DURERO GRABADOR EN LA BIBLIOTECA NACIONAL. PRÓXIMA CITA CULTURAL

Buenas tardes a todos.

Tras visitar Pompeya el Domingo os emplazo a nuestra siguiente actividad que tendrá lugar la semana próxima.

Además visitaremos el Museo del Libro, situado en la misma Biblioteca.

Espero que os guste!Durero invitación

EL LEGADO VÁREZ FISA EN EL MUSEO DEL PRADO. UNA GENEROSA DONACIÓN

abadBuenos días a todos. Recientemente ha tenido lugar en el Museo del Prado una donación en extremo generosa llevada a cabo por el coleccionista José Luis Várez y su esposa, Milagros Benegas. Dicha donación significa ni más ni menos que, a partir del momento en que las obras entran en el Museo del Prado pasan a pertenecer al Estado. Dicho desprendimiento honra a este matrimonio de coleccionistas, que no hacen sino enriquecer de forma significativa la colección medieval de la Institución.

Milagros Benegas, José Luis Várez, Mariano Rajoy, Miguel Zugaza y José Pedro Pérez Llorca.

Fotografía del matrimonio con el presidente Rajoy, el Director Zugaza y José Pedro Pérez Llorca.

No es la primera vez que donan parte de su patrimonio, ya que el Prado disfruta de dos obras que legaron anteriormente. Así pues, en cierto modo, se convierten en deudores ante ellos.

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La incorporación de este conjunto a los fondos del Museo contribuye a paliar algunas de las carencias de esta parte de la colección y ayuda a enriquecer y complementar otros estilos o autores ya representados. Conforme a lo estipulado en el acuerdo de donación, la colección se expondrá en una sala bajo el nombre “Sala Várez Fisa”, en reconocimiento a los donantes. Es la primera vez que una Sala del Museo se dedica ex profeso a alguien.

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Moneo está siendo el artífice de la creación de la nueva sala, como no podía ser de otra manera. Para ello se encuentra adaptando uno de los techos del Museo al artesonado leonés del año 1350,que es una de las obras donadas.

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Dicho artesonado de Coyanza se hallaba perdido hasta 1929. Ignoramos de qué modo se hicieron con él los Várez Fisa, pero es un hecho afortunado que se pueda admirar dentro de los muros del mejor Museo del mundo.

Voy a mostraros también un fragmento del mismo, para que apreciéis mejor la belleza que encierra.

Bajo la incomparable hermosura de dicho artesonado, sus bellas danzantes y sus caballeros guerreando, se cobijará  el resto de la donación.

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La Virgen de Tobed, de Jaume Serra.

El estilo italogótico caracterizó la obra de este pintor y sus hermanos, influidos en especial por la escuela de Siena,  influencia por otra parte dominante en la pintura catalana del siglo XIV. Los hermanos Serra se caracterizan por la pintura de figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña. Jaume difundió en particular un modelo de Virgen de la Humildad, lactante, entronizada con donante a un lado y de carácter funerario. En el caso de la de Tobed el donante es el futuro rey Enrique de Trastámara.

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Virgen Entronizada con el Niño. Gil de Siloe. Siglo XV. Alabastro con restos de policromía y dorado.

Gil de Siloé es una de las máximas figuras de la escultura hispánica, y europea por extensión, del siglo XV, cuando las formas del gótico postrero, hibridadas por las del arte mudéjar y las influencias flamencas de tipo flamígero  dieron origen al estilo gótico isabelino, exclusivo de España, del que Gil de Siloé es representante emblemático. Su estilo es recargado, decorativista y muy minucioso, dotado de un extraordinario virtuosismo técnico. Su hijo, Diego de Siloé, será pieza clave en el Renacimiento.

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Retablo de San Juan Bautista. Anónimo. Último cuarto del siglo XIII, León. Madera tallada y policromada.

Este original retablo nos muestra en distintas escenas la vida de San Juan Bautista, como si de un cómic se tratara, cobijada cada una de ellas por una arquería trilobulada de influencia árabe claramente idealizada, con esa miríada de torreones y almenas .Hay que tener en cuenta que, en aquel entonces el arte tenía una misión claramente didáctica, ya que la mayoría de la población no sabía leer ni escribir.

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Retablo de la Virgen. Maestro de Torralba. Primera mitad del siglo XV. Temple sobre tabla.

Su estilo es el gótico internacional, sabia síntesis entre las influencias italianas presentes en la época con la pintura franco/flamenca que se estaba extendiendo a través de los maravillosos libros de horas iluminados en miniatura. El lenguaje es ornamentado, minucioso, fantasioso, con una profusión de figuras, u “horror vacui”.

La perspectiva empleada es la caballera, en registros superpuestos, incidiendo en lo anecdótico a través de colores brillantes. Los fondos de oro modulan el color e iluminan las escenas.

 

El Lavatorio. Maestro de San Esteve de Andorra. 1216 – 1220. Pintura mural traspasada a lienzo.lavatorio

Esta obra entraña una dificultad enorme, al haber sido levantada de su emplazamiento original a un lienzo con el método  del strappo (arranque en español) tan sólo se separa del muro la materia pictórica. Se pierde en profundidad, pero al ser la perspectiva plana se puede asumir el riesgo de realizarlo con éxito.

Dentro de una gama cromática plana, y simple y con un cierto movimiento observado en los pliegues en zig zag  se narra esta bíblica escena.

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San Antonio Abad. Joan Reixach. 1440 – 1450. Temple sobre tabla.

Fué un pintor gótico valenciano que gozó de una excelente reputación. Su estilo se encuadra en el gótico internacional, aunque ya se observa la cercanía a los postulados renacentistas de la perspectiva. El representado, San Antonio, fué modelo de vida eremítica.  En la teología, colocar los animales junto a la figura de un cristiano era decir que esa persona había entrado en la vida bienaventurada, esto es, en el Cielo, puesto que dominaba la creación, de ahí la figura del cerdo que le acompaña.

