LAS DAMAS IBÉRICAS

Hoy mi crónica irá dirigida a este insólito grupo de damas escultóricas. Empecemos:

En 1897 fue descubierta la Dama de Elche, a quien los aldeanos del lugar bautizaron como “la reina mora”. Se trataba probablemente de una escultura sedente, pero falta la mitad inferior.

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La Dama de Elche. Museo Arqueológico Nacional Madrid.

Aunque no son muy numerosas, han aparecido esculturas ibéricas femeninas, como la Dama del Llano de la Consolación, o la Gran Dama oferente del Cerro de los Santos.

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Gran Dama oferente del Cerro de los Santos. Esta pieza extraordinaria muestra en todo su esplendor la riqueza del vestuario femenino ibérico y el complejo tocado con que se adornaban ls mujeres de las clases altas. Siglos IV-II a.J.C. Montealegre del Castillo, Albacete. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

Hasta el descubrimiento de la Dama de Baza en 1971, estas esculturas fueron objeto de interpretaciones muy dispares.

DAMA IBERICA MITRADA OFERENTE CON MANTILLA - SIGLOS II-I AC - PROCEDENTE DEL CERRO DE LOS SANTOS (ALBACETE).

Dama mitrada oferente. El estudio de la estatuaria ibérica en piedra- siempre se utilizaba caliza de canteras locales- ha llevado a especular sobre la existencia de dos tipos de talleres: unos de carácter culto y otros populares. Siglos II-I a.J.C. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

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Dama mitrada procedente de Collado de los Jardines. El desarrollo de la metalurgia del hierro no significó el abandono del bronce, que se reservó para otros objetos que fuesen armas y herramientas de trabajo, como el exvoto que aquí se reproduce. Siglos IV-IIIa.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid.

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Portadora de vaso. Este relieve en piedra caliza se debía hallar en la esquina del muro de un monumento funerario: en la otra cara del bloque de piedra en que fue tallada, tal como vemos, se observa otra figura.Siglos III-II a.J.C. Osuna, Sevilla. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

El estudio de la Dama de Baza, hallada durante las excavaciones de la necrópolis bastetana de Baza (Granada), fechada en la primera mitad del siglo IV a.J.C, ha permitido determinar que las esculturas femeninas sedentes estaban destinadas a servir como urnas cinerarias.

Algunos elementos de su atuendo, como los vestidos, son indígenas, y recuerdan los mantos de vivos colores que usaban las nativas, citados por Estrabón, mientras que el modelo del trono procedía del Mediterráneo oriental.

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Dama de Baza. En algunas zonas de la Basetania o de Turdetania se construyeron tumbas de cámara de origen orientalizante. Podían ser colectivas o individuales, como en este caso de la Dama de Baza, perteneciente a un rey o a un gran personaje; el trono es una urna cineraria. Siglo IV a.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

En la sociedad ibérica la mujer debía de desempeñar un importante papel en los ámbitos familiar y religioso, como se deprende de la riqueza de algunas tumbas femeninas, o de las numerosas representaciones de figuras femeninas.

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Dama sedente procedente del Cerro de los Santos en Montealegre del Castillo, Albacete. Siglos IV-II a.J.C. Museo Arqueológico Nacional. Madrid

Tenemos la fortuna de encontrar gran parte de ellas en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

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EL ARTE DE TANAGRA

Hoy haremos una crónica de este maravilloso arte, sobre todo en escultura. Empecemos:

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Muchacha cubierta con ropajes drapeados. Museo del Louvre

En Beocia, en una pequeña localidad al este de Tebas, floreció desde mediados del siglo IV hasta fines del siglo III a.J.C el arte de Tanagra, que se caracterizó por su originalidad y refinamiento.

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Muchacha cubierta con ropajes drapeados. Lleva su himation como un chal sobre el peplo, vestidura femenina drapeada en el hombro con una fíbula. 320 a.J.C. Museo del Louvre. París.

