LAS VIDRIERAS

En Saint- Denis pueden contemplarse las vidrieras más antiguas cuya fecha puede con seguridad.

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Curiosa Anunciación con un fraile a los pies de la Virgen, en Saint-Denis. Para Suger las vidrieras dan una “luz material” que es “la imagen de la luz verdadera”. Siglo XII

La finalidad de los constructores de las iglesias góticas era la de “iluminar los espíritus y guiarlos hacia la luz por la luz”, que penetraba en el edificio a través de grandes vidrieras que cerraban los vanos entre las columnas en la primeras iglesias góticas y de los rosetones que recortaban la fachada y reemplazaban el tímpano de las portadas.

 

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Vidriera del Juicio Final, en Bourges. Siglo XIII

El arte del vidrio, conocido desde la antiguedad, había resucitado: los inmumerables fragmentos de vidrio coloreado, unidos mediante redes de plomo, recreaban figuras majestuosas, próximas y al mismo tiempo inaccesibles, o narraban escenas de la vida cotidiana.

Paco Barranco

Rosetón de Chartres. La habilidad de los arquitectos del gótico se pone de manifiesto en los inmensos rosetones en los que  escultores y vidrieros demostraron su virtuosismo.

Jesús y María reinaban en los grandes rosetones rodeados de medallones con episodios del Apocalípsis o los signos del zodíaco.

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Vidriera de Saint-Ouen, en Ruán. Esta antigua iglesia abacial benedictina conserva una hermosa serie de vidrieras ruanesas de los siglos XIV y XVI. Las escenas que en ellas se representan inspiraron a Flaubert en su Leyenda de san Julián el hospitalario.

Reyes y señores se hacían representar como donantes en las vidrieras que regalaban a los templos. Mercaderes y artesanos podían admirar las capillas consagradas a su santo patrón vidrieras que describían sus oficios.

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Vidriera de la Catedral de Colonia, terminada en 1507. El estilo gótico pervivió hasta fines del siglo XVI

Otras ilustraban vidas de santos y episodios de la Biblia, para ilustrar a los fieles, en su mayoría analfabetos, como si de un libro de estampas se tratara. Así les ayudaban a “leer” a través de la imagenes.

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Coro y vidrieras de la iglesia abacial de Saint Michel, en Thièrache, en el departamento de Aisne. El arte gótico nació en el norte de Francia. Siglos XII-XIII. Imagen cortesía de alamy stock photo

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA FRONDA

Hoy mi crónica irá sobre este hecho trascendental, que sacudió los cimientos de la Francia de la época. Empecemos:

Desde 1648 hasta 1652, mientras Ana de Austria asumió la regencia en nombre del futuro Luis XIV, el reino se vio agitado por una serie de levantamientos que se han llamado tradicionalmente “Fronda”, y que sus contemporáneos denominaron “guerras domésticas”.

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Luis XIV, vencedor de La Fronda, representado como Júpiter cuando contaba 15 años de edad. Siglo XVII. Escuela francesa. Palacio de Versalles.

Este complejo movimiento afectó principalmente a París, pero también a numerosas provincias como Guyena. En 1648 y 1649 se desarrolló en primer lugar una Fronda parlamentaria a la que se asociaron los oficiales reales compradores de los impuestos del estado.

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La batalla del suburbio de Saint-Antoine. Las tropas reales son cañoneadas por orden de la “Grande Mademosielle”. Siglo XVII. Escuela francesa. Palacio de Versalles.

A partir de 1650 los grandes y la nobleza de capa y espada comenzaron a su vez a rebelarse. Paralelamente numerosas revueltas populares acompañaron el levantamiento de las élites contra el Estado.

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El presidente del parlamento de París, Mathieu Molé, atacado por el pueblo enfurecido en agosto de 1648. Siglo XIX. Françoise- Xavier Duprée. Museo de Bellas Artes. Troyes.