 

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Frontal con escenas de la infancia de Cristo. Pintor castellano (La Rioja). Primer tercio del siglo XIII. Temple sobre tabla.

Maravilloso frontal en la línea de esos inicios del gótico que se estaban viviendo. Unas figuras que ya parecen estar en movimiento se cobijan bajo los arcos que separan esta representación cristalina de las escenas de la infancia de Jesús: la Adoración de los Magos y Jesús departiendo entre los doctores en Jerusalén.

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Frontal de Solanllong (Ripoll) Maestro de Lluça. 1200 – 1210. Tempera sobre tabla.

Hallado en la ermita cercana a la masía de Solanllong, en la comarca de Ripoll, se halló un antipendio que está decorado con el que se rodea con los símbolos de los Evangelistas, las Marías ante el sepulcro, la aparición de Cristo a la Magdalena y la resurrección de Lázaro, escenas ubicadas en una disposición original que se aleja de la ortodoxia narrativa.

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San Gregorio el Grande y San Jerónimo. Pedro Berruguete. 1495 – 1500. Banco de un retablo, tabla.

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San Ambrosio y San Agustín. Pedro Berruguete. 1495 – 1500. Banco de un retablo, tabla.

Pedro Berruguete nació en Castilla  y sus primeras obras delatan este origen y su adscripción a los modos gotizantes que predominaban en el arte de la época. Su aprendizaje artístico es bastante desconocido. Se cree que marchó a pintar a Urbino, y que trabajó posteriormente para Isabel la Católica acabando sus días en Paredes de Nava. Fijaos cómo las figuras se salen de la adaptación tradicional al marco, sobre todo las mangas de los representados. Ya se percibe una captación más moderna.

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Cristo de Piedad con David y Jeremías. Diego de la Cruz. 1500. Óleo sobre tabla.

Diego de la Cruz fué un pintor hispano-flamenco afincado en Burgos. Su figura comenzó a ser valorada a partir de 1966. Su estilo se fue hispanizando progresivamente, no quedando en sus obras últimas ningún rastro de los suaves paisajes flamencos. Simultáneamente sus figuras presentan unos rasgos un tanto más duros, más afilados, característica propia del arte hispano. Se percibe claramente en los rostros de los personajes representados.

Várez Fisa, como hemos indicado anteriormente, ya donó al museo dos obras en anteriores ocasiones.

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Retablo de San Cristóbal. Anónimo. Escuela: Española. Cronología: Siglo XIV. Temple sobre tabla.

Pequeño retablo dividido en tres calles y tres cuerpos dedicado a San Cristóbal, protector contra la muerte súbita, que ocupa la calle central, rematada por la Crucifixión

San Cristóbal, mártir del siglo III recibió su apelativo, “portador de Cristo”, a raíz de su leyenda. Nacido con el nombre de Offerus o Réprobo, el santo quiso poner su enorme fuerza y descomunal tamaño al servicio del rey más poderoso de la Tierra, pero en todos halló grandes debilidades. En su búsqueda encontró un ermitaño que le habló de ofrecer sus dones a Cristo, le convirtió y le bautizó. Desde ese momento Cristóbal aceptó transportar a la gente de una orilla a otra de un caudaloso río como acto de devoción. Un día tuvo que llevar un Niño cuyo peso aumentaba a medida que se acercaban a la orilla. El Niño, interrogado por Cristóbal sobre el fenómeno, desveló su identidad como Cristo respondiendo que Él era el amo del Universo y sobre Él recaía todo su peso. Como prueba de ello, mandó que el santo clavara en el cauce del río el bastón en el que se apoyaba y de él milagrosamente nació una palmera. ¡Qué ingenua representación del agua que, llena de peces, circunda las piernas del Santo!

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San Cristóbal aparece representado sosteniendo con su brazo izquierdo una piedra de molino, como prueba de su fuerza extraordinaria, y apoyándose en la milagrosa vara. Sobre él se sienta el Niño Jesús sosteniendo la bola del Mundo dividida en tierra, cielo y agua

En las calles laterales aparecen escenas de las vidas y martirios de otros santos: San Pedro, San Blas y San Millán, identificados con sus nombres en las molduras que los separan, y un ángel turiferario -portador de un incensario- en el remate.

Perteneciente al estilo francogótico o gótico lineal, propio de la pintura castellana del siglo XIV, el artista ha mantenido la perspectiva jerárquica en las figuras destacando especialmente la calidad del dibujo.

Un maravilloso remate para un legado de importancia trascendental para la historia del arte medieval, y para su nuevo continente, el Museo del Prado. Cuando queráis vamos a verla!

VAN DYCK: UN GENIO ENORME DENTRO DE UN JOVEN PINTOR

Acabo de volver del Museo del Prado, donde he estado degustando la versatilidad e ingenio de un joven cuya trascendencia es enorme. Me estoy refiriendo claro está a Van Dyck, uno de los más importantes pintores del XVII.

Tuvo la mala suerte el muchacho de nacer y trabajar en Amberes en vida de Peter Paul Rubens, y por ende, de ser comparado eternamente con el genial maestro, cuya trayectoria no sólo ensombreció a nuestro protagonista, sino también al resto de pintores de su época (y hubo muchos)

Aunque nació toda una generación más tarde que aquel, lo sobrevivió solamente un año; así pues nos encontramos con el hecho de que desarrolló toda su precoz carrera en paralelo al Rubens maduro.

Adoración de los Magos. Rubens.