Los alfareros de Tanagra fueron los herederos de la gran estatuaria que se desarrolló en la segunda mitad del siglo IV, que rompía la “dictadura” de los cánones clásicos impuestos por Fidias en tiempos de Pericles, y exaltaba la sensualidad de los cuerpos y la belleza de las mujeres, mientras los pintores de vasos realizaban obras destinadas a embellecer los gineceos, y en las que figuraban mujeres con complicados peinados, dedicándose a su aseo maquillándose, acicalándose…

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Mujeres conversando ante una tercera. Se hallaron en Mirina. La visitante se cubre la cabeza con una parte de su himatión , prenda exterior de lana hecha con una sencilla pieza de tela rectangular que también llevaban los hombres. Siglo II a.J.C. British Museum. Londres.

Los artistas, aun a riesgo de cierto preciosismo, intentaban dar muestras de virtuosismo y el erotismo apareció por primera vez de forma discreta en el arte griego.

Los alfareros realizaban en su taller terracotas muy variadas, de modo casi industrial, poniendo el arte al alcance de un público cada vez mas numeroso.

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Mujer tocando la cítara. Tal vez sea sacerdotisa o una bailarina. Las figuritas de Tanagra colocadas en las tumbas o en los santuarios tenían a menudo una función religiosa. Siglo II a.J.C. British Museum. Londres.

Las estatuillas se vendían en Grecia y Asia Menor, seguramente tenían una función funeraria, pero también servían para adornar las casas y embellecer la vida cotidiana.

Un arte desconocido pero fascinante. ¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL ARTE DE IFÉ

Desde principios del siglo XX la riqueza artística y cultural de África, aunque muy desconocida para casi todo el mundo, ha sido intensamente estudiada.

Uno de los momentos culminantes de este interés fue el descubrimiento de las esculturas de Ifé (Nigeria).

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En el siglo XIII, la capital de la zona yoruba (pueblo de la costa occidental), se convirtió en un gran centro de producción artística: esculturas de madera y de piedra, desgraciadamente muy maltratadas por el tiempo, pero también aparecieron esculturas de bronce.

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Así se hallaron numerosas máscaras y cabezas de tamaño natural. El trabajo del bronce, tanto en Ifé como en los pueblos vecinos, que fueron adquiriendo su importancia, era “un arte cortesano”, incentivado, pero también controlado por el rey, y lo ejecutaban los artistas más famosos, que solían trabajar por encargo. Eran maestros en su arte, y tenían discípulos que les ayudaban, o bien realizaban copias de las grandes obras: este proceder recuerda, extrañamente, y pese a la distancia geográfica que les separaba, las prácticas artísticas habituales en la Italia renacentista.

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Mientras que en la mayor parte del continente africano el arte se caracteriza por la estilización de las formas y la búsqueda del simbolismo, en el arte de Ifé lo más importante era su gran realismo.

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Su gran calidad artística y su belleza, pese a lo ignoto que es por pertenecer al gran continente olvidado, lo sitúan entre las obras maestras del Patrimonio mundial.

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Un descubrimiento apasionante que nos invita a conocer más de Nigeria, y de su gran riqueza histórica en su cetros, parejas, y cabezas de terracota.

¿Nos vamos de viaje?

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EL GRUPO EL PASO O CUAL FUÉ EL PUNTO DE INFLEXIÓN EN LA RENOVACIÓN ARTÍSTICA ESPAÑOLA

Esta mañana me he enterado leyendo las efemérides de que hoy se celebraba el aniversario del nacimiento del escultor pamplonica Pablo Serrano. Como no podía ser de otro modo en seguida se ha aparecido en mi mente el grupo del que formó parte en un momento crucial para la historia del arte en nuestro país, a saber: el grupo El Paso.

La aparición de este grupo fué trascendental en una España sumida en el aislacionismo, inmersa en una calamitosa situación de posguerra, y donde ya habían comenzado a producirse las primeras “fugas de cerebros” sobre todo al país de las oportunidades, Norteamérica.

Hay que caer en cuenta de que la abstracción fué un fenómeno necesario en las artes. Cada vez cobra más importancia el continente de la obra de arte, su soporte, y  la materia de la que está hecha.

