MIGUEL ANGEL

Hoy hablaremos de este pintor eterno:

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El Juicio Final. Vision terrorífica de una humanidad enfrentada a un juez implacable, este fresco da testimonio de las angustias de Miguel Ángel que compartía con muchos cristianos de su tiempo. 1536-1541. Capilla Sixtina. Palacio del Vaticano, Roma.

Nacido en 1475 en Caprese, Michelangelo Buonarroti, llamado Miguel Ángel, poseía todos los dones: escultor, pintor, arquitecto, ingeniero y poeta, encarnó, en su persona y en su arte al humanista cristiano que, rindiendo culto a la belleza, magnificó el genio y la sensibilidad humanas a través de sus obras.

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La creación del hombre. Mediante un célebre gesto, el Padre eterno da la vida a Adan, representado en la plenitud de la belleza y el vigor de la juventud. 1508-1512. Capilla Sixtina. Palacio del Vaticano, Roma

A finales del siglo XV, la presión de los Habsburgo se hacía sentir cada vez más en Italia, y la crisis religiosa perturbaba los espíritus. La salvación del alma constituía el centro de las preocupaciones intelectuales y artísticas de Miguel Ángel, que empezó a trabajar en Florencia en la década de 1490.

Allí pudo oir la predicación de Savonarola y esculpió, además de la Pietá, conservada actualmente en San Pedro de Roma, el gran David de mármol, demostrando notables conocimientos de anatomía.

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El profeta Zacarías. Los frescos de la Sixtina están consagrados a la historia de la humanidad desde la creación hasta el fin del mundo. 1508-1512. Capilla Sixtina, Palacio del Vaticano, Roma.

En 1505 el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su mausoleo, pero el impresionante proyecto se suspendió al año siguiente.

No obstante en 1508 Julio II volvió a llamarlo para que decorase la bóveda de la Capilla Sixtina: se trata de un fresco gigantesco que el artista concluyó en 1512. Pero en aquella época Rafael se convirtió en el pintor oficial del papado, y Miguel Ángel prefirió regresar a Florencia.

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La Sibila de Delfos. Las sibilas, profetisas paganas, predijeron al parecer, la venida de Cristo, de ahí su presencia en una capilla. 1508-1512. Capilla Sixtina. Palacio del Vaticano. Roma

No volvió hasta 1534 a Roma, donde permaneció hasta su muerte en 1564, y pintó el Juicio Final (pared del fondo de la Capilla Sixtina) para el nuevo Papa, Paulo III.

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El David rompe con las tradiciones del Renacimiento florentino y anuncia el barroco. La larga carrera de Miguel Ángel muestra por sí sola la evolución del arte italiano desde el quatrocento hasta el manierismo. 1501-1504. Galería de la Academia, Roma.

A mí me sigue sobrecogiendo su obra, inmortal en el tiempo y en el arte.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

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LOS RETRATOS DE FAYUM

Hoy nos aproximaremos a estas manifestaciones artísticas apasionantes. Empecemos:

Un lago inmenso, semejante a un mar interior en medio del desierto, situado a 100 kilómetros al suroeste de El Cairo, era para los antiguos egipcios, la prueba de la existencia del Nun, el océano original, mientras Heródoto atribuía su paternidad a un soberano mítico.

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Retrato funerario de hombre. Con los retratos de Fayum, la tradición funeraria egipcia aportó su conribución al arte de Próximo oriente de comienzos de la era cristiana. La enorme expresividad de estos rostros preludia el arte copto y guarda similitud con lo que más tarde será el icono bizantino. Siglo II d.J.C. British Museum, Londres.

El lago fué secándose, y la depresión de Fayum es la zona más fértil de Egipto; desde el tiempo de los faraones está unida al valle del Nilo por antiguas esclusas y los canales de Fayum y los del Nilo se comunican por norias y molinos.

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Retrato de una joven. Los 600 retratos hallados en Fayum son de una calidad desigual. Este, particularmente cuidado, es de un sorprendente realismo. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

En los lagos pantanosos, el faraón se dedicaba a la pesca y a la caza. El dios local era el cocodrilo Sebek, venerado hasta la época romana y la región atraía a numerosos peregrinos.

