EL SABBAT

Hoy nos aproximaremos a estas terroríficas reuniones, empecemos:

La reunión con el diablo constituía el punto máximo del crimen de brujería, pues transgredía la justicia divina y humana.

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El sabbat de los valdenses, secta cristiana maniquea fundada a finales del siglo XII. En señal de fidelidad, los fieles besan el trasero del diablo, que tomaba forma de macho cabrío. Siglo XV. Biblioteca Nacional, París.

La ceremonia del sabbat ponía al mundo del revés y rebajaba al ser humano, criatura de Dios, al rango de animal. Solía celebrarse en algún lugar desierto, en noche de luna llena.

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Sabbat de brujas, diablos y animales diabólicos. Esta pintura se realizó originalmente para una obra de teatro. Siglo XVII. Biblioteca Nacional de París.

Magdalena des Aymards, una jóven de quince años, describió el sabbat al que había asistido varias veces en 1606: “Transportada por los aires a una montaña” encontró “gran número de personas, tanto hombres como mujeres de toda clase y condición”.

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La joven bruja. La belleza, que los eclesiásticos que habían hecho voto de castidad, no podía ser más que cosa del diablo. Antoine Wiertz. Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas.

Satán pidió a sus servidores que rindieran cuenta “de los males que habían cometido, qué personas habían matado, envenenado, indispuesto o enfermado, qué ganado habían hecho morir y qué otros males habían hecho”.

A continuación se celebró una misa burlesca, dicha del revés, sobre un altar negro…

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Escena de brujería. Mujeres desnudas montadas en escobas salen por la chimenea después de pronunciar un sortilegio. 1663. David Teniers el Joven. Museo de la Antigua Cartuja, Douai.

Durante el sabbat se bailaba- lo que horrorizaba a la Iglesia- “espalda contra espalda”, al son del tamboril y, finalmente el maestro de ceremonias apagaba la luz y entonces cada hombre de los asistentes tomaba a cada una de las mujeres o chicas que había allí, las acostaban en el suelo y las gozaban y las conocían carnalmente por orden del diablo”

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Los procesos de brujería pretendían mantener a raya al contrapoder femenino que las brujas representaban. 1797-1798. Francisco de Goya. Conjuro. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

Una costumbre horripilante y atroz ¿No creéis?

¡Confío en que os haya resultado interesante!

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EL ARTE ESPAÑOL DESPUÉS DE LA TRANSICIÓN

Hoy mi crónica irá de esta época fundamental en el panorama artístico español. Empecemos:

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Sense title, Sergi Aguilar. Su labor, como la de los artistas españoles contemporáneos, viene marcada por el cosmopolitismo, por su inserción en grandes corrientes artísticas y actuales. 1988.

Sin la menor duda, la transición a la democracia ha supuesto importantes cambios en el arte español. El arte se benefició de una popularización creciente que permitió la celebración de ferias acompañadas de un fulgurante éxito (ARCO).

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Escultura de Ronny Vanya expuesta en ARCO 1995

En estas circunstancias el cosmopolitismo de las nuevas generaciones se hizo perceptible en la obra de Miquel Barceló o José María Sicilia, muy pronto acompañada de un éxito espectacular fuera de España.

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Fifteen holes, obra de Miquel Barceló, pintor, escultor e ilustrador de textos de escritores como Paul Bowles, ha sido el paradigma de artista joven muy pronto reconocido por la crítica. 1987.

Antecedidos por Luis Gordillo, pintores como Guillermo Pérez Villalta o José Manuel Broto representaron la renovación del interés por la pintura y el eclecticismo relacionado con la sensibilidad posmoderna.

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Tulipa 22, de José María Sicilia, imagen cortesía de todocolección. Radicado en París evolucionó desde un estilo próximo al bad painting norteamericano hasta una abstracción de ecos suprematistas, recalando en representaciones de objetos domésticos y paisajes. José María Sicilia. 1985.

De la misma manera las preocupaciones estéticas de la nueva escultura (Susana Solano, Sergi Aguilar, Francisco Leiro) responden a unas características peculiares de esa generación en todas las latitudes del mundo.