El padre de la abstracción en España podríamos decir que fué el conquense Gustavo Torner. Nunca se adscribió al grupo, pero merece la pena dedicarle un pequeño homenaje. He aquí una de sus esculturas

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La sociedad artística en la que irrumpe el grupo El PASO fue definida en su manifiesto fundacional, publicado en 1957. Una vanguardia libre nacía después de dos décadas de silencio creativo y lo hacía con una idea clara de compromiso con su tiempo. Querían significar ese paso necesario de la tradición a la modernidad.

Bebiendo en fuentes como el expresionismo abstracto americano, con la “action painting” de Pollock o la “colour field painting”de Rothko, o el art autre de Dubuffet, de cuyas fuentes bebieron durante sus viajes a París. Así propugnaron una metodología del arte radicalmente nueva, rupturista, transgresora, y enormemente vibrante.

Rothko ante una de sus obras

Su principal medio de expresión: la pincelada violenta y empastada, el arañazo al lienzo, el dripping, el empleo de la arpillera, la tela metálica, la arena, los objetos pegados… Pero quizá el elemento definitorio del grupo fue el compromiso: una actitud ética, moral y social que convertiría el lienzo en un campo de batalla.

Pollock y su dripping en pleno proceso creativo.

Demos una breve pincelada a cada una de estas personalidades, que siempre incidieron en la utilización de materiales humildes, y en su absoluta falta de interés en que sus obras perdurasen en el tiempo. Menos mal que esto último no lo consiguieron. Nos hubieran privado de estas personalísimas obras.

El Manifiesto lo firmaron : Rafael Canogar, Martín Chirino, Luis Feito, Manuel Millares, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Antonio Saura, Juana Francés o Manuel Viola entre otros.

Manuel Millares, canario de nacimiento, durante su época abstracta realizaba sus obras con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura. Los materiales citados eran luego cubiertos con capas chorreantes de pintura. E voilà, este es el resultado:

Luis Feito

La pintura de Feito  esta influida por el automatismo, con superficies matéricas en colores blancos, negros y ocres, realizadas con mezcla de óleo y arena. A veces nos parece estar observando meteoritos a punto de colisionar contra el suelo.

Rafael Canogar

Usó inicialmente un técnica escultopictórica, los límites entre escultura y pintura se hallaban cada vez más difusos; con sus manos arañaba o exprimía la pasta que hacía vibrar sobre fondos de colores planos. Era una pintura en la que el gesto inicial sale directamente del corazón. En este punto Canogar encarnó lo mejor de la pintura matérica.

Manuel Rivera

El genial artista canario fué uno de los más innovadores:  incorpora la tela metálica a sus obras como soporte artístico, primero sobre bastidores de madera y posteriormente de aluminio.

  ” Compré un rollo de tela metálica, lo llevé al estudio, lo contemplé durante días, y casi a ciegas comencé a trabajar sobre él. En ese momento comenzó mi aventura”.

 

   De la superposición de diversas placas de tela metálica, y su paciente plegado, se derivaban mágicas sensaciones, como si se estuviera contemplando una delicada tela de moaré.

Antonio Saura

Fué una de las figuras más fascinantes del grupo. Artista de enorme proyección internacional se adscribió al paso tras una etapa surrealista. Comenzó sus pinturas  que él mismo bautizó como “fenómenos y grattages” La influencia que ejerció sobre él la pintura de Pollock es notable, pese a que él nunca abandonó del todo la figuración. Su conflicto fué con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica.

Uno de sus famoso crucificados.

Juana Francés

La única mujer que formó parte del grupo navega indistintamente entre la abstracción y la figuración, entendiéndose de manera complementaria

“la abstracción y la figuración, en sí mismas no comportan una tendencia, una idea, ni una actitud, sino un medio, un vehículo, y una forma de desarrollar una tendencia”

La artista en acción.

Martín Chirino

Cofundador del movimiento, el trabajo de su padre en los astilleros le familiariza con el hierro y la forja. Uno de sus motivos más recurrentes será la espiral.  Retuerce el hierro hasta sacar de su entraña toda la expresividad posible.

