MTV, o el mismo Gaultier al estreno de Kika.

Aquí está su universo londinense, una explosión de colorido y alegría.

Su siguiente sala es un homenaje a Madrid, sede de la exposición. Ante una proyección del bullicio de sus calles aparece la mas variada combinación étnica en modelos que rinden tributo a las diversas culturas del mundo.

Nos recibe una novia que lleva por velo unas plumas de indio sioux, y cuya falda está hecha a base de retazos de una guerrera militar. Otra, un poco más allá, tiene el vestido compuesto por una máscara africana hecha a base de plisado de tul blanco.

Dos novias diferentes.

Al lado de vestidos de leopardo, cabeza incluída, destacan en esta parte en primer lugar el que llevó Dana Internacional a Eurovisión, hecho con plumas de papagayo, un original bolso de carey, un carrito de la compra de visón, o uno realizado para Frida Kalho.

Dana con el vestido

Carrito de la compra de visón, ¿Os animáis a comprarlo?

Mención aparte debe el hecho de la colección que diseñó  inspirada en los judíos yasídicos. Cuentan que bajando de un  taxi en New York vio cómo salían de una sinagoga unos judíos con sus tradicionales gorros y tirabuzones. Después manifestó que hacía mucho tiempo que no veía algo tan sublime.

Se lanzó a diseñarlos y se los hizo poner a sus chicas modelos en una campaña. Ríos de tinta corrieron de la comunidad judía, pero a él le dio igual. No pretendía ofender.

Las causantes del escándalo.

Gaultier es versátil, grabó un disco, ha trabajado en televisión, y ha tenido colaboración en numerosas producciones cinematográficas. Las más sonadas con Pedro Almodóvar, con quien la química es total. Kika, La mala educación, La piel que habito, son algunas de las producciones del manchego para las que ha prestado su aguja e ingenio.

Kika, La piel que habito y La mala educación.

Uno de sus preferidos, de Kika.

En el ámbito internacional tenemos su intervención en El quinto elemento.

Para finalizar tenemos una pequeña muestra del creador como diseñador de muebles de viaje, y unas butacas estilo Ben Hur.

Un diez a la muestra, al creador, y al mundo de sueños en el que nos introduce al visitar sus creaciones. ¡¡Muchos éxitos, “enfant terrible!!

TRAS GAULTIER, DOS ÚLTIMAS ACTIVIDADES DEL AÑO

Queridos amigos:

Os voy a dejar las reseñas de mis dos últimas citas del año.

No obstante, para los que me leéis desde el extranjero, me gustaría que, si vais a venir a Madrid y queréis una guía privada, contactéis conmigo; os puedo realizar tours a medida y las visitas a las exposiciones temporales que sean de vuestro agrado.

Esperando que os resulten de interés os envío un cordial saludo. ¡Animaos!

UNA TARDE EN LA PARADISÍACA POLINESIA DE LA MANO DE GAUGUIN “EL SALVAJE”