Su genio evolucionó, pues, en colaboración o competencia con el de Rubens; pero se podría decir que, así como Van Dyck se benefició del influjo de este, se puede decir exactamente lo mismo a la inversa. Fué , pues, una simbiosis enormemente positiva.

La producción de Van Dyck no cuenta con la variedad asombrosa en materia pictórica como la que Rubens utiliza en vida; pero, por ejemplo en pintura mitológica o religiosa no le va a la zaga en cuanto a calidad e invención; podemos incluso afirmar que en el campo del retrato lo supera. Quizá nos encontramos con el mejor retratista que ha dado nunca el mundo occidental.

Nació Van Dyck un 22 de marzo de 1599 ( coetáneo de Velázquez, que vino al mundo un 6 de junio del mismo año). Fue hijo de un próspero mercader de sedas y otras telas, que, a su vez, había heredado el negocio de su padre.

Miembro de una numerosa familia, queda huérfano de madre a los 8 años, ello no fué obstáculo en la estrecha relación que siempre le unió a su familia, especialmente a sus hermanas.

Su aprendizaje tuvo lugar en el estudio de Hendrick Van Balen, con quien permaneció cinco años y a quien debe gran parte de su preparación técnica.

Al calor de ese aprendizaje nacen de sus pinceles sus primeras obras conocidas. Entre ellas está el retrato que, a modo de introducción en la muestra nos saluda en la entrada. Fué pintado cuando el autor contaba 14 años de edad. Es impresionante cómo dentro de un cuadro tan pequeño, está condensada la esencia del pintor, sobre todo en esa introspección psicológica, intimista, que tiene en el citado cuadro.

La perfección en la realización del cabello es absoluta.

A los 16 años ya era independiente, aunque, según parece entre esa edad y los 18 formó parte del taller de Rubens, recién llegado entonces de uno de sus viajes a Italia. Había pintado ya La Adoración de los Reyes Magos, y se vé algo más que admiración en las obras de Van Dyck de aquel entonces.

Entre 1618 y 1620, fecha en la que Van Dyck parte para Inglaterra, esa relación se afianza, y es durante ese lapso de tiempo cuando se confirma la preferencia de Rubens por el joven.

Pinta en esa época con una técnica propia, más abocetada y fuerte que la del Rubens de entonces. Hace que sus pinceles dancen libremente por el lienzo con una enorme libertad pictórica.

Su técnica se basa en la veneciana, que conocerá a través de la colección de Rubens, y que utilizará de modo intuitivo; optando desde el principio por el lienzo como soporte, cuya trama irregular se presta más a la rotundidad de la pincelada. Rubens seguirá decantándose por la tabla, que origina un resultado más liso, más plano, de diferente luminosidad.

Anthony Van Dyck at the National Portrait Gallery

Es Van Dyck especialmente sensible, y se observa durante todo el recorrido expositivo, captando las emociones del alma humana, que expresa con enorme profundidad y finura.

Su pintura religiosa destila un patetismo, una humanidad, que conmueven al espectador.

Por ejemplo en su Martirio de San Pedro, una de sus pinturas religiosas más notables y de mayor tamaño. Atestigua su admiración y absorción al mismo tiempo de la pintura italiana. Combina magistralmente el realismo de Caravaggio con el brillante colorido y la pincelada suelta de Tiziano. Es de una enorme fuerza expresiva y artística, pese a lo apabullante de su juventud.

En un pintor casi niño se funden la composición equilibrada, la fuerza de su realismo y la intensidad emocional.

Uno de los cuadros más impactantes es la Coronación de Espinas. De él existen varios estudios preliminares de los cuales quedan 7.

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La versión final es una sobria composición, evoca la redondez de la corona mediante la disposición de sayones y soldados alrededor de un Cristo resignado, con elegante ademán.

Sorprende de Van Dyck que cada personaje que aparece en sus obras constituye un retrato individual en sí mismo.

Este se encontraba en la Colección de Rubens. Tenía una Almoneda que era un tesoro, llena de obras de Tiziano, Tintoretto, Veronés…a su muerte uno de los que más obra salvó de dicha colección fué el rey Felipe IV.

Impactante es el Prendimiento, también procedente de la Almoneda.

 

Un espectacular claroscuro nos remite a Tiziano y Tintoretto. El carácter de la obra es vivaz, espontáneo, pese a su enorme tamaño cada retazo del lienzo está primorosamente trabajado.

La cabeza de Cristo es de elegantes proporciones, además de uno de los puntos que irradian más luz . Está impregnado de una gran espiritualidad, la expresión con que mira a Judas Iscariote es enormemente compasiva. Todo un sutil abanico de emociones que llevan a devoción.

También nos ha impresionado La serpiente de metal, que trata con especial énfasis la reconciliación con la divinidad que el episodio implica,y a diferencia de otras pinturas, no contiene más que figuras que abrazan la salvación.

fué considerado prefiguración de la Crucifixión de Cristo. También puede sugerir un retorno de la comunidad protestante al seno de la Iglesia Católica.

Entre los estudios preparatorios, en los que hemos visto cabezas de hombres en parejas, destaca una cabeza de mujer, de formas que remiten a Rubens, pero dotado de una forma y expresión pictórica inconcebibles en aquel.

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Sansón y Dalila nos ha impresionado también. A diferencia de Rubens, que realizó su versión en el momento en que Dalila languidece, Van Dyck escoge el instante previo. Ella no tiene nada de amoroso, sino que se muestra en tensión, fruto de la cautela necesaria para el triunfo.

Cambia además el oscuro contexto palaciego por un espacio abierto, que aparece en prácticamente todas sus obras. En él brillan los colores del cielo y las lujosas ropas de Dalila. Su conocimiento de sedas y brocados, fruto del trabajo de su padre, se hacen claramente patentes.

