LOS ARTISTAS FLAMENCOS

Hoy nos aproximaremos a estos maravillosos artistas, cuya impronta sigue siendo inmortal en el arte. Empecemos:

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Tríptico de Portinari o de la Natividad (detalle). Los objetos más humildes, aunque representados con realismo, están cargados de luz y de poesía y simbolismo. 1475-1476. Hugo Van Der Goes. Galería de los Uffizzi. Florencia.

La suntuosa corte de Dijon acogió a numerosos artistas del norte: poetas, compositores como Johannes Ockenhem; escultores como Claus Sluter (su pozo de Moisés sigue fascinándome), y pintores como Van Der Weyden.

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El pozo de Moisés. Los retratos de Moisés y de los profetas son de un realismo impresionante. 1395-1405. Cartuja de Champmol, Dijon.

El mecenazgo de los duques reforzó la gloria de su dinastía y su poder político. Los artistas recibieron numerosos encargos y los notables, preocupados por su prestigio, mandaron pintar sus retratos.

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Descendimiento de la Cruz. El dorado del fondo resalta el dramatismo de las actitudes de los personajes. Siglo XV. Roger Van Der Weyden. Museo del Prado.

El pintor italiano Giorgio Vassari (1511-1574) atribuyó a Jan Van Eyck (1390-1441), “príncipe de los pintores del siglo”, la invención de la pintura al óleo (teoría cada vez más sólida y probada): el artista utilizaba una mezcla de clara de huevo y de color en polvo. La pintura, aplicada en empaste ligero, daba transparencia; con un empaste espeso, se conseguía un brillo de esmalte.

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La Fuente de la Gracia. Representa una alegoría de la Iglesia triunfante, la victoria de la Iglesia sobre la Sinagoga, con los ojos vendados. El cuadro, escalonado en varios planos, evoca las representaciones sacras de los Países Bajos. Siglo XV. Escuela de Van Eyck. Museo del Prado. Madrid.

En realidad la pintura al óleo es más antigua, pero Van Eyck mejoró su técnica y se convirtió en pintor oficial de la corte del duque de Borgoña Felipe el Bueno. Van Der Weyden, diez años más joven que él, dio a la pintura religiosa un despojamiento y un acento trágicos.

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Natividad. Adoración de los Reyes y Purificación. Una visión del mundo ordenada y serena que recuerda al Perugino. Hans Memling. Museo del Prado.

Ambos llevaron a su apogeo un arte que aunaba la expresión y el contenido simbólico. La siguiente generación- Petrus Christus, Dierik Bouts, Hans Memling, Hugo Van Der Goes- abordaría ya los temas relacionados con el espacio.

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El camino del Paraíso. Los elegidos guiados por un ángel se encaminan a recibir su recompensa. El artista se inspiró en Van Der Weyden y en Van Eyck. 1415-1475 Dierik Bouts. Museo de Bellas Artes Lille.

Es maravilloso perderse por sus creaciones que cuelgan de las paredes del Museo del Prado. Si queréis visita guiada estaré encantada de enseñaros sus secretos de mi mano.

¡Confío en que os haya gustado!

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LA INFANCIA DEL REGIMEN

El franquismo buscó un modelo de formación de niños y jóvenes que respondiera a las pautas ideológicas del nuevo estado. Los libros de texto fueron elaborados conforme a la moral católica y la doctrina política del régimen.

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Las andanzas del Guerrero del antifaz, como las de Roberto Alcázar y Pedrín satisfacían el anhelo de aventuras de los adolescentes de un tiempo gris

Durante la guerra ya se habían unificado los movimientos juveniles falangista y carlista en el Frente de juventudes, cuyos miembros, entre los que reinaba una estricta separación de sexos, podían ingresar a los siete años como “pelayos” los niños y “margaritas” las niñas.

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Mariquita Pérez y Juanín, los muñecos que alegraron la infancia de muchas españolas en los años 40.

Entre los diez y los catorce años todos eran “flechas”y luego, hasta los dieciocho, los chicos eran “cadetes” y las chicas “flechas azules”.

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Campamento del Frente de Juventudes. Para muchos jóvenes, participar de estas actividades era la única oportunidad de vivir unos días al aire libre.