Aún con el recuerdo en la mente de la maravillosa proximidad que tuvimos la fortuna de sentir con Gauguin y sus nuevos lenguajes creativos, me siento a escribir esta entrada, que espero que sea del agrado de los que me leéis. Cuando estudiaba en la universidad a Gauguin y al círculo del impresionismo siempre me pareció una figura antipática, de un modo instintivo, así que aparqué deliberadamente toda intención de profundizar en su figura. Años después, y gracias a la maravillosa oportunidad brindada por el Thyssen en su veinte aniversario me doy perfecta cuenta de cuán equivocada estuve. De sabios es rectificar, y lo hago de un modo público. La vida de Gauguín( París 1948- Islas Marquesas, 1903) estuvo plena de acción, se podría decir que la mitad de su existencia transcurrió a bordo de algún barco recorriendo y explorando el ancho mundo. Según comentaba varias veces por sus venas corría sangre peruana, ya que alardeaba de tener un antepasado que fué el último virrey del Perú. Sus primeros nueve años de infancia transcurrieron en Río de Janeiro, donde se sintió un niño libre que hablaba español y corría por aquellos frondosos bosques. Esto marcará su trayectoria plena de viajes o como marino mercante o como oficial de la armada…y marcó el espíritu libre que le acompañó de por vida. Pero lo fundamental que acaeció en su vida fué el conocimiento de los artistas románticos en la magnífica colección que tenía su tutor, Ricardo Arosa. Allí “intimó” con el Delacroix seducido por Argel, y cuyo  cuadro nos saluda desde la primera sala a modo de introducción. Es toda una invitación al viaje, ¿no os parece? Su fascinación por esas tierras propiciaron su vuelta al primitivismo, a través de lo exótico, lo misterioso, esa civilización libre de ataduras que se le brindó generosa cuando, tras decirle a su mujer , Mette: “me voy a Panamá a vivir como un salvaje” puso rumbo a esas tierras. La imagen que aquí observamos está realizada a través de una de las ensoñaciones pictóricas del autor, que liberó su imaginación en el proceso creativo. La muchacha sentada con vestimenta rosa pertenecía a la misión católica que había acudido allí a evangelizarlos. ¿Percibís las enormes superficies de color, y el empleo “caprichoso” de éste? En “Mujeres tahitianas” (sobre estas líneas) se observa la fascinación que sintió por este tipo de mujeres, a las que representa de un modo hercúleo y algo achatadas. En el pareo de la de la izquierda se observan reminiscencias de la pintura japonesa, que le redescubrió Van Gogh durante su breve convivencia juntos en Arles. Desde un primer momento sentó las bases de la renovación pictórica  que tanta huella dejaría en su contemporáneos a los que nos referiremos en el diálogo que mantienen en la sala tercera de la muestra. Sería una técnica a partir de grandes superficies de color planas, sin gradación tonal, y una utilización arbitraria del color. Esto impactó de un modo radical en la corriente fauvista apadrinada por Matisse,cuya presencia en la muestra es de gran importancia. El paraíso tahitiano que veremos a continuación es, fundamentalmente un gran homenaje del pintor a la vida auténtica, pura, libre de encorsetamientos y condicionantes morales que impregnaba la vida de los habitantes de aquellas islas del pacífico. Fundamentalmente quiso perpetuar la cultura maori  en vías de desaparición. Muerte. Paisaje con pavos reales Matamua Nos impregnan estas pinturas de fragancias exóticas, recreando paisajes edénicos. A ello contribuyen poderosamente la explosión de colores en grandes masas cromáticas. En “Matamoe” nos habla de la muerte paradójicamente, íntima y misteriosamente ligada a lo salvaje de los trópicos; mientras que en “Matamua” aparece el simbolismo mítico y ancestral del “tiki”( ídolo religioso de forma humana) representando e Hina, la divinidad maori femenina que representa el mundo del misterio y de la noche. La composición se desdobla con el árbol que funciona a modo de bisagra, que desdobla la rotunda escena en la parte derecha, donde una de las mujeres sentadas toca la flauta, y la parte izquierda, en la que aparecen otras figuras realizando un baile ritual en torno a la diosa. Trilogía de los tres tikis o divinidades maoríes: Ku( dios masculino) Hina( esposa de Ku) y el hijo de ambos. ¿No traen a la mente enseguida las figuras de los moais  en la Isla de Pascua? En la tercera salas somos testigos de excepción del diálogo establecido entre Gauguin y los que siguieron su estela de ruptura y reencuentro con la jungla, lo misterioso y lo salvaje. Aventuremos lo que pueden estar diciéndose entre sí:

 

 

 

 

 

