MAR SOLÍS, ESCULTORA DEL TIEMPO Y EL ESPACIO

Hoy os quiero traer la figura de una escultora enormemente personal, Mar Solís, que en breve protagonizará en Aranda de Duero la exposición “Durius Flumen”, y que Arte al Instante y New Art Gaze visitarán, gracias a la colaboración de la Galería de Rodrigo Juarranz, para que conozcáis un poco más su obra y su trayectoria.

Pongamos en primer lugar cara a la artistamar

Mar nació en 1967, y se graduó en escultura en la Universidad Complutense de Madrid. Mujer inquieta, su obra ha traspasado fronteras, en un tiempo en que parece que todo está inventado. Miami, Buenos Aires, Damasco…son lugares que se han rendido a los pies de esta mujer inquieta de poética creativa y enormemente personal.

Mar interactúa con el espacio durante su proceso creativo, y acaricia el material con el que crea sus obras.  Su objetivo es mostrar la ocupación del espacio, gracias a la labor del hombre como transeúnte, en espacios habitables, misteriosos, de reflexión, frágiles y livianos, ocupando suelos y paredes de la sala o del lugar donde expone, trasmitiendo su propia esencia.

El primer escultor de la historia que trató de lograr este complicado y apasionante objetivo fue Pablo Gargallo, del que podemos tomar “El profeta” como pieza más representativa.el-profeta_pablo-gargallo_1933_vista2

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En cada lugar donde esta trotamundos, ávida de crear, se ha trasladado, trata la naturaleza de modo diferente.

Dibuja la artista el espacio con formas normalmente sinuosas, en múltiples formatos. El material utilizado es muy diverso: madera de caoba, metal…:”Trabajo la línea curva obsesivamente, por eso mis formas son tan orgánicas y naturales”. Dice la artista, creadora de espacios ilusorios como claustros, bosques efímeros, donde se encuentra enormemente cómoda, invitando al espectador interactivo a la reflexión.mar-solís-4 (2)

“Dibujar en papel en un muro, en el aire, es danzar en el espacio, es soñar, ser la sombra de la obra, estar detrás de la línea en un silencioso anonimato”

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Dejo un vídeo muy esclarecedor acerca de su proceso creativo:

 

En su imaginario están presentes la fotografía, la figura femenina desdoblándose, presentándose de modo misterioso, abstracto, la influencia de la caligrafía internacional, con su particular liturgia…temas variados que nos hacen vislumbrar la originalidad, patrimonio de los genios.

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Desde aquí os invito a acompañarnos el día 21 de mayo a visitarla en Aranda de Duero. ¡Os va a sorprender!

Mar Solís, esa mujer impactante, de la que he querido trasladaros una breve semblanza. Espero que os haya resultado interesante.

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PLAN DEL TERCER TRIMESTRE CON ARTE AL INSTANTE. TIENES MUCHO QUE VER EN MADRID

Tras trabajar en él durante los dos últimos días os dejo el plan del trimestre con Arte al Instante. ¡Espero ver a muchos de vosotros en estas citas!

 

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¡Espero que sean de vuestro agrado!

PLAN DEL BIMESTRE CON ARTE AL INSTANTE

Aunque debería haber publicado esto hace un par de semanas lo hago ahora, con la esperanza de que encontréis el plan de vuestro agrado. Estas serán nuestras citas con el arte y la cultura del trimestre. Hay una particularidad: si queréis realizar alguna de las rutas que os propongo en otra fecha, y tengo un mínimo de 5 personas la repetiremos.

ENERO

Viernes 30 de enero

Para completar esta muestra os hablaré del Gran Tour después de la visita, tomándonos un café.

FEBRERO

Martes 3 de febrero

 

 

Castizo

 

Viernes 6 de febrero

Prado

Martes 10 de febrero

Costuras

Viernes 13 de febrero

Cortesfeb

Martes 17 de febrero

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Viernes 20 de febrero

CISNE

Martes 24 de febrero

GV

Viernes 27 de febrero

 

Dufy

Martes 4 de marzo

 

Serrano

Viernes 7 de marzo

Amberes

Martes 11 de Marzo

Ingeniería

Viernes 14 de marzo

Delvaux

 

Estas serán nuestras citas del trimestre. Si queréis concertarla fuera de la fecha establecida escribidme a artealinstante@hotmail.es y buscamos otra fecha, si tengo disponibilidad. Confío que os resulten atractivas.

 

PLAN DEL TRIMESTRE DE ARTE AL INSTANTE

Tras el avance de citas culturales en plan general que os dejé el otro día, aquí está recién salido del horno el plan pormenorizado de este trimestre.

Espero que sea del interés de todos. Si por un casual no podéis asistir a alguna de estas propuestas los días estipulados podéis pedirme que lo realice otro día. Para ello escribidme a artealinstante@hotmail.es y estaré encantada de buscar otra opción.