Para aquellos que luego fueran a la universidad, funcionaba un sólo sindicato estudiantil, el S.E.U. El Frente de Juventudes realizaba una intensa labor doctrinal, al tiempo que les daba formación premilitar.

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TBO. Publicada desde 1917, inició en 1941 una segunda etapa, a la que pertenece este número. Fue la revista infantil española más longeva, desapareció en los años 80.

Su revista, Flechas y Pelayos, era un semanario infantil que dirigía Fray Justo Pérez de Urbel: sus páginas estaban llenas de historias ejemplares destinadas a desarrollar el espíritu patriótico y religioso de los niños.

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Este recortable de la revista Flechas permite a las niñas soñar con ser diseñadoras

Destacaba también por su tono formativo el semanario “Chicos”, sin carácter político, y gozaban de estupenda acogida los tebeos de aventuras más o menos exóticas, como “El capitán Centella o Roberto Alcázar y Pedrín, de los que he tenido la fortuna de disfrutar gracias a la Biblioteca de mi tío Luis Alberto de Cuenca.

Una época de la que se sabe poco, pero que está en el recuerdo de muchos.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS PUEBLOS DE OCEANÍA

Hoy mi crónica irá sobre estos lejanos pobladores de las antípodas. Empecemos:

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Indígenas maories y sus canoas en un rincón de la costa oeste del sur (Nueva Zelanda). Los maories no eran agricultores, vivían de la caza, la pesca y la recolección.

Los pueblos que habitaban Oceanía antes de la llegada de los europeos fueron víctimas de un trauma equivalente al que sufrieron las culturas precolombinas de América. Algunos desaparecieron (como los aborígenes de Tasmania) y otros registraron un descenso de población sin precedentes.

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Tótem maorí. El tótem representaba al antepasado mítico -hombre o animal- del clan. Entre los maoríes se colocaba en la “casa de las reuniones”. Museo de Te Hau Ki Turanga, Wellington, Nueva Zelanda

Sin embargo la cultura de Oceanía era rica y multiforme antes de que todo ello sucediese. A pesar de las numerosas migraciones que se produjeron en aquella región a partir del siglo XII, los pueblos de Oceanía habían conservado sus rasgos étnicos y culturales más importantes.

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Tamaki Waka Nene, jefe maorí de principios del siglo XIX. El tatuaje del rostro en forma de pico o manaia hacía del guerrero un hombre pájaro

Las islas estaban habitadas por grupos sedentarios agrícolas, y Australia, por tribus nómadas que vivían de la caza y la recolección. Las tierras de los pobladores sedentarios de Oceanía eran colectivas, hecho que propiciaba una cierta forma de igualitarismo.

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Canguro hembra con su cría, Los marsupiales son las especies más características de la fauna australiana. Museo de las artes africanas y oceánicas París.

Por el contrario, la estructura social de Polinesia era al parecer, jerárquica. Las creencias religiosas eran igualmente variadas: los aborígenes de Australia creían en la reencarnación; los pueblos de Melanesia eran, en general, preanimistas.

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Whata o Patuka, depósito de víveres maori. Numerosas divinidades velaban las provisiones alimentarias. Las esculturas imitaban los tatuajes, y el gesto de sacar la lengua era una señal de cólera o de fuerza. 1836. Royal Geographical Society, Londres.

Los melanesios creían en dos conceptos básicos: el mana, que conducía al éxito, y el tabú, lo prohibido.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ESTILO REGENCY

Hoy haré mi crónica sobre este estilo, que a la vez fué todo un modo de vida inglés.

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Carlton House Terrace. Este decorativo conjunto, situado en el Barrio Saint James es obra del humanista que diseñó Regents Park y que puso de moda el estuco. 1829. National Gallery. Londres

Jorge III, el primer Hannover “auténticamente inglés” se volvió loco en 1783. Su hijo, el futuro Jorge IV, logró en 1811, convencer a los médicos para que reconociesen oficialmente la locura del rey y asumió la regencia hasta la muerte del monarca, en 1820.