Sin embargo aquellas resistencias eran contradictorias, hecho que explica en parte el triunfo final del orden real encarnado por el joven Luis XIV. El Rey Sol conservó, no obstante, un amargo recuerdo de la revuelta de los príncipes y los parlamentos.

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Omer Talón defendió las prerrogativas del Parlamento de París durante la Regencia. !649. Philippe de Champaigne. National Gallery of Art. Washington.

Que tengáis un domingo fantástico

UNA NUEVA ARQUITECTURA

Hoy mi crónica irá de nuevo sobre arquitectura francesa. Empecemos:

La Francia reconquistada tenía que ser reconstruida.  En un ambiente de paz apareció una nueva forma de arquitectura, tanto en las ciudades como en los castillos de las zonas rurales.

Los signos de la nobleza militar siguieron presentes, aunque difuminados. El torreón se convirtió en torre, y la torre en escalinata monumental, en torno a la cual se ordenaba la vivienda con sus salas de ceremonia -especialmente la galería de paseo y exposición, que adquirirá su desarrollo completo al ser descubierta la arquitectura italiana- y sobre todo los aposentos privados, privilegiados por el nuevo modo de vida aristocrático, más individualista.

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La mansión de Jacques Coeur en Bourges, primer ejemplo francés de palacio edificado para un burgués. El gros, moneda de plata creada por Jacques Coeur, simbolizó el retorno a una buena situación económica y financiera

Incluso los grandes palacios urbanos adoptaron esta estructura, patente en la suntuosa mansión de Jacques Coeur en Bourges, que no estaba aún terminada cuando cayó en desgracia.

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Demosielle Maceé de Leo-Lepard, esposa de Jacques Coeur, tesorero del rey, tocada con un capirote desmesurado, característico de las exageraciones de la moda a finales de la Edad Media. Siglo XV. Museo de Berry, Bourgés

En aquel suntuoso marco arquitectónico, único en la Francia de la época, pilastras y molduras se multiplican con gran profusión. Era una morada “digna de un gran príncipe” según el italiano Artesan, que visitó las obras en 1451, hasta tal punto que se atribuyó la caída de Jacques Coeur al lujo insolente de su palacio, y a las sospechas que inevitablemente suscitaba.

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Retrato de Jacques Coeur (1395-1456), un burgués munífico que murió como gran capitán.

Gracias al inventario de los bienes le fueron confiscados se sabe que la decoración interior era también de gran riqueza.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

EL SANTUARIO DE LASCAUX

Si hace unos post os hablaba de la magia de Altamira hoy hablaré de su “rival” francés. Empecemos (y Feliz Pascua de Resurrección a todos):

En el sur de Francia y en el norte de España existen unas 200 cuevas decoradas con pinturas y grabados que datan entre 20.000 y 10.000 a.J.C, periodo cuya cultura más reciente recibe el nombre de magdaleniense.

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Una vista general de las cuevas de Lascaux. Los hombres del paleolítico no vivían en el interior de las cuevas, sino en las proximidades, ya que aquellas le servían como santuarios. Lascaux fue frecuentada durante más de 15.000 años.

Fue el momento de la historia en que, a excepción del actual, el ser humano se adentró bajo tierra a mayor distancia equiparable hasta una hora de marcha.

Las pinturas representan animales (caballos, bisontes, íbices, mamuts, rinocerontes, grandes felinos) agrupados según reglas determinadas: estas cuevas debían ser santuarios.

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Ciervos, oso y felino de Lascaux.

Existen también numerosos signos abstractos, y se han hallado huellas de pisadas y de rituales (hogueras, ofrendas, etc.).

La cueva de Lascaux, descubierta por cuatro niños en 1940, ha tenido que cerrarse, ya que la afluencia de público modificó las condiciones ambientales y se degradaron las pinturas.

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Escena del pozo. Es un accidente de caza en el que el hombre ha sido corneado por el rinoceronte que se aleja hacia la izquierda, o de la figura de un brujo en trance. La función del bisonte de la derecha y la del poste rematado por un ave es un misterio.