PLAN DEL TRIMESTRE

Semana del 13 al 19 de octubre:

El último viaje de la fragata Mercedes en el Museo Naval.

Martes 14 a las 12.00 y Viernes 17 a las 18.00

Precio: 15 euros entrada incluida

Semana del 20 al 26 de octubre

Tras las huellas del Quijote

Martes 21 a las 11.00 y Viernes 24 a las 17.00. Punto de partida: Atocha 87

Precio: 10 euros

Semana del 27 al 2 de Noviembre:

Martes 28 a las 14.30 Sorolla y Estados Unidos en la Fundación Mapfre

Precio: 10 euros

y viernes 31 la Colección Abelló en Centro Centro

Precio: 20 euros, entrada incluida

Semana del 3 al 9 de Noviembre

Martes 4 a las 11.00: Madrid de los Austrias. Punto de encuentro Puerta del Sol, junto al oso y el madroño.

Precio: 10 euros.

Viernes 7 a las 18.00 Hubert de Givenchy en el Museo Thyssen

Precio: 20 euros, entrada incluida

Semana del 10 al 16 de Noviembre:

Martes 11 a las 12.30 Hubert de Givenchy en el Museo Thyssen

Precio: 20 euros, entrada incluida

Viernes 14 a las 17.00: Madrid de los Austrias. Punto de encuentro Puerta del Sol, junto al oso y el madroño.

Precio: 10 euros.

Semana del 17 al 23 de Noviembre

Redescubriendo el Museo Arqueológico Nacional: Egipto, Iberos y Roma

Días 18 de Noviembre a las 11.00 y 21 de Noviembre a las 17.00

Precio: 15 euros, entrada incluida.

Semana del 24 al 30 de noviembre

El Madrid del tiempo entre costuras

 

Martes 25 a las 11.00 y viernes 29 a las 17.00

Punto de partida: Embassy Salón de té.

Precio: 10 euros.

Semana del 1 al 7 de diciembre

Mediterráneo, del Mito a la razón en CaixaFórum Madrid

Día 2 a las 11.00 y 5 a las 17.00

 

Precio: 15 euros, entrada incluida.

Semana del 8 al 14 de Diciembre:

LA zona de AZCA. El “Manhattan” madrileño. Punto de encuentro Torre Picasso

Días 9 de diciembre a las 11.00 y 12 de diciembre a las 17.00

Precio: 1o euros, entrada incluida.

Espero que sea de vuestro interés. Para inscribiros sabéis que hay dos posibles modalidades: la trimestral, de 140 euros, entradas no incluidas, o las clases sueltas.

Escribidme a artealinstante@hotmail.es, o llamadme al 638510832.

¡Os espero!

 

JAPONISMO EN CAIXAFÓRUM. PASIÓN POR ORIENTE EN OCCIDENTE

Las dos últimas semanas he tenido la suerte de disfrutar de esta seductora muestra por partida triple, y lo cierto es que me he sentido igualmente atraída por ella en cada una de esas ocasiones.

Desde hace años me ha ocurrido lo mismo que a personajes de la talla de Alejandro Magno, que extendió su Imperio, el mayor conocido de la edad antigua, hasta la India o al singular Marco Polo, viajero incansable que surcó los mares hasta llegar a la China…lo oriental ejerce en mí un efecto magnético difícilmente explicable: su cultura milenaria, el mimo con que cuidan cada una de sus tradiciones, su exótica flora, su deliciosa gastronomía…y obviamente el arte que llevan produciendo desde tiempo inmemorial.

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Un mapa antiguo de aquellas remotas tierras abre la exposición.

La apertura de los puertos de Japón a finales del siglo XIX facilitó que las expediciones europeas llegaran hasta allí sin problemas. No hay que olvidar que la situación socio política de Europa era de situaciones de conflicto social, que propiciaban el escape hacia civilizaciones y tierras lejanas como en medio de escapar…a veces  sólo con la mente…otras organizaban expediciones, que llegaban hasta allí…

Hago un inciso en este punto, recomendando para ilustrar lo que digo la película Seda, basada en la novela de Alessandro Baricco, y que dejó una viva impronta en mi.

En el principio de la exposición se nos muestran documentos del Siglo XVII que hablan ya del comercio entre Oriente y Occidente, entre los que se encuentra un ejemplar de una carta enviada a Sevilla enmarcado.

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A continuación se observa con claridad cómo prendió la llama de la pasión por lo oriental en autores consagrados  como el pintor francés Tissot, que normalmente retrataba personajes de la nobleza y alta burguesía, o cartelistas como Lautrec, que remite la delineación de sus contornos a estas xilografías y pinturas japonesas, que se descubrieron de modo fortuito, desembalando los jarrones chinos de porcelana que venían protegiendo, entre otras curiosidades.