Impresionan también, el retrato de Cornelis van der Gest, negociante de especias, y según reza el cuadro, agente inmobiliario( cosa que a María y a mí nos ha resultado de lo mas chocante). En apariencia se trata sólamente de una cabeza con gorguera blanca, pero crea una imcomparable sensación de vida.Su mirada inteligente e inquisitiva, sus labios entreabiertos, sugieren una abierta comunicación con el espectador.

He aquí la imagen del inquietante caballero.

El dominio técnico es aquí prodigioso, la tez sonrosada, los ojos húmedos, las canas del pelo y la barba..le dan una verosimilitud nunca alcanzada hasta entonces.

Su retrato de familia es fantástico.La silla y la mano del hombre en ademán de movimiento suponen cierta ruptura con la idea de retrato estático. Dá sensación de inestabilidad, que se vé potenciada por la proximidad de las figuras al plano pictórico. La niña y su pose mirando hacia atrás conecta las dos figuras, y dá sensación de movimiento. La única que permanece estable es la madre. El colorido es vivo y profundo.

Susana Fourment y su hija, son un  perfecto ejemplo del retrato que luego cultivaría en Italia. Dos figuras de cuerpo entero se enmarcan en un amplio cortinaje y en un entorno arquitectónico abierto a un paisaje. Su carácter es monumental, combinando la gracia de la expresión de la niña y la calidez en la relación maternal.

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Adolece todo el retrato de la exquisitez y elegancia que subyugaron a Roma.

Ya en Inglaterra, destaca el Retrato de Isabella Brandt. Primera esposa de Rubens, Van Dyck la pintó para él. Su tamaño es grande, y destaca la imponente arquitectura de la entrada supuesta al jardín de Rubens, que había ordenado este diseño italiano para su casa. La mujer no es una gran belleza. discreta y de porte sereno, murió años después.

 

En fin toda una sinfonía de estilos y temática, tan poliédrica como apasionante la trayectoria corta pero enormemente fructífera de un grandísimo artista, que permaneció siempre joven, y dejó su alma en la factura impecable e hipnótica de sus retratos.

Queda un mes para que la disfrutéis. Recomiendo la visita. Además el marco es incomparable. ¡Disfrutadla!

CUANDO UN COCIDO TIENTA A UN REY HABLAMOS DE LA TABERNA DE LA BOLA

¡ Menuda sobremesa de lujo disfrutamos ayer en la Taberna de la Bola! Es un lugar esencial de Madrid, si hablamos de buena gastronomía; pero es que, además, tiene la particularidad de contar entre los miembros que allí trabajan con personas realmente encantadoras, que se vuelcan con el cliente; todo ello sustentado por una tradición y una historia que convierten esta taberna en un lugar imprescindible. Hagamos la crónica:

El lugar está situado en la Calle de la Bola:

No está claro el origen del nombre de la calle ya que existen varias versiones. La primera de ellas habla de la existencia de una bola de piedra que hacía las funciones de guardacantón, para preservar la esquina del edificio de los carruajes, algo común en aquella época.

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La otra, quizás algo más legendaria, cuenta que en ese lugar existía un juego de bolos y, para señalarlo, había una bola colgada a la entrada de la calle. Parece que un día de viento la bola fue desplazada hasta el mismo Alcázar rompiendo los cristales de la habitación del príncipe don Baltasar.

El Palacio en aquella época.

El caso es que existía allí una botillería frecuentada por obreros y estudiantes; hasta 1870, fecha en que “La Rayúa”, una asturiana de pro, auténtica matriarca de esta dinastía de los Verdasco, decidió hacer lo que se le daba a la perfección, dar de comer a su familia, a un nivel superior. Recuperó los zócalos de madera del antiguo establecimiento, le dio lustre y barniz y montó el local que hoy, afortunadamente sigue en pie.

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En la prensa fue muy valorada desde su inauguración, hace ya más de un siglo Entonces existían tres tipos de cocido: a las doce del mediodía el que valía 1.25 pesetas, y que se destinaba a los obreros y empleados, que tenían su hora de almorzar más temprano; a la una de la tarde uno más sustancioso que ya llevaba gallina y costaba 1.25 pesetas, era el que preferían oficinistas y estudiantes, y a partir de las dos el que ya contaba con carne y tocino entre sus ingredientes, y era el que elegían periodistas y senadores.

Una bella imagen del local tal como está actualmente.

El que nosotros comimos os puedo asegurar que era del último tipo, pero de eso hablaré más adelante.

Una cosa era sabida de todos: la predilección que sentía Isabel II, conocida como “La Chata” por el manjar servido en barro. Era relativamente frecuente ver aparcado en el lugar el Carruaje Real que venía de Palacio a recoger los pucheros, tanto para ella como para su hermano Alfonso XII, que también se hizo fan incondicional; así como también Alfonso XIII.

¿Que porqué se servía en barro? Muy sencillo, a la creadora de la taberna le pareció una práctica idea, ya que muchos días el establecimiento estaba tan lleno que muchos comensales tenían que dar cuenta del mismo en las aceras, y era más práctico que llevaran ahí la comida. Actualmente se conserva la tradición, cosa que me parece muy acertada, pues hay que mimar las buenas costumbres, como hace esta familia, tras cuatro generaciones.