El arte parietal de las cavernas se interrumpió hacia el 10.000 a.J.C, cuando se produjo un calentamiento climático que transformó el medio tradicional de la sociedad magdaleniense.

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Cabezas de caballo y cabeza de toro. En las cuevas de Cassis, donde se hallaron estos caballos, se encuentran pinturas monócromas en negro. El toro, perteneciente a Lascaux, corresponde a la cuarta capa de dibujos (se han detectado hasta seis superposiciones)

¡Confío en que os haya resultado interesante!

 

LOS PUEBLOS FORTIFICADOS O BASTIDAS

Hoy nos acercamos a estos singulares enclaves medievales. Empecemos:

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Puerta de las dos Torres en Domne, en el Périgord. En el siglo XIV los reyes de Francia fortificaron sistemáticamente todas las bastidas susceptibles de resistir a los ingleses.

En el siglo XIII el suroeste de Francia se cubrió de nuevas poblaciones, totalmente creadas a voluntad de los príncipes. La Guerra de los Cien años interrumpió esta corriente.

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Fources, en el departamento de Gers. Bastida de plano circular construida alrededor de una plaza que constituye el núcleo de la vida urbana, en tanto que la parroquia queda descentrada.

Las primeras fundaciones, las “sauvetés”, databan del siglo XI, tiempo en que las abadías dieron impulso a las primeras roturaciones. Los más antiguos pueblos fortificados o bastidas, palabra que en occitano significa “construcciones”, se levantaron por el deseo del Conde de Tolosa después de 1229, para restaurar el poderío de sus territorios.

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Plaza gótica de la bastida inglesa de Monpazier (siglo XIII). Está en el centro del damero que dibuja la ciudad, un rectángulo de 400 metros por 220, compuesto por cinco series de manzanas divididas en callejuelas.

Su sucesor, el capeto Alfonso de Poitiers convirtió las bastidas en un instrumento de poder, con el objetivo de limitar el poder de los señores feudales y proteger sus fronteras, proporcionado a los campesinos seguridad y libertades al mismo tiempo.

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Plaza del Mercado en Domne, con la casa del gobernador. Como bastidas tenían una función comercial, la carta de la ciudad solía reglamentar sus ferias y mercados. Este mercado está rodeado por galerías cubiertas para instalar tenderetes. En el primer piso del mercado las ciudades guardaban los patrones de los pesos y medidas.

La fundación de una bastida comenzaba por un contrato de condominio entre un príncipe y una asociación de habitantes, que definía los derechos y futuros beneficios, reglamentaba la administración y establecía el plano de la futura población.

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Fachada de la casa del halconero mayor en Cordes (siglo XIV). El voladizo del tejado estaba decorado con halcones, de ahí le viene el nombre.

También se regían por contrato la vida comercial, las ferias y mercados y los peajes. Pero la mejor baza de aquellas nuevas poblaciones consistía en que “el aire de las bastidas le hacía a uno libre”, pues los siervos que acudían a ellas dejaban de estar atados a la tierra.

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Cordes, una de las más antiguas bastidas del suroeste francés, fundada en 1222 por el conde Raimundo VII de Tolosa. Situada sobre una colina que domina el valle del Cerou , podía cortar el paso por ahí.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

PHILIBERT DELORME

Hoy hablaremos de la obra de este arquitecto francés.

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Castillo de Écouen, cortesía de all free photos. El saledizo monumental fue construido por Jean Bullant, que se inspiró en el castillo de Anet de Delorme. Las cuatro columnas soportan un friso decorado con atributos guerreros. Hacia 1555.

Aunque la obra de Philibert Delorme (1510-1570) apenas haya sobrevivido al paso del tiempo- tan sólo la capilla de Anet permanece intacta- , aquel hijo y nieto de maestros de obras dejó una importante obra escrita: el Primer tomo de la arquitectura, donde por primera vez en Francia se unen experiencia y teoría.