Henry Rousseau:” Gorila atacando a un indio

” “Gracias te doy, Gauguin, por abrirnos las puertas a tus coetáneos al maravilloso universo de la jungla, del mundo perdido a los ojos de la civilización humana. Mi lenguaje pictórico difiere del tuyo, ya que mi estética “naif” hace que delimite los contornos, de una manera deliberadamente ingenua. Creo que esa es la manera en la que me puedo expresar más libremente” Franz Marc “El sueño” “Imbuidos de tus enseñanzas en ese momento, oh salvaje Gauguin, mi amigo Kandinsky y yo fundamos “Der blaue reiter” fusionando mi pasión por los caballos y la de él por el color azul. Escapamos del mundo turbulento en que vivimos escapando con nuestra imaginación a un mundo arcádico, en el que hombre y animales convivirán en perfecta armonía. Lo hacemos dentro de nuestra particular teoría cromática, donde lo azul simboliza lo masculino y equilibrado, lo amarillo la locura y pasión de lo femenino, el rojo la fuerza, y el verde el equilibrio” “Selva tropical” Emil Nolde: “Enseguida me sentí impelido a salir en pos de tus pasos, Gauguin, tan pronto tuve noticias de tu libertad compositiva, y tu huida hacia naturalezas salvajes, en estado puro. Liberé la composición, introduciendo grandes extensiones de color y utilizando pequeñas manchas rojas, en forma de loros, para causar más impacto en el espectador. Todo dentro de un estilo anticlasicista y lleno de fuerza” Metzinger, “Bañistas” “Yo realicé mi particular versión del primitivismo dentro de una técnica divisionista. Sabedor de que tú, Gauguin estabas también fuertemente influido por el mundo de la vidriera medieval, quise acentuar el colorido, para que mis bañistas se asemejaran a una vidriera en movimiento. Dentro de una ensoñación que no tenía nada de académica” ¿No os imagináis el diálogo que establecen entre sí, y que bien podría ser el que he reproducido al hablar de ellos ? Etnográficamente hablando Gauguin siempre quiso vivir como ellos, pero siempre mostrando la diferencia entre las dos culturas, sin tener intención alguna de imitarles, sino de aprender, enriqueciéndose, de las diferencias palpables entre una y otra raza y cultura. Muchacha con abanico Maravilloso en esta línea el exótico retrato de esta joven nativa, ataviada con túnica blanca y exótico abanico, sentada en una silla colonial, posando para él con regocijo. La pintura de Gauguin se convirtió en un nuevo canon  una nueva forma de vivir para los expresionistas alemanes de la talla de Kirschner, que traslada a las mujeres desnudas a sus claustrofóbicos espacios( no hay que olvidar lo atormentado que estaba tras haber participado en un conflicto bélico) , Heckel, o Nolde, que se recreó en la fisonomía de los habitantes de los mares del sur, casi con precisión antropológica, todo un prodigio su estudio de las narices, pómulos, y rasgos anatómicos. Dos desnudos, Kirschner Papuan head, Nolde Otros pintores se lanzaron sin ambages a viajar a lugares exóticos, en lo que han llamado “La luna del sur” Resaltar las figuras de 1) Kandinsky, fascinado por el viaje que realizó a Argel en 1905( ¡qué teclas más diversas tocó de modo infatigable el autor ruso!) de cuya obra dejo plasmada una obra: Improvisación 6 (Africano) Kandinsky: Improvisación 6 Destaca en ella lo vibrante de un colorido fruto del influjo de la luz y el color, que quiso plasmar de un modo vibrante. 2) Matisse: “Flores y cerámica” En él el artista rinde su particular homenaje a Gauguin en la utilización de una superficie grande de azul lapislázuli en un bellísimo florero inserto en una composición como de collage. 3) Delaunay emprende un viaje etno-folclórico por la Península Ibérica y pinta su ” La portuguesa” dentro de su técnica cubista/ órfica donde introduce el concepto de sinfonía en su pintura, casi caleidoscópica. En la última sala, como colofón encontramos las obras peculiares que Matisse realizó desde la Polinesia francesa con sus  papiers découpés (papeles recortados), reverenciados como la culminación de su carrera y de su principio rector  “orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad” coincidió con el cineasta expresionista Murnau, que estaba realizando su película “Tabú” acerca de las costumbres nativas, y que se puede ver proyectada en una de las paredes de la sala. El esquimal Matisse: “El esquimal” Fotograma de “Tabú” Un público entregado, hizo que valorara más, si cabe, mi trabajo, que a la vez es mi vocación. También contribuyó el espectacular montaje  de la muestra por parte del Museo, auténtico maestro en estas lides. Espero haber aportado algo con la entrada. ¡Feliz sábado!

VERSATILE BLOGGER AWARDS

Hoy una gran profesional y amiga tuitera( aún no he tenido el privilegio de conocerla en persona) ha tenido la deferencia de nominarme a estos premios.

Aunque bloguera, soy nueva en esta lides de premios y demás, y creo que ahora debo nominar yo a los blogs que más impresionada me tienen por unas razones o por otras. He de decir que aparecen en mis nominaciones, aparte de por una incuestionable profesionalidad, por el hecho de que comparten conmigo ideas de belleza y arte, imprescindibles en el devenir de cualquier sociedad que quiera ser llamada civilizada.

Estos son mis nominados:

1. Te veo en Madrid. Siempre ofrece variada y altamente interesante información sobre los rincones más ocultos de Madrid. Hay, además fantásticos consejos en referencia a resturantes. Está escrito de una forma fresca y amena. Se lee de un tirón.

2. Vintage Blog By López Linares: Hablar de ellos es sinónimo de buen gusto elegancia y glamour. Pasaría las horas muertas en su compañía en la elegante tienda de Claudio Coello.