El regente estaba refinado y diletante ilustrado, era muy impopular por su disoluta vida privada y sus gastos desmesurados. A pesar de sus excesos, el príncipe hizo gala de un gusto exquisito, y practicó un mecenazgo que dio nacimiento a un estilo original, propio de Gran Bretaña: el estilo regency.

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Apsley House. Esta mansion decorada de nuevo por Wyatt para el duque de Wellington acogió cada 18 de junio hasta 1852 un banquete para celebrar la victoria de Waterloo. 1771-1778. R. Adam Wellington Museum. Londres

Curioso por todo y ávido de originalidad, se caracterizó tanto por los objetos chinos o el arte indio como por el estilo antiguo, egipcio o grecorromano, que pusieron a la orden del día las excavaciones arqueológicas.

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Armario biblioteca de caoba. La ornamentación consiste en adornos de bronce sobre los montantes y en incrustaciones de ébano en el cuerpo superior. 1806. Victoria and Albert Museum

Tampoco era insensible a los temas medievales redescubiertos por los románticos ingleses. El gusto del regente y de la gentry por los muebles solemnes, adornados con incrustaciones de bronce y decorados a la antigua, se vio mitigado por un sentido burgués y muy británico de la comodidad y la solidez.

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El pabellón real de Brighton, residencia balnearia del regente. En la estructura de este extravagante palacio que combina los estilos árabe y mongol, se utilizó el metal. 1815. John Nash.

 

La madera de caoba confirió al estilo regency una suave elegancia y una calidez que explican su éxito.

A mí me fascina, sencillamente.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS HERMANOS LE NAIN

Hoy nos acercamos a las figuras de estos grandes pintores. Empecemos:

Contrariamente a una leyenda según la cual habrían sido ignorados hasta su redescubrimiento en el siglo XIX, los hermanos Le Nain conocieron en vida ya un gran éxito.

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Reunión de aficionados o La Academia. Es un retrato colectivo de hidalgos y eclesiásticos, miembros de una de las sociedades cultas que abundaban en París y en las ciudades de provincia. Anterior a 1640. Lienzo atribuido a Matthieu o a Louis Le Nain. Museo del Louvre, París.

Parece ser que Louis Le Nain tuvo un papel preponderante, y que Antoine y Matthieu fueron simples ejecutantes. Hijos de una familia de la región de Laon, los hermanos Le Nain se instalaron en Paris, en el barrio de Saint Germain-des-Prés en 1629.

Allí desplegaron una intensa actividad hasta 1648, año en que murieron dos de ellos: Antoine y Louis.

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La merienda. Una madre con sus hijos, que el pintor intentó recrear resaltando sus diferentes personalidades. El cántaro vidriado, el vaso de vino del adolescente y el hecho de que todos estén calzados son prueba de cierto desahogo. 1642. Antoine Le Nain, National Gallery. Londres.

A lo largo de toda su vida artística contaron con la protección del ayuntamiento parisiense, que les encargó un retrato colectivo del rey Luis XIII y de su corte, así como del medio devoto de Saint Germain y Saint Sulpice, que apreciaba sus numerosos cuadros religiosos.

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La carreta. La vuelta de la siega del heno. El pintor representó a niños saludables y a campesinos bien vestidos y bastante bien equipados, pero con una vivienda miserable: los hermanos Le Nain eran oriundos de la campiña picarda, asolada por la guerra. 1541. Louis Le Nain. Museo del Louvre, París.

Antoine fue admitido en la recién creada Academia de pintura, mientras Matthieu recibió en 1662 el collar de la orden de Saint Michel. Por desgracia muchos de sus lienzos se han perdido.

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La forja. Imagen cortesía de WahooArt.com. El cuadro que hizo pasar a la posteridad a los Le Nain es una escena de género quizás inspirada al pintor por su propia familia, entre cuyos miembros había numerosos herreros y cerrajeros. Hacia 1640. Louis Le Nain. Museo del Louvre. París.

Las obras más célebres son las escenas de la vida cotidiana, valiosos documentos de la sociedad de principios del siglo XVIII.

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Los jugadores de chanquete. Los trajes son los de la burguesía parisiense de mediados del siglo XVII. Siglo XVII. Matthieu Le Nain. Museo del Louvre, París.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL GRECO

Hoy nos aproximaremos a la figura de este enigmático griego afincado en Toledo.