He de decir que fuimos atendidos con un mimo extraordinario, cosa que se agradece infinitamente, y que te hace valorar el lugar de un modo integral, no sólo por la incuestionable calidad del producto que sirven, sino por cómo acompañan el servicio de la mesa.P1110802

Lo primero que te sirven es el plato hondo con los fideos. Al lado ya está la correspondiente cazuela de barro que, en ese momento vuelcan en el mismo. Los aromas que desprende el caldo, cocinados al calor de cuatro horas en las brasas del fuego de encina son indescriptibles.  Aquí pondré un vídeo en el que Loles, la jefa de cocina, nos explicó la forma de meter los ingredientes en el puchero para lograr la “obra maestra” Merece la pena que lo veáis. Ver Vídeo

Tras degustar una sopa en su punto, llena de esos matices que sólo proporcionan el mimo y el cocinar a fuego lento, como hacían nuestras abuelas, te vuelcan el puchero en el plato, enorme festín donde no falta el morcillo, el tocino, el chorizo, los garbanzos,  y después un remate de repollo que estaba de rechupete.

Y para colofón un amable camarero, llamado José Luis nos trajo  un buñuelo de manzana con helado de vainilla, que le iba como un guante como remate.

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En cuanto a Mara ,la cuarta generación de los Verdasco, ejerce de perfecta anfitriona, encantadora y totalmente atenta para que a nadie le falte nada,  una profesional como la copa de un pino, vaya, lo lleva en los genes, de eso no hay duda;

Decir que era un jueves, el primer turno y estaba lleno, lo cual habla por sí solo del buen estado de salud del que goza.

Si queréis gozar de un remate regio tras visitar el Madrid de los Austrias o el Madrid de la Gran Vía( la plaza de España está a un pasito) este, sin duda es el lugar, tanto para comer como para cenar. Saldréis encantados. Desde aquí deseo que sigan cosechando éxitos, sin duda los merecen!

UNA FANTÁSTICA VELADA DE MAGIA Y DUENDE EN EL CAFÉ DE CHINITAS

El pasado sábado tuvimos el privilegio de disfrutar de uno de los espectáculos con más magia de los que hemos presenciado en los últimos tiempos.

Muchos ríos de tinta habían corrido acerca de este emblemático lugar, y quería comprobar “in situ” como turista de mi propia ciudad cuál era ese poderoso hechizo que ha hecho de él escenario de las mejores figuras del flamenco, y el único lugar del mundo donde han estado tres reyes. Empezaré mi crónica, como viene siendo habitual haciendo un poco de historia:

El primer Café de Chinitas nació en Málaga, aproximadamente  hacia mitad del siglo pasado en una casa y una calle que ya no existen, absorbidas en las reformas urbanas realizadas para ensanchar la típica Alameda.

Aquí estuvo ubicado el primitivo local.

Junto con el Burrero de Sevilla fue uno de los cafés cantantes más conocido de aquel tiempo.

En pleno Romanticismo, el público del local era muy heterogéneo e iba desde el señorito aficionado de la ciudad y la gente de bronce del puerto, hasta los campesinos que ataviados con sus grandes capas y sus catites, presenciaban con estruendo de voces, gritos y aplausos, las actuaciones de sus bailaoras y cantaores favoritos.

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Antonio Molina en una imagen de la película que rodó en el malagueño café.

No se conoce exactamente el origen del nombre del local, mejor dicho, existen dos versiones distintas. Una de ellas señala que proviene de que el patio del café estaba pavimentado con piedrecillas de canto rodado o chinitas, y la otra que se refiere al comercio que por esos años se hacía, a través de puertos andaluces, con las colonias españolas de Extremo Oriente, es decir, Filipinas, de donde llegaron mujeres de la raza chonguitas -vulgarmente conocidad por las chinitas- a quienes les dio por frecuentar el establecimiento, lo que le valió a éste el nombre de Café de las chinitas, al que se suprimió posteriormente el artículo, como es costumbre en Andalucía.

Azulejo con poema de García Lorca, que frecuentaba el local

Una noche de verano de 1969 un grupo compuesto por representantes de dos grandes firmas de la hostelería madrileña (los hermanos Verdasco y los hermanos Heras) y un conocido periodista veían sentados en una terraza veraniega de Madrid el desfile de atracciones cuando se les ocurrió la feliz idea del novísimo tablao flamenco con cocina selecta, recuerdo evocador dignificado de los tablaos del siglo pasado, en el cual imperasen el buen gusto, la seriedad y el confort. A los pocos meses nacía el Café de Chinitas de Madrid, puesto en órbita con la colaboración especial de la gran bailaora, La Chunga.

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Morca y la Chunga en imagen de archivo.

El emplazamiento no puede ser más mágico. Cuando vas caminando por Torija no puedes siquiera adivinar la maravillosa arquitectura de este palacete “fantasma” que aparece como de la nada.

He aquí la imagen externa del Palacete del XVII donde está ubicado el Café.

Desde el principio te ves gratamente sorprendido por el ambiente que se respira , entre mesas cuidadosamente dispuestas para disfrutar de una oferta gastronómica de sabor mediterráneo, altamente recomendable. Nosotros en concreto disfrutamos de una deliciosa cecina, unas croquetas deliciosas y una paella mixta en su punto. Lo estupendo es poder combinar la cena con el espectáculo al mismo tiempo, teniendo además el local la particularidad que lo diferencia de los demás de admitir niños.

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Pedro nos atendió de maravilla, cuidando de todos los detalles. Desde estas líneas quisiera expresarle mi gratitud. Gracias a él descubrimos muchos secretos, tales como que encima vive Pitita Ridruejo, dueña del palacete en su totalidad.

También aprendí acerca de los componentes del cuadro flamenco, que eran unos auténticos maestros en su arte. Os los presento, porque no quisiera que nadie quede en el tintero:

Diego Llori, Tony Malla, Lorenza Flores, Pilar León, Victoria Duende, Antonia González (hija del pescaílla, hermana de Lolita y Rosario), Benjamín Carmona, Domingo Jiménez Borja, Ricardo Fernández del Moral, y Pepa Sampé.