Anticuario López-Linares

3. Miss Forty: Encaja a la perfección con todo aquello en lo que creo y pienso. Es una mujer de rompe y rasga de ideas muy claras.

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4. Secretos de Madrid: Me siento identificada con él al cien. Si hablamos del amor sentido por Madrid somos almas gemelas. Sus post son una auténtica delicia.

5. El Armario de Arnelas: Un “must” para seguir de cerca lo último sobre tendencias…y todo lo que se cuece en el backstage. Gran profesionalidad en alguien tan joven. Auguro una brillante carrera.

6. Tim de Kir: Fantástica y versátil tienda en la que se encuentra de todo. Yo ya soy fan confesa. Ana y Cuqui llevan todo con gran profesionalidad y entrega.

MADRID COOL BLOG tim de kir tienda ropa complementos regalos barrio salamanca chamberi prosperidad

7. La tienda de Almudena: Lo mejorcito en zapatos de Madrid en la calle Zurbano. El arte también se lleva en los pies.

8.Estilo Rus. Sus post siempre muestran lo que una querría hacer y los lugares donde uno querría encontrarse. Escrito con una amenidad digna de cualquier escritora.

9. Amore Tocados. Aún no tienen blog…pero representan el arte en vestir la cabeza…que es algo muy complicado. Siempre aciertan. Son jóvenes y guapos, y se comerán el mundo.

10. Baroneti: Sus tarjetas son arte en pequeño formato( obsesión por hablar sobre arte…posible deformación profesional) dará mucho que hablar cuando las comparta con el ancho mundo. Su sensibilidad es difícilmente superable.

Y hay dos que no quisiera que quedaran en el tintero: el blog de Carla Bulgaria, imprescindible para conseguir óptimos resultados en nuestra belleza personal,

Carla Bulgaria Roses Beauty

 

y el Blog de La Cultura del Oasis, que nos muestra verdaderos lugares de ensueño donde perdernos, solos o acompañados.

Asociación UNESCO La Cultura del Oasis

Estos son los que me han aportado más durante este año de vida en el blog. Felicidades a todos, amigos míos, y a seguir cosechando éxitos!!

SEGUNDA ACTIVIDAD DEL CURSO: LA CAPILLA DEL OBISPO Y EL MUSEO DE LOS ORÍGENES

El otoño nos saluda con lluvia en Madrid; dicen que es buen presagio.

Tras disfrutar de Blake y su arte visionario, os propongo una nueva cita en la que visitaremos a las cuatro nuestra joya del Renacimiento: la Capilla del Obispo, y tras ello nos adentraremos en el Museo de los Orígenes.

Y al terminar un café para intercambiar impresiones.

¡Os espero!

EXPOSICIÓN DELACROIX

El jueves tuve la suerte de visitar Delacroix por tercera vez, en esta ocasión acompañada de una amiga.

He de decir en honor de Caixa que está fabulosamente montada, y que nos permite dar un paseo virtual a través de las obras expuestas por toda la producción pictórica del artista, y por aquellas cosas que ejercieron sobre sus pinceles una poderosa influencia, haciendo de él un ávido e incansable experimentador en distintas disciplinas, desde los temas mitológicos a su fabulosa descripción de las carnaciones de la anatomía humana a través del oscurecimiento de determinadas partes de la piel de los personajes que retrata.

Se perciben sus homenajes a los autores literarios del romanticismo francés, tales como Victor Hugo y Baudelaire, o a músico de la talla de Chopín, Schubert, Paganini o Liszt. Discípulo de Géricault, no hubo pintores en su círculo de amistades, de éstas siempre huyó.

La Muerte de Sardanápalo pintado en 1827 y expuesto en el Salón de París. La pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses: el superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte, el decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la línea. Delacroix la llamaría, “la Proeza asiática“.

Sus obras destilan el orientalismo que le cautivó durante su viaje al Norte de África, donde se vé irremisiblemente atrapado por la luz y el colorido.

La naturaleza y los animales de África del Norte captan también la imaginación del autor, sus estudios de anatomía durante su viaje le inspiraran para Árabe ensillando su caballo (1855), La pelea de caballos árabes en una cuadra (1860)… Visitó el zoológico privado del pachá con el escultor realista Antoine-Louis Barye donde observó a los animales; también tomó notas y dibujos de los tigres de la casa de fieras del Jardín des Plantes, en Francia.