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Retrato funerario de mujer sobre momia. Estos retratos que reemplazan las máscaras mortuorias de los antiguos egipcios están depositados junto a las momias o incorporados mediante bandas. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

Tolomeo II Filadelfo fundó en ella numerosas ciudades y fué precisamente allí donde unos siglos más tarde, los habitantes de la ciudad de Sedit o Cocodrilópolis, hoy Madinat-al-Fayyum, rompieron las antiguas costumbres funerarias: en una necrópolis cercana a la ciudad se hallaron centenares de retratos, colocados como máscaras mortuorias sobre las momias del siglo I a.J.C. al siglo IV d.J.C.

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Retrato funerario de mujer. Pintura a la encáustica sobre madera. Siglos I-IV d.J.C. Museo del Louvre, París.

El rostro de los difuntos se pintaba sobre lienzo al temple o a la encáustica, según técnicas griegas, pero con un estilo que recuerda a los mosaicos romanos.

A mí me fascina el verismo y la modernidad que se aprecia en ellos.

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Retratos funerarios en las momias de dos niños. Siglos I-IV d.J.C. Museo egipcio, Berlín.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LOS ICONOS

Hoy hablaré de esta maravillosa expresión artística de Rusia. Empecemos:

Los iconos aparecieron en los primeros tiempos del cristianismo para ilustrar la enseñanza religiosa, pero poco a poco llegaron a convertirse en auténticos objetos de culto.

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Virgen de Yaroslav. este icono pertenece al grupo de las “Vírgenes de la Misericordia”, una de cuyas características es la ternura con que el Niño se arrebuja contra su madre. Siglos XIII-XIV. Colección Ostrojov, Moscú.

Así las imágenes de santos vinieron a sustituir a las del emperador, por aquel entonces el único mediador entre Dios y los hombres.

Los emperadores del siglo VIII, para recuperar ese puesto clave y reagrupar en torno a sí todas las energías , impulsaron la iconoclastia. Los 113 años de lucha sobre las imágenes se terminaron con la victoria de los iconódulos (“adoradores de imágenes”).

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San Jorge matando al dragón. Los iconos de santos dan testimonio de la deificación del hombre, llamado a resucitar en Cristo. Rostov. Rusia.

Pero también el culto de los iconos cobró justas proporciones y, en adelante, consistió en simple veneración.

A partir de entonces, los iconos se desarrollaron libremente. En las iglesias, el santuario se ocultó de la vista de los fieles mediante el iconostasio, un cancel con varias puertas decoradas con iconos.

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La Trinidad de Rubliov. Los tres ángeles en torno al cáliz eucarístico evocan a los tres hombres a quien recibió Abraham. Siglo XV. Galería Tretiakov, Moscú.

Los iconos, que además de pintarse sobre tabla, se esculpían sobre marfil o piedras blandas como la esteatita, representaban grandes escenas, como la crucifixión.

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La Crucifixión. Imagen cortesía de http://www.ortodoxy-icons. Pertenece al Tesoro de la Basílica de San Marcos de Venecia.Se trajo este icono de la toma de Constantinopla.  Siglo XII-XIII. Venecia.

Muchos de ellos, sin embargo, se consagraron a la Virgen.

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La catedral de la Dormición. Imagen cortesía de all-free-photos. Construida en 1158. Andrei Rubliov decoró su interior en 1408. En los muros y bóvedas se han conservado parte de los frescos del pintor.. Vladimir. Rusia.

La influencia bizantina en el arte eslavo, se realizó  través de los iconos sobre todo en Rusia (Virgen de Vladimir).

El artista ruso Andrei Rubliov fué el pintor de iconos más importante de los siglos XIV y XV.

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San Gregorio Nacianceno , San Juan Crisóstomo y San Basilio el Grande, padres evangelizadores de la Capadocia, centro de difusión del cristianismo en Asia Menor.

A mí me parecen fascinantes.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

WILLIAM HOGARTH

Hoy haré una semblanza de este gran pintor británico, que rompió moldes en la pintura de su país.

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El último episodio de las Elecciones: el triunfo del candidato conservador. La presencia de saltimbanquis y animales convierte en ridículo este desfile victorioso. 1754. Soane Museum, Londres

Por sus dotes de caricaturista y su crítica de las costumbres de la época, el pintor y grabador Hogarth hizo de su obra una denuncia de los defectos de la sociedad durante el reinado de los Hannover.

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Autorretrato. El artista a sus sesenta años estaba en el apogeo de su carrera. Criticó a la sociedad incluso al pintar temas de encargo. Hacia 1757. The National Portrait Gallery of London.