   La hora y media que dura el espectáculo es un derroche de arte por los cuatro costados, hasta el punto de que se pasa volando. Había allí rusos, mejicanos, americanos…y es que es un lugar de parada obligada si uno se quiere ir de Madrid con la maleta repleta de las mejores experiencias.
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Tony Maya uno de los cantaores de más reconocido prestigio de España, lleva trabajando en el Café de Chinitas desde su apertura y ha trabajado con las más grandes figuras del flamenco en España, Lola Flores, La Chunga, Rocío Jurado… Ahora ha sacado un nuevo disco en el que colaboran artistas de la talla de Jose Mercé, Parrita, Lya y Piculabe. Es impresionante su dominio técnico y vocal, aparte del sentimiento que desgrana con cada nota emitida.
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 Diego Llori es uno de los artistas del flamenco más consagrados de nuestro tiempo. De estilo purista, recupera el baile con el capote, en el que parece mestizarse, hibridarse con un caballo, en una actuación que pone literalmente la piel de gallina.
   En fin, recomiendo vivísimamente esta experiencia, que le pone a uno los pelos de punta. Madrid tiene un paraíso de arte flamenco en este reducto situado al lado del Palacio Real.

HE AQUÍ LAS CITAS DEL RESTO DE FEBRERO. ¡RESERVAD HUECO!

Os dejo las reseñas definitivas de lo que podremos visitar durante el mes más corto del año.

Reservad hueco y nos vemos en ellas.

Precio mensual: 60 euros.

Invitación Espejos del AlmaInvitación impresionismo y aire libreInvitación de la Gran Vía

CAMBIO DE ACTIVIDAD: ANULADA LA VISITA DOMINICAL A LA CASA MUSEO DAURELLA.

Buenas noches:

Espero no trastornaros mucho, pero me veo obligada a cancelar la visita al espacio de Arte Catalán en Madrid, dado que los domingos cierran. La pospondré para mejor ocasión.

Ofrezco a cambio una interesante visita al universo creativo de María Blanchard en el Reina Sofía.

Espero que la encontréis interesante.

Gracias a todos y un saludo!Invitación María Blanchard

EL MADRID DEL PASEO DEL PRADO Y RECOLETOS.:DE CIUDAD DE LAS ARTES Y LAS CIENCIAS CON CARLOS III A MILLA DE ORO DEL ARTE ACTUAL

La verdad es que los que vivimos en Madrid a veces no somos conscientes de la importancia que tienen los dos paseos que arrancaron en el siglo XVIII el proyecto más ambicioso de Carlos III, conocido con el sobrenombre de “mejor alcalde de Madrid”.

Durante los primeros 50 años de reformas borbónicas, con Felipe V  y Fernando VI la ciudad ya había comenzado a “lavarse la cara”; se habían empezado a construir alcantarillados, y habían comenzado a iluminarse calles y edificios…estas reformas no serán completas hasta la llegada de Carlos III. El paseo del Prado, antiguo Prado de San Jerónimo es convertido en calle por orden real dada al arquitecto José de Hermosilla, quien empedra la calle y soterra el arroyo Valnegral, que pasaba por allí (venía de la Plaza de Castilla y desembocaba en el Manzanares, ¡señor arroyo era!)

La fuente de Atocha, con  puerta detrás( hoy tristemente desaparecida)

Esta fuente también se conoce con el nombre de fuente de la alcachofa. La que está actualmente es una copia, estando la original dentro del Parque del Retiro. Su cuerpo bajo lo constituyen dos figuras, hombre y mujer, bajo la forma de tritones de la mitología clásica. El primer cuerpo está formado por una taza, cubierta de hojas y flanqueada por angelotes, y en la cúspide la alcachofa, a la que se atribuyó en tiempos de Felipe IV una milagrosa curación de unas fuertes anginas. Además tiene propiedades diuréticas.

El esquema de esta zona de la ciudad, que el rey quería dedicar íntegra a las artes y las ciencias, tendría una parte central arbolada y peatonal, y dos calles laterales, de subida y de bajada, dividida en tres sectores divididos por las fuentes: Atocha, San Jerónimo, y San Martín.

El edificio que hoy cobija el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía fué el primitivo Hospital de San Carlos, el primero que se crea en Madrid para estudiar al hombre. Está situado en las afueras por razones sanitarias( estaba prohibido tener dichos centros dentro de la ciudad por el temor al contagio de las distintas enfermedades que albergaban). Se concibió como edificio moderno, con clases de medicina, Cátedra para profesores y estudiantes, y estaba dotado del cercano Jardín Botánico para la farmacia del lugar.

Imagen del primitivo Hospital.

Finalmente sólo se edifica una tercera parte de lo proyectado( no es de extrañar, era un macroproyecto que superaba en espacio al Palacio Real), y se abren en él tres instituciones novedosas: el laboratorio de mineralogía, el de química, y otro de cirugía, con permiso legal para diseccionar e investigar cadáveres.

Hoy día es el Museo referente del arte contemporáneo de la ciudad, y alberga, entre otras la exposición de María Blanchard, altamente recomendable, y, a partir de primavera la muestra más ambiciosa que de Dalí se ha visto en Madrid.

Unos pasos mas allá Carlos III construye otro edificio para el estudio sistemático de las ciencias naturales: el Jardín Botánico.. Ya en tiempos de Felipe II hubo uno en Aranjuez, y con Fernando Vi en la Carretera el Pardo; la novedad de Carlos III estuvo en construirlo dentro de la ciudad, ¿con qué motivo? con el de acercar la ciencia al pueblo, por eso se hizo visible desde la calle.

El edificio es del arquitecto Juan de Villanueva y del jardinero del rey, Casimiro del Valle. La verja exterior, auténtica obra de arte, pertenece a Francisco Arrillaga y Pedro José de Muñoz.