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Chimenea de mármoles de colores del salón de Écouen. La victoria alada procede del taller de Jean Goujon. Hacia 1548.

El “arquitecto” ha de tener conocimientos técnicos y talento, pero también es preciso que sepa algo de filosofía, matemáticas e historia para justificar lo que hace…saber distinguir la naturaleza de los lugares, las partes del mundo, la calidad de las aguas, las regiones, el régimen de propiedades de los vientos, la nobleza de las maderas, la tierra y los elementos naturales que conforman las piedras…

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La capilla del castillo de Anet. Imagen cortesía de all free photos. La fachada, muy simple, oculta un exterior circular de una gran pureza, ampliado por los arcos y la cúpula. Hacia 1552.

Philibert Delorme recibió encargos del papa, de Diana de Poitiers y, bajo la protección de Enrique II, construyó Limours, Anet, Montceaux, Sain-Germain-en-Laye…

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El portal de Anet no tiene precedente. Delorme supo crear una arquitectura monumental sin referirse al renacimiento italiano. Hacia 1552.

María de Médicis, consciente de su genio, le encargó grandes proyectos. Delorme, además de teórico de las proporciones y maestro de la escuela clásica junto con Pierre Lescot y Jean Goujon, fue también un innovador técnico, ya que sustituyó las enormes piezas de madera utilizadas en las armaduras de gran envergadura por un ensamblaje de piezas de expresión reducida.

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Pavimento de la capilla de Anet. Imagen cortesía de alamy stock photo. El diseño, influido por el mosaico romano, se compone de arcos en círculo que reproducen con precisión la proyección de los cánones de la cúpula. 1549-1552.

Para mí ha sido el gran descubrimiento de la semana. ¡Confío que para vosotros también!

LAS MUY RICAS HORAS DEL DUQUE DE BERRY

Estos maravillosos libros tienen una historia muy interesante. Hoy trataré de acercaros a ella:

A finales de la Edad Media, la afición a la lectura fue en aumento; el libro se convirtió en un objeto de uso privado, mientras que la piedad era cada vez más una cosa individual.

©Photo. R.M.N. / R.-G. Ojéda

El mes de mayo. El Señor y su dama llevan largos ropajes propios de la nobleza. La dama monta a la mujeriega un caballo que amblea, es decir, que levanta las dos patas del mismo lado para dar mas estabilidad a la amazona. Museo Condé, Chantilly.

Así, el libro de horas, cuyas oraciones acompañaban al cristiano durante el día, servía también para dividir el tiempo (así se explica la abundancia de calendarios en esta clase de libros).

Pero en la biblioteca del príncipe, el libro, sobre todo el libro de horas, era también una joya y una obra de arte, prueba de la magnificencia del propietario. Lo demuestran las cubiertas que solían estar adornadas por piedras preciosas, placas de marfil o de orfebrería, y sobre todo la riqueza de las miniaturas.

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Enero. El duque de Berry da un banquete . La vajilla es de oro, pero los comensales comen con los dedos. Museo Condé. Chantilly.

Además los príncipes intercambiaban, como regalo de Año Nuevo, estos libros que llevaban sus armas, a las que glorificaban con su esplendor. Este mecenazgo no era desinteresado, sino que tenía una función política.

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Noviembre. El porquero lleva un rebaño de cerdos a pastar bellotas en el bosque comunal. A final de mes algunos cerdos están sacrificados, despedazados y salados. La de cerdo será la única carne que comerán los campesinos. Museo Condé, Chantilly.

Juan de Berry fue uno de los más suntuosos entre estos príncipes y reunió prodigiosos tesoros en sus castillos, todos destruidos pero representados, como el de Mehun-sur-Yèvre, en las Miniaturas de Las muy ricas horas.