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Espai humit número 2. La sobriedad en el tratamiento del material y el carácter poético de sus creaciones dan el tono a la obra de Susana Solano. 1986.

El cosmopolitismo de los arquitectos españoles resulta muy patente por la misma ubicación de sus obras principales.

Este es el caso de Rafael Moneo, autor de algunos de los museos mas importantes realizados en todo el mundo en los últimos tiempos, o de Santiago Calatrava, constructor de puentes caracterizados por una particular audacia.

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El museo de arte romano de Mérida es una de las obras emblemáticas de Rafael Moneo, profesor en Harvard y creador de otros museos, como el de la Fundación Joan y Pilar Miró en Palma de Mallorca, el Davies en el Wellesley College o el de arte y arquitectura de Estocolmo. 1980-1986.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GUERRA DE CUBA

Hoy nos acercaremos a este acontecimiento crucial en la vida de la antigua colonia española. Empecemos:

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El acorazado español Cisneros, imagen cortesía de alamy stock photo. Los buques norteamericanos, con una potencia de fuego, alcance de los cañones y blindaje muy superior  a los españoles, destruyeron el 1 de mayo la flota de Oriente en Cavite (Filipinas), y el 3 de julio barrieron los buques del almirante Cervera en Santiago de Cuba, lo que conllevó la rendición de esa ciudad y obligó a España a pedir la paz. 1898. R. Monleón. Museo Naval de Madrid

Entre 1895 y 1898 tuvo lugar la última guerra colonial en Cuba. De hecho el conflicto se había iniciado en 1868, y habia concluido formalmente con la Paz de Zanjón de 1878.

Sin embargo las tensiones se prolongaron porque la metrópoli no encontró solución para el conflicto, ya que la idea de una posible autonomía para la isla llegó muy tarde.

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Los insurrectos cubanos contra la tutela española disponían de un armamento heteróclito, pero contaron a su favor con la intervención norteamericana, menos desinteresada de lo que creían. Imagen cortesía de gettyimages. 1898. Colección particular

Para entonces Estados Unidos, cuya penetración económica ya era muy evidente en Cuba, vio en el control del Caribe una excelente plataforma para su expansión en América Central y del Sur, y alentó el movimiento independentista cubano liderado por José Martí, que reemprendió la guerra contra España en 1895.

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Santiago Ramón y Cajal, premio Nobel de medicina en 1906, ejerció como capitán medico en Cuba en 1874, cuando la isla se hallaba sumergida en la guerra de Diez Años (1868-1878) contra España. Izquierdo y Vivas. Museo del Ejército, Toledo.

La voladura (posiblemente provocada) del acorazado norteamericano Maine en la bahía de La Habana, el 15 de febrero de 1898 que Estados Unidos atribuyó a España, desembocó en una guerra convenientemente preparada por la prensa norteamericana.

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Desembarco norteamericano en Guantánamo, imagen cortesía de alamy stock photo. En la entrada de Estados Unidos en guerra tuvo un papel decisivo la propaganda a favor de la intervención desarrollada por la prensa controlada por el magnate William Randolph Hearst. 1898. Le Petit Journal. Colección particular.

El aislamiento diplomático español reforzó la derrota en la guerra, ya que por el tratado de París España perdió Puerto Rico y Filipinas, que quedaron bajo la administración norteamericana, y Cuba obtuvo una teórica independencia política bajo el protectorado de facto de Estados Unidos.

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Salida de tropas hacia el frente en la isla de Cuba. Su principal enemigo no fueron los insurrectos cubanos, sino las enfermedades tropicales: en 1897, de un total de 32.500 muertos, 14.500 habían fallecido a causa del tifus y la disentería, 7.000 de malaria y 6.000 de fiebre amarilla.

¡Espero que os haya gustado!

CATALINA II MECENAS

Hoy nos aproximaremos a la faceta de mecenazgo de esta gran dama del Imperio ruso:

Catalina II, educada a la francesa y protectora de la Ilustración mereció, según Diderot, que visitó San Petersburgo en 1773 el sobrenombre de “Semíramis del Norte”.