Sala japonesa de Fortuny, que asumió la técnica y modos de lo japonés como pocos en nuestro país.

El japonismo en su fase  nambán, cuando los primeros misioneros llegaron allí hace 400 años;  o en su más abierta era Meiji causó una sensación difícilmente explicable en todos los ámbitos: se adoptaron las ricas sedas para confeccionar ricos vestidos, pensemos por ejemplo en los mantones de Manila que se comenzaron a realizar en España…se adoptaron sus temas y formas compositivas…ni siquiera la realeza se mantuvo al margen, sucumbiendo al encanto de las vestimentas ancestrales, tenemos una prueba en el rey Alfonso XIII de niño vestido a lo japonés.

Platos decorativos, mobiliario, carteles publicitarios inspirados en Japón, obras de primeras figuras, como Picasso o Regoyos…nos indican cómo este arte del Extremo Oriente había llegado a occidente para quedarse definitivamente entre nosotros.

Entre las joyas de la exposición auténticas láminas de Hiroshige, impactantes

Una visión del mundo radicalmente diferente a la occidental. Sutileza compositiva a través de una técnica minuciosa y muy cuidada.

Fotografía antigua en soporte de papel albúmina.

El novecentismo catalán se vio fuertemente influenciado en mobiliario y decoración, de hecho fué uno de los inspiradores del modernismo;  el mundo publicitario no se sustrajo, las mujeres suspiraban por la seda de Japón…

Cómoda de caoba, ébano, marfil, nácar…y otros ricos materiales regalado a Maria Cristina cuando era regente.

Maravilloso biombo atribuido al siempre genial Dalí.

Una delicia de muestra que os recomiendo vivamente.

LA PINTURA PLENAIRISTA EN EL THYSSEN O CÓMO UN PEQUEÑO TUBO DE ÓLEO CAMBIÓ LA VIDA A LOS PINTORES

Hacía días que os debía este post acerca de una muestra a todas luces imprescindible en el panorama cultural de nuestra ciudad.

Las tres veces que he gozado e ella han sido una absoluta delicia, y en cada una de esas ocasiones he podido admirar un detalle nuevo que las anteriores había pasado desapercibido. Es el poder de la naturaleza, cambiante, caprichosa, en ocasiones efímera que vibra en cada retazo de obra de la exposición, y que parece destilar vida por los cuatro costados.

La antigua teoría que sustentaba que el arte se podía clasificar en compartimentos estancos, y que podía meter en diferentes cajas cada vanguardia, cada movimiento, ha sido afortunadamente desechado en aras de una transversalidad, que es una manera más viva, y a mi modo de ver más inteligente de acercarse a la contemplación y al estudio de la obra de arte.

Así pues, cuando en los libros de arte leemos que el impresionismo comenzó en Manet, su padre ideológico, no reflejan del todo la verdad. Cien años antes de que esto ocurriera ya se habían trasladado los artistas al medio natural para plasmar sus sensaciones, sus emociones, pese a terminar sus obras en el estudio.

Todo ello fué propiciado por algo en apariencia insignificante, a saber: la invención del tubo de óleo en pequeño formato. Este invento facilitó tener frescos los pigmentos, lo cual permitía pintar sin apremios, y posteriormente fué genialmente rematado por la invención del caballete. Así pues los artistas gozaron de una libertad sin precedentes, propiciando que abandonasen el estudio y que atrapasen “in situ”, al aire libre, los paisajes naturales, y, con ellos, sus sensaciones térmicas.

Hagamos un poco de historia de este género tan apasionante:

A pesar de que el arte chino había cultivado el género del paisaje desde el siglo IV, en Occidente esté género no se iba a desarrollar de manera más o menos autónoma hasta la llegada del Renacimiento; cuando las vistas de prados, montes y colinas comienzan a tomar protagonismo en las composiciones de Durero, Patinir o Brueghel el Viejo.

Paisaje chino

Paisaje de Patinir.

En el siglo XVII este tipo de representaciones va metiéndose poco a poco junto a la pintura de figuras; sobre todo en las escuelas holandesa y flamenca, con nombres como Ruisdael o el francés Claudio de Lorena, uno de mis pintores preferidos.

Tobías y el Angel, Claudio de Lorena.

Cien años más tarde, en las composiciones paisajistas las figuras van cediendo espacio a las panorámicas, situadas aquellas ya como simples referentes de escala. Es el momento de las famosas “vedutte” venecianas de Canaletto, o Guardi, y de las fantásticas ruinas de Zuccarelli o Belloto.

Paisaje urbano o vedutte veneciana.

Paisaje de Zuccarelli.