 

El Jardín Botánico

El desnivel existente en el terreno donde se edificó se salvó por medio de tres terrazas:

En la superior se construye el edificio de trabajo y la Cátedra de Botánica, donde clasificaban y dibujaban las plantas para que ninguna se perdiera.

Las dos inferiores se subdividen en 12 cuadrados independientes con su fuente y acequias propias. En ellos se colocan las plantas por familias, según las clasificó Linneo, eminente botánico italiano. Se trajeron plantas procedentes de las colonias; siendo la dalia mexicana la primera vez que se cultiva en España.

En 1808 se vé enriquecida la colección por los paquetes de semillas que proceden de Europa, aproximadamente 7.500.

Conocer los usos, tanto médicos como industriales de la plantas era fundamental para el comercio. Para ello Carlos III dio licencias de solicitud gratis (otro avance)

Imagen del edificio de trabajo con el busto de Linneo en primer plano.

Frente al idílico botánico se yergue otro jardín, el Vertical de Patrick Blank, en la acera de enfrente. Forma parte del espacio más moderno del Paseo, el edificio de CaixaFórum Madrid, una de las grandes obras del estudio de arquitectos suizos Herzog &de Meurón, que reaprovecharon una autentica estación eléctrica sobre la que se encuentra el Centro Cultural.

Hoy día cobija la Exposición Torres y rascacielos, de Babel a Dubai, o el ansia del ser humano de llegar a lo mas alto.

Continuamos caminando y nos encontramos con el Padre de todos nuestros Museos, El Museo Nacional del Prado. Le preceden cuatro fuentes idénticas, con niños y tritones.

En un principio fué concebido por Carlos III como Museo de Ciencias Naturales. Le pidió al arquitecto, Juan de Villanueva un 3 en 1: Laboratorio de ciencias Naturales, Academia de Ciencias Naturales y Museo. Era un absoluto apasionado de las ciencias, y poseía una gran colección de objetos de la más variada índole. Villanueva realiza:

1) La fachada que da al Jardín Botánico( más tarde conocida como la de Murillo, por la escultura que la preside) y que correspondería al laboratorio en orden corintio, símbolo del trabajo. En su interior habría un patio a la izquierda, hacia el norte se ubicarían las zonas de paso y el almacén, y a la derecha las salas abovedadas con las mesas de trabajo.

Puerta de Murillo.

2) La fachada principal correspondería al edificio de la Academia, perpendicular al paseo y retranqueada. De volúmenes cuadrados, estilo dórico toscano, el más rotundo y sencillo, recuerda al Partenón de Atenea, diosa de la sabiduría.

Y en la segunda planta se aprecia el jónico, relacionado con el mundo divino.

El “Partenón” madrileño.

3) Puerta del “Museo de Ciencias Naturales” Su fachada es diferente, y modificada por el desnivel del terreno. Llegaba directamente a la segunda planta del edificio principal. Su orden es el jónico, y el eje N-S forma un gran arco, para la gran galería donde se ubicarían los objetos.

Puerta de Goya.

Mas la mujer de Fernando VII, Isabel de Braganza, decide cambiar la función primitiva del edificio y decide colocar aquí la Pinacoteca que albergue las colecciones reales, al hilo de lo que entonces se estaba llevando a cabo en Europa.  Era importante exhibir el espíritu ilustrado de la corte española.

Actualmente alberga dos de las exposiciones mas relevantes de la temporada: El paisajista Martín Rico, y El joven Van Dyck.

Importante es constatar que en el Madrid de los Austrias no había un espacio con empaque para pasear, ver y ser visto, las calles eran estrechas, lo cual dificultaba enormemente la vida social al aire libre. Por ello el tramo de paseo a partir de este punto está concebido a modo de gran sala de reunión, de hecho se le conocía como Salón del Prado. Su recorrido era elíptico, y recuerda a un hipódromo…en fin, se había convertido en un enclave primordial en la capital.

Las damas paseaban en coche o a pie elegantemente ataviadas, y los caballeros acudían allí a cortejarlas.

Se construyeron muchos Palacios allí, el de Xifré, el que ocupaba el actual Hotel Palace, o el de Villahermosa, sede actual del Museo Thyssen Bornemisza. Dicha institución es vital, y convierte esta zona de Madrid en la de máxima concentración de obras de arte del mundo: El Reina Sofía y su oferta contemporánea, el Museo del Prado y su oferta medieval, renacentista, barroca y neoclásica…ven cubiertas sus “lagunas” con la oferta de la colección privada de arte más completa del mundo.

Imagen de archivo del antiguo Palacio Xifré

En estos momentos nos brinda la ocasión de viajar a lo exótico con Gauguin, y de recrear la vista con el arte de Cartier.

Esta plaza tan vital está adornada por la Fuente de Neptuno, dios del mar, relacionado con los triunfos del Atlético de Madrid.

En el siglo XIX la burguesía sigue manteniendo este espacio como centro mercantil y financiero de la ciudad. Aquí encontramos el edificio de La Bolsa, de Repuchés y Vargas. En él se hace un homenaje a Villanueva. Su pórtico de tres cuerpos es igual al del Observatorio Astronómico Nacional

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Edificio de la Bolsa

El proyecto inicial de Ventura Rodríguez  era poner un edificio comercial de lujo en la Plaza de la Bolsa. Desafortunadamente parece que los acontecimientos acaecidos durante el levantamiento del dos de mayo cambiaron radicalmente la funcionalidad de la zona. Aquí depositaron los cadáveres para escarnio de sus familias, así que lo que encontramos es un obelisco y el Monumento al soldado desconocido.

En el centro de este trecho se halla la Fuente de Apolo, que en la mitología es el dios de la razón.

Bella imagen de Apolo con su lira. Hace alusión al paso de las estaciones esta curiosa sucesión, tras Neptuno, y antes de Cibeles.