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El mes de septiembre. Los vendimiadores trabajan delante del castillo de Saumur. Cada una de las doce miniaturas del calendario ilustra las actividades de los campesinos y representa uno de los castillos del Duque de Berry. 1411-1416. Museo de Chantilly.

El duque dio trabajo a los más destacados artistas de su tiempo (como los hermanos Paul y Jean de Limbourg, sus pintores oficiales entre 1409 y 1416) que arrebató a precio de oro a la casa de Borgoña y envió a Italia para que se perfeccionaran.

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El duque de Berry parte de viaje. Las Pequeñas horas eran el libro de oraciones que el duque gustaba de llevar consigo en sus numerosos desplazamientos. Hacia el año 1413 se le añadieron plegarias para los viajeros. Hacia 1388 o 1402. Biblioteca Nacional. París.

Una manifestación escrita de una belleza sublime en sus ilustraciones.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

BURDEOS, LA CIUDAD DE LAS LUCES

Desde finales del reinado de Luis XIV hasta la Revolución, Burdeos conoció la expansión urbana más notable del siglo XVIII y su población se duplicó. El gran comercio con las islas y el comercio del vino labraron la prosperidad de la ciudad y de sus notables.

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La Plaza de la Bolsa, organizada de 1730 a 1755, constituye un magnífico conjunto arquitectónico, enmarcado por los muelles.

Este éxito contribuyó a la metamorfosis de Burdeos: el bienestar y el lujo se hicieron evidentes, como en los numerosos palacetes construidos según la moda neoclásica por ricos comerciantes, pero también por revolucionarios y parlamentarios, o por los propietarios de los viñedos, la otra aristocracia de la ciudad.

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Escalera del hotel Fonfréde, cortesía de alarmy stock photo. Es uno de los edificios del arquitecto Victor Louis, que residió en Burdeos de 1773 a 1780, a petición del mariscal de Richelieu. La ciudad debe su fisonomía actual, a pesar de su grandioso proyecto de remodelación del emplazamiento del castillo Trompette, nunca llegó a realizarse

La metamorfosis se vio facilitada por la administración real. A pesar de la hostilidad municipal, el intendente de Guyena, Tourny remodeló una parte del paisaje urbano. Unió el barrio de Chartrons, reservado a los negociantes extranjeros, a la ciudad con un jardín que se convirtió en un lugar de paseo. El centro de gravedad de Burdeos se desplazó de este modo en dirección a Chartrons.

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El Gran Teatro, construido por Victor Louis de 1773 a 1780 fue considerado un gran éxito, hasta el punto de que Garnier se inspiró en el para la opera de París, recgiendo sobre todo la idea de la doble escalera y de la cúpula.

Tourny se interesó también por la fachada de la orilla del Garona y estableció un plan de alineación a lo largo del cual los negociantes fueron construyendo sus casas.

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La columnata del gran Teatro cuenta con doce estatuas que representan a musas y diosas

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Palacio Labottiére. El embellecimiento de Burdeos en el siglo XVIII no sólo se debió a la iniciativa de los intendentes, ya que numerosos propietarios de viñas o ricos mercaderes se hicieron construir en la ciudad espléndidas residencias particulares.

Plazas, amplias avenidas, teatro, paseos y jardines, completaron armónicamente la remodelación de la ciudad.

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Puerto y Faro de Burdeos

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA MODA DE EGIPTO

Egipto se puso de moda en el siglo XIX. Nos aproximaremos a la repercusión que tuvo el arte de este mágico país en Francia:

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Interior del templo del Oeste de Tebas, lámina de la Descripción de Egipto de Vivant Denon y Geoffroy Saint-Hilaire

La campaña de Egipto y la repercusión de la batalla de las Pirámides provocaron un brote de egiptomanía entre los franceses de principios del siglo XIX. El estilo “regreso de Egipto” hizo furor en el mobiliario, la arquitectura, las telas, la orfebrería y la joyería.

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Jarrón dorado y pintado procedente de las Tullerías. Museo del Louvre, París.