Antes de instalarse de plano derecho en Francia, este tipo de pintura recaló en Gran Bretaña, donde tuvo seguidores vitales, sobre todo Constable y Turner. En Constable es tal la identificación del hombre con la naturaleza que las pequeñas figuras del lienzo llegan a compenetrarse a la perfección con los elementos de la vida rústica.

Turner arranca de la naturaleza su quintaesencia, transformándola en pura energía y vibración cromática.

Tras esta introducción al género paisajístico, que espero hay sido ilustrativa, nos metemos  de lleno en la muestra, que es absolutamente fascinante  Está dividida en distintas salas, asociadas éstas a accidentes de la naturaleza. La primera de ellas llamada Ruinas, tejados y azoteas remarca la importancia que estos pintores le daban a las ruinas como elemento integrante del paisaje, al que otorgaban un aspecto pintoresco. Fueron objeto de atención de muchos jóvenes artistas que se formaron en Italia a fines del siglo XVIII y principios del XIX siguiendo una tradición idealista

Impresionantes aquí dos visiones de la misma azotea en dos momentos diferentes del día, obra de Pierre Henry de Valenciennes. Es el auténtico precursor de la pintura al aire libre. En 1800 escribió un Tratado sobre el género del paisaje, que influyó notablemente en las siguientes generaciones.

En el asegura algo que vemos perfectamente plasmado en este par de versiones de la misma azotea: “todos los estudios de la naturaleza deberían ser realizados en dos horas como máximo, y, si su efecto es la salida o la puesta del sol, no deberían tomar más de media hora”

La diferencia entre ambas es palpable.

En la sección rocas nos damos cuenta de que su representación ha estado presente en la historia de la pintura desde sus inicios. Los primeros estudios de roquedales fueron pintados en Italia a finales del XVIII; pero el protagonismo les llegó con la Escuela de Barbizón. Dicha escuela tuvo su sede en la villa del mismo nombre, cercana a un antiguo bosque de caza real, el bosque de Fontaineblau. Allí los pintores iban a cultivar, entre otras modalidades el “paisage intime”

Lo empieza a cultivar Corot tras su regreso de Italia.

A dichas rocas se les otorgan valores melancólicos, de soledad, desolación, y en el caso de los pintores europeos, cierto idealismo.

En el caso de los pintores americanos el arte y la geología fueron de la mano. Fueron más precisos, más científicos.

Cezanne recurrió a ellas para construir el espacio sin sombreado ni  perspectiva. Las obras que hay en la muestra salidas de sus pinceles son un prodigio técnico.

En el suelo la pincelada es horizontal, en la parte superior vertical, y en las rocas en todas direcciones.

En la sala montañas nos damos cuenta de que fueron motivo de interés estético desde el XVIII.

Fueron concebidas en principio como fondos para composición de cuadros en el estudio, a excepción del Vesubio( presente también en la muestra de la Fundación Canal que hemos disfrutado hoy).

Se observa cierta concepción panteísta en ellas, como un camino ascendente hacia la divinidad.

En la falda de la montaña. Hodler.

Vemos que en Centroeuropa la iconografía de la montaña alcanzó sus cotas más originales, a caballo entre cierto idealismo romántico y el interés científico. Dicho interés por las montañas lo hallamos en Austria, Francia o España.

Árboles y plantas

Otra vez Italia es el punto de referencia. Allí se extendió la costumbre de ejecutar estudios del natural de los ejemplares más bellos y pintorescos de árboles y plantas. A ello se sumó el interés botánico puesto de moda por Linneo, y que se difundió con rapidez por países anglosajones.

Valenciennes. mi favorito.

Donde esta costumbre consiguió más adeptos fué en Francia a principios del XIX, merced a la preparación de las pruebas del Grand Prix de Rome de paysage histórico creado en 1817.

Para los pintores de Barbizón algo más tarde los árboles se convirtieron en actores silenciosos del paisaje.

Rousseau. bosque de robles

Toda la sala es un himno a la naturaleza, con una profusión de maravillas entre las que no sabrías bien con cual quedarte. Sobre todo abunda la presencia de robles y hayas. A comienzos de 1860 los impresionistas también pintarán árboles en el bosque de Fontaineblau. Pintores como Monet se concentran en las sensaciones visuales de la luz al filtrarse a través de las hojas.

Monet y sus filtraciones. Todo un prodigio en técnica y sensibilidad.

Cascadas, arroyos y ríos

   Desde los inicios el agua imprimió variedad, frescura y vitalidad. Se aprende su representación en enclaves próximos a Roma, con lagos como el Nemi, plasmados sintéticamente, sobre todo por Corot, que pasó largas temporadas en la zona inspirándose en estas mágicas caídas del líquido elemento.