“La imaginación es potente y te ayuda a vivir, porque si miras la realidad estás perdido”

Pablo Serrano

Curiosamente he dejado casi para el final el artífice de este post de hoy. Realizó  innovadoras y radicales experiencias sobre el volumen y el vacío. buena muestra la tenemos en su escultura del Museo de Arte Público, situado bajo un puente en el Paseo de la Castellana.

¿Os habéis percatado? De la unión entre realidades y poéticas creativas tan dispares se crea una realidad poliédrica, vibrante, llena de vitalidad. Fué necesaria  la creación de este grupo, que nació sin pretensiones, pero del que nos podemos sentir muy orgullosos, para que se hiciera presente en nuestro país la renovación creativa y artística, que fué la que posibilitó nuestra madurez .

Confío que os haya gustado!

REAPERTURA DE LAS PUERTAS DEL PARAÍSO DE GHIBERTI. UNA NOTICIA CAÍDA DEL CIELO

Revisando la prensa cultural en esta semana que hoy comienza estaba pensando de qué podría tratar la primera entrada del blog, retomado hoy tras unas semanas de descanso.
De repente, y entre otras noticias como la adquisición de un Renoir por una señora en un mercadillo de Estados Unidos( menuda suerte la suya, quién fuera ella) ha emergido ante mi vista la poderosa y subyugante imagen de las puertas del paraíso que un día creara Ghiberti para el Baptisterio de San Juan, en Florencia.
¿Hay una manera mejor de retomar mi trabajo, adormecido durante el período estival?

Como siempre, me he puesto a repasar la historia de la factura de dichas puertas. Entre otras cosas he averiguado lo siguiente:
La primera puerta del Baptisterio de la catedral de Florencia fue decorada por Andrea Pisano en 1330. Para la decoración de la segunda se convocó un concurso al que se presentaron Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti, Francesco de Valdambrino y Filippo Brunelleschi. El elegido fue Lorenzo Ghiberti (1378-1455), quien finalizó esta puerta en 1424. Al contrario de lo que era habitual en los relieves de la época, el fondo se utiliza como elemento plástico y forma parte de la representación.

Colocadas esas puertas, el resultado fue tan satisfactorio a la vista de todos que Ghiberti recibió, sin que hubiese mediado concurso alguno, el encargo de elaborar las terceras puertas (del lado este del baptisterio). Más de veinticinco años tardó el escultor en dar por acabado su trabajo, esa obra que sería tan alabada por Miguel Ángel. No era para menos. Ghiberti acabó aquí con las influencias góticas de manera completa. Para ello, compartimentó el espacio en un número menor de paneles, sólo diez, aprovechando por completo el espacio disponible en cada uno. Y en ellos colocó un ciclo de escenas del Antiguo Testamento.
En estas Puertas del Paraíso las figuras se adaptan de manera fehaciente a los cánones de la perspectiva y, al mismo tiempo, el relieve se va aplanando conforme nos adentramos en cada escena, hasta resultar casi absolutamente plano en los fondos. Por el contrario, en los primeros planos predomina el volumen y la corporeidad de los personajes. De esta forma la profundidad es aquí el elemento relevante, junto a la proporción en las representaciones y un destacado gusto por el naturalismo en la composición de las escenas. El arte gótico queda atrás, sustituido por una verdadera joya de la escultura renacentista.

Las Puertas contienen también, en los marcos laterales y en los listones verticales de separación, todo un repertorio de pequeñas esculturas, de figuras bíblicas, motivos vegetales y algunos diminutos bustos de personajes, entre los que se halla el propio autorretrato de Ghiberti. De forma que, a la postre, tenía razón Miguel Ángel: si existiese el Paraíso, no sería necesario construirle una puerta en su entrada; bastaría con poner allí la que Ghiberti había elaborado para el baptisterio florentino, mostrando al mundo los nuevos cánones estilísticos de la escultura renacentista.

Adjunto el repertorio iconográfico de la Puerta, verdadera joya del Renacimiento. Os invito a visitar Florencia, entre otros motivos para que os deleitéis con él.