Doménikos Theotokópulos (1541-1614), el Greco (es decir el griego), nació en Creta, donde inició su carrera pintando iconos al estilo bizantino. En 1568 pasó a Venecia, donde conoció a Tiziano, Tintoretto y Veronés.

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Laoconte. La versión de este mito que ofrece El Greco se halla absolutamente desvinculada de la tradición plástica grecorromana. Hacia 1610-1614. National Gallery de Washington.

En Italia aprendió a pintar retratos en los que el interés se concentraba en el rostro, y a componer obras en dos ambientes: uno terreno y el otro celestial.

En 1576 se trasladó a España, donde fijaría su residencia en Toledo. Allí el cabildo de la catedral le encargó El expolio, y, poco después, realizó ocho cuadros para Santo Domingo el Antiguo.

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La dama del armiño es uno de los numerosos retratos de miembros de la nobleza pintados por el Greco, identificada por algunos como Jerónima Cuevas, amante o esposa del pintor. 1577-1578. Museums and Art Galleries, Glasgow.

En 1580 Felipe II le encargó el Martirio de San Mauricio para el altar mayor de la iglesia del Monasterio de El Escorial, pero la obra no fué del gusto del monarca. Desde entonces El Greco encontró en Toledo su ambiente predilecto; allí, a petición del párroco de Santo Tomé, pintó el Entierro del Señor de Orgaz (1586).

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El entierro del Conde de Orgaz. El Greco da cuenta de la aparición de San Agustín y San Esteban en el momento del entierro de don Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz. 1586. Iglesia de Santo Tomé. Toledo.

La vista y plano de Toledo (1610-1614) es una de sus últimas composiciones. Si la refinada espiritualidad del Greco fue muy representativa de la Contrarreforma, su trayectoria profesional lo fue del nuevo estatuto del artista. En aquella época las artes plásticas estaban asimiladas a las artes mecánicas; de ahí el esfuerzo de los artistas por dar al arte una dignidad que no poseía.

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Las mans de los personajes, delicadamente trabajadas y la actitud de éstos reflejan serenidad ante el hecho de la muerte, tránsito hacia la vida superior. 1586. Detalle de mano del Entierro del Conde de Orgaz. Iglesia de Santo Tomé. Toledo.

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El niño que parece en el Entierro del Conde de Orgaz es el hijo del artista, Jorge Manuel, quien parece invitar al espectador a adentrarse en el sentido de la pintura. 1586. Iglesia de Santo Tomé. Toledo

Los pleitos que el Greco tuvo para la tasación de su obra nacieron del mismo empeño.

A mí me parece un pionero, un adelantado a su tiempo de poética pictórica fascinante.

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Vista de Toledo, la ciudad donde residió el Greco, que la representó en diversas obras. 1595-1610. Metropolitan Museum of art. Washington.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

UNA NUEVA ARQUITECTURA

Hoy mi crónica irá de nuevo sobre arquitectura francesa. Empecemos:

La Francia reconquistada tenía que ser reconstruida.  En un ambiente de paz apareció una nueva forma de arquitectura, tanto en las ciudades como en los castillos de las zonas rurales.

Los signos de la nobleza militar siguieron presentes, aunque difuminados. El torreón se convirtió en torre, y la torre en escalinata monumental, en torno a la cual se ordenaba la vivienda con sus salas de ceremonia -especialmente la galería de paseo y exposición, que adquirirá su desarrollo completo al ser descubierta la arquitectura italiana- y sobre todo los aposentos privados, privilegiados por el nuevo modo de vida aristocrático, más individualista.

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La mansión de Jacques Coeur en Bourges, primer ejemplo francés de palacio edificado para un burgués. El gros, moneda de plata creada por Jacques Coeur, simbolizó el retorno a una buena situación económica y financiera

Incluso los grandes palacios urbanos adoptaron esta estructura, patente en la suntuosa mansión de Jacques Coeur en Bourges, que no estaba aún terminada cuando cayó en desgracia.