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Plato de porcelana de Sèvres del servicio de mesa de la emperatriz. Duplessis, Falconet y Boizot crearon diversos modelos. Siglo XVIII. Museo Nacional de cerámica, Sèvres.

La emperatriz fundó más de trescientas escuelas primarias, así como la escuela de la Academia de las ciencias, la de los cadetes de artillería y de ingenieros, y sobre todo el famoso instituto Smolnii.

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Dánae. Esta obra de Rembrandt pertenecía al rey de Francia y formaba parte de los 566 lienzos de la importante colección de Crozat, negociada por el embajador de Rusia y por Diderot. 1636. Museo del Ermitage. San Petersburgo.

Al igual que Pedro I el Grande, Catalina coleccionó obras de arte y embelleció San Petersburgo con la restauración del puente del Nevá y los palacios del Ermitage, de Taíride y del Arsenal.

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El palacio Petrovski de Moscú. Edificado entre 1755 y 1782 por Kazakov en un estilo seudogótico. La fachada mezcla los arcos partidos góticos con las columnas abombadas típicamente rusas.

La emperatriz se rodeó de artistas extranjeros como los arquitectos Vallín de la Mothe, Rinaldi, Quarenghi, o el escultor Falconet, autor de la célebre escultura ecuestre de Pedro I el Grande.

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Estatua ecuestre de Pedro I el Grande. Para su realización la emperatriz escogió a Falconet por estar relacionado con los filósofos. Fueron necesarios 8 años para llevar a cabo esta obra que inmortalizó tanto a Pedro como a Catalina. 1778. San Petersburgo.

Los rusos deben también el nacimiento de un arte verdaderamente nacional a Catalina, que descubrió a los arquitectos Starov y Bazhenov, y protegió a los pintores Levitski y Borovikovski.

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Retrato de Catalina la Grande por Vladimir Borovikovski

Una época de esplendor que he tratado de haceros llegar a través de esta breve crónica.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GRAN EPOPEYA DEL MAHBARATA

Hoy hablaré de esta manifestación escrita fundamental.

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En la gran batalla entre Kaurava y Pandava, ocupa cuatro libros del Mahbarata y que duró dieciocho días, vencieron los Pandava

El Mahabarata es un relato de aventuras heroicas. No se puede atribuir a un sólo autor, puesto que ha estado sujeto y está sujeto a la imaginación de los recitadores.

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Texto del Mahabarata escrito en sánscrito sobre hojas de palmera. La parte que les sirve de soporte, aunque no se vea en la imagen, es de madera de sándalo. Siglo XVIII. Museo Británico, Londres.

Sus 20.000 versos distribuidos en ocho libros narran la guerra civil que enfrenta cerca de Delhi a dos estirpes de primos, los Kaurava y los Pandava, descendientes del rey Shantanu, de la dinastía de la Luna.

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Asceta (yogui).

Uno de los Kaurava, Daryhodan, consigue mandar a los cinco hermanos Pandava al exilio. Éstos parten y fundan una nueva capital, Indraprastha. Sin embargo los Pandava, apasionados por el juego, son invitados a una partida de dados trucada por el pérfido Daryodhan y sufren una derrota humillante.

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En el Bhagavad-Gita o “Canto divino del señor”, largo relato especulativo incluido en el libro VI, Krishna, pariente de Arjuna y conductor de su carro (aquí aparece sobre su trono), se revela como el dios Vishnu. Siglo XVIII, colección particular

Pierden cuanto tenian: el trono, la esposa- los cinco hermanos se habían casado con la misma mujer,- y son condenados a un nuevo exilio de trece años. Al cabo de este tiempo regresan para reclamar sus derechos, que los Kaurava se niegan a reconocer: la batalla es inevitable y dura: dieciocho días.