En Inglaterra adquieren el punto culminante en Constable y Turner. Fué Daubigny quien introduce este elemento en Barbizón, haciéndose construír un barco estudio para pintar desde el Sena.

Cielos y nubes

Ambos elementos atmosféricos han estado en la mente de los tratadistas desde Leonado  A partir de los siglos XVIII y XIX se extendió la costumbre de los estudios de nubes entre artistas franceses y alemanes formados en Italia.

El que más lo trabajó fué Constable, que, llevado por su obsesión por la integración entre cielo y paisaje pintó más de cien estudios en sus dos campañas de Hampstead.

O Van Gogh, que a veces se quejaba diciendo:”¡que cuadro pintaría de no hacer tanto viento!”

Van Gogh. Obsérvese cómo plasma el viento soplando con fuerza en la pincelada del campo y en la fuerza y dimensión de las nubes.

Otro fué Boudín, influyendo en Courbet y Monet.

Tempestad sobre el mar en Islandia. Las olas desprenden caracoles de espuma, fruto del viento embravecido.

El mar

Ha sido contemplado con temor hasta el XVIII. Fué Constable el autor de las primeras marinas al aire libre.

La moda de las estancias en la playa como destino vacacional desde el 2º cuarto del XIX se extendió por Francia desde Inglaterra. Los destinos eran lugares de tiempo nublado, proclive a esos paseos marítimos de las clases acomodadas. Clave fué el descubrimiento de Normandía por pintores y escritores.

Courbet cultivó este género, pero sin duda el más atraído por los impresionistas del mar fué Monet. Pinto en repetidas ocasiones los acantilados de Etrètat, donde estuvo a punto de morir ahogado mientras pintaba. dice que sólo un milagro y los pescadores de la zona le salvaron.

La naturaleza y su fuerza, su misterio, su agreste atractivo, ante la que el hombre no puede nada.

No es de extrañar, pues, que pese a ser una muestra extensa, se salga con ganas de visitarla de nuevo, para que nada se nos escape.

Espero que os haya gustado!

MARÍA BLANCHARD, EL ALMA DEL CUBISMO

El domingo disfrutamos en el Museo Reina Sofía de una muestra a todas luces imprescindible: me refiero a la de María Blanchard, que organizan el mismo museo junto a la Fundación Botín, como no podía ser de otra forma, hablando de esta santanderina universal.

Se reivindica de este modo la personalidad y la figura de una artista que marcó profundamente la vanguardia cubista a golpe de esos retazos de su vida y sentimientos, de esos pedazos de su alma que quedaron vívidamente impresos en los lienzos que pintó.

A mi he de decir que la travesía vital de esta pintora, de esta mujer, me marca de un modo especial, me atrae de un modo subyugante, y me conmueve al mismo tiempo, por lo que estas líneas irradiarán esos sentimientos inconscientemente. Creo que cuando la conozcáis un poco os ocurrirá como a mí.

María Blanchard nace el 6 de marzo de 1881 en el seno de una familia de la nueva burguesía santanderina. La familia Gutiérrez-Cueto Blanchard; tenían ya dos hijas cuando nació:  Aurelia, y Carmen; años más tarde nacería su otra hija Ana.

Siempre se movió en un medio muy culto; no en vano su abuelo fue el fundador de La Abeja montañesa y su padre de El Atlántico, prestigioso diario liberal que dirigió durante diez años.

Imagen del periódico que dirigió su padre.

María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad  condicionará desde su nacimiento tanto su destino como la devoción por su trabajo.

Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente su propia imagen, por lo que apenas existen fotografías de la artista.  La pluma de Ramón Gómez de la Serna nos deja su mejor descripción: “Menudita, con su pelo castaño despeinado en flotantes, tenía mirada de niña, mirada susurrante de pájaro con triste alegría”. Algunas de sus palabras  reflejan su propia opinión sobre su físico y su obra.”no tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo” o “cambiaría toda mi obra… por un poco de belleza”.

María en imagen de archivo.

El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad sus dotes para el dibujo y su extraordinaria sensibilidad.

Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Aquí es donde primero notó el zarpazo de una sociedad cerrada, y con él sus sufrimientos.

Al año siguiente muere su padre, por lo que toda la familia decide trasladarse a Madrid, hecho que supuso para ella el necesario espaldarazo que su alma en ese momento estaba pidiendo a gritos.

Estudió en el año 1906 con Fernando Alvarez de Sotomayor y empieza a exponer en Bellas Artes. Dos años más tarde concurre de nuevo, consiguiendo tercera medalla de pintura con la obra Los primeros pasos. Ese año entra en el taller de Manuel Benedito( del cual hay una magnífica fundación en la calle José Ortega y Gasset, altamente recomendable) . La diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos.