Cuatro estampas sobre una elección (1755-1758) describen mucho mejor que una largo discurso las prácticas por aquel entonces banales de la corrupción electoral.

¿Cómo situar políticamente a este artista moralizador?. Todo parecía vinculado a los whigs, sin embargo después de 1760 se convirtió en un partidario incondicional de Jorge III.

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Pelea de gallos. Esta diversión popular interesaba también a los grandes señores. Las apuestas y las risas eran frecuentes. Colección particular.

¿Oportunismo? No sólo. Hogarth se mostró también hostil a los Estuardo y a sus partidarios. El cosmopolitismo no formaba parte de sus valores: encantado de haber nacido inglés y no francés o, lo que era aún peor, irlandés, lo declara sin tapujos en su obra En la puerta de Calais.

Hogarth, interesado por difundir ampliamente su obra, fue ante todo un grabador.

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Gin Lane, el callejón de la Ginebra o los bajos fondos, destino final de una prostituta, tema de una serie de cuadros perdidos. Los grabados de Hogarth, ampliamente difundidos, le dieron popularidad. 1751. Biblioteca Nacional, París.

En su obra teórica El análisis de la belleza (1753) desarrolló una tesis original, según la cual la línea tiene que ganar por la mano al color.

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Después de la boda, el segundo de los cuadros de la serie del Casamiento a la moda, que refleja el fracaso total de un matrimonio por interés. Tras una noche de fiesta, los jóvenes esposos se encuentran con una casa descuidada y unos criados negligentes. 1742-1744 National Gallery, Londres.

Enamorado del arabesco, afirmaba que la belleza, tanto en el arte como en la naturaleza, se halla en la línea sinuosa que concilia la recta y la curva.

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La vendedora de quisquillas, muy diferente de las series satíricas, muestra la libertad de ejecución del pintor que en esta obra supera a sus contemporáneos franceses por la frescura y espontaneidad de su trazo. 1759. National Portrait Gallery, Londres.

Todo un personaje, que rompió moldes en la sociedad en la que vivió.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA GRAN PINTURA GÓTICA EN CATALUÑA

Hablaremos hoy de este período fundamental en la historia del arte catalán.

 

Si la vinculación de Cataluña con el mundo mediterráneo hizo a la pintura catalana permeable a la influencia del Trecento italiano, como se advierte en la obra de Ferrer Bassá , la plena, la plena inserción de este país facilitó la llegada del llamado “gótico internacional”, de la mano de Lluis Borrassà (muerto hacia 1426).

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Personajes de la Tabla de la Crucifixión del retablo de San Pedro, por Lluis Borrassà, caracterizado por la valoración de lo expresivo y la introducción de detalles en el llamado “gótico internacional”. Hacia 1411. Iglesia de Santa María. Terrassa.

Sin embargo fue Bernat Martorell (muerto en 1452) el mejor representante de este movimiento. Su obra, no exenta de cierto arcaísmo de raíces italianizantes, cuenta con piezas extraordinarias, como el retablo de San Jorge (hacia 1425-1437).

Con Lluis Dalmau penetró en Cataluña el estilo flamenco; la influencia que ejerció Jan Van Eyck sobre Dalmau es perceptible en el retablo de los Consellers (1445), donde la composición y los tipos son plenamente flamencos.

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Retablo de los Consellers. El pintor representó aquí a los donantes de la obra: los consejeros (consellers) o magistrados de Barcelona, protegidos por Santa Eulalia y San Andrés. 1445. Lluis Dalmau. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

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Dos consellers del retablo de Lluis Dalmau: Ramón Vall y Antoni de Villatorta, de quienes el artista llevó a cabo penetrantes y realistas retratos

Jaime Huguet (hacia 1415-1492), adscrito a esta tendencia, es la figura cumbre del arte catalán del siglo XV. En él destacan la naturalidad en la representación de la figura humana, así como la acertada individualización de los personajes por medio de sus rasgos físicos y de la expresión. Huguet es autor, entre otras obras de una famosa tabla de San Jorge y de los retablos de San Vicente (hacia 1450-1460), de San Abdón y San Senén (1459-1460) y del Condestable Pedro de Portugal.