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Sanhaya recita el Mahabarata a Daratrashtra. El hijo del Sha Yahan, príncipe de la India musulmana del siglo XVII, tradujo al persa las obras más célebres de la literatura india. Siglo XIX. Jamnu, Cachemira

Con la ayuda del dios Krisna y gracias a la habilidad del heroe Arjuna los Pandava vencen. Esta epopeya debe problablemente muchos detalles a la imaginacion, pero al mismo tiempo muchos detalles ilustra las rivalidades familiares por el poder y proporciona valiosos datos sobre la vida en la India.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

JUEGOS Y BANQUETES ETRUSCOS

Con la pintura etrusca se inicia una larguísima y brillante historia: la de la pintura italiana.

En las paredes de las sepulturas subterráneas de Tarquinia, Chiusi y Orvieto se han hallado frescos etruscos de los siglos VI y V, muy bien conservados. Los temas más frecuentes de los frescos desde 550 hasta 540 son la danza, los banquetes, los ejercicios ecuestres y los deportes.

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Atletas. Dos personajes luchan ante la pila que tal vez haya servido para sus abluciones. Para las pinturas se hacía un dibujo inciso en el muro que se coloreaba. Siglo VI a.J.C. Museo Arqueológico de Tarquinia

Posteriormente, los temas relacionados con el más allá. Tal vez haya en eso una consecuencia de la decadencia etrusca y del ascenso de la dominación romana.

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Relieve de un cipo funerario. Las amplias tumbas etruscas parecidas a las casas estaban decoradas con frescos de diversos temas: juegos, danzas, banquetes. Siglo VI-V a.J.C. Tarquinia. Tumba de los augurios.

En estos frescos figuran figuras inquietantes, demonios que remiten a juegos fúnebres, ritos esenciales del paso hacia la muerte. Los frescos que adornan la necrópolis de los Monterozzi, en Tarquinia, ya eran conocidos desde el renacimiento.

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Bailarina. Las pinturas murales de las tumbas etruscas son de técnica bastante rudimentaria, aunque destacan por su colorido y por el movimiento y la sensación de vida que se desprende de ellas. 550-520 a.J.C. Tarquinia. Tumba de las leonas.

Entre 1820 y 1892 se descubrieron muchos más. Desde hace unos treinta años se han producido otros descubrimientos gracias al sistema ideado por el ingeniero milanés Carlo María Lerici, que consiste en introducir un periscopio orientado hacia abajo.

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Sarcófago con una pareja de esposos. Estatua de terracota inspirada en el arcaísmo griego, aunque de estilo más simple y depurado. La muerte era esencial para los etruscos, el momento esencial de la vida, un tránsito que debía cumplirse como una fiesta. La mujer estaba situada en el mismo plano que el hombre. Hacia 520 a.J.C. Museo Villa Giulia, Roma.

Este método permite observar y fotografiar el interior mediante una sonda provista de una máquina fotográfica y evita las excavaciones innecesarias, como en Tarquinia, donde sólo un 2% de las tumbas está decorado.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

MOSCÚ

Hoy nos aproximaremos a esta gran ciudad, y a las transformaciones que sufrió.

El primer plan quinquenal transformó Moscú. La ciudad llamada a simbolizar el nuevo mundo surgido del sistema socialista, no podía desempeñar dicho papel sin ser objeto de profundas transformaciones dirigidas a cimentar su prestigio.

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La estación Maiakovskaia. Las obras del metro se iniciaron en 1931: en su decoración abundaban estucos, mosaicos de piedras finas y mármoles

 

El primero de los grandes proyectos fue el metro, anunciado como el mayor desafío de la década. Las estaciones eran verdaderos palacios subterráneos, orgullo de los moscovitas.

Cerca del Kremlin, en pleno centro de la ciudad, tenía que ser edificado el palacio de los soviets, en cuyo diseño rivalizaron arquitectos soviéticos y extranjeros, aunque aquel “templo del socialismo” nunca fue levantado.

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Palacio de la Industria del estado. En la reordenación de Moscú de la era estalinista los arquitectos quisieron atenerse a un ideal socialista. 1931.

Por el contrario los edificios neoclásicos de la calle Gorki son representativos de la arquitectura estalinista, emparentada con las realizaciones occidentales del momento.