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Demosielle Maceé de Leo-Lepard, esposa de Jacques Coeur, tesorero del rey, tocada con un capirote desmesurado, característico de las exageraciones de la moda a finales de la Edad Media. Siglo XV. Museo de Berry, Bourgés

En aquel suntuoso marco arquitectónico, único en la Francia de la época, pilastras y molduras se multiplican con gran profusión. Era una morada “digna de un gran príncipe” según el italiano Artesan, que visitó las obras en 1451, hasta tal punto que se atribuyó la caída de Jacques Coeur al lujo insolente de su palacio, y a las sospechas que inevitablemente suscitaba.

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Retrato de Jacques Coeur (1395-1456), un burgués munífico que murió como gran capitán.

Gracias al inventario de los bienes le fueron confiscados se sabe que la decoración interior era también de gran riqueza.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA PINTURA ROMÁNICA

Hoy nos acercamos a esta maravillosa manifestación artística:

Las iglesias románicas estaban completamente cubiertas de pinturas. Algunas bóvedas han conservado espléndidas muestras del arte de los pintores del siglo XI que se desplazaban de monasterio en monasterio.

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Pintura de Saint Martín de Fenollar en el Vallespir. La comarca del Vallespir fue una cuna del arte románico, ya que se halla muy cerca de la iglesia de Saint-Génis-des-Fontaines (Rosellón), donde se encontró la escultura románica más antigua.

Excepto en Italia, donde se seguía utilizando la pintura al fresco sobre un enlucido tierno, la pintura se ejecutaba sobre enlucido seco.

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Natividad. Una de las pinturas consagradas al misterio de la Encarnación. Esta escena constituye también un testimonio respecto a cómo se vivía a comienzos del siglo XII: mobiliario, vestidos y actitud frente a la vida.  Iglesia de Saint- Martín-de- Fenollar, Francia.

Las pinturas de las iglesias de Santa María y Sant Climent de Taüll, en el valle catalán de Boí, son obras maestras de la plástica románica en España.

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Pantócrator de Sant-Climent de Taüll. La iconografía del Cristo en Majestad es de origen bizantino. Fines del siglo XI. Museo Nacional de Arte de Cataluña

Uno de los conjuntos más relevantes de Francia es el Savin sur-Gartempe. El tema clásico de la parusía se halla presente en el pórtico y en el púlpito, pero el artista demostró mayor originalidad al cubrir la bóveda con escenas del Antiguo testamento.

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Construcción de la Torre de Babel. Este fresco instruía a los fieles de modo que Dios castiga a los presuntuosos e informa acerca de cómo se construían las torres cuadradas de la epoca románica. Saint-Savin-sur-Gartempe, Paitón, Francia.

Los tonos rojo, amarillos, apagados y ocres, y grises con reflejos verdosos, empleados en el suroeste de Francia, contrastan con los fondos azul oscuro preferidos por los artistas borgoñones como los de Berzé-la-Ville.

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El Prendimiento de Jesús. Imagen cortesía de alamy stock photo. El artista captó a la perfección la intensidad dramática del episodio. Siglo XII. Iglesia de Nohant, Berry, Francia.

A mí me vuelve loca esta pintura, esquemática, que hace las funciones de catecismo en arte. ¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA RELIGIÓN ROMANA

Hoy hablaremos de la antigua religión del pueblo romano. Empecemos:

La vida de los romanos que se consideraban a sí mismos los más piadosos de los hombres estaba impregnada por el numen, poder divino indefinido que residía en todas las cosas.

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Divinidad de los lares. Los lares, en un principio divinidades infernales, pasaron a ser deidades tutelares encargadas de proteger la vida de la ciudad. En todos sus aspectos (lares protectores de las encrucijadas, de las cosechas, etc). Algunos lares debían velar más concretamente por la familia y la casa, y se les honraba en todas las ocasiones importantes. Siglo II, Museo cívico, Turviso.

Para no incurrir en la cólera de los dioses, los romanos establecieron con ellos la Pax deorum, basada en el escrupuloso respeto del ritual religioso, que solía consistir en danzas, invocaciones o sacrificios.roma2

La Diosa Minerva.