La muestra se articula en torno a tres momentos, tres etapas que conformaron su recorrido tanto artístico como vital, aquí están:

Entre 1908 y 1913 transcurre la maduración de una identidad pictórica propia donde se aprecia la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Es la época de las obras tempranas, los estudios en París y sus primeros contactos con pintores como Anglada Camarasa y Diego Rivera. María absorbe todo este mosaico de experiencias con avidez, y gesta con ellas su propio estilo, lleno de color, dotándolo de una humanidad que será una de sus “marca de fábrica” en toda su trayectoria.

A partir de 1913 y hasta 1919 Blanchard, de regreso en París, entra activamente en el círculo cubista de la mano de Rivera. Plena conocedora de los avances estéticos y formales de la nueva vanguardia, se suma con voz propia a este movimiento.

Desde 1915 fijará su residencia definitiva en París, donde llegará a ser una figura reconocida, partícipe de las discusiones cubistas y amiga íntima de Lipchitz y Juan Gris. Blanchard lograría un perfecto dominio de la expresión cubista sintética, unida a un orden cromático sentimental lleno de plasticidad poética. Los recursos del collage y de la utilización de diversos materiales en su obra, hasta convertirla en una suerte de cubismo matérico, hablan de su preclara mente y lo avanzado de su estética.

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Los años finales de la experiencia cubista serán también los del reconocimiento público, con la participación en exposiciones junto a los otros grandes nombres del cubismo.

Cubismo sintético, collage.

Una última Etapa de Retorno al Orden hasta su fallecimiento en 1932 muestra a una artista progresivamente aislada, marcada por sus dolencias físicas y volcada en una pintura que es expresión de sus propias vivencias, y que muestra fuertes acentos espirituales después de 1927, año en que la muerte de Gris conmueve a la artista.

Os invito a formar parte de la vida de esta mujer tan apasionante, que pintaba con pincelada violenta y llena de color un mundo y una vida que le hubiera gustado que fuera de otra manera.  Me alegro de que el Reina haya tenido esta fantástica iniciativa de rescatar del injustificado olvido a un alma independiente, liberada de un cuerpo que la oprimió físicamente, pero nunca psíquicamente, en ese sentido siempre fué libre, como nos demuestra en una obra rotunda y original.

Y además si visitáis el museo podréis gozar también de la muestra fotográfica del americano Robert Adams, y en breve de una muestra que será un bombazo: “Metonimia” de Cristina Iglesias. ¡Muchos éxitos al Reina Sofía!

HE AQUÍ LAS CITAS DEL RESTO DE FEBRERO. ¡RESERVAD HUECO!

Os dejo las reseñas definitivas de lo que podremos visitar durante el mes más corto del año.

Reservad hueco y nos vemos en ellas.

Precio mensual: 60 euros.

Invitación Espejos del AlmaInvitación impresionismo y aire libreInvitación de la Gran Vía

EL LEGADO DE LA CASA DE ALBA: DEL PALACIO DE LIRIA AL DE LAS COMUNICACIONES

Hoy quisiera compartir con vosotros mi particular crónica acerca de la que es una de las exposiciones esenciales de Madrid en este momento, y que he tenido la fortuna de disfrutar por duplicado.

Es la primera vez que La Casa de Alba permite que una significativa muestra de su inmenso patrimonio artístico/cultural salga del Palacio de Liria, su lugar habitual, a otro Palacio, el de las Comunicaciones, sede del actual Ayuntamiento de Madrid.

En primer lugar encuadremos el contenido de la colección en su continente temporal. El Palacio de las Comunicaciones  es un conjunto integrado por dos edificios de fachada blanca ubicados en uno de los centros del Madrid histórico. Posee un estilo muy personal de los dos arquitectos, Palacios y Otamendi, que posteriormente desarrollarán en el Hospital de jornaleros de Maudes; bebe de diversas fuentes que se integran en un conjunto coherente: el neogótico, especialmente la obra de Viollet-Le-Duc, los hallazgos de sinceridad estructural y de materiales de arquitectos e ingenieros como Eiffel y la pasión de Palacios por los estilos regionales españoles, específicamente el gótico tardío. 

Imagen del Palacio, con la diosa Cibeles.

El interior del edificio fue diseñado como una “Obra de arte total”  en la que el mínimo detalle, desde las luminarias hasta los pupitres de la Sala de operaciones o el sistema de ventilación, forman un conjunto artístico unitario al servicio de su función como Casa de Correos. Palacios y Otamendi eran conscientes en su diseño de la posición que ocupaba el edificio en la ciudad, y la transformación de una ciudad provinciana en una metrópoli cosmopolita.

Imagen del interior, maravilloso alarde de eclecticismo y transparencia.