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Martirio de San Vicente: los ángeles apagan la hoguera encendida a los pies del Santo. Hacia 1450-1460. Jaime Huguet. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

A mí me parece fascinante.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

LA PINTURA EN VENECIA

Vamos a aproximarnos a las manifestaciones artísticas que hicieron de la ciudad de los canales todo un referente de su tiempo:

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Fantasía arquitectónica, imagen cortesía de alamy stock photo. Sucesor de Canaletto, Francesco Guardi tenía un sentido de la atmósfera más delicado. Hacia 1777. National Gallery, Londres.

Durante siglos Italia fué la guía de Europa en la pintura. En el siglo XVIII, Venecia retomó la antorcha cuya llama vacilaba.

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El Gran Canal. Una de las numerosas vistas de Venecia realizadas por Canaletto, pintor muy apreciado por el público británico. Hacia 1750. Pinacoteca de Brera, Milán.

Tiépolo, el maestro más destacado de la ciudad, se consagró a una pintura esencialmente decorativa y recuperó la tradición del Veronés, el gran pintor veneciano del siglo XVII.

En pleno apogeo de la exhuberancia barroca trabajó la luz para obtener efectos de perspectiva. El éxito de Tiépolo fue internacional, y pintó en Milán, Udine, Wützburg y Madrid, donde murió en 1770.

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Dresde y el puente de Augusto desde la orilla derecha del Elba. 1748-1750. Bernardo Bellotto. Galería Nacional de Irlanda, Dublin.

Otros pintores compatriotas suyos descubrieron el realismo. Giovanni Antonio Canal, llamado el Canaletto, y su sobrino Bernardo Bellotto pintaron numerosas vistas de Venecia.

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El Rinoceronte. Una de las más famosas, ingenuas y pintorescas obras de Pietro Longhi. 1751. Ca´Rezonicco, Venecia.

Canal era un ilustrado que empezó a utilizar una cámara óptica con el fin de reproducir la realidad de la manera más exacta posible. Entre Tiépolo y él había todo un mundo: el del positivismo del siglo XVIII.

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El sacamuelas. Pietro Longhi supo plasmar cualquier aspecto de la vida cotidiana de Venecia sin dejar de lado el humor. Hacia 1750. Pinacoteca de Brera, Milán.

Un artículo breve, pero espero que interesante. A partir del verano impondrán en Venecia restricciones para turistas para evitar que la ciudad, como han asegurado sus representantes culturales “pierda su alma” ¿Qué opináis?

DADAÍSMO Y VANGUARDIA

Hablaremos hoy de esta vanguardia crucial y su enmarque histórico:

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Parada amorosa. Imagen cortesía de arteHistoria. El movimiento dadá asimiló al hombre moderno a una máquina. El surrealismo no andaba lejos- 1917. Francis Picabia. Colección Morton Neumann, Chicago

El conflicto mundial asestó un duro golpe al florecimiento artístico y a la efervescencia de ideas anteriores a la guerra. Sin embargo también incitó a los artistas a expresarse: en 1915 nació en Zurich el movimiento dadá como reacción a lo absurdo de la guerra.

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El espíritu de nuestro tiempo. La provocación ácida y la burla sangrienta fueron las manifestaciones del movimiento dadá contra su época. 1919. Raul Hausmann. Museo Nacional de arte moderno. París

Un grupo de artistas exiliados como Tristán Tzara, su objetivo era destruir las distintas corrientes creativas para dar paso a otras formas de arte con materiales plásticos.

La inspiración tenía que proceder de una explosión del inconsciente y la sinrazón. El dadaísmo nació para “recordar que existen mas allá de la guerra y de las patrias, hombres independientes que viven de otros ideales”.

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Retrato de Tristán Tzara, fundador del movimiento dadá, que proponía un total rechazo a las formas tradicionales del arte y que tuvo su apogeo en París entre 1920 y 1923. 1923. Sonia Delaunay. London Gallery. Londres

Exposiciones y manifiestos se propagaron por Nueva York con el pintor Picabia. Algunos artistas hallaron su experiencia en los combates de una nueva fuente de inspiración.

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Leger pasó del cubismo a un cierto plasticismo. Estas cubiertas evocan los Caligramas de Apollinaire. 1919. Colección particular

El poeta Guillaume Apollinaire, herido e intoxicado por gases en el frente, escribió sus Caligramas en 1917. El pintor Fernand Léger, también víctima de los gases escribía desde el frente a su mujer Jeanne :”No hay nada más cubista que una guerra como esta, que divide mejor o peor a un hombre en varios trozos y lo manda a los cuatro puntos cardinales”

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Retrato de Apollinaire, obra premonitoria en la que el poeta figura en segundo plano con la marca exacta del obús que le alcanzará en 1916. 1914. Giorgio de Chirico. Museo Nacional de Arte Moderno, París

A mi me parece de vital importancia dicha corriente artística.