Toda omisión podía acarrear consecuencias terribles. Se estableció un calendario muy estricto para recordar sus deberes al hombre y al que se justaban todos los actos de su vida pública y privada. Además de los dioses domésticos, lares y penates, Roma poseía varias tríadas divinas a las que cada epoca o acontecimiento político fue añadiendo nuevas figuras.

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Doble sacrificio al dios Marte (fragmento). Esta ceremonia era llamada suovetaurilia, porque en ella se sacrificaba un cerdo (en latín sus), una oveja (avis) y un toro (taurus). Hacia 50 a.J.C. Museo del Louvre, París

Así a la triada formada por Júpiter (señor del universo), Marte (dios de la guerra), y Quirino (dios de la fecundidad), los etruscos añadieron las diosas Minerva (diosa de la inteligencia y de la sabiduría), y Juno Regina (reina del cielo y esposa de Júpiter).

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Triada capitolina. Júpiter, Juno y Minerva sentados en el mismo trono. Estos tres dioses mayores, rey y reina de los cielos y diosa de la sabiduría eran venerados en Roma. Esta triada protectora de la ciudad y del estado romano sucedió a la triada primitiva formada por Júpiter, Marte y Quirino. Siglo II a.J.C. Museo de la civilización romana. Roma.

Tras la caída de la monarquía, la nueva república honraría a Ceres (diosa de la Tierra y de los cereales), Líber y Libera.

Más tarde, por influencia griega, Mercurio (dios del comercio y de la elocuencia), adoptó los rasgos de Hermes, y Baco los de Dioniso.

Si queréis hacer una visita por Madrid de modo diferente podéis escribirme a artealinstante@hotmail.es y os organizo una ruta según vuestros gustos.

Un post breve, pero confío en que os haya resultado interesante

UNA REINA VISIGODA

Hoy hablaremos de esta fascinante mujer. Empecemos:

Gala Placidia, hija de Teodosio I fue educada por el general romano Estilicón, también tutor de su hermano Honorio, emperador del occidente.

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Cruz de Gala Placidia (detalle). La profundidad de la mirada de estos retratos recuerda los retratos egipcios de Fayún. Una de las vestiduras es de tradición latina, la otra evoca ya el lujo del oriente bizantino. Museo cristiano. Brescia.

Cuando en 410 los visigodos con su rey Alarico a la cabeza se apoderaron de Roma, los vencedores la tomaron como rehén. En 413 el sucesor de Alarico, su cuñado Ataúlfo, para sellar su alianza con el emperador Honorio, se caso con Gala Placidia.

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Interior del mausoleo de Gala Placidia. Mientras que el mosaico del fondo representa al Buen Pastor y sus ovejas en un decorado realista bajo un cielo nocturno, casi todos los restantes mosaicos sólo tienen un valor decorativo. El motivo que adorna los sarcófagos es típico del arte cristiano de la epoca.

La boda, cuya ceremonia resultó espléndida, se celebró en Narbona el 1 de enero de 414. Pero el joven rey visigodo murió asesinado en 415 y la viuda fue devuelta a su país.

En 417 se casó en segundas nupcias con un general de Honorio, Constancio- el futuro Constancio III- y asumió durante doce años la regencia por la minoría de edad de su hijo Valentiniano III.

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Cruz de Gala Placidia, símbolo cristiano. Su factura responde al gusto de los bárbaros y de los visigodos: es de oro y lleva incrustadas piedras preciosas coloreadas, así como camafeos romanos reutilizados. Museo cristiano. Brescia.

Al final de su vida, Gala Placidia se consagró a la religión cristiana que su padre había impuesto definitivamente en el mundo occidental, y empleó su fortuna en obras piadosas. Mandó edificar en Rávena una iglesia dedicada a San Juan Evangelista y un mausoleo decorado con magníficos mosaicos.

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Mausoleo de Gala Placidia, edificado en Rávena hacia 425. En realidad es una iglesia conmemorativa, lugar de culto, y no una tumba. Por su plano en forma de cruz griega difiere de las Basílicas rectangulares del siglo anterior y anuncia las iglesias bizantinas.

Gala Placidia murió en el 450. Una mujer increíble a quien dedicamos nuestra crónica del día.

¡Confío en que os haya resultado interesante!