Desde que se decidiera instalar en este lugar la sede del Ayuntamiento de Madrid se ha creado un magnífico restaurante, y una cafetería a pie de calle. En esta exposición se estrena en las lides de espacio expositivo con nota.

La Casa de Alba de Tormes se remonta al siglo XV. Es importante  pues, que hagamos algo de historia, para comprender en su totalidad la relevancia de esta Casa de Grandes de España, y su decisivo papel en la salvaguarda de nuestra cultura e historia. Vamos a ello.

La Casa de Alba surgió en la historia de la nobleza castellana al obtener en el siglo XIV los señoríos  de Oropesa y Valdecorneja como recompensa por los servicios prestados al rey Enrique II de Castilla, aunque el ascenso de la familia vino, fundamentalmente, a partir del siglo XV , merced al apoyo prestado a la corona en sus conflictos con la nobleza castellana.

En 1429 Gutierre Alvarez de Toledo, obispo de Palencia, y Arzobispo de Sevilla  y Toledo, obtuvo de Juan II el señorío de Alba de Tormes,  localidad próxima a Salamanca, heredado por su sobrino Fernando Alvarez de Toledo y Sarmiento,  al que Juan II convirtió en conde de Alba de Tormes en 1438; y fue con su hijo García Alvarez de Toledo, Marqués de Coria y conde de Salvatierra  cuando el título se elevó a ducado, trocándose, por tanto, en el primer duque de Alba de Tormes en 1472 por concesión de Enrique IV de Castilla.

El segundo duque de Alba de Tormes,Fadrique Alvarez de Toledo y Enríquez  y el tercero,Fernando Alvarez de Toledo, el Gran Duque,  fueron los que tuvieron mayor notoriedad histórica.

El título dejó de corresponder a la antigua familia de los Alvarez de Toledo y pasó, merced a matrimonios y defunciones, a una rama de la Casa de Fitz James Stuart, duques de Berwick,  pues a la muerte de la XIII duquesa de Alba sin descendencia, sucedió en Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, sobrino-bisnieto de Fernando de Silva y Alvarez De Toledo, XII duque Alba de Tormes y abuelo de la XIII duquesa.

Con el tiempo, en virtud de herencias y esponsales, la Casa de Alba ha incorporado otras casas nobiliarias, como la Casa de Olivares,  la de El Carpio, la de Veragua  y la de Villanueva del Río  y se ha e convertido en la casa noble europea con mayor cantidad de títulos en su haber.

Nada más entrar nos recibe, dentro de una obra del Maestro Virgo ínter Virginis el retrato del primer duque como donante del mismo. Y en la primera sala, los dos único paisajes pintados por Pedro de Ribera, llenos de tonalidades verdes y grises, para nada en la linea de ocres en la que siempre se movió. Es la primera vez que salen de Palacio, y son de una belleza sugestiva.

Uno de los dos: paisaje con fortín.

Al lado, en mesas vitrinas, legajos con los escudos de armas, y la Biblia de Alba, traducida a lengua romance en el siglo XV por el judío Rabí Mosé Arragel, por eso también se conoce como la Biblia de Arragel. Era el rabino de la comunidad hebrea de Maqueda. El códice es de 515 hojas de vitela, realmente exquisita.

Una pagina de la misma.

También cuentan con una primera edición del Quijote, y varios incunables. Bellísimo el retrato de Carlos I e Isabel de Portugal de Tiziano.

Entramos a continuación en las obras relacionadas con don Fernando Alvarez de Toledo, el Gran Duque, cuya importancia fué capital en el devenir de la historia de España.

Nació en Piedrahita en 1507, y murió en Lisboa en 1582. Educado en un ambiente renacentista con Boscán y Garcilaso como maestros, siempre sintió atracción por las armas. Tiziano lo retrata astuto e inteligente, y también Rubens, ambos retratos están en la exposición.

He aquí el de Tiziano. El bastón de mando, la mirada inteligente, la armadura de gala, traspasan el lienzo con su fuerza.

Estuvo presente en todas las batallas principales del reinado de Carlos V, la ocupación de Túnez y las de Alemania.

Durante el Reinado de Felipe II tuvo mucha influencia ante el rey, y capitaneó el grupo más intransigente. Fué nombrado virrey de Nápoles y desde allí invadió los Estados Pontificios, obligando al Papa a negociar la paz.

Ante los alborotos de los Países Bajos, donde se estaba expandiendo el calvinismo, el duque se mostró partidario de una acción militar contra los rebeldes, influyendo en Felipe II que le hace caso, desoyendo a la gobernadora Margarita  de Parma, que había conseguido dominar la revuelta.

Convocó a los principales nobles de los Países Bajos y a la salida de la reunión mandó apresar a los condes de Horn y Egmont, estableciendo el tribunal de la sangre. Margarita dimite, y el rey nombra Fernando gobernador. Este, mediante medidas represivas consiguió acrecentar el odio hacia los españoles. Horn y Egmont fueron ajusticiados, y el pueblo los consideró héroes.