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Mucho se ha escrito sobre el artista sevillano. Yo haré mi particular aproximación.

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, nacido en 1599, firmó todas sus obras con el apellido de su madre, Jerónima Velázquez. En 1617, tras cinco años de formación, abrió un taller en Sevilla.

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Los borrachos o el Triunfo de Baco. Los personajes de corte picaresco de la derecha contrastan con la ingenuidad al estilo de Rubens de los de la izquierda. 1628-1629. Museo del Prado, Madrid.

Su reputación llegó hasta Madrid, y fue el Conde-Duque de Olivares, primera autoridad el Estado después del rey, quien le invitó a la capital en 1623, donde el pintor realizó el retrato de Felipe IV.

La reacción de éste fue inmediata: “No quiero otro pintor que no sea Diego Velázquez”. Aquel retrato sería la primera de una larga serie de obras maestras. Durante 40 años Velázquez fue el pintor oficial de la familia real, a pesar de que dejara España en dos ocasiones, a fin de visitar Italia.

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Felipe IV armado con un león a sus pies. Velázquez puso en práctica los consejos de su maestro Pacheco, que le enseñó a utilizar los colores vivos y la pincelada suelta y libre. La influencia de Rubens le ayudó a perfeccionar esta técnica. Hacia 1652. Museo del Prado, Madrid

Hasta su muerte, en Agosto de 1660, una profunda amistad unió a aquel al que en Madrid llamaban “el sevillano”, con Felipe IV.

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La infanta doña Margarita de Austria. La princesa, que fue retratada por Velázquez en repetidas ocasiones, desde los 3 a los 9 años de edad, se casará con su tío, el emperador germánico. Hacia 1660. Museo del Prado. Madrid.

Velázquez dio una imagen penetrante de aquella sociedad cortesana de la España del siglo XVII, regida por una etiqueta implacable. Sólo la grotesca aparición de los bufones gesticulantes y de los enanos favoritos recordaba la vanidad de aquel teatro de las apariencias.

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El bufón Don Sebastián de Morra. Velázquez pintó 83 retratos de la familia real y 60 de cortesanos y bufones. 1642-1644. Museo del Prado, Madrid

Su impronta sigue indeleble en el imaginario creativo de muchos artistas contemporáneos. A mí me fascina su genio, y lo avanzado de su creación, introduciendo la atmósfera y el movimiento casi impresionista en sus composiciones.

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Las Meninas, la tela más famosa del maestro, representa la cumbre de la ilusión escenográfica de la pintura barroca. La pareja real, Felipe IV y Mariana de Austria, sólo aparecen reflejados en el espejo. 1656. Museo del Prado Madrid.

¡Larga vida al genio sevillano!

LOS ARTISTAS FLAMENCOS

Hoy nos aproximaremos a estos maravillosos artistas, cuya impronta sigue siendo inmortal en el arte. Empecemos:

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Tríptico de Portinari o de la Natividad (detalle). Los objetos más humildes, aunque representados con realismo, están cargados de luz y de poesía y simbolismo. 1475-1476. Hugo Van Der Goes. Galería de los Uffizzi. Florencia.

La suntuosa corte de Dijon acogió a numerosos artistas del norte: poetas, compositores como Johannes Ockenhem; escultores como Claus Sluter (su pozo de Moisés sigue fascinándome), y pintores como Van Der Weyden.

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El pozo de Moisés. Los retratos de Moisés y de los profetas son de un realismo impresionante. 1395-1405. Cartuja de Champmol, Dijon.

El mecenazgo de los duques reforzó la gloria de su dinastía y su poder político. Los artistas recibieron numerosos encargos y los notables, preocupados por su prestigio, mandaron pintar sus retratos.

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Descendimiento de la Cruz. El dorado del fondo resalta el dramatismo de las actitudes de los personajes. Siglo XV. Roger Van Der Weyden. Museo del Prado.

El pintor italiano Giorgio Vassari (1511-1574) atribuyó a Jan Van Eyck (1390-1441), “príncipe de los pintores del siglo”, la invención de la pintura al óleo (teoría cada vez más sólida y probada): el artista utilizaba una mezcla de clara de huevo y de color en polvo. La pintura, aplicada en empaste ligero, daba transparencia; con un empaste espeso, se conseguía un brillo de esmalte.

