LOS RETRATOS DE FAYUM

Hoy nos aproximaremos a estas manifestaciones artísticas apasionantes. Empecemos:

Un lago inmenso, semejante a un mar interior en medio del desierto, situado a 100 kilómetros al suroeste de El Cairo, era para los antiguos egipcios, la prueba de la existencia del Nun, el océano original, mientras Heródoto atribuía su paternidad a un soberano mítico.

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Retrato funerario de hombre. Con los retratos de Fayum, la tradición funeraria egipcia aportó su conribución al arte de Próximo oriente de comienzos de la era cristiana. La enorme expresividad de estos rostros preludia el arte copto y guarda similitud con lo que más tarde será el icono bizantino. Siglo II d.J.C. British Museum, Londres.

El lago fué secándose, y la depresión de Fayum es la zona más fértil de Egipto; desde el tiempo de los faraones está unida al valle del Nilo por antiguas esclusas y los canales de Fayum y los del Nilo se comunican por norias y molinos.

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Retrato de una joven. Los 600 retratos hallados en Fayum son de una calidad desigual. Este, particularmente cuidado, es de un sorprendente realismo. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

En los lagos pantanosos, el faraón se dedicaba a la pesca y a la caza. El dios local era el cocodrilo Sebek, venerado hasta la época romana y la región atraía a numerosos peregrinos.

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Retrato funerario de mujer sobre momia. Estos retratos que reemplazan las máscaras mortuorias de los antiguos egipcios están depositados junto a las momias o incorporados mediante bandas. Siglo II d.J.C. Museo del Louvre, París.

Tolomeo II Filadelfo fundó en ella numerosas ciudades y fué precisamente allí donde unos siglos más tarde, los habitantes de la ciudad de Sedit o Cocodrilópolis, hoy Madinat-al-Fayyum, rompieron las antiguas costumbres funerarias: en una necrópolis cercana a la ciudad se hallaron centenares de retratos, colocados como máscaras mortuorias sobre las momias del siglo I a.J.C. al siglo IV d.J.C.

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Retrato funerario de mujer. Pintura a la encáustica sobre madera. Siglos I-IV d.J.C. Museo del Louvre, París.

El rostro de los difuntos se pintaba sobre lienzo al temple o a la encáustica, según técnicas griegas, pero con un estilo que recuerda a los mosaicos romanos.

A mí me fascina el verismo y la modernidad que se aprecia en ellos.

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Retratos funerarios en las momias de dos niños. Siglos I-IV d.J.C. Museo egipcio, Berlín.

¡Confío en que os haya resultado interesante!

HANS HOLBEIN

Hoy nos aproximaremos a la figura de este pintor, esencial para entender la pintura inglesa de su tiempo.

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Nacido en Augsburgo hacia 1497, el pintor, dibujante y grabador Holbein el joven se inició en el taller de su padre. En 1519 se instaló en Basilea y fue acogido por la corporación de pintores de la ciudad, donde las luchas religiosas no favorecían, sin embargo el desarrollo de las artes.

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Por ello Holbein decidió, en 1532, establecerse en Inglaterra. El primer año fue difícil, pues su protector, Tomás Moro, había caído en desgracia.

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Holbein encontró su primera clientela entre sus compatriotas, los mercaderes alemanes, que ejercían una bullente actividad en la Inglaterra de su época. Dichos mercaderes encargaban su retrato el pintor para enviárselo a sus familias, de las que a menudo permanecían separados largos años.

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Sin embargo, a partir de 1533 Holbein reanudó al parecer sus contactos con la corte: en 1535 pintó el retrato de Ana Bolena y con ello se granjeó la estima del rey:” Sabed que yo puedo elevar a siete labriegos a la dignidad de conde., pero con siete condes no puedo hacer ni un sólo Holbein”, declaró en cierta ocasión Enrique VIII.

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Este insigne favor no estaba, sin embargo, exento de riesgos: tras la muerte de Juana Seymour, Holbein fue enviado de corte en corte para retratar a las esposas potenciales del monarca, quien durante seis meses soñó ante el retrato de Ana de Clèves. Pero cuando la joven llegó a Inglaterra, su decepción fue tal que poco faltó para que detuvieran al pintor por alta traición.

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Hans Holbein murió entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543 a los 45 años de edad. Se desconoce el lugar exacto de su tumba.

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Cultivó también el género de la miniatura.

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Alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas de personas y grupos, el detallismo de la piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, que no disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de dignidad de sus retratado.

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¡Confío en que os haya resultado interesante!

REMBRANDT, EL GENIO HOLANDÉS DEL RETRATO

Tenía pendiente hacer una semblanza sobre el genial holandés. Hoy me lanzo a escribir sobre él.

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Pintor y grabador, Rembrandt Hanmeszoon Van Rijn (1606-1669), a quien la posteridad llamó sólo por su nombre de pila, ya fue reconocido en vida como un gran artista, lo que le permitió alcanzar al principio un brillante éxito material y social.