Como la resistencia crecía Felipe II lo mandó a Portugal en la época de la ocupación en 1580. Ya no recuperará su influencia, muriendo allí en 1582.

Cuando fallece la XIII duquesa de Alba, a los 40 años sin descendencia se dispersó muchísimo la colección, bien en manos de Godoy, que se queda con el Palacio de Buenavista, sede del actual Cuartel General del Ejército, o el mismo Carlos IV, que se queda con el Palacio de la Moncloa, es cuando pasa al linaje de los Fitz James Stuart, en la persona de Carlos Miguel, sobrino bisnieto de Fernando de Silva y Alvarez de Toledo, XII duque de Alba y abuelo de la desdichada Cayetana

La duquesa de alba. Se siente un escalofrío de emoción al contemplar la obra.

El sorprendente retrato nos habla de la personalidad de la joven, a la que Goya profesaba gran veneración. Aparece moderna, sin miriñaque, con un vestido vaporoso y no excesivamente ornada, sólo un collar rojo, un par de brazaletes, y unos pendientes que asoman bajo una melena suelta, increíble licencia en el retrato, ya que no solían aparecer así las nobles retratadas. El perrito a sus pies, con un lazo similar, habla de la fidelidad.

Carlos Miguel pertenecía a una rama ilegítima de los Estuardo. A María , reina de Escocia y Francia la manda decapitar su prima Isabel para hacerse con la corona. Será curiosamente el hijo de la Primera, Jacobo I el heredero de la corona la morir sus sanguinaria tía. Su hijo Jacobo II tiene que exiliarse a Francia, y al volver a Reino Unido le decapita Cronwell. En el país Galo vivía el hijo ilegítimo de este, de la Casa de Berwick; ahí está el enlace, ya que se trataba de Carlos Miguel.

Era este un ilustrado, amante de las artes, que compró en Italia durante su gran tour( ver mi entrada a este respecto) la Virgen de la granada, de Fray Angélico,  la única obra de este artista, junto a la Anunciación del prado, que está en España.

Su belleza es extraordinaria, el lapislázuli de su manto y la exquisita labor de filigrana del oro son magníficos.

También adquirió Camino al mercado, de Rubens, cantidad de piezas arqueológicas en Pompeya y Herculano, y grabados de Durero.

Con motivo de su relación con los Veragua están los documentos del viaje de Colón, el manuscrito con la silueta de la Española de su mano, y la lista del rol de marineros, donde aparecen los hermanos Pinzón.

Cuando la Casa emparenta con Napoleón III, casado con Eugenia de Montijo, cuñada del duque de Alba, les llueven imperiales regalos, sobre todo mobiliario, expuesto en la muestra.

Los trajes de los reyes son un privilegio de la familia de la madre de la actual duquesa, Doña Rosario Silva y Falcó. Tenía un antepasado, el Conde de Ribadeo, que consiguió el favor del rey para estar presente mientras comía, era gentilhombre de casa y boca. Un día que comían juntos el rey se quitó el traje que llevaba y se lo dio al conde para que lo guardara. Desde entonces se conservan los trajes de gala de Isabel II , Alfonso XII, Alfonso XIII y de Don Juan de Borbón. Estos los estrenaban el día de Epifanía. Cayetana llegó más lejos, pidiéndole al rey actual el traje que llevaba cuando fué jurado rey de los españoles.

Asimismo están el traje de cristianar y el de comunión de Alfonso XIII.

Jacobo Fitz James Stuart, padre de la actual duquesa, se casó con Rosario Silva y Falcó. Comenzó a reconstruir el Palacio de Liria, absolutamente destruido en la guerra civil, y a recuperar el patrimonio expropiado en la República. Aquí se ven los gustos de la actual duquesa por la pintura francesa: Chagall, Corot, Fantin Latour o Renoir compiten con los retratos de familia de Zuloaga, llenos de colorido irreal, y mágico, sobre todo el de la duquesa niña con sus juguetes preferidos

De veras, merece la pena dejarse llevar. Es una muestra muy llevadera, ya que la concepción es muy amplia, no sólo tiene pintura y escultura, sino diversos objetos que conforman la trayectoria vital de una familia, de su historia, y gracias a los desvelos de la actual duquesa de la nuestra. ¡ Animaos a visitarla!

ANTICIPO DE LA PRIMERA CITA DE FEBRERO.

Buenas tardes a todos.

Mañana os prometo un post sobre el Legado de la Casa de Alba.

Mientras tanto os dejo colgada la primera cita artística de Febrero, mes que empezaremos por la puerta grande.

¡Reservad el día!Invtiacion febrero