Siguiendo camino hallamos otro museo imprescindible: el Museo Naval, altamente recomendable.

Actualmente en “No fueron solos  exhibe la admirable gesta de las mujeres que acompañaron a los descubridores y colonizadores del Nuevo Mundo.

Llegamos en nuestro recorrido a la plaza de Cibeles, donde se encuentra la Fuente dedicada a la diosa de la tierra, y donde celebra sus triunfos el Real Madrid

Además está el Palacio de las Comunicaciones, obra de Palacios y Otamendi de imponente factura, que era conocido popularmente como “la catedral” por los madrileños. Actualmente alberga la sede del Ayuntamiento de Madrid, y exhibe El legado de la Casa de Alba, su primera exposición.

La continuación del Paseo del Prado, el Paseo de Recoletos, sigue siendo la arteria más importante del Madrid de Carlos III, se llama así por la comunidad de Agustinos Recoletos que tenían su convento y huertos aquí.

Destaca sobre todo la Biblioteca Nacional, obra de Jareño, que alberga exposiciones de alto interés. Una de las que se pueden visitar actualmente es El alegre ruido del jazz.

Fachada de la Biblioteca.

Detrás tiene adosado el Museo Arqueológico Nacional, cuya reapertura es inminente.

Frente a la Biblioteca tienen lugar las exposiciones temporales de la Fundación Mapfre. Actualmente están Los retratos del Centro Pompidou, y Gaultier.

Los jardines del Descubrimiento marcan un punto de inflexión en nuestro recorrido. A su derecha el Barrio de Salamanca( ya hablé de él) y a partir de ellos la Castellana… corazón financiero de la ciudad que nunca duerme .Como Colón, descubriremos qué hay más allá de ellos en otros posts.

¿Os habéis dado cuenta de cómo se puede disfrutar enormemente de estas dos arterias vitales de nuestra ciudad, y de la amplia y rica oferta cultural que exhiben sus maravillosos museos? Merece la pena tomarse un tiempo los día libres para recorrer este pedazo de historia hecha piedra, fuentes, jardines tradicionales y modernos, historia, y vida…¡la que seguimos edificando nosotros en ellas!

LAS MENINAS DE VELÁZQUEZ: UNA APROXIMACIÓN( DE TANTAS QUE HA TENIDO LA OBRA MAESTRA)

Desde pequeña el cuadro de Las Meninas ha ejercido una poderosa atracción sobre mí. La primera vez que acudí a verlo, acompañada por mis padres, que siempre cultivaron esa faceta cultural y artística en nosotros( dando sus frutos en mi posterior vocación), quedé impactada por esa infanta rubia de aspecto frágil, casi irreal.

Hoy quiero rendirle un tributo particular desde aquí. Espero que sea ilustrativo para los que me leéis.

Las Meninas es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez, y es una de las obras en que puso un mayor empeño para crear a la vez una composición compleja y creíble, que trasmitiera al espectador esa sensación de vida y realidad. Pero no nos confundamos, la obra encierra una densa red de significados.

Desde que el tratadista Fernando Palomino le dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles, nunca ha perdido el estatus de obra maestra. Gracias a él sabemos muchas cosas:

1. Se pintó en 1656 en el cuarto del príncipe del Alcázar de Madrid, es este, pues el escenario de la acción.

2.Se identifica fácilmente a todos los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita: doña Maria Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, “meninas”, esto es, mujeres de corta edad que entraban al servicio de la reina.

3. Como novedad el pintor aparece en la escena que está pintando. Y lo hace con la Cruz de Santiago, propósito que acarició largamente, hasta conseguirlo gracias al rey Felipe IV.

El autor presente en la obra. Fué el primero que lo hizo.

4. Aparecen los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, quien, con apariencia de niño, azuza a un mastín. Detrás la dama de honor, doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas,y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador de palacio.

5. En el espejo( elemento típicamente barroco) se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria; son los padres de la infanta y los testigos de la escena.

El espejo, profusamente utilizado en el Barroco, aliado del engañoso efecto visual que reflejaba

Habitan los personajes un espacio modelado, no sólo mediante las leyes de la perspectiva “científica”, sino también de la perspectiva aérea, gran logro pictórico de Velázquez. Ésta se consigue de modo magistral mediante la multiplicación de las fuentes de luz.

Tiene Las meninas un significado inmediato, accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo, realizado en un espacio concreto, protagonizado por personajes identificables, que realizan acciones comprensibles.

Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles, de extraordinaria belleza, se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo; que fué una de las metas de la pintura moderna en la Edad Moderna, ha ido más allá de la trasmisión del “parecido” y ha buscado con éxito la representación de la “vida”, o animación, en la espontaneidad que se trasluce en la actitud de cada personaje.

Maravilloso detalle, prefigura la fotografía, ¿No os parece?

Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en que la infanta y su séquito interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados que pertenecen a diferentes campos de experiencia, y la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental, que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones.

Existe, por ejemplo una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión, llena la obra de significado político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, encarnados en el pintor o en los cuadros que cuelgan de las paredes del fondo; la presencia del espejo convierte al cuadro en una reflexión sobre el acto de ver, haciendo que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación sobre los límites entre la pintura y la realidad, y sobre su propio papel dentro del cuadro.

 

Es esa riqueza y variedad de contenidos, y su compleja composición y diversidad de acciones la que hace de Las Meninas un “retrato” en que debido a las estrategias que utiliza en él Velázquez se persiguen unos objetivos que lo trascienden…

Quede constancia pues, del profundo respeto que me merece Velázquez. Hoy día millones de turistas japoneses y chinos se agolpan alrededor a la caza de la mejor instantánea. Se lo merece, ¿No creéis?