 

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Sin embargo la Ronda de Noche, mal acogida por quienes se la habían encargado, marcó paradójicamente el inicio de las dificultades del pintor. Duelos, problemas financieros e incomprensión (su vida privada provocaba escándalo), fueron la constante de sus últimos años, e imprimieron amargura en los retratos que Rembrandt ejecutó hasta su vejez, (se cuentan 62 en total)

 

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Su abundante obra, unas 400 pinturas y 300 grabados, revela una técnica muy segura, que no deja de admirarnos a través de los siglos. La perfección del dibujo, el retrato introspectivo y psicológico de los personajes retratados, la iridiscencia de los colores, el dominio maestro del claroscuro…todo estuvo al servicio de una mirada que busca la verdad auténtica y profunda de cada ser retratado.

 

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Fué el primero en reivindicar la importancia del retrato colectivo, lo cual vemos magistralmente reflejado en su Lección de anatomía, o en Los síndicos de los pañeros.

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Las dos mujeres que amaron y apoyaron a Rembrandt: Saskia, su primera esposa, y Hendrickje, la compañera de sus últimos años, le inspiraron unas figuras femeninas muy bellas, tiernas, cercanas y a la vez misteriosas.

Hoy rendimos en este pequeño relato homenaje más que merecido al artista que utilizó el recurso de la luz para subrayar su naturaleza en esencia inquieta.

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Confío en que os haya resultado interesante

ALBERTO DURERO: UN ALEMÁN DEL RENACIMIENTO

Cuando he leído la prensa esta mañana dos natalicios importantes han aparecido ante mis ojos: el nacimiento un día como hoy de 1527 de Felipe II, bajo cuyo histórico reinado España se convirtió en un gran Imperio, y el de Alberto Durero en Nüremberg en 1471, ciudad a la que su padre, orfebre originario de Hungría había emigrado.

Como lo mío es el arte, hablaré de este último, que ejerció un poderoso hechizo sobre mí en una muestra que hubo en 2005 acerca de las obras que de él custodia la Albertina de Viena, y que viajaron de un modo excepcional al Museo del Prado.

¡ Qué prodigiosa representación de unas manos, tema tan difícil de captar con esta perfección!

 

Decíamos que su padre había llegado a la capital de Franconia, atraído por la prosperidad de que gozaba la ciudad. Y no se equivocó; fruto de su decisión la  familia disfrutó de un rango social de cierto nivel, por encima del de los artesanos, lo que permitió a Durero relacionarse desde muy joven con los círculos de intelectuales y humanistas, de los que surgieron más tarde algunos de sus principales clientes.

Su formación artística como orfebre incrementó el desarrollo de sus extraordinarias facultades para la observación y la minuciosidad. Sus aptitudes para el dibujo le inclinaron muy pronto hacia la pintura.

La representación de la imagen siempre estuvo entre sus preocupaciones.

 

Tras viajar por Colmar, Basilea y Estrasburgo, donde adquirió conocimientos de la técnica del buril, regresa a su ciudad natal para contraer matrimonio con Agnes Frey, unión acordada por su familia para garantizar la estabilidad económica.

Ningún otro artista fué capaz de recrear la naturaleza de un modo tan veraz como él.

En otoño de ese mismo año emprendió su primer viaje a Venecia, con la intención de conocer el nuevo lenguaje del Renacimiento italiano que, a partir de entonces, influyó decisivamente en su arte, junto al recuerdo de la Antigüedad clásica; aprendiendo de  Pollaiuolo y Mantegna  el tratamiento del desnudo.

Plasma su ideal humanista de belleza. El hombre como centro de la creación.

Su vuelta a Nüremberg provisto de ese bagaje de experiencias le abrió notoriamente las puertas de los círculos eruditos y le facilitó numerosos encargos. Contribuyó de este modo poderosamente a la renovación cultural de Alemania bajo preceptos humanísticos.

Sus pinturas de animales dotadas de un extraordinario grado de riqueza visual y de matices. Dicen que en el ojo de la liebre está reflejado su rostro.

Y allí continuó su trabajo de pintor y grabador, y por esta última faceta fundamentalmente su fama traspasó fronteras. Durante su segundo viaje veneciano su fama le había precedido, y fué recibido con honores entre otros por Giovanni Bellini.

Prodigio de desarrollo del lenguaje del grabado en madera y una práctica del grabado a buril de increíble dominio técnico.

A su regreso Maximiliano I le nombra pintor de Corte, por lo que a partir de 1512 su trabajo se encaminó fundamentalmente a exaltar el poder imperial, hasta que la vida del monarca se ve súbitamente truncada en 1519, y con ella la remuneración económica que le garantizaba el monarca. Viaja con su esposa a los Países Bajos a pedirle al nuevo, Carlos V la continuidad en esa remuneración.

Durero prepara sus papeles, los colorea para crear esa riqueza necesaria que ha de tener una pintura, y plasma los rasgos del retratado.

Pero lamentablemente la malaria había hecho presa en él. y se le manifestó con toda virulencia a su vuelta a su país.

Aunque continuó con su actividad como pintor y grabador, durante sus últimos años se dedicó especialmente a la elaboración de textos teóricos, mostrando una especial preocupación por el estudio de la geometría, la perspectiva y las proporciones del cuerpo humano.

Durero murió en 1528. Tras de sí dejó una obra fundamental para explicar el paso de la mentalidad medieval a la Edad Moderna. Su papel fué trascendental en la historia de la pintura, que hoy no se podría comprender si aportaciones como la suya.

¡ Espero que os haya resultado interesante!