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La Fuente de la Gracia. Representa una alegoría de la Iglesia triunfante, la victoria de la Iglesia sobre la Sinagoga, con los ojos vendados. El cuadro, escalonado en varios planos, evoca las representaciones sacras de los Países Bajos. Siglo XV. Escuela de Van Eyck. Museo del Prado. Madrid.

En realidad la pintura al óleo es más antigua, pero Van Eyck mejoró su técnica y se convirtió en pintor oficial de la corte del duque de Borgoña Felipe el Bueno. Van Der Weyden, diez años más joven que él, dio a la pintura religiosa un despojamiento y un acento trágicos.

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Natividad. Adoración de los Reyes y Purificación. Una visión del mundo ordenada y serena que recuerda al Perugino. Hans Memling. Museo del Prado.

Ambos llevaron a su apogeo un arte que aunaba la expresión y el contenido simbólico. La siguiente generación- Petrus Christus, Dierik Bouts, Hans Memling, Hugo Van Der Goes- abordaría ya los temas relacionados con el espacio.

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El camino del Paraíso. Los elegidos guiados por un ángel se encaminan a recibir su recompensa. El artista se inspiró en Van Der Weyden y en Van Eyck. 1415-1475 Dierik Bouts. Museo de Bellas Artes Lille.

Es maravilloso perderse por sus creaciones que cuelgan de las paredes del Museo del Prado. Si queréis visita guiada estaré encantada de enseñaros sus secretos de mi mano.

¡Confío en que os haya gustado!

LOS HERMANOS LE NAIN

Hoy nos acercamos a las figuras de estos grandes pintores. Empecemos:

Contrariamente a una leyenda según la cual habrían sido ignorados hasta su redescubrimiento en el siglo XIX, los hermanos Le Nain conocieron en vida ya un gran éxito.

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Reunión de aficionados o La Academia. Es un retrato colectivo de hidalgos y eclesiásticos, miembros de una de las sociedades cultas que abundaban en París y en las ciudades de provincia. Anterior a 1640. Lienzo atribuido a Matthieu o a Louis Le Nain. Museo del Louvre, París.

Parece ser que Louis Le Nain tuvo un papel preponderante, y que Antoine y Matthieu fueron simples ejecutantes. Hijos de una familia de la región de Laon, los hermanos Le Nain se instalaron en Paris, en el barrio de Saint Germain-des-Prés en 1629.

Allí desplegaron una intensa actividad hasta 1648, año en que murieron dos de ellos: Antoine y Louis.

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La merienda. Una madre con sus hijos, que el pintor intentó recrear resaltando sus diferentes personalidades. El cántaro vidriado, el vaso de vino del adolescente y el hecho de que todos estén calzados son prueba de cierto desahogo. 1642. Antoine Le Nain, National Gallery. Londres.

A lo largo de toda su vida artística contaron con la protección del ayuntamiento parisiense, que les encargó un retrato colectivo del rey Luis XIII y de su corte, así como del medio devoto de Saint Germain y Saint Sulpice, que apreciaba sus numerosos cuadros religiosos.

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La carreta. La vuelta de la siega del heno. El pintor representó a niños saludables y a campesinos bien vestidos y bastante bien equipados, pero con una vivienda miserable: los hermanos Le Nain eran oriundos de la campiña picarda, asolada por la guerra. 1541. Louis Le Nain. Museo del Louvre, París.

Antoine fue admitido en la recién creada Academia de pintura, mientras Matthieu recibió en 1662 el collar de la orden de Saint Michel. Por desgracia muchos de sus lienzos se han perdido.

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La forja. Imagen cortesía de WahooArt.com. El cuadro que hizo pasar a la posteridad a los Le Nain es una escena de género quizás inspirada al pintor por su propia familia, entre cuyos miembros había numerosos herreros y cerrajeros. Hacia 1640. Louis Le Nain. Museo del Louvre. París.

Las obras más célebres son las escenas de la vida cotidiana, valiosos documentos de la sociedad de principios del siglo XVIII.

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Los jugadores de chanquete. Los trajes son los de la burguesía parisiense de mediados del siglo XVII. Siglo XVII. Matthieu Le Nain. Museo del Louvre, París.

¡Confío en que os haya resultado interesante!