Fue el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido en el primer tercio del siglo XIX , cuya influencia se extendió hasta los impresionistas.

Delacroix se convirtió en la figura que supo sobrepasar la formación clásica para “renovar” la pintura. Auténtico genio, dejó numerosas obras que tenían mucho que ver con la actualidad de su época. También destacó como pintor religioso pese a sus continuas declaraciones de ateísmo, era un hombre contradictorio, hijo de las incoherencias y convulsiones de la época que le tocó vivir. Sus obras manifiestan una gran maestría en la utilización del color.

Yo me quedo con la que cierra la exposición. Por su colorido alegre, deshinibido, audaz, y la rapidez y rotundidad de esa pincelada rápida, deshecha y a la vez precisa. Espero que la disfrutéis tanto como yo.

CAIXAFÓRUM MADRID. EDIFICIO Y EXPOSICIONES

Hoy vuelvo a CaixaFórum Madrid por dos motivos principalmente: He de repasar Delacroix, al cual enseño este viernes a un grupo de Bachilleres, y de paso ahondaré en Teotihuacán, la ciudad de los dioses, la cual no he tenido tiempo de ver en profundidad.

Lo primero que nos asombra de este reciente espacio expositivo es la sensación aérea, etérea que da su edificación. Dicha sensación fue creada ex profeso por el prestigioso estudio de arquitectura de los suizos Herzog y de Meurón. Reutilizan la antigua estación eléctrica de mediodía, para que el edificio no pierda esa esencia de carácter industrial que en otro tiempo la caracterizó. Y es que esa zona del barrio era destinado en origen a talleres, industria y otros edificios de irregular condición. Había que lograr la difícil misión de contrarrestar el empaque de edificios como el Prado y el Jardín Botánico, justo enfrente, así que decidieron derribar la gasolinera , y se apropiaron visualmente de la pinacoteca y del botánico mediante juegos de perspectiva, aplicados a la forma de Caixafórum, para que actuase como un poderoso imán.

¿Cómo lo lograron? excavan dos sótanos en el edificio, y construyen unos pilotes enormes, que le dan esa aérea sensación. El cuerpo de ladrillo de la antigua estación se convierte en protagonista, duplicando su altura con un volúmen en chapa de acero cortén, perforado en su parte superior para crear celosías irregulares.

La medianería colindante a la gasolinera es cubierta por los suizos por un jardín vertical, montado sobre una tramoya metálica, bajo el diseño del artista y botánico Patrick Blanc. Se une visualmente con las copas de los árboles del Salón del Prado y a su través al jardín botánico. Parece un enorme cuadro que cambia, varía con el paso de las estaciones, ya que en cada una crecen las especies vegetales típicas de la epoca, y que se convierte así en uno de los máximos atractivos del

Por dentro destacaría la sinuosa escalera que nos habla de un tributo a las formas orgánicas de Gaudí, del foyer, en la planta del sótano, de roble americano, con paredes de acero tratadas por presión deployé, que le dan ese aspecto ilusorio, orgánico y cambiante, sus dos estupendas salas de exposiciones, una de ellas ocupada por Teotihuacán, la otra por Delacroix, y su estupenda cafetería.

Delacroix fue un pintor apasionado y moderno, plenamente romántico, que rompió con los convencionalismos del movimiento neoclásico para plasmar en sus cuadros la pasión, el drama y el sentimiento sin contención en una plenitud de color y movimiento. Esta exposición, organizada conjuntamente por la Obra Social “la Caixa” y el Museo del Louvre,es excepcional ya que constituye primera muestra de esta envergadura que se ha organizado en España sobre la figura de Delacroix, además de contar con préstamos de instituciones como la National Gallery de Londres, el Metropolitan Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago.

Teotihuacán está considerada como la mayor ciudad prehispánica jamás construida en el continente americano, y durante más de ochocientos años albergó una de las sociedades del México precortesiano. Situada a 45 kilómetros de Ciudad de México, esta gran metrópoli (cuyo nombre significa en lengua náhuatl «el lugar de los dioses» o «el lugar donde se hacen los dioses») marcó la pauta de la política, el comercio y la ideología en buena parte de Mesoamérica durante el periodo 150 a. C.-650 d. C.

Si queréis por 6 euritos os explico las dos. Si estáis interesados escribir a artealinstante@hotmail.es.

Gracias y que tengáis muy buen día, Además la zona no está exenta de buenos restaurantes a módico precio alrededor. ¡ Otro incentivo más!