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La universidad Lomonosov lleva el nombre del sabio fundador del primer establecimiento en 1775. El pórtico del edificio central actual, acabado en 1953, sostiene un relieve dedicado al pueblo creador.

Las obras atrajeron a un gran número de campesinos que huían de la colectivización, pero la ciudad sufría de una penuria de alojamientos crónica y no podía albergar a la multitud de artífices anónimos de la modernidad.

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El obrero y la koljosiana, escultura monumental realizada en 1937 para la exposición universal de París, donde fue colocada junto al aguila hitleriana. 1937. V. Moukhina. Parque Sokolniki, Moscú.

Sólo el metro, proyección del “futuro radiante de los trabajadores” haría olvidar un poco la precariedad de la vida cotidiana.

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Otra bella estación del metro moscovita.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

ISFAHAN

En 1598 Abbas I hizo de Isfahan su capital. La ciudad era tan bella que un dicho la calificaba como Nefs-e-Djahan, “la mitad del mundo”.

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Maydan-i-Sah, la plaza real de Isfahan, imagen cortesía de alamy stock photo. Es uno de los grandes conjuntos arquitectónicos del mundo, edificada en treinta años por el sha Abbas. En su primer plano, al sur, la mezquita del Imán, cuya cúpula recubierta de cerámica es típica del clasicismo persa.

El sha hizo construir una ciudad de urbanismo planificado. En su centro se encontraba la plaza Real, de 500 metros de longitud y bordeada de edificios con arcadas. Allí se celebraban las fiestas. Los nobles jugaban al polo y se anunciaban las grandes decisiones del reino.

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Alminares y cúpula de la mezquita del Imán. La parte interior de la cúpula se halla también recubierta de cerámica, lo que contribuye a realzar su misterio. Los alminares enmarcan una entrada monumental.

La plaza se abría a numerosos monumentos importantes: el bazar, la mezquita del Imán, con su cúpula de cerámica azul turquesa, la de Cheik Lutfullah, decorada con arabescos de cerámica de colores, y el palacio de Ali-Kapi.

Este edificio era el de acceso a las residencias reales y albergaba los servicios administrativos y las salas de audiencia del soberano. Abbás lo mandó adornar con ricas pinturas murales, marqueterías, metales preciosos y puertas que se decía procedían del santuario de Ali, el primo del Profeta, a quien los chiitas veneraban.

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El puente de Jayu sobre el Zende Rud, río que desciende de los montes Zagros. Isfahán, debió su prosperidad a este curso de agua que riega un amplio oasis donde crecen la adormidera, el melón, el algodón, y el trigo.

Las amplias avenidas, bordeadas de plátanos, kioscos y palacios, los múltiples jardines y los parques reales de las Mil fanegas, todo estaba preparado para el goce de los sentidos.

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Mezquita de Lutfullah. Construida en 1617 al este de la Plaza Real, es de líneas arquitectónicas muy puras y se halla totalmente recubierta de cerámica.

Sin embargo en el siglo XVIII, tras la caída de los safawíes, Isfahan volvió a ser una simple capital de provincias, tras su época de fasto y esplendor.

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Escena de fiesta en el jardín. Los artistas persas transgredieron muy pronto la tradición coránica de representar figuras humanas. Siglo XVII. Pared pintada de los Mil pilares. Isfahan, Irán.

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EL BALANCE DE LAS INDEPENDENCIAS

Una vez liberado,, el continente latinoamericano ardía en deseos de salir de su letargo económico. Sin embargo, algunos signos preocupantes oscurecían el horizonte.

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Alto de unos viajeros en una granja de la Pampa argentina. Tan solo el característico traje masculino indica que la escena no se desarrolla en Europa. Siglo XIX. P. Pueyrredon. Museo de Bellas Artes de la Boca, Buenos Aires.

Tras el fracaso del congreso de Panamá, la unión resultó imposible. Las 19 nuevas repúblicas eran dispares: todo separaba, por ejemplo al minúsculo El Salvador del inmenso Brasil.