Se utilizaban esfinges y obeliscos en la decoración, y en la platería se grababan jeroglíficos, tanto más atractivos cuanto que nadie sabía aún descifrarlos.

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Efectos positivos de la conquista: los sabios que acompañaron a Bonaparte descubrieron una prestigiosa civilización. !822. Henri- Joseph Redoute. Biblioteca Nacional. París.

Aquel gusto por el Egipto de los faraones se alimentó en la obra de Vivant Denon, un grabador y diplomático que participó en la expedición de Bonaparte y describió las curiosidades arqueológicas y etnográficas que pudo observar.

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Los candelabros estilo egipcio, muy solicitados, enriquecieron a los broncistas. Época del Imperio. Colección particular.

El éxito del libro animó a Napoleón a enviar a Egipto a dos comisiones de sabios para hacer el recuento de todos los monumentos existentes.

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Pieza de vajilla estilo “regreso de Egipto”, de motivos delicados, utilizada por Napoleón en las Tullerías y en Santa Elena. 1819. Manufactura de Sevres. Museo del Louvre París.

En nueve volúmenes de texto y once de láminas de dibujos, la vasta Descripción, recopilación de las observaciones e investigaciones realizadas en Egipto contiene un inventario completo de todo lo que los franceses descubrieron en aquel fascinante país.

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Napoleón consultando un mapa, apoyado en un mueble de estilo egipcio. 1809. Charles-Stanislas Canlers. Colección particular.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

JEAN FOUQUET, UN GRAN PINTOR FRANCÉS

Hoy hablaremos de este gran pintor francés:

El retrato, género que dio fama a Jean Fouquet, no era del todo ajeno a los artistas de Francia. Sin embargo el arte francés parecía rezagado respecto a la evolución de Italia a Flandes.

 

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Autorretrato en un medallón de Jean Fouquet. Se ha considerado como el primer ejemplo de “retrato redondo”, que iba a desarrollarse durante el siglo XVI.

Jean Fouquet, tras formarse en la escuela francesa de la miniatura, muy influida por los flamencos, hacia 1446 fué a Italia, donde se dedico al retrato y ejecutó el del Papa Eugenio IV.fouaquet1

Pietà de Nouans . LA representación en el cuadro del donante -el canónigo situado a la derecha_ en compañía de su santo patrón fue un rasgo característico de la piedad de mediados del siglo XV.

Su original técnica tomó de los artistas flamencos un procedimiento de iluminación lateral que proporcionaba un intenso contraste dinámico a ambos lados del cuadro y aplastaba el fondo, impidiendo la perspectiva.

 

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Virgen con el Niño del Díptico de Melún. La Virgen está representada con los rasgos de Agnes Sorel, la amante de Carlos VII y la primera de las grandes favoritas de la historia de Francia.

De este modo el cuadro resultaba plano y contrastado. Fouquet optó por una representación de medio cuerpo, que le dejaba un espacio para minuciosas decoraciones que no podían sino complacer a un miniaturista como él.

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Las Horas de Etiénne Chevàlier. Este fue el único manuscrito totalmente pintado por Jean Fouquet. Su estilo indica que lo realizó al regresar de Italia.

Este espacio le permitió también desarrollar una “monumentalidad” ausente en el retrato flamenco, pero el artista lo utilizó sobre todo para dejar constancia del rango social del modelo.

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Díptico de Melún. (hoja izquierda). San Esteban presenta a Étienne Chevalier, consejero del rey, a la Virgen con el Niño. El Santo, conforme a la tradición, lleva el evangelio y una piedra, en recuerdo de su lapidación.

Así pues Fouquet representó la insignia del Toisón de Oro en los bustos de Felipe el Bueno y de Carlos el Temerario.

Jean Fouquet, pese a que fue nombrado pintor real sólo tres o cuatro años antes de su muerte, creó la tradición del retrato cortesano oficial.

A mí me fascina su obra. ¡Espero que os haya gustado!