Además la diversidad climática, los ríos y los macizos montañosos obstaculizaban las comunicaciones .

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La independencia de Perú no modificó la situación del pais, que continuó tan pobre como antes. 1843. M. Radiguet. Servicio Histórico de la Marina, Vincennes.

Los criollos dominaban por doquier, a pesar de estar divididos entre conservadores y liberales, y gracias a sus haciendas, inmensas propiedades agrícolas, tenían en sus manos el poder y la fuerza económica, mientras que los indios y los negros estaban privados de tierras.

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A principios del siglo XIX México conservaba en su arquitectura el inequívoco aspecto español y Europeo. Museo de la ciudad, México.

A causa de la desigual distribución de la riqueza, las sociedades latinoamericanas constituían verdaderos polvorines. Desde el principio los jóvenes estados se dotaron de fuerzas armadas importantes, y vieron cómo se sucedían, uno tras otro, los pronunciamientos (golpes de estado militares).

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México posee un subsuelo rico en cobre, oro y plata, de lo que da testimonio esta explotación minera en Zacatecas, 1840. Pedro Gualdi, Museo Nacional de historia, México.

La independencia hizo que se consolidaran unas fuerzas que obstaculizarían cualquier transformación social, y caerían en la trampa del neocolonialismo  norteamericano.

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La villa de Simón Bolívar, en Bogotá era similar a las grandes haciendas de la América hispánica. Siglo XIX. Ramón Torres Méndez.

 

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ARQUITECTURA Y RAZÓN

Hoy nos aproximaremos a esta época vital en el devenir de la modernización de la arquitectura en París.

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Plano de París en 1775. A finales del reinado de Luis XIV el arquitecto Ledoux, con el fin de cobrar el derecho de entrada, rodeó la capital con 45 puertas triunfales , de las que se conservan cuatro. Museo Carnavalet, París

En la segunda mitad del siglo XVIII se hicieron realidad en París numerosos proyectos conforme a las nuevas ideas de los arquitectos de la Ilustración, cada vez más implicados en los problemas planteados por la población, la sanidad, la educación y la economía.

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El arca de agua de la Samaritaine en el Pont-Neuf, vista desde el muelle de la Mégisserie. En cada barrio se instaló una bomba de agua contra incendios. 1777. Nicolás Raguenet. Museo Carnavalet, París.

De entre aquellas construcciones destacan las que se llevaron a cabo entre 1762 y 1770, como la plaza de Luis XV (futura plaza de la Concordia), concebida y realizada por Jacques-Ange Gabriel, y la Iglesia de Santa Genoveva (el actual Panteón), cuya primera piedra se colocó en 1764.

Entre 1779 y 1782 se construyó la Nouvelle- Comédie (actual teatro del Odeón), centro de un nuevo barrio con un sistema de calles convergentes que desembocaban en una plaza en hemiciclo.

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Representación de una escena burlesca en el teatro de la feria de Saint- Laurent. En 1760 sólo quedaban 13 juegos de pelota en París, ya que los otros se habían convertido en salas de teatro. !786. Museo Carnavalet. París

Por la misma época, Victor Louis acondicionó el jardín del Palais Royal y edificó un imponente conjunto de inmuebles uniformes que incluían unas galerías comerciales.

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La iglesia de Santa Genoveva en 1764. La asamblea constituyente la convirtió en un templo patriótico, el Panteón, consagrado a los grandes hombres. Entre los primeros se hallaban Mirabeau y Voltaire. P. Demachy (1723-1807) Museo Carnavalet, París.

En 1780 se clausuró el cementerio de los Inocentes. Su cierre simbolizó el triunfo de las ideas de los higienistas que preconizaban una ciudad “pura”.

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Fiesta en el mercado de los Inocentes el día 21 de enero para celebrar el nacimiento del primer Delfín. El cementerio se había transformado en un mercado. PH. Deducourt (1755-1832). Museo Carnavalet. París

Ya en 1776 una declaración real había prohibido la inhumación en las iglesias y  ordenado la instalación de los cementerios fuera de las ciudades, para preservar la salubridad